bis 28.02. | #2365ARTatBerlin | Migrant Bird Space zeigt derzeit die Ausstellung Mount Meru & Mustard Seed des Künstlers Gao Yutao. Ein Netz von Mythen und Mikrokosmen spannend, dreht sich bei Gao Yutaos erster Einzelausstellung im Migrant Bird Space Berlin alles um das Thema „Stein“: den Stein als prominentes Thema in west- und ostasiatischen Mythologien, als Medium der Spiritualität und als Objekt des künstlerischen Verdienstes an und für sich. Der Titel der Ausstellung „Mount Meru & Mustard Seed „, geht zurück auf die buddhistische Kosmologie, wo der heilige Berg Meru als Zentrum aller physischen und spirituellen Universen gilt. Wie die Metapher besagt, dass der ganze Berg Meru mit seinen fünf Spitzen in ein winziges Senfkorn passt, bedeutet dies, das Potenzial selbst der kleinsten Dinge im Leben zu erkennen: beide sind Themen der Gedanken und als solche besetzen sie genau den gleichen Bereich im Kopf. Im ersten Teil der Ausstellung verwendet Gao Yutao gescannte Bilder von Steinstrukturen und Postkarten von Kunstwerken ostasiatischer und griechischer Mythologie, um surreale großformatige Drucke zu erstellen, die die Zusammenhänge von Mikro- und Makro- erkunden. Gao Yutao „Moon #2“, 2018, Skulptureninstallation mit Mondstein und Vinyl-Aufnahmen von Claude Debussys „Clair de lune“ und Ludwig van Beethovens „Mondscheinsonate“. Filmstill aus der […]

bis 01.06. | #2362ARTatBerlin | Salongalerie Die Möwe zeigt ab 7. März 2019 die Ausstellung Unentrinnbar. Der Bauhäusler Fritz Kuhr. Mit unserer Ausstellung zum Künstler Fritz Kuhr (1899-1975) erinnern wir an die Gründung des Staatlichen Bauhauses vor einhundert Jahren in Weimar. Als Wegbereiterin, Talentschmiede und Heimstatt der Moderne war das Bauhaus im jungen 20. Jahrhundert ein Ort der Innovation. An dieser einflussreichen Schule für Kunst und Gestaltung studierte und lehrte Fritz Kuhr von 1924 bis 1930. Sein künstlerisches Schaffen wurde insbesondere von seinem Lehrer Paul Klee geprägt. Fritz Kuhr, Studie des Kükens, 1953, Öl auf Presspappe, 36 x 45 cm Unsere Präsentation verweist auf den kreativen Geist des Bauhauses, der auch nach dem Zweiten Weltkrieg im Werk des Künstlers vielgestaltig weiterwirkte. Die Bilder vermitteln einen Eindruck von der bis heute unentrinnbaren künstlerischen Kraft Kuhrs, der Eigenständigkeit seines Œuvres und der Experimentierfreude des Malers. Vernissage: Donnerstag, 7. März 2019, 18:00 Uhr – Laudator: Prof. Philipp Oswalt, Leiter der Stiftung Bauhaus Dessau (2009-2014) Ausstellungsdaten: Donnerstag, 7. März bis Samstag, 1. Juni 2019   Unentrinnbar. Der Bauhäusler Fritz Kuhr – Salongalerie Die Möwe | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 23.02. | #2359ARTatBerlin | Galerie Nordenhake Berlin zeigt derzeit eine Ausstellung mit Skulpturen des Künstlers Johannes Esper und Malerei des Künstlers Lucas Reiner. Die Ausstellung bringt die Arbeiten von zwei Künstlern zusammen, die in zwei verschiedenen Medien arbeiten: Malereien von Lucas Reiner und Skulpturen von Johannes Esper. Das Werk beider Künstler ist durch die tiefgehende Auseinandersetzung mit ihrem spezifischen Material geprägt. Beide verwenden eine reduzierte und gedämpfte Palette um zu rohen, aber subtil strukturierten Arbeiten von poetischer Qualität zu gelangen. Johannes Espers Arbeit konzentriert in den letzten Jahren auf handgeformte Skulpturen und Wandobjekte aus Steinzeug, einer spezifischen Tonart, die er auf hohen Temperaturen in einem industriellen Ofen brennen lässt. Die neuen Skulpturen in der Ausstellung zeichnen sich durch ihre elegante nüchterne Sachlichkeit und die Ökonomie der Mittel aus. Einige zeigen Bezüge zu Bruce Naumans frühen Skulpturen oder scheinen wie spielerische Versionen von Carl Andres Stapeln. Die bewusst unbetitelten Arbeiten basieren vornehmlich auf einem einfachen, unregelmäßig rechteckigen Stück Ton, welches Esper stapelt, aneinanderreiht, faltet, reißt oder schneidet, um zu einer komplexen Form zu gelangen. Durch Handabdrücke, Überreste von Sand sowie Farbveränderungen durch das Brennen erhalten die Oberflächen eine nuancierte und reiche Strukturierung. Esper arbeitet mit einem hoch aufgeladenen Medium, welches […]

bis 02.03. | #2356ARtatBerlin | KLEMM’S zeigt momentan die Ausstellung dreams der Künstlerin Fiona Mackay. „I was in the winter of my life, And the men that I met along the road were my only summer.” — Lana  Del Rey Für mehr Infos zur Ausstellung wechseln Sie mit nur einem Klick zur englischsprachigen Version von ART@Berlin, denn die Galerie hat uns bisher nur eine englische Ausstellungsbeschreibung zur Verfügung gestellt. In der rechten oberen Ecke sehen Sie einen Sprachbutton – richtig, die kleine Flagge. Dort können Sie auf so gut wie jeder Seite von ART@Berlin zur englischsprachigen Version wechseln – und wieder zurück. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. Sollten Sie ausnahmsweise mal auf der Startseite landen, existiert in dem Fall keine Übersetzung. See you in a second! Vernissage: Freitag, 18. Januar 2019, 18:00 – 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Samstag, 19. Januar – Samstag, 2. März 2019   Bildunterschrift: Fiona Mackay, dreams., 2018 Ausstellung Fiona Mackay – KLEMMS | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis Ende Mai | #2353ARTatBerlin | Galerie Brockstedt zeigt ab 21. März 2019 eine Einzelausstellung mit Bronzeskulpturen, Malerei, Zeichnung und Grafik des expressionistisch-kubistischen Künstlers William Wauer. Erneut gelang es der Galerie Brockstedt ein bedeutendes Konvolut der Klassischen Moderne aus einer Züricher Privatsammlung nach Berlin zu holen. Es handelt sich um 20 Skulpturen aus Bronze sowie 10 Bildern nebst diversen Zeichnungen und Grafiken aus der Zeit von 1916 bis 1930 des expressionistisch-kubistisch arbeitenden Künstlers William Wauer (1866–1962). Der „Tausendsassa“ William Wauer wurde 1866 als Sohn eines Hilfspredigers in Oberwiesenthal/Erzgebirge geboren. Sein weiterer Lebensweg führte ihn zum Studium der Kunst, Philosophie und der Kunstgeschichte nach Dresden, Berlin München und Leipzig. Er reiste in die Vereinigten Staaten, nach Wien, Zürich und Rom, arbeitete als Herausgeber, Feuilletonredakteur und Illustrator von Zeitschriften und als künstlerischer Sachverständiger für die Lingner-Werke in Dresden, wo er die Form der noch heute gebräuchlichen ODOL- Flasche entwickelte. 1905 ging er nach Berlin und wird von Max Reinhardt an das Deutsche Theater geholt. Er arbeitet beim Rundfunk und war seit 1911/12 ein Pionier des Stummfilmes. William Wauer widmete sich seit 1916 der bildenden Kunst und schuf großartige Plastiken, Zeichnungen, Gemälde, Aquarelle und Grafiken. Seine typischen kubo-expressionistischen Figuren (z.B. „Schlittschuhläufer“ (1916), „Läufer“ […]

bis 09.03. | #2352ARTatBerlin | Galerie Eigenheim zeigt ab 15. Februar 2019 die Ausstellung GERMAN DREAM des Künstlers Marc Jung. Begleitend werden im neu geschaffenen Salon der Galerie Eigenheim Werke des Künstlers Lars Wild gezeigt. Marc Jung GERMAN DREAM Marc Jung (*1985 in Erfurt) ist bildender Künstler. Er lebt und arbeitet in Erfurt und Berlin. Er studierte Kunst an der Bauhaus-Universität in Weimar, an der Akademie der Bildenden Künste in Wien und absolvierte sein Meisterschülerstudium an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden. Die Arbeit von Marc Jung ist charakterisiert durch einen Kampf zwischen Regeln und Anarchie, zwischen Harmonie und Zerstörung. Seine bildnerische Agenda eines gesellschaftlichen Rundumschlags enthält Reminiszenzen an Grosz und Dix, sein direkt-naiver Stil katapultiert Basquiats Ausdruck ins Hier und Jetzt. Sein Bildaufbau dekonstruiert bis hin zur Unkenntlichkeit Bacon und Velasquez. So kombiniert er den Dreck der heutigen Straße mit den Heroen und konzeptionellen Theorien der etablierten Malerei und sprengt dabei spielend traditionelle Genregrenzen. Marc Jung, BACON AND EGGX, 2016, mixed media on canvas, 200 x 150 cm Jung ist ein totaler Realist, der den alltäglichen Wahnsinn zu seinem Thema gemacht hat und diesen auf eine sehr eigene sarkastische und ironische Art und Weise darstellt. Für ihn ist Kunst […]

bis 18.04. | #2349ARTatBerlin | GALERIE SPRINGER BERLIN präsentiert ab 12. Februar 2019 die Ausstellung ANTHROPOCENE – New Photographs des kanadischen Künstlers und Fotografen Edward Burtynsky. »Die Menschheit hat einen prekären Zeitpunkt in der Geschichte des von ihr bewohnten Planeten erreicht. Ihr Einfluss auf die Erde ist stärker als alle Naturkräfte zusammen!« Den Zustand, die Dynamik und die Zukunft der Erde unter dem Einfluss der von Menschen geschaffenen Veränderungen untersucht das umfassende Projekt »The Anthropocene« von Edward Burtynsky. Darin hat er eine multidisziplinäre Werkgruppe aus Fotografie, Film, Virtual Reality, Augmented Reality und wissenschaftlicher Arbeit geschaffen. In der Ausstellung zeigen wir eine hochrangige Auswahl von Fotografien aus der Serie. Zur Eröffnung der Ausstellung laden wir Sie und Ihre Freunde am Samstag, 9. Februar herzlich ein. Gleichzeitig laden wir Sie zum Künstlergespräch mit Edward Burtynsky am Donnerstag, 14.02.2019 um 19 Uhr in die Galerie ein. Außerdem möchten wir Sie auf die Filmpräsentation von »Anthropocene: The Human Epoch« im Rahmen der Berlinale hinweisen. Heide & Robert Springer Vernissage: Samstag, 9. Februar 2019, 13:00 – 18:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 12. Februar – Donnerstag, 18. April 2019 Filmfestspiele Berlinale: Anthropocene: The Human Epoch Film von Jennifer Baichwal, Nicholas de Pencier, Edward Burtynsky Mi 13.02.2019, 15.30 Uhr / 3.30pm, […]

bis 23.02. | #2346ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt seit 25. Januar 2019 die Einzelausstellung des Künstlers Peter Brüning mit Arbeiten von 1964 bis 1970. Die Galerie Michael Haas zeigt in dieser Ausstellung Werke aus der letzten Schaffensphase des Künstlers. Peter Brüning wurde am 21. November 1929 in Düsseldorf geboren und starb im Alter von nur 41 Jahren am 25. Dezember 1970 in Ratingen. Rhein Nr. 22/66, 1966, Öl auf Leinwand 140 x 200 cm Vernissage: Freitag, 25. Januar 2019, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 25. Januar – Samstag, 23. Februar 2019   Bildunterschrift: Rhein Nr. 22/66, 1966, Öl auf Leinwand 140 x 200 cm Ausstellung Peter Brüning – Galerie Michael Haas | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 06.04. | #2345ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin zeigt ab 1. Februar 2019 die Einzelausstellung CUTS der Künstlerin Astrid Klein. Zentral für die Arbeiten der Künstlerin Astrid Klein ist die Reflexion von Repräsentationsmechanismen, (visuellen) Stereotypen sowie Machtstrukturen, die sowohl unsere Wahrnehmung als auch unser Denken lenken und bestimmen. In ihrer Ausstellung bei Sprüth Magers führt Astrid Klein in dialogischer Gegenüberstellung Werke zusammen, die sich sowohl in ihrer formalen als auch inhaltlichen Ausrichtung gedanklich zueinander in Bezug setzen lassen. Astrid Klein, CUT II, 1986/1996 © Astrid Klein  Sie wirft in den künstlerischen Arbeiten einen ordnenden Blick auf die sie unmittelbar umgebende Gegenwart, indem sie nicht nur physische, sowie psychologische und kulturelle Räume reflektiert, sondern auch verschiedene Parameter, die Wissensbildung und Erkenntnisgewinn bestimmen, in das Blickfeld der Betrachter_innen rückt. Vernissage: Donnerstag, 31. Januar 2019, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 1. Februar –  Samstag, 6. April 2019   Bildunterschrift: Astrid Klein, CUT II, 1986/1996 © Astrid Klein Ausstellung Astrid Klein – Sprüth Magers Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien Berlin | ART at Berlin

bis (folgt) | #2341ARTatBerlin | Michaela Helfrich Galerie zeigt ab 26. Januar 2019 die Gruppenausstellung Charlottenburger Hängung mit Werken von 27 Künstlerinnen und Künstlern. „Eine Petersburger Hängung meint nicht nur eine kollektive Hängung, sondern wird hierzulande auch qualitativ und quantitativ betrachtet. Übersetze ich das für unsere neue Ausstellung, könnte man auf Augenhöhe mit der Kunst zu sprechen kommen, denn Kunst wird üblicherweise an Wänden verteilt. Dieses Vorgehen bestimmt dann auch eines seiner kuratorischen Platzierungsmerkmale von selbst: wertfrei vermischt sich junge und etablierte Kunst auf jeder erreichbaren Wandfläche und wird hier im Bezirk somit zur „Charlottenburger Hängung“. In Berlin erwartet man erstmal nichts, in Petersburg schon immer viel. Das Auge muss schmerzen, nichts passt und die „Charlottenburger Hängung“ wird zum authentischen Kunsterlebnis.“ – Michaela Helfrich Ausstellungsansicht Gerard Waskievitz Teilnehmende Künstler*innen: Gerard Waskievitz, Pina Rath, Simon Rosenthal, Jutta Kritsch, Jens Kloppmann, Simon Czapla, Nanako Shikata, Ulrike Pisch, Thomas Gatzemeier, Oliver Dehn, Gilbert Brohl, Pola Polanski, Horst Kistner, David D. Lauer, Stephan Seitz, Fabian Freese, Thomas Jüptner, Christina Gay, Stephan Paul Schneider, Bernhard Ailinger, Roland Behrmann, Andreas Koch, Oliver Estavillo, Lucas Oertel, Eva Maria Horstick, Heike Mardo, Jan Ziegler. Vernissage: Samstag, 26. Januar 2019, 18:00 bis 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Samstag, 26. Januar 2019 bis (genaues […]

bis 09.03. | #2338ARTatBerlin | Galerie Barbara Weiss zeigt ab 26. Januar 2019 die Ausstellung A Fatal Attraction mit Werken von sieben Künstlerinnen und Künstlern. Teilnehmende Künstler*innen: Eva Barto Maria Eichhorn Richard Frater Jonathan Horowitz Samuel Jeffery Yuki Kimura Karin Schneider Vernissage: Freitag, 25. Januar 2019, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 26. Januar – Samstag, 9. März 2019   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Barbara Weiss Ausstellung A Fatal Attraction – Galerie Barbara Weiss | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 09.03. | #2335ArtatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin zeigt ab 19. Januar 2019 die Ausstellung „An Island of Truths“ mit der Künstlerin Maha Ahmed. In ihrer ersten Einzelausstellung „An Island of Truths“ in der Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin untersucht die pakistanische Künstlerin Maha Ahmed den Einfluss des „Othering“ – der Distanzierung und Differenzierung einer Gruppe von Anderen – auf ihre scheinbare Wahrheit und die Konstruktion des Selbst. Ihre komplexen, beinahe überirdischen Visionen von fantastischen Kreaturen und fernen Welten bieten eine eindringliche Reflexion über ihre persönlichen Isolationsgefühle während einiger Jahre, die sie in Tokio verbrachte und darüber, wie wir Kulturen wahrnehmen, die sich von unseren eigenen unterscheiden. Ahmed träumt imaginäre Welten, in denen ihre Charaktere – oft mythische oder hybride Kreaturen – in einer gewissen Weise im Widerspruch zu ihrer Umgebung und den anderen Bewohnern stehen. Die eigentlich geringen Unterschiede bewirken, trotz der gemeinsam geteilten Umgebung, eine eindringliche Trennung zwischen ihnen. „Meine Bildsprache kommt aus der eigenen Erfahrung, sich anders zu fühlen. In Japan ist der Sitz neben mir im Zug immer zuletzt besetzt gewesen, da ich deutlich anders aussehe.“ erzählt Ahmed. „Auch in meinen Bildern sind die kleinen Kreaturen offensichtlich andersartig; ich versuche nicht, etwas Negatives oder Hässliches aus ihnen […]

bis 02.03. | #2332ARTatBerlin | Galerie Born Berlin präsentiert ab 18. Januar 2019 die Ausstellung „Ogham“ des Künstlers John Noel Smith.  Die Gemälde handeln von Farben und Mustern, nähren sich aber ebenso aus der Welt selbst, aus den Formen der Natur, den Knoten, und jenen Gebilden, die in Erscheinung treten, wenn man natürliche Strukturen aus der Nähe oder mit mikroskopischen Mitteln untersucht, aus Wel­len und kleinsten Teilen. Und sein Werk nährt sich aus der Idee von Verbindung und Durch­­brechung, aus dem Aufeinanderstoßen oder Kreuzen der geraden und der gewölbten Linie, der Farbe, die mühelos zu benennen ist, und der Schattierungen innerhalb von Schat­tierungen, die viel schwerer auszumachen sind und auf die das Nervensystem mit Unbehagen reagiert. John Noel Smith Einige dieser Spuren wirken geradezu menschlich, wie die Wirbel und ausgeklügelten Muster in frühen irischen illuminierten Manuskripten, wie Muster in alten Steinskulpturen oder Zeichen, die Kultur oder Natur in der Landschaft hinterlassen haben. Sie verkörpern oder dramatisieren auch das menschliche Ringen um Spannung einerseits und Ruhe andererseits, zwischen dem Gewundenen, Geladenen einerseits und Ergebenheit, Hingabe andererseits. Colm Tóibín Vernissage: Donnerstag, 17. Januar, 18:00 – 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Freitag, 18. Januar bis Samstag, 2. März 2019   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Born Berlin – John […]

bis 16.02. | #2329ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin präsentiert ab 17. Januar 2019 die Einzelausstellung Odes To Relics der Künstlerin Melora Kuhn. Melora Kuhn präsentiert ihre erste Skulpturenausstellung. Sie besteht hauptsächlich aus Frauenköpfen, geformt aus Keramik und von den Körpern gerissen, abgestützt und liegend, zerbrechlich und labil ausbalanciert. Die Augen sind geschlossen, so kann man die Trümmer anstarren, ohne den Figuren in die Augen sehen zu müssen. Auf den ersten Blick erscheinen die Skulpturen wie antike Überreste, dargeboten wie in einem Museum. Zerbrochene Einzelteile, zusammengesetzt und mit einschlägigen Jahreszahlen versehen wie MCMLXXI. Das Publikum sieht versteinerte Geschichte, im Gedächtnis eingefroren und einem Zustand dauerhafter Unordnung preisgegeben wie die verschmierten Lippen von Kopf MCMLXXXIV, so, als hätte gerade eine Hand die dunkelrote Schminke vom Mund einer Dirne abgewischt. Bei Kopf MMVIII fehlt der Schädel. Leer steht er da, gehalten von einem Eisengestell, und verweist auf Denkstrukturen, die eine Fassade stützen. Melora Kuhn, MCMLXXXIV, 2018, Keramik, glasiert, 22,9 x 30,5 x 22,9 cm, Foto: Chris Kendall Laut Definition dient eine Ode der Lobpreisung oder lenkt dichterisch die Aufmerksamkeit auf etwas Besonderes. Relic bezeichnet im Englischen eine Reliquie, also die sterblichen Überreste oder Kleidungsstücke eines Heiligen, aber auch ein Relikt, ein Objekt von sentimentaler oder historischer Bedeutung. Mit […]

bis 16.03. | #2326ARTatBerlin | Robert Morat Galerie präsentiert ab 19. Januar 2019 die Ausstellung Kleinstadt des Fotografenpaars Ute und Werner Mahler. „Das Thema interessiert uns schon lange. Wir haben uns auch in unseren vorigen Arbeiten mit Vorstädten und unaufgeregten Orten beschäftigt. Wir wollten Städte besuchen, die in keinem Reiseführer stehen und die zu weit von der Autobahn entfernt sind, als dass Menschen sie auf der Durchreise durchqueren würden. Diese Orte sind Biotope, in denen das Leben übersichtlich erscheint. Wo es große Gemeinschaft gibt, aber auch starke soziale Kontrolle. Da, wo es keine Attraktionen gibt, werden die Kleinigkeiten spannend.“ Ute Mahler im Gespräch mit dem ZEIT Magazin. Kleinstadt #01, 2016 Ute und Werner Mahler (geb. 1949 und 1950), waren Schlüsselfiguren der Fotografie in der DDR und haben nach der Wende die renommierte Fotografenagentur Ostkreuz mitbegründet. Nachdem beide jahrzehntelang unabhängig voneinander erfolgreiche Karrieren verfolgt haben, legte das Ehepaar im Jahr 2011 eine erste gemeinsame Arbeit vor, die schwarz-weiße Portraitserie „Monalisen der Vorstädte“. Im Jahr 2014 folgte ein zweites Gemeinschaftsprojekt, „Die seltsamen Tage“, eine Serie großformatiger Landschaftsstudien. Kleinstadt #23, 2016 Nun präsentiert das Paar ein neue gemeinsame Arbeit und seine dritte gemeinsame Publikation, „Kleinstadt“ (Hartmann Projects), eine Expedition ins deutsche Hinterland. Ein […]

bis 10.03. | #2322ARTatBerlin | Haus am Lützowplatz präsentiert ab 17. Januar 2019 die Ausstellung „Burning Man – Electric Sky“ des Künstlerpaars Römer + Römer. Das in Berlin lebende Künstlerpaar Römer + Römer zeigt im Haus am Lützowplatz unter dem Titel „Burning Man – Electric Sky“ eine neue Werkserie, die das Kunstfestival Burning Man zum Gegenstand hat. Die Ausstellung besteht hauptsächlich aus nächtlichen Motiven, in denen sich die Black Rock Desert im US-Bundesstaat Nevada in eine von tausenden künstlichen Lichtquellen erhellte Scheinwelt verwandelt. Die zum Teil sehr großformatigen auf Leinwand gemalten Bilder entstanden auf der Grundlage einer im Jahr 2017 vorgenommenen Recherchereise, Römer + Römer, Black Rock Bandits Raccoon, 2018, Öl und Acryl auf Leinwand, 230 x 300 cm Die seit 1998 zusammen lebenden und arbeitenden Künstler Nina und Torsten Römer (*1978 in Moskau und *1968 in Aachen) haben sich an der Düsseldorfer Kunstakademie kennen gelernt und wurden dann dort gemeinsam Meisterschüler von A.R. Penck. Ihr künstlerisches Schaffen beruht auf der Übertragung von selbst aufgenommen Fotografien in großformatige Tafelbilder, gegenüber denen sich die Betrachter sowohl rein sinnlich als auch medienreflexiv positionieren. Das indexikalische Prinzip der Fotografie, also die im fotografischen Akt eingeschriebene Bezeugung eines Dagewesenen, wird im Werk von Römer + Römer verschränkt mit der […]

bis 08.03. | #2319ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 25. Januar 2019 die Ausstellung Christian Rickert – Meister der Lichtdramatik mit Zeichnungen und Fotografien des Künstlers. Zum ersten Mal präsentieren wir neben Zeichnungen das fotografische Werk von Christian Rickert. Bis zu seinem Rückzug aus dem öffentlichen Kunstgeschehen im Jahr 1986 zählte Rickert nicht nur zu den herausragendsten Zeichnern Berlins, sondern war auch international bekannt und stellte unter anderem mit Baselitz, Beckmann, Beuys, Chagall, Chillida, Hockney, Hrdlicka, Janssen, Mirò, Picasso, Pollock, Richter, Tàpies, Vasarely oder Wols aus. Seine Kunst hat Christian Rickert aber auch nach seinem Rückzug kontinuierlich in seinem Grunewalder Atelier weiterentwickelt. Mit noch nie öffentlich gezeigten Werken entdeckt die Ausstellung das Werk des Künstlers neu und legt einen Schwerpunkt auf Arbeiten der 80er Jahre bis heute. Dr. Wolfgang Köppe Christian Rickert – Studie für ein Portrait Max Beckmann, 4.III-9.V.1983, 59,4 x 42 cm, Bleistift auf Papier In den 1960er bis 1980er Jahren machte Christian Rickert Schlagzeilen. Mehrfach wurde der Berliner für seine virtuos-furiosen Zeichnungen mit ihren sozialkritischen Themen ausgezeichnet. 1970 erhielt er den renommierten Ruhrpreis. Bald galt er im Kontext der kritischen Berliner Realisten in der Gruppe so exzellenter Zeichner wie Wolfgang Petrick, Peter Sorge oder Hans Jürgen Diehl als […]

bis 22.04. | #2316ARTatBerlin | me Collectors Room Berlin präsentiert ab 15. Februar 2019 die Ausstellung ZOO MOCKBA – Spielzeugtiere aus der Sowjetunion – 1950 bis 1980 – Die Sammlung Köpcke & Weinhold. „ZOO MOCKBA – Spielzeugtiere aus der Sowjetunion“ zeigt mit rund 100 Werken von elf KünstlerInnen eine exemplarische Auswahl von originalen Spielzeugtieren aus der Sowjetunion aus den Jahren zwischen 1950 bis 1980. Die Spielfiguren stammen aus der mehr als 400 Objekte umfassenden Sammlung Köpcke & Weinhold und sind vom 15. Februar bis zum 22. April 2019 in der Lounge des me Collectors Room Berlin zu sehen. Anonym, Lew Smorgon, Valeri Kotow, Evolution, 1960er Jahre, Plastik © Köpcke und Weinhold Im Russland der Zarenzeit gab es keine eigene Spielwarenindustrie. Wer es sich leisten konnte, verwöhnte seine Kinder mit Puppen und Spielzeug aus deutscher und französischer Produktion. Die Spielsachen der breiten Masse waren individuelle Handarbeiten, aus Holz geschnitzt, aus Ton geformt. In ihnen spiegelt sich die traditionelle Volkskunst, die vielfach bis heute unser Bild von russischem Spielzeug und russischer Kultur im Allgemeinen prägt. Als dann ab den 1930er Jahren auch in der Sowjetunion die ersten industriell gefertigten Spielwaren vom Band liefen, orientierten sich diese an internationalen Vorbildern. Nach dem Zweiten Weltkrieg […]

bis 09.03. | #2313ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte zeigt ab 25. Januar 2019 im Corner Space der Galerie die Ausstellung A Walking Artist des Künstlers Hamish Fulton. UPCOMING Dieter Appelt 26 January to 9 March Hamish Fulton (Corner Space) 26 January to 9 March   „I describe myself as ‘a walking artist’. Walking art is the bringing together of two entirely separate activities, walking and art. I transform ideas into experienced realities. If I do not make a walk I cannot make any art. I am an artist who walks, not a walker who makes art. Not every artist enjoys walking and not every walker is tolerant of contemporary art. An artwork may be purchased, but my walks cannot be sold, stolen or re-produced by artificial intelligence. An artwork cannot re-present the experience of a walk. My walks range from multi-week solo camping treks to short communal urban walks involving up to several hundred participants. Every piece of art I materialise contains a walk text. I make art exclusively from walks that I have personally experienced. When the walk has been completed, the text can be written. The facts of the walk cannot be altered, but as time passes the walks […]

bis 21.12. | #2310ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 15. Dezember 2018 die Einzelausstellung One-single-artwork-show #8 mit einer Arbeit der Künstlerin Joanna Jones. Ganz herzlich möchten wir Sie zur One-single-artwork-show # 8 (Do-Sa 15-18 Uhr geöffnet) einladen, bei der ein abstraktes Gemälde der britischen Malerin Joanna Jones im Zentrum steht. Mit dieser Ausstellung verabschieden wir uns in die Winterpause. Joanna Jones Untitled, 210  x 160 cm, acrylic on canvas, Foto Gilla Loercher Fasziniert von einer die Malerei mit Performance verbindenden Kunstform und interessiert an der Verbundenheit von Dingen, Gedanken und unvermuteten Begebenheiten hat Joanna Jones über den Zeitraum von mehreren Dekaden eine künstlerische Arbeitsweise und einen performativen Prozess in ihrer Malerei entwickelt, bei dem sie ihren Körper als Medium nutzt und Malerei auf die Ebene des Ereignishaften bringt. Die britische Künstlerin Joanna Jones lebt und arbeitet in Dover (UK). Nach dem Northwich College of Art setzte sie ihr Studium in London an der Byam Shaw School fort. Jones hat ein National Diploma of Design in Malerei vom Goldsmith`s College und schloss ihr Malerei-Studium in 1970 an der Royal Academy Schools ab. Joanna Jones erhielt zahlreiche Preise und Stipendien für ihre künstlerische Arbeit, so z.B. erhielt sie in 1969 den […]

bis 12.04. | #2307ARTatBerlin | Galerie Kornfeld präsentiert zum Bauhausjahr ab 17. Januar 2019 die Einzelausstellung Thin Lines des Künstlers Jan Tichy. Anlässlich des 100jährigen Jubiläums der Gründung des Bauhauses 1919 präsentiert die Galerie Kornfeld die zweite Einzelausstellung des in Chicago lebenden Künstlers und Dozenten Jan Tichy. Parallel zur Einzelausstellung in der Galerie hat Jan Tichy eine Gruppenausstellung für 68projects, den Projektraum der Galerie Kornfeld auf der gegenüberliegenden Straßenseite, kuratiert. Die beiden Ausstellungen ergänzen sich und setzen seine Auseinandersetzung mit den Ideen des Bauhauses fort. In seinem Text „Social Formalism“ (2017) erläutert Jan Tichy, dass seine Werke den Ort besetzen, an dem Formen mit ihren äußeren Gegebenheiten kollidieren. Mit dem Begriff„Social Formalism“ (Sozialer Formalismus) lässt sich eine sozial bewusste, künstlerische Praxis beschreiben, die auf eine formalistische Bildsprache zurückgreift. Der Künstler arbeitet vielfach mit archivbasierten Inhalten, um Verbindungen zwischen historischen Ebenen und Werten mit zeitgenössischen Themen herzustellen. Basierend auf diesen Methoden realisierte er 2016 die AusstellungWeight of Glass in der Galerie Kornfeld. Darin reflektiert er die Flucht der Fotografin Lucia Moholy aus Berlin im Jahr 1933 und den daraus resultierenden Verlust ihres Werks mit dem Schicksal heutiger Flüchtlinge. Installation no. 30 (Lucia) wird im Januar im Rahmen des Eröffnungsfestivals Bauhaus 100 […]

bis 20.12. | #2305ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab zeigt derzeit die Gruppenausstellung CHEERS mit Werken von Künstler*innen der letzten 12 Monate. Wird das eigentlich immer schlimmer? Das Gefühl, dass das Jahr nur so an einem vorbeigerauscht ist? Wir im Lab sind mit unseren Gedanken noch bei den lauen Sommerabenden, die doch eigentlich versprachen, nie richtig aufzuhören. Und plötzlich sind wir im November. Die meisten machen einfach so weiter wie gehabt, schlittern ins neue Jahr hinein – oft ohne zu wissen, was heute ist und was gestern war. Nicht mit uns! Wir wollen das Jahr Revue passieren lassen: CHEERS ist eine Gruppenausstellung, die Arbeiten der Künstler*innen zeigt, mit denen das Lab in den letzten 12 Monaten Projekte realisiert hat. Die Körperlichkeit zwischen dem Digitalen und dem Analogen, die Anfänge der Medien-Kunst, der Künstler als Influencer – all diese Themen werden jetzt noch einmal aufgerollt. Das Lab vertritt eine Künstler*innen-Generation, die das Hier und Jetzt widerspiegelt. Und wenn man das Hier und Jetzt von einem ganzen Jahr betrachtet, dann kommt einiges zusammen. Wir wollen das Chaos feiern – vielleicht, um auch einen klareren Überblick zu schaffen: Was war los in diesem Jahr? Was hat die Menschen beschäftigt? In den nächsten Wochen lädt das Lab […]

bis 31.01. | #2301ARTatBerlin | Galerie1214 zeigt von Dezember 2018 bis Ende Januar 2019 Positionen und Entwicklungen malerischer Motive von Künstlern der Galerie und aus der Sammlung. Britta Lumers «Dyade» (2017) ist ein vielperspektivisches Portrait in Tusche auf Papier und Leinwand, das den portraitierten Kopf aus rembrandtscher Schwärze holt. Britta Lumer, Dyade, 2017 Jessica Buhlmanns komplexe Bildanlage «Folded Space» (2016) offenbart die musikalische Imprägnierung der Malerin, ergänzt um das Objekt „Octett“. Jessica Buhlmann, Folded Space, 2016 Von Marie Irmgard zeigen wir Acrylarbeiten auf Papier, die da Vincis Fleckformen ins Fluide übersetzen. Marie Irmgard Isabel Borges ist mit konstruktivistischen BIldcollagen vertreten und einer kleinen, enigmatischen Komposition in Acryl. Isabelle Borges Isabelle Borges Isabelle Borges Aus der Sammlung zeigen wir drei Bildtafeln von Wolfgang Betke, ein (virtuelles) Triptychon von eindringlicher Energie, das die Zeichenhaftigkeit der Malerei mit einer raffinierten Gestaltung der Oberflächen kombiniert. Wolfgang Betke Wolfgang Betke Wolfgang Betke Aus Christina Michalis‚ Oeuvre greifen wir materialbestimmt Arbeiten mit Polyacryl und Sand von 2012 auf, kombiniert mit dem raffinierten Folienprint Avoid/Nobody, Homage und ironische Brechung zugleich. Christina Michalis Ausstellungsdaten: Samstag, 1. Dezember – Donnerstag, 31. Januar 2019   Bildunterschrift Titelbild: Wolfgang Betke, Nun kommt eine Beruhigung (detail), 2015-2017, oil, mixed media, collage on canvas […]

bis 15.01. | #2298ARTatBerlin | axmann kunstgalerie präsentiert ab 1. Dezember 2018 Malerei des französischen Künstlers Daniel Therasse und der italienischen Künstlerin Michela Crisotomi. Galerist Otto Axmann stellt beide Künstler kurz vor: „Daniel Therasse wurde 1955 in Frankreich geboren. Er erhielt diverse internationale Ausstellungen und Auszeichnungen – u. a. den Prix de l‘Assemblee. Der Kunstkritiker Luis Porquet (Une Vision Bouillonnante du Monde, 2013) vergleicht Daniel Therasse mit einem Sozialregisseur, der das tägliche Treiben der Menschen als großen, manchmal absurden Karneval in Szene setzt. Inspiration dort findet, wo das Leben sich ballt. Seien Sie neugierig, betrachten sie seine Kunstwerke. Wir laden dazu herzlich ein.“ Daniel Therasse „Aus unserer internationalen Kunstszene stellen wir Ihnen die Künstlerin Michela Crisostomi vor, geboren 1976 in Italien. Michela Crisotomi studierte an der Accademia Belle Arti in Florenz. Ihren Abschluss machte sie an der Kunsthochschule Orneore Metelli. 2011 erhielt sie die Auszeichnung in Gold des Kunstpreises International Festival of Contemporary Art der Stadt Sulmona. Diverse Veröffentlichungen u. a. im Stemperando. Kuratiert von Giovanna Bar-Bero in Kooperation Nationale d‘Arte Contemperanea. Michela Crisotomis Kunst ist weltweit in Ausstellungen zu sehen. Entdeckung ist ihr Schlüsselwort. Ikonen-Malerei zeitgenössisch zu interpretieren. Wir freuen uns auf Ihren Besuch.“ Michela Crisotomi   Ausstellungsdaten: Samstag, 1. […]

bis 26.01. | #2296ARTatBerlin | Blain|Southern Berlin präsentiert ab 1. Dezember 2018 die Einzelausstellung Kenny des Künstlers Henning Strassburger. In Kenny, Henning Strassburgers erster Ausstellung mit der Galerie, präsentiert der Künstler neue großformatige Gemälde und Papierarbeiten. Diese setzen die Bildzyklen Pool und Jane fort, indem sie einzelne Erkennungssymbole, die „Splashes“, das Raster und die subtile farbliche Betonung der Bildränder der Arbeiten aus diesen Zyklen wieder aufgreifen. Die „Splashes“ sind sowohl Gestus als auch Bedeutungsform. Das Raster ist für den Künstler zentrales Element des Bildes. Zum einen als Idee, dass seinen Bildern ein Raster zugrunde liegt, zum anderen als gestalterisches Mittel, als Motiv, das er immer wieder in seinen Arbeiten einsetzt. Die beiden Elemente, „Splashes“ und Raster, erscheinen in ganz unterschiedlicher Weise: versteckt, überhöht oder reduziert. In einigen in der Ausstellung gezeigten Arbeiten verwendet Henning Strassburger als Hintergrund ein betonfarbenes Grau welches keine übliche Leinwand- sondern die Bodenfarbe seines Atelierbodens ist. Dies ist eine Referenz auf die Arbeiten in Jane, in denen Henning Strassburger der Verknüpfung von Architektur und Popkultur nachspürte. Form und Farbe sind für den Künstler Träger von Bedeutung und Leitmotiv innerhalb seines bisherigen Werkes. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf ein wiederkehrendes Erlebnis des Künstlers bei Starbucks in […]

bis 28.12. | #2291ARTatBerlin | Galerie aKonzept präsentiert ab 1. Dezember 2018 die Gruppenausstellung TOTE AUSSTELLUNG. Eine fast erzählerische Ausstellung. Die Idee zu dieser Ausstellung entstand nach dem Lesen eines kurzen anonymen französischen Textes. Der Untertitel der Ausstellung “Eine fast erzählerische Ausstellung” wurde gewählt, weil die ausgestellten Werke den Text nicht direkt illustrieren und seine Geschichte nicht erzählen. Sie sind eine Ergänzung zum Inhalt. Text: db, der Enkel des berühmten mb und der Sohn des weniger berühmten jb, lebt im Haus seines Großvaters in einem Dorf weit von einer Stadt, von dem er nicht weg durfte und empfing uns, seinen Hund an der Leine haltend, zuerst für einen Café auf der Terrasse eines Restaurants in der Nähe des Bahnhofs, von dem wir kamen – ich glaube, er wollte wissen, ob wir ehrliche Menschen sind, bevor er uns in sein Haus ließ, früher das Haus seines berühmten Großvaters – wo er vor uns saß und ein Wurstsandwich und Apfelsaft bestellte, einen Kaffee und Apfelsaft für uns, ohne seine verspiegelte Sonnenbrille abzunehmen, und wir unsere auch nicht, wir sprachen über seinen Hund, Sie hatte ihren auch dabei, dann nahm er seine Brille ab, und ich sah eine blaue unter seinem rechten Auge, die […]

bis 12.01. | #2276ARTatBerlin | Galerie Barbara Weiss präsentiert seit 20. November 2018 die Ausstellung Diary des ukrainischen Fotografen Boris Mikhailov. Vernissage: Samstag, 17. November 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 20. November 2018 – Samstag, 12. Januar 2019   Bildunterschrift: Galerie Barbara Weiss – Boris Mikhailov Ausstellung Boris Mikhailov – Galerie Barbara Weiss | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 26.01. | #2285ARtatBerlin | Blain|Southern Berlin präsentiert ab 1. Dezember 2018 die Einzelausstellung The Grinders Cease des Künstlers Mat Collishaw, seine erste Ausstellung bei Blain|Southern in Berlin. In the day when the keepers of the house shall tremble, and the strong men shall bow themselves, and the grinders cease because they are few, and those that look out of the windows be darkened…’ (King James Bible, Ecclesiastes 12:3) The Grinders Cease ist Mat Collishaws erste Ausstellung bei Blain|Southern in Berlin. Sie zeigt den Umfang und die Fülle seiner künstlerischen Praxis und stellt neue Arbeiten, darunter Installationen, Skulpturen, Photographie und Gemälde, vor. Mat Collishaw zählt zu den Schlüsselfiguren einer besonderen Generation englischer Künstler, die 1988 mit der Gruppenausstellung Freeze bekannt wurden. Er setzt sich mit existenziellen Themen wie Tod, Zerstörung und Verfall auseinander. Bekannt für die kunsthistorischen Referenzen seiner Arbeiten, stellt er durch die Verwendung bestimmter Sujets einen zeitgenössischen Dialog mit den Alten Meistern her. The Grinders Cease zeigt Mat Collishaws Interesse an Vanitas-Motiven, die in der Bildsprache seit der Renaissance dazu eingesetzt werden, den Betrachter an die Vergänglichkeit weltlicher Vergnügen zu erinnern. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf einen Ausschnitt aus dem Buch Kohelet der englischen King James Bibel, aus […]

bis 19.01. | #2281ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab 7. Dezember 2018 die Einzelausstellung Quer durch den Garten mit Gemälden von Reinhard Pods (*1951). Reinhard Pods, der 1951 in Berlin geboren wurde, ist einer der Berliner Wilden um Bernd Koberling, Luciano Castelli, Rainer Fetting und anderen, die sich expressiv gegen die kargere Kunst der 70er Jahre stellten. Von 1971 bis 1977 studierte Pods an der Hochschule der Künste Berlin und war Meisterschüler bei Karl Horst Hödicke. Anschließend verbrachte er im Rahmen eines Stipendiums ein Jahr in New York. 1979 gründete er zusammen mit Frank Dornseif, Ter Hell, Elke Lixfeld, Rainer Mang und Gerd Rohling die Gruppe und Selbsthilfegalerie 1/61, benannt nach dem Kreuzberger Postzustellbezirk. Im Gegensatz zu den Berliner Wilden war 1/61 eher konzeptuell ausgerichtet. Die Gruppe veranstaltete eine Ausstellungsserie von 1979 bis 1980. In dieser Zeit wurde Pods der Villa Romana Preis verliehen, dank dem er ein Arbeitsstipendium in Florenz erhielt. 1988 erhielt er den Villa Massimo Preis und kehrte nach Italien zurück. Er wurde 1986 in Bonn mit der Auszeichnung des Kunstfonds geehrt und erhielt des Weiteren den Will Grohmann Preis (1994) und den Fred-Thieler-Preis der Berlinischen Galerie, Berlin (1996). Die Galerie Michael Haas stellte Pods bereits einmal im […]

bis 06.01. | #2279ARTatBerlin | König Galerie (Chapel) zeigt ab 24. November 2018 die Einzelausstellung TENGAM TENGAM der koreanischen Künstlerin Koo Jeong A. Koo Jeong A arbeitet mit Objekten, die fähig sind zur Transformation: Unbewegten und bewegten Bildern, Klängen und Düften. Diese disparaten Medien werden kombiniert mit Elementen wie Wind, Schwerkraft, ortsspezifischen Rekonfigurationen und Interventionen im architektonischen Raum. Dabei setzt Koo Jeong A alltägliche Materialien ein, um alternative Realitäten heraufzubeschwören und so einer spezifischen Poetik nachzuspüren, die in der Natur der Formen selbst liegt, welche das Universum durchdringen. Ihrem flüchtigen Ansatz, Kunst zu erschaffen, liegt ein Interesse an den kleinsten Details unserer irdischen Umgebungen und den kosmischen Konstellationen zugrunde, die diese gleichzeitig verbinden und erweitern. Koo Jeong A umspannt diese Details mit einer flexiblen,rationalen Bewegung, die stetig zwischen Ordnung und Unordnung, Wahrnehmung und Erinnerung, Schönheit und Nützlichkeit oszilliert. In der König Galerie präsentiert Koo Jeong A eine Auswahl ihrer jüngsten Magnet-Kunstwerke. Ihr Interesse an diesem Material ist dabei Teil einer zehnjährigen Erkundung magnetischer Eigenschaften und dessen potenziellen Verwendungsmöglichkeiten. Von einem architektonischen Gestaltungsmittel hinzu einem heilenden Objekt, ist die schlichte Form des Magneten eng verwoben mit einem umfassenden Spektrum von Möglichkeiten, die Koo Jeong A mit ihren subtilen skulpturalen Arbeiten aufgreift. In […]

verlängert bis 09.03. | #2277ARTatBerlin | Galerie Brockstedt präsentiert ab 23. November 2018 die Einzelausstellung Skulpturen von Hans Scheib. „Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar.“ Paul Klee Diese Worte von Paul Klee scheinen dem 1949 in Potsdam geborenen Bildhauer Hans Scheib wie auf den Leib geschrieben zu sein. „Solange ich zurückdenken kann, habe ich davon geträumt, Künstler zu werden“, sagt dieser große, vielfach geehrte Holzbildhauer von sich, der sich konsequent schon immer jeder modischen und auch politischen Strömung in seinem freien Denken verweigert hat. Hans Scheib, Die Welle Mit Kettensäge und Meißel – manchmal auch in Bronze – schafft er Figuren von frappierender Unmittelbarkeit, interpretiert er die Welt in einer ehrlichen, bescheidenen und humorvollen, ja unverkennbar persönlichen Sprache. Seine oft der Mythologie entlehnten zeitlosen Gestalten erzählen von Sehnsucht, Einsamkeit, Zerbrechlichkeit, von sexuellem Hunger, Humor und Tragik. Fern der Ästhetik des schönen Scheins gründet er auf die Tradition der expressiven Formensprache, die in der bewussten Reflexion der farbigen Holzskulptur der Brücke-Expressionisten wurzelt. Scheibs Wesen reflektieren das Allgemein-Menschliche. Lebensvoll und tiefgründig sprechen sie uns an, berühren uns mit ihren oft weit aufgerissenen Augen, verdrehten dünnen Beinen und kantigen Oberkörpern, robust und zerbrechlich zugleich. Neben seinen Skulpturen entstand auch ein großes […]

bis 12.01. | #2274ARTatBerlin | Brutto Gusto Fine Arts zeigt ab 9. November 2018 die Doppelausstellung mit Werken der niederländischen Keramikerinnen Wietske van Leeuwen und Carolein Smit. Wietske van Leeuwen – ‘Rocambolesk’ 2015, pot with lid, stoneware 2015  Carolin Smit – ‘Medusa’ ceramics 2016 Vernissage: Freitag, 9. November 2018 Ausstellungsdaten: Freitag, 9. November 2018 – Samstag, 12. Januar 2019   Bildunterschriften: Courtesy by Brutto Gusto Fine Arts – Wietske van Leeuwen – Carolin Smit Ausstellung Wietske van Leeuwen + Carolein Smit – Brutto Gusto Fine Arts | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 15.12. | #2268ARTatBerlin | H ART MANN GALLERY zeigt ab 10. November 2018 die Einzelausstellung GEORDNET – UNGEORDNET des Künstlers Karsten Kelsch. Zur nächsten und in diesem Jahr letzten Vernissage bei mir in der H ART MANN GALLERY möchte ich Sie herzlich einladen. Mit dem Titel GEORDNET – UNGEORDNET werde ich Ihnen neue Arbeiten von KARSTEN KELSCH präsentieren. Karsten Kelsch, Waldstück III, 2018, Papier mit dem Ausschlageisen gelocht, 200 x 70 cm (Detail) Der erste Punkt zeugt den nächsten; Häufungen, Trennungen, Abstände, Dichtungen – eben ein Raster. Der Punkt ist darin die kleinste grafische Einheit. Die Abstände zwischen den Punkten – ob offen oder verdichtet – erzeugen das visuelle Bild. Das Waldstück ist Darstellung bloßer denkbarer Abstraktion; Unsichtbares wird sichtbar mit Hilfe des Rasters. Zusätzliche Eindrücke vorab finden Sie unter www.karstenkelsch.de Zur Eröffnung sind Sie und Ihre Freundinnen und Freunde herzlich eingeladen. Vernissage: Freitag, 09. November 2018, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 10. November – Samstag, 15. Dezember 2018   Bildunterschrift: Karsten Kelsch Waldstück III 2018 Papier mit dem Ausschlageisen gelocht 200 x 70 cm (Detail) Ausstellung Karsten Kelsch – H ART MANN GALLERY | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 12.01. | #2261ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin zeigt ab 23. November 2018 die Ausstellung UNSCHULD mit Figurinen des Künstlers Rudi M. Bodmeier aus dem Atelier Augustinum in München. Oberschwester Eva-Maria Salat Steckrübe,  Farbstift/Fineliner auf Karton, 92 x 41 cm Elemente aus der Tier-, Pflanzen- und Dingwelt, kombiniert er mit drastischer Übertreibung zu skurrilen Mischwesen. Es sind dralle Frauenkörper, die Bodmeier in enganliegende Kostüme, Kleider oder Uniformen steckt. Weiblich konnotierte Attribute wie Brüste und Hüften werden überbetont oder im wahrsten Sinne des Wortes überspitzt dargestellt. In ihren kokettierend bis eleganten Posen erinnern sie an Mannequins und Modefotografie. Die Frauen werden quasi entpersonalisiert und mutieren zu fremdartigen, gefährlichen Wesen. Seine karikierenden Collagen können irritieren und verstören. Aber sie lassen uns auch unsere massenmedial geprägten Bilder von Weiblichkeit kritisch neu betrachten. Klaus Mecherlein, der als Leiter des Ateliers Augustinum seit Jahren mit dem Künstler arbeitet, spricht von einem „Rätsel von Verpuppung und Verwandlung, Verbannung und Fremdheit“, einer „Aura des Unerlösten“, die sie umgibt, diese „Mischwesen aus Frau und Tier, Frau und Pflanze, Frau und Gegenstand.“ Fräulein Dibbels Dackel, 2008, Farbstift/Fineliner auf Karton Seine meist 40–60 cm großen Figuren werden vom Künstler in einem sehr zeitaufwendigen Prozess geschaffen. Ausgehend von einer kleinen Skizze, einer […]

bis 01.12. | #2267ARTatBerlin | Esther Schipper präsentiert seit 26. Oktober 2018 die Einzelausstellung The Light Pours Out des Künstlers Martin Boyce. Esther Schipper freut sich, The Light Pours Out, die erste Einzelausstellung von Martin Boyce mit der Galerie anzukündigen. Martin Boyce hat den Galerieraum subtil verwandelt, indem er ein System von Leisten geschaffen hat, die die Wände bedecken und deren Oberfläche in skulpturale Settings und formale Rahmen für seine Skulpturen verwandeln. Mit der Präsentation neuer Werke aus seiner Serie von bemalten Paneelen aus perforiertem Stahl mit angebrachten Metallelementen, großen Screens und Werken aus seiner Serie von Jesmonit Platten setzt der Künstler seine Hybridisierung verschiedener Traditionen von Kunst, Architektur, Design und Urbanismus fort – sowohl westlicher als auch östlicher, modernistischer und historischer. Basierend auf Linien aus den kubistischen Betonbäumen von 1925 der Brüder Jan und Joël Martel, die seit 2005 als „Lexikon der Formen“ für den Künstler fungieren, verweisen die Leisten sowohl auf die Geschichte der architektonischen Ornamentik als auch auf die Vorliebe des 18. und 19. Jahrhunderts für Verzierungen. In diesem Kontext, beziehen sie sich insbesondere auf die Geschichte von Ausstellungen – das Muster der Rechtecke gibt dem Raum einen neuen Rhythmus, bildet buchstäblich Rahmen (traditionell für Gemälde verwendet) und repräsentiert […]

bis 17.11. | #2258ARTatBerlin | Philipp Haverkampf Galerie zeigt derzeit die Ausstellung SUPERMAN RETURNS WITH SWIMMERS der Malerin Katherine Bradford. Bradfords Wurzeln liegen in der abstrakten, gestischen Malerei. Erst nach und nach fanden Figurationen Einzug in ihre Werke. Neu ist auch die Größe der Dargestellten: Einst besiedelten kleinere Wesen ihre Leinwände, heute gestalten sie, prominent im Bildraum platziert und gerne im Anschnitt dargestellt, den Bildaufbau. Die Figuren selbst sind markante Farbfäche, die das Bild gliedern und in eine ausgewogene Einheit zusammenbringen: leuchtendes Magenta, schrilles Pink an nachthimmlischem, tiefem Blau, warmes, sattes Gelb an kräftigem Rot, fügen sich zu frischen und sphärischen Bildern. In der Tradition des Abstrakten Expressionismus und der Farbfeldmalerei stehend lassen Bradfords Bilder an mit Figuren bestückte und szenisch aufgebrochene Werke Mark Rothkos oder Barnett Newmans denken. Oder sie erinnern an auf die Leinwand gebrachte lichtdurchfutete Räume eines James Turrell, in welchen ihre Protagonisten die Bühne des Schauplatzes erobern und eigenwillige Choreographien aufführen. Von radikaler Selbstermächtigung und Superhero*ines, von Mitgefühl und Zusammenhalt erzählt Bradfords phantstische Welt. Doch auch von düsteren Prognosen, Isolation und Verlust handeln ihre schwärmerisch geheimnisvollen Erzählungen. Mit einer seltenen Lässigkeit schafft sie epische Werke von universaler Bedeutung und refektiert in einer erfrischenden Offenheit die großen Themen, […]

bis 29.11. | #2230ARTatBerlin | Galerie Schwind zeigt momentan eine Ausstellung mit neuen Bildern des Künstlers Markus Matthias Krüger. Zum Start in den Kunstherbst eröffnet die Galerie Schwind Berlin am 29. September 2018 um 15 Uhr eine Ausstellung mit neuen Arbeiten des Leipziger Künstlers Markus Matthias Krüger. Krüger hat sich vollständig der Landschaft verschrieben. Menschen tauchen auf seinen Gemälden nicht auf, sind in den übrig gebliebenen Zivilisationsrelikten, der verlassenen Architektur und der domestizierten Natur aber ständig präsent. Durch die Reduzierung der Bildelemente auf ihre rudimentären geometrischen Grundformen, die mathematisch streng konstruierten Perspektiven und die endlose Wiederholung von Motiven, wie Strohballen Bäumen oder Backsteinen, wird das Unendliche im Endlichen sichtbar gemacht. Immer mehr gewinnt der Betrachter den Eindruck, dass dem Künstler die Landschaft als intensives Experimentierfeld für die Auslotung von Form und Farbe dient, in dem er seine Bildformen sorgfältig anordnet und schon will die Einordnung in eine reine Landschaftsmalerei nicht mehr recht greifen. Im Spannungsverhältnis zwischen altmeisterlich-feinmalerischer Präzision und moderner Klarheit seiner Kompositionen begründet Krüger eine Neuinterpretation des Genres und seine Rolle als Erneuerer der zeitgenössischen Landschaftsmalerei. Markus Matthias Krüger, 35 Strohballen, 2018, Acryl und Öl auf Leinwand, 40 x 50 cm Markus Matthias Krüger, der 1981 in Gardelegen geboren wurde, studierte […]

bis 08.11. | #2223ARTatBerlin | H. M. Klosterfelde Edition zeigt momentan die Ausstellung LOVE PODIUM (travel version) von Dan Peterman. Die Travel Version von Dan Petermans Skulptur wird während der Ausstellungsdauer als Plattform für Konzerte, Lesungen, Gespräche und Performances dienen: Annika Kahrs THIS IS A LOVE SONG: 28. September 2018, on occasion of art berlin gallery night Kasia Fudakowski: 11. Oktober 2018 Mareike Begner & Eric Winkler: 17. Oktober 2018 The Performance Agency presents Realities: 7. November 2018 Courtesy of H.M. Klosterfelde Edition – Dan Peterman – Foto: dotgain.info  Vernissage: Samstag, 15. September 2018, 18:00 – 21:00 Uhr – mit einem Vortrag und einer Diashow von Wilhelm Klotzek um 19:30 Uhr Ausstellungsdaten: Sonntag, 16. September – Donnerstag, 8. November 2018   Bildunterschrift: Courtesy of H.M. Klosterfelde Edition – Dan Peterman – Foto: dotgain.info  Ausstellung Dan Peterman – H.M. Klosterfelde Edition | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

verlängert bis 29.11. | #2256ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 27. Oktober 2018 die Einzelausstellung Support mit neuen Arbeiten des chilenischen Künstlers Franzisco Roza. Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art freut sich, die neuen Arbeiten des chilenischen Künstlers Francisco Rozas (*1980) zu präsentieren. Francisco Rozas beschäftigt sich seit 2013 mit der Konstruktion von großen fragilen, geometrischen Objekten, die zwischen Flächigkeit und Dreidimensionalität oszillieren. Die Objekte verkörpern keine vagen Modelle eines individuellen Formexperiments, sondern vielmehr exemplarische Visualisierungen von mathematischen Abhängigkeiten. Geht der Betrachter zunächst bei dem Material der Skulpturen von Stein oder matt lackiertem Holz aus, erkennt er auf den zweiten Blick, dass er einer Täuschung aufgesessen ist. Die geheimnisvoll und massiv wirkenden Skulpturen erweisen sich als präzise gefertigte Gebilde aus Karton. Für Francisco Rozas ist SUPPORT die dritte Einzelausstellung bei Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art. In 2014 zeigte der Künstler hier die Installation „In planning“, bei der er den Prozess des planerischen Entwerfens sowie den Galerieraum als permanenten Ort der Konstruktion untersuchte. Bei der Ausstellung „Pretending“ in 2016 bei Galerie Gilla Lörcher zeigte Francisco Rozas eine Vielzahl seiner etwas mehr als 2 Meter hohen Objekte und platzierte sie wie Models auf einem Laufsteg – quer durch den Galerieraum. […]

bis 22.12. |#2250ARTatBerlin | Stella A. zeigt ab 19. Oktober 2018 die Ausstellung AMPLE FOOD FOR STUPID THOUGHT mit Werken von Joseph Beuys, George Brecht, Marcel Duchamp, Robert Filliou, Ludwig Gosewitz, Alison Knowles, Takako Saito, Tomas Schmit, Jiri Valoch u.a. AMPLE FOOD FOR STUPID THOUGHT[1] „Es war einmal …“,  so märchenhaft könnte ein Bericht über eine Kunstepoche beginnen, in der Künstler sich dem Unbedeutenden und Alltäglichen zuwandten. Gemeint ist die Zeit der Fluxus-Kunst. Wann Fluxus begann und wann Fluxus endete oder ob es überhaupt endete, ist umstritten. Man kann sich auch nicht darauf einigen, ob Fluxus eine Bewegung war oder ist, vergleichbar z. B. mit der DADA-Bewegung. Selbst welche Künstler/Innen zu Fluxus gehörten oder gehören ist unklar. „Maciunas war der Einzige, der eine konkrete Vorstellung von der Bedeutung von Fluxus hatte, aber ich bin sehr dafür es unbestimmt zu lassen. Mir ist es viel lieber, wenn jeder das tut, was er will. … keiner kann sagen, wer oder was Fluxus ist. Das finde ich sehr schön.“[2] Neben den spektakulären Aktionen, Konzerten und Performances der Fluxus-Akteure gab und gibt es auch eine leisere, leicht zu übersehende und zu überhörende Seite von FLUXUS. Seit über fünfzig Jahren haben Fluxus-Künstler und -Künstlerinnen Blätter, Zettel, Schachteln, kleine und […]

bis 17.11. | #2249ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab 18. Oktober 2018 die Einzelausstellung Malafonte des Künstlers Nicola Samorì. Malafonte, Nicola Samorìs erste Einzelausstellung in der Galerie EIGEN + ART Berlin, ist von einer Kunstepoche beeinflusst, in der der emotionale Ausdruck von Angst allgegenwärtig war. Zwischen 1520 und 1600 mussten die Künstler des Manierismus unmittelbar mit Tragödien wie dem Sacco di Roma umgehen, einer gewaltsamen Verwüstung der Stadt Rom. Werke wie Il serpente di bronzo des Florentiner Künstlers Agnolo Bronzino waren von dem Schmerz inspiriert, den er erfuhr. Angst war eine Vorbedingung des Manierismus. Samorì ist der Auffassung, dass wir wieder in manieristischen Zeiten leben. Der manieristische Einfluss in Malafonte beschränkt sich nicht auf einen Seelenzustand. Die Gewundenheit des menschlichen Körpers, ein Hauptmerkmal des Manierismus, ist ein durchgängiges Motiv der gezeigten Arbeiten: Auf Valle Umana (Malafonte), einem großformatigen Fresko, das die gesamte hintere Wand der Galerie bedeckt, wird es im Kampf zwischen der Schlange und dem menschlichen Körper visualisiert. Nicola Samorì, Valle Umana (Malafonte), Detail, 2018, Fresko, 515 x 380 cm, courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin Durch die Arbeit mit Materialien wie Stein, Sand, Kalk und Erde bricht Samorì mit der Maltradition, elastische, dickflüssige Ölfarbe für die Körperdarstellung zu verwenden. Aus der Entfernung […]

bis 24.11. | #2246ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab 12. Oktober 2018 die Ausstellung It’s not dark yet… des Künstlers Dittmar Danner aka Krüger. Dittmar Danner aka Krüger ist uns bisher als Dittmar Krüger bekannt: Der neue Name irritiert. Das ist Programm! Seine uns vertraute ’signature art‘ ist der Farbraumkubus, das Wandobjekt, das zugleich Malerei und Objekt vereint. Die Malerei spielt sich vornehmlich innerhalb der ‚aufgeschnittenen‘ Kuben ab. Die zumeist 12 cm tiefen Kästen sind vorwiegend hochrechteckig ausgerichtet. Seine Malerei in der Box hat in der Vergangenheit oft die Frage evoziert, ob eine künstliche Lichtquelle darin integriert sei. Nicht ohne Grund wurde sie gestellt. Der Künstler schafft durch die geschickte Wahl seiner Farbe (z.B. Kadmiumgelb in Verbindung mit Kadmiumorange oder Preußisch Blau mit Ultramarin) ein Seherlebnis. Verstärkt wird die Leuchtkraft der Farbe durch die vorgeblendete, mit tausenden von Schleifspuren versehene Plexiglasscheibe, also einem Gewirr von unzähligen ‚Lichtspurrillen‘. Wie beim Fiberglaskabel fungieren sie als Lichtsignalleiter und streuen den Farbraum nach innen und nach außen. Der Eindruck einer künstlichen Lichtquelle ist also nicht ganz von der Hand zu weisen, insbesondere dann, wenn der Künstler an den sichtbaren inneren Kanten oder Schmalseiten der Kästen z.B. vertikale ultramarine Streifen malt, die umgeben sind von einem dunklen, […]

bis 17.11. | #2243ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 24. Oktober 2018 die Einzelausstellung From Wood and Leather Boots von Samuel Bassett. Galerie Kornfeld freut sich sehr, From Wood and Leather Boots, die erste Ausstellung neuer und neuester Arbeiten des britischen Künstlers Samuel Bassett in Deutschland zu präsentieren. Der Künstler entwickelt seine unverkennbare Stimme, indem er sich kopfüber in seine Autobiographie stürzt; seine Arbeiten katalogisieren sein Alltagsleben aufrichtig, humorvoll und mit einer Prise Pathos. Dieser autobiographische Ansatz führt ihn dazu, figurativ zu malen – die Figuren in seinen Bildern sind Allegorien seines Lebens. Dazu kommen Boote und Fischer als Verweis auf die Traditionen seiner Heimatstadt St. Ives und seinen familiären Hintergrund, aber auch Motive zeitgenössischen Freizeitvergnügens. Dies führt ihn zwangsläufig zu Fragen dazu, wie unsere Welt sich verändert und wie sich jeder einzelne zwischen Vergangenheit und Zukunft positioniert. In Zentrum von Bassetts Malerei steht häufig eine Figur, die mit einer anderen Art von Materie interagiert – das mag Farbe sein, eine weitere Figur oder auch eine abstrakte Form. Diese Materie ist eine Verbindung zur Abstraktion und führt ein weiteres Sujet in diese Gemälde ein: die Farbe. Flächig gemalte Formen bestimmen die räumlichen Beziehungen der Bildmotive. Verschiedene Farbflächen lassen unterschiedliche Räume zwischen der Realität […]

bis 10.11. | #2236ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Gallery präsentiert ab 27. September 2018 die Ausstellung And He Built A Crooked House der Künstler Chris Agnew und Marcel Buehler. Neonlicht spiegelt sich in vernickelten CO2 -Zylindern, fein gravierte Linien kontrastieren schemenhaft in Öl festgehaltene Momente. Zur Berlin Art Week 2018 stellt die Galerie Kristin Hjellegjerde Werke des Berliner Künstlers Marcel Buehler und Gemälde des Briten Chris Agnew aus; beide Künstler vereint das Interesse an der Frage nach unserer wahren Identität unterhalb der Oberfläche. Der Ausstellungstitel And He Built A Crooked House bezieht sich auf die gleichnamige Science-FictionKurzgeschichte Robert A. Heinleins aus dem Jahr 1940. In dieser baut ein überambitionierter junger Architekt ein hypermodernes Haus in Form eines Tesserakts, angestachelt von der Idee, eine räumliche vierte Dimension (anstatt der Zeitachse als eigentlicher vierter Dimension) umzusetzen. Durch ein leichtes Erdbeben wird das Gebäude jedoch ungeplant tatsächlich zum vierdimensionalen Raum. Zimmer, eigentlich weit entfernt voneinander, sind plötzlich nah und gehen ineinander über. Fenster öffnen Aussichten in andere Städte und Galaxien. Das Verlassen des Gebäudes wird mit einem Mal unmöglich; am Ende gelingt nur durch ein weiteres Erdbeben das Entkommen, dabei verschwindet das Haus im Nirvana. Nun fast schon 80 Jahre alt, sind viele Elemente […]

bis 20.10. | #2032ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab zeigt momentan die Gruppenausstellung NOMADIC BODIES mit Werken von Adam Harvey, Annkathrin Kluss und Johanna Bruckner. Die Künstler*innen der Ausstellung Nomadic Bodies zeigen diskursive Perspektiven auf die menschliche Subjektivität sowie die derzeitige Beziehung zwischen dem Digitalen und dem menschlichen Körper. Ihre Arbeiten dokumentieren Formen des menschlichen Widerstandes, zwischen der totalen Ökonomisierung und der Präsenz des Internets. Johanna Bruckner zeigt in ihren Filmen, Videoinstallationen und Performances anhand von Darstellerer*innen und Tänzer*innen, dass wir in komplexen Kreisläufen aus Ökologie, Algorithmen, Technologie und vernetzter Realität gefangen sind. Annkathrin Kluss´ Arbeiten verhandeln Identitätskonstruktionen unter Einfluss von Digitalität, Technologie und Ökonomie sowie die daraus resultierende Selbstwahrnehmung und -darstellung. Adam Harvey untersucht die gesellschaftlichen Auswirkungen der vernetzten Datenanalyse mit Schwerpunkt auf Computer Vision, digitalen Bilderwelten und Gegenüberwachung. Künstler*innengespräch: in Kooperation mit field notes: 11. September 2018, 17:00 – 21:00 Uhr – Ein Gespräch zwischen Neo Hülcker und Andreas Dzialocha (Y-E-S-Kollektiv) und Annkathrin Kluss und Johanna Bruckner (Nomadic Bodies) im Rahmen des Monats der zeitgenössischen Musik, präsentiert von field notes und EIGEN + ART Lab. Vernissage: Freitag, 7. September 2018, 17 – 21 Uhr – Eröffnung + Performance Ausstellungsdaten: Freitag, 7. September – Samstag, 20. Oktober 2018    Bildunterschrift: Annkathrin Kluss, Neo-Chimeras Ausstellung Adam Harvey + Annkathrin Kluss + Johanna Bruckner – EIGEN + ART Lab | […]

bis 30.09. | #2153ARTatBerlin | Galerie oqbo zeigt derzeit die Gruppenausstellung paperfile #14 mit Arbeiten von acht Künstlerinnen und Künstlern. Diese Ausstellung zeigt Arbeiten von Marcus Bjernerup (Berlin), Markus Linnenbrink (New York City), Alice Musiol (Köln), Jochen Schneider (Berlin), Martin Schwenk (Düsseldorf), Sylvia Schwenk (Berlin), Jana Troschke (Berlin) und Heiko Wommelsdorf (Hamburg). Dieses Jahr geht paperfile in die 14. Runde. Das Herzstück der Produzentengalerie oqbo | raum für bild wort und ton bietet eine sorgfältig ausgewählte Mischung von Zeichnungen, Fotografien, digitale Prints, Collagen und viele weitere Ausdrucksformen auf Papier. paperfile #14 ergänzt 2018 das Zeichnungsarchiv in den Papierschränken der Galerie mit neuen, spannenden Positionen. paperfile #14 2018 Container Love | Andreas Schalhorn Ein Plan- oder Graphikschrank, also das, was im Englischen paperfile heißt, ist im Kunstbetrieb jenseits musealer Sammlungen von Zeichnungen und Druckgraphik durchaus keine Seltenheit. Planschränke finden sich etwa in den Verwaltungs- und Nebenräumen von Galerien, Artotheken oder Kunstvereinen. Doch ist die direkte Nutzung durch die Öffentlichkeit nur im Ausnahmefall möglich. Die eigentliche Musik spielt ohnehin in den Ausstellungsräumen, in denen dann großformatige Gemälde, Skulpturen oder (Video)Installationen gezeigt werden. In der Regel sind es – in den kommerziellen Galerien – gerade auch diese Arbeiten, die das mehr oder weniger große […]

bis 03.11. | #2224ARTatBerlin | White Square Gallery zeigt derzeit die Einzelausstellung „Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“ der kambodschanischen Künstlerin Sokuntevy Oeur. „Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“ ist die erste Einzelausstellung der jungen kambodschanischen Künstlerin Sokuntevy Oeur (*1983. Kambodscha) in Berlin. Sie präsentiert hier dreizehn farbintensive Ölgemälde, aufgeteilt in zwei Zyklen, die sie 2018 extra für diese Ausstellung schuf. Sokuntevy Oeur, Abendland, 2018, Öl auf Leinwand, 90 x 155 cm (Ausschnitt), © Sokuntevy Oeur Vernissage:  Freitag, 14. September 2018, 19 – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 15. September – Samstag, 3. November 2018   Bildbezeichnung: Sokuntevy Oeur, Abendland, 2018, Öl auf Leinwand, 90 x 155 cm (Ausschnitt), © Sokuntevy Oeur Ausstellung Sokuntevy Oeur – White Square Gallery | Zeitgenössische Kunst | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin | Kunst in Berlin | Galerien Berlin | ART at Berlin  

bis 20.12. | #2210ARTatBerlin | BQ Berlin zeigt ab 20. September 2018 die Ausstellung Kommunalka 55 von Irina Rastorgueva und Thomas Martin. Bevölkert von Generationen sozial unterschiedlich klassifizierter Bewohner stellt die Kommunalka eine Osmose von Ideologie und Lebensgewohnheiten dar. Wände, Tapeten, Möbel, Geschirr, Requisiten des täglichen Bedarfs sind von der Aura übermäßigen Gebrauchs durchtränkt. Sie atmen Geschichte, sie erzählen davon. Sie bilden in ihrer Gesamtheit ein Palimpsest des Privatlebens unter dem Druck der Verhältnisse in der Spirale der Zeit. Die Kommunalka ist die auf engstem Raum erlebte Zwangskollektivierung des Wohnens. Eine Reflektion nicht nur des Alltags und komprimierten Privatlebens, auch und vor allem ein Spiegel der Gesellschaft – nirgends mehr Mikrokosmos als hier. Kommunalka – Irina Rastorgueva + Thomas Martin Kommunale Wohnungen entwickelten sich als eine Reaktion auf die Wohnungskrise in urbanen Bereichen. Sie wurden von der Obrigkeit als ein Produkt der „neuen kollektiven Zukunftsvision“ dargestellt. Für gewöhnlich wohnten zwischen zwei und sieben Familien in einer gemeinsamen Wohneinheit. Jede Familie hatte ihren eigenen Raum, der oft als Wohnzimmer, Esszimmer und Schlafzimmer für die gesamte Familie diente. Alle Bewohner der gesamten Wohnung teilten sich den Flur, die Küche (auch Kommunalküche genannt), das Badezimmer und das Telefon (wenn existent). Die kommunale Wohnung wurde die […]

  bis 10.12. | #2227ARTatBerlin | August 35 Exhibition Space zeigt ab 4. Dezember 2018 die Einzelausstellung der Künstlerin Heidi Fosli mit besonderer Beteiligung der Künstlerin Josée van Schuppen. Heidi Fosli wird für den Zeitraum der Ausstellung in der Galerie anwesend sein. Die Ausstellung wird kuratiert von Gabriela Caranfil und Art Management Berlin. August 35 Exhibition Space findet statt in den Räumen der Auguststraße 35. Die Ausstellung präsentiert die zeitgenössische Künstlerin Heidi Fosli aus Norwegen in ihrer Einzelausstellung mit der außerordentlichen Teilnahme der zeitgenössischen Künstlerin aus Holland, Josée Van Schuppen; Künstlerinnen, die vorgestellt wurden im First Berliner Artbook© series. HEIDI FOSLI; Amor Fati, 100 x 120 cm, oil on canvas, 2015 JOSÉE VAN SCHUPPEN, Composition in Green and Yellow, (detail), 50 x 70 cm, mixed media, 2015 Mehr Informationen zur Ausstellung und zu den beiden Künstlerinnen in diesem Video:   Vernissage: Dienstag, 4. Dezember 2018, 17:00 – 20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 4. Dezember bis Montag, 10. Dezember 2018. Heidi Fosli wird für den Zeitraum der Ausstellung in der Galerie anwesend sein. Ausstellungsort: August 35 Exhibition Space, Auguststraße 35, 10119 Berlin-Mitte (in den Räumen von WHITECONCEPTS)   Bildunterschrift Cover: Heidi Fosli (links) & Josée van Schuppen (rechts) Ausstellung Heidi Fosli – 35 Exhibition Space | Contemporary Art – Kunst in […]

verlängert bis 02.03. | #2169ARTatBerlin | Salongalerie Die Möwe präsentiert ab 13. Oktober 2018 die Gruppenausstellung Radikal. Visionär. Unangepasst. 100 Jahre Novembergruppe. Seit Eröffnung der „Möwe“ bilden die Künstler der Berliner Novembergruppe einen Schwerpunkt der Ausstellungs- und Sammlungstätigkeit der Galerie. Die Präsentation „Radikal. Visionär. Unangepasst.“ würdigt die Gründung der Künstlervereinigung vor 100 Jahren mit Werken von rund 20 Künstlern. Vom 13. Oktober 2018 bis 9. Februar 2019 sind in der „Möwe“ nicht nur Arbeiten der Gründungsmitglieder Cesar Klein und Moriz Melzer zu sehen, sondern auch Bilder von Hans Brass, Herbert Behrens-Hangeler, Erwin Hahs, Gert H. Wollheim und Richard Ziegler. Bilder vieler weiterer Novembristen wie Rudolf Ausleger, Gottfried Graf, Paul Grunwaldt und Albert Mueller ergänzen die Präsentation. Die Laudatio zur Vernissage am 12. Oktober wird der Direktor des Bröhan-Museums Berlin, Dr. Tobias Hoffmann, halten. Albert Mueller, Erwachen, 1920er Jahre, Aquarell Moriz Melzer | o.T. | 1910er Jahre | Farbmonotypie Die Novembergruppe wurde – bis zu ihrer Streichung aus dem Vereinsregister durch die Nationalsozialisten 1935 – von einer demokratischen und liberalen Idee getragen: Sie wollte Kunst und Volk vereinen und war offen für alle Kunstgattungen und zeitgenössischen Ausdrucksformen. Aus dem weiten Feld der Stile und Motive zeigt „Die Möwe“ eindrucksvolle Beispiele. Rudolf Ausleger | Berliner mit […]

bis 30.11. | #2206ARTatBerlin | axmann kunstgalerie präsentiert ab 15. September 2018 Malerei des französischen Künstlers Alain Ponçon. Geboren in der Nähe von Paris, lebt und arbeitet Alain Ponçon in Saint Maur sur Loir –Nähe Chartes. Er ist international durch Ausstellungen in Nordamerika und Europa bekannt. Seine Kunstwerke haben eine starke künstlerische Ausdrucksweise. Alain Ponçon – Dame – Öl auf Leinwand – 55 x 46, 2003 Alain Ponçon – La Brasserie – Leinwand 60 x 60 Alain Ponçon – Le Zinc Seine künstlerischen Wurzeln kommen aus dem Realismus und Expressionismus. Er hat eine künstlerisch Kraft im Sinne der Art Brut. Jedoch sind seine Kunstwerke alles andere als „Art Singular“. Sie zeigen eine hintergründige Gesellschaftskritik und ebenso die Heiterkeit des  Alltages. Alain Ponçon – Chat au Fauteuil panneau Alain Ponçon – Sourires Sein klarer Blick auch für die Abgründe und Ambivalenzen machen seine Kunstwerke außergewöhnlich und sehr lebendig. Mit kräftigen Farben vorwiegend in Öl und Tempera zeigt er mit Augenzwinkern ein Spiegelbild der Gesellschaft. Alain Ponçon – Et Maintenant? Alain Ponçon – Casse à la Poussette- Leinwand 60 x 60 cm Begleitend zu Alain Ponçon finden Sie in der axmann kunstgalerie Werke weiterer Künstlerinnen und Künstler der Galerie aus den Bereichen Malerei, Skulptur […]

bis 07.11. | #2213ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 1. Oktober 2018 die Doppelausstellung PERSONAL THEATER mit Fotografien von Katerina Belkina, Simon Annand und Hardy Brackmann und UN CERTAIN REGARD mit Fotografien von Andreas A. Koch und Frank Massholder. PERSONAL THEATER lotet die Grenzen aus zwischen menschlicher Identität und Rollenspiel. Simon Annand fotografiert Schauspieler in ihrer Garderobe, einem physischen Raum für Konzentration und Privatheit. Er ist stiller Beobachter im Countdown der letzten 30 Minuten vor dem Auftritt. Er zeigt die Schauspieler als Menschen in ihrer Zerrissenheit zwischen sich selbst und der Rolle, in die sie noch nicht hundertprozentig geschlüpft sind. Simon Annand (*1955) lebt und arbeitet in London. Seit über 30 Jahren fotografiert Annand Schauspieler in ihrer Garderobe in den intimen 30 Minuten, bevor sich der Vorhang hebt. SIMOND ANNAND, DANIEL CRAIG, 1999, Hahnemühle FINEART, 30 x 20, 10 + 2 Katerina Belkina inszeniert sich selbst in zu Gemälden digital nachgearbeiteten Fotografien und verweist auf unterschiedliche „Psycho“-Typen der Frau in unserer Gesellschaft. Sie befreit ihre Tableaus von Details, um die Essenz des Individuums herauszufiltern. Ihre Kunst ist ihr eigenes persönliches Theater, mit der sie die Einsamkeit und Isoliertheit des in einer materialisierten Welt verlorenen Menschen messerscharf aufzeigt. Katerina Belkina (*1974) aus […]

bis 22.10. | #2212ARTatBerlin | Andreas Reinsch Project zeigt ab 22. September 2018 die Ausstellung abendland des Künstlers Günther Haußmann. Wer Abendland sagt hat auch Morgenland im Sinn, und Christentum und Islam.  Es ist ein Denken in Gegensätzen. Im Falle des Judentums musste erst die Katastrophe geschehen, um sagen zu können: Das Judentum gehört zu Deutschland. Die Frage, ob der Islam zu Deutschland gehört, wird nicht erst durch eine Katastrophe seine Antwort finden, sondern durch die Vernunft. Günther Haußmann – Abendmahl 2015 – Fotografie auf Alu-Dibond 200 x 100 cm Aber wir sind ungeduldig und berechnen alles auf den Geldwert und merken nicht, dass wir in viel zu kleiner Münze denken. Die Geschehnisse nach dem Herbst 2015, als in seiner Heimatstadt an der Ostsee etwa 50 meist muslimische Flüchtlinge eintrafen, haben etwas freigesetzt, das lange nicht abgerufen wurde in unserer satten Welt:  Mitgefühl, Hilfsbereitschaft und das gute Gefühl, das Richtige zu tun. Etwas, von dem er hoffte, dass es die Volksseele sei. Es sollte anders kommen. Vernissage: Samstag, 22. September 2018, 18:30 bis 20:30 Uhr. Es spricht Prof. Hans-Dieter Knapp Ausstellungsdaten: Samstag, 22. September – Montag, 22. Oktober 2018 Finissage: Samstag, 20. Oktober 2018, 19:00 – 21:30 Uhr. Es spricht Prof. Bazon Brock. […]

bis 21.12. | #2181ARTatBerlin | Galerie Hilaneh von Kories präsentiert ab 22. September 2018 die Ausstellung „Blende f/5.6 – Glückliche Momente“ des Filmemachers Bogdan Dziworski. Der Filmemacher und Fotograf Bogdan Dziworski zählt zu den wichtigsten Vertretern des Avantgarde- und Experimentalfilms im polnischen Kino. Obwohl er in seinem Heimatland zu den renommiertesten Bildgestaltern gehört, ist sein Werk in Deutschland eine Neuentdeckung. Die analogen Schwarzweißbilder zeigen den Lebensalltag in polnischen Städten aus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Seit den 60er Jahren hat Dziworski so ein einzigartiges Werk geschaffen, das ihm schon oft den vergleichenden Ehrentitel einbrachte, er sei „der Cartier-Bresson Polens“. Wie sein französischer Kollege, verfolgt Dziworski einen fotografischen Ansatz der momenthaften und humanistischen Ästhetik. Bogdan Dziworski, f5,6-001, Warszawa 1964, 30 x 22 cm „Meine Fotografien aus dieser Zeit sind nie inszeniert. Sie sind ‘erlaufen’. Tag für Tag waren es manchmal acht Stunden, in denen ich fotografierte. Du musst auf diesen einen bestimmten Moment warten, in dem die Realität die Bühne selbst bestimmt. Du musst Glück haben. Und ich hatte es.“ Bogdan Dziworski Bogdan Dziworski, Warzaw 1964, Lodz 1961 Vernissage: Freitag, 21. September 2018, 19:00 – 21:00 Uhr. Der Künstler ist anwesend. Zur Einführung spricht Rafal Lochowski, Leica 6×7 Gallery Warschau. Ausstellungsdaten: Samstag, 22. September – […]

bis 22.09. | #2167ARTatBerlin | pavlov’s dog zeigt derzeit die Ausstellung Last Paradise II mit Fotografien von Ekaterina Sevrouk. Es raschelt im grünen Dickicht des Urwaldes, knallrote Flamingoblumen ragen hervor, es riecht nach feuchter Wärme. Ein Leopard blickt hervor. Für den Bruchteil eines Augenblicks ist die Täuschung perfekt. Doch der Leopard bleibt still und unbewegt. Laut sind nur die Farben. Die Ambivalenz zwischen einst lebendiger Natur und neugeschaffenen Objekten wird sorgfältig inszeniert. In beinahe barocker Manier schmückt die Künstlerin Ekaterina Sevrouk Tierpräparate mit leuchtend bunten Blumen und kreiert ein opulentes Flora und Fauna – Ensemble. Ekaterina Sevrouk visualisiert die Spannung zwischen Natur und Ausrottung, Leben und Sterben auf ihre ganz eigene Art. Ekaterina Sevrouk, Westlicher Flachlandgorilla, 2017, 150 x 100 cm, C-Print, gerahmt Nerz, Gnu, Tiger, afrikanisches Wildschwein, Zebra, Puma, Kakadu – Ekaterinas Akteure faszinieren durch ihre exotische Schönheit und sind doch nicht mehr als Kulisse. Die Präparate stammen aus naturhistorischen Museen in Salzburg, Wien und Dublin und verweisen schweigend daraufhin, dass der Mensch leider vergisst, was ihn einst umgeben hat und wie man es bewahrt. In Thomas Manns „Zauberberg“ heißt es, dass die Blumen den nüchternen Zweck haben, den Tod zu beschönigen, in Vergessenheit zu bringen oder gar nicht […]

bis 27.10. | #2202ARTatBerlin | PSM Gallery zeigt ab 18. September 2018 eine Doppelausstellung mit Werken von Peggy Franck und Freek Wambacq, kuratiert von Sjoerd Kloosterhuis. Peggy Franck (1978, Niederlande) lebt und arbeitet in Amsterdam, Niederlande. Ihre farbenprächtigen Arbeiten bieten eine ungewöhnliche Kombination aus Malerei, Installation und Fotografie. Einzelausstellungen: Signer van Doesburg, Amsterdam (2018), Arcade, London (2018 und 2016), Luceber huis, Bergen aan Zee, Signer van Doesburg, Amsterdam (2014), Fons Welters, Amsterdam (2012) und Westfälischer Kunstverein, Münster (2009). Ihre Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen gezeigt: Hilversum Museum, Hilversum (2017), Martin van Zomeren, Amsterdam (2017), Manifesta Foundation, Amsterdam (2014), The Photographers Gallery, London (2013), Nieuwe Vide, Haarlem (2013) ), FOAM, Amsterdam (2011), Museum de Pont, Tilburg (2011), Sammlung Zabludowicz, London (2011) und Museum voor Moderne Kunst Arnheim (2009) Freek Wambacq (1978, Belgien) lebt und arbeitet in Amsterdam, Niederlande. In seiner Praxis bedient er sich einer Vielzahl von Materialien, die oft auf die Realität jenseits des Bildes anspielen. Einzelausstellungen seiner Arbeiten wurden in Witte de With, Rotterdam (2015), Objectif Exhibitions, Antwerpen (2013), Museum M, Leuven (2011), Kiosk, Gent (2008), Netwerk Zentrum für zeitgenössische Kunst, Aalst (2008) gezeigt ), SMAK, Gent (2005). Letztes Jahr präsentierte er eine Intervention in der Ausstellung Aufwärmen, Miquel-Angel Cardenas, in der […]

bis 27.10. | #2205ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin zeigt ab 14. September 2018 zum 10 jährigen Bestehen der Galerie Werke von Peter Pankow, Betty Feix, Christo Lufundiso Luanza und Melanie Edwards. Peter Pankow (*1968) arbeitet in der Thikwa Werkstatt für Theater und Kunst. Sein barocker malerischer Gestus hat auf den ersten Blick, dank Farbe und Format, eine wuchtige und imposante Wirkung. Beim näheren Hinsehen erschließen sich vielschichtige Beziehungen aus Figurativem und zartgeschichteter farblicher Erzählung. Seine Blätter sind seine gedanklichen Ablagerungen, die er mit Nadeln durchpflügt und wieder freilegt. Es sind präzise Notizen bzw. Protokolle über sich, als Überich, Unterich, Altich und Neuich. Worte und Beschreibungen seiner Suchen, die Pankow auch auf der Bühne verwendet, wenn er Auskunft über sich gibt. Der Künstler wurde vielfach ausgestellt, mit dem Lothar-Späth-Förderpreis und dem Europäischen Kunstpreis/EUCREA Preis ausgezeichnet sowie 2014 für den euward 7 nominiert. Peter Pankow, Bunter Regenwald der langsam abgeholzt wird, 2014 Die Kunst von Betty Feix (geb. 1990) entsteht in Büchern oder auf Leinwänden und handelt von ihren Träumen, in deren Mitte sich die Künstlerin häufig selbst hinein schreibt oder malt, von Hochzeiten, Reisen in die Südsee oder von skurrilen Begegnungen ihrer Figuren. Charakteristisch bei den Leinwandarbeiten ist fast immer ein leuchtend […]

bis 17.11. | #2176ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte zeigt ab 29. September 2018 Werke der Künstlerin Alice Aycock und des Künstlers Jonas Weichsel.  Alice Aycock – Early Works Jonas Weichsel – Echo Box Vernissage: Freitag, 28. September 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 29. September – Samstag, 17. November 2018   Bildunterschrift: Alice Aycock / Tropico de Cancer: Boundary Line 23 1/2 degrees North, Tamaulipas, Mexico. Left (side): Torrid Zone. Right (side): North Temperate Zone, 1973 / vintage photograph / Photo: Mark Segal / 17 × 25,4 cm | 6 ¾ × 10 in (Top) Ausstellung Alice Aycock + Jonas Weichsel – Galerie Thomas Schulte | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 06.10. | #2179ARTatBerlin | Galerie Franzkowiak präsentiert ab 11. September 2018 die Ausstellung In den Tropen fühlen sich die Haare anders an des Fotografen Jan Michalko und der Malerin Monika Michalko. Es ist heiß und laut und bunt und in den Tropen fühlen sich die Haare anders an. Fotograf Jan Michalko und Malerin Monika Michalko, Bruder und Schwester aus Berlin, lebten, arbeiteten, reisten und stritten sich gemeinsam in Sri Lanka sechs Monate lang. Sie erforschten die Realitäten und Fantasien des Alltags und der Kultur auf diesem einzigartig diversen und mysteriösen Inseluniversum. Das farbenfrohe Ergebnis ihrer künstlerischen Auseinandersetzung kann bald als Experiment in der Galerie Franzkowiak betrachtet werden. Vernissage: Samstag, 8. September 2018, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 11. September – Samstag, 6. Oktober 2018   Bildunterschrift: Preview: New Work Monika Michalko Ausstellung Jan Michalko + Monika Michalko – Galerie Franzkowiak | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 11.11. | #2166ARTatBerlin | SAVVY Contemporary zeigt ab 13. September 2018 die Gruppenausstellung GEOGRAPHIES OF IMAGINATION, ein Projekt im Rahmen von DIS-OTHERING: BEYOND AFROPOLITAN AND OTHER LABELS – eine Kooperation zwischen BOZAR – Centre for Fine Arts (Brüssel), Kulturen in Bewegung (Wien) und SAVVY Contemporary (Berlin). AUSSTELLUNG WITH Salwa Aleryani, Heba Y. Amin, American Artist, Rossella Biscotti, Chimurenga, Saddie Choua, Michele Ciacciofera, Anna Binta Diallo, Dimitri Fagbohoun, Mahir Jahmal, Jackie Karuti, Anna Líndal, Ibrahim Mahama, Tanja Muravskaja, Oscar Murillo, Daniela Ortiz and Sandra Schäfer. INVOCATIONS 14.09.–15.09.2018 WITH Salwa Aleryani, Heba Y. Amin, Rossella Biscotti, Michele Ciacciofera, Andrea Cusumano, Hamid Dabashi, Anna Binta Diallo, Discoteca Flaming Star, Drummers of Joy (feat. Ekow Alabi, Kofi Asamoah, Akinola Famson, Eric Sunday Owusu), Dimitri Fagbohoun, Nacira Guénif-Souilamas, Helon Habila, Hector Thami Manekehla, Wayne Modest, Musa Okwonga, Daniela Ortiz, Johannes Paul Raether, Sandra Schäfer, Jelena Vesić,  and many more GEOGRAPHIES OF IMAGINATION ist ein Projekt im Rahmen von  DIS-OTHERING: BEYOND AFROPOLITAN AND OTHER LABELS––eine Kooperation zwischen BOZAR–Centre for Fine Arts (Brüssel), Kulturen in Bewegung (Wien) und SAVVY Contemporary (Berlin) zur notwendigen Dekonstruktion von Praktiken des ‚Othering‘ in europäischen Kulturinstitutionen. Es besteht aus einer Ausstellung, Symposien, einem Festival, Vorträgen und Performances, einem Residenzprogramm, einer Mapping-Forschung und einer Website, die 2018 und 2019 […]

bis 27.10. | #2160ARTatBerlin | Sexauer Gallery zeigt ab 21. September 2018 die Einzelausstellung Inzision der Künstlerin Jeewi Lee. Seit einigen Jahren arbeitet Jeewi Lee an einem künstlerischen Zyklus von Arbeiten, die sich mit der Sichtbarkeit von Spuren beschäftigen. Es konzentriert sich sowohl auf menschliche Spuren aus unserem Alltag als auch auf historische Spuren, die sich in verschiedene Materialien einbrennen und so von der Geschichte zeugen. In ihrer Arbeit „Tracing the 38th Parallele of Korea“ (Arbeitstitel) verweist sie auf bestimmte historische Spuren der Geschichte ihres Heimatlandes Korea, die zugleich Zeugnis vom Alltagsleben der Menschen ablegen. Der 38. Breitengrad als zentraler Grenzmarker ist Ausdruck des komplexen Koreakonflikts. Courtesy of Sexauer Gallery and Jeewie Lee Mit einer alten asiatischen Technik fertigt sie Papierabzüge von koreanischen Bäumen an, die genau auf dem Breitengrad 38 verwurzelt sind. Das Alter der Bäume ist ein relevantes Kriterium, da sie nur Bäume auswählt, die bereits vor der Teilung des Landes 1945 ausgewachsen waren. Natürlich können Bäume ihre Heimat nicht alleine verlassen. Aus diesem Grund sind sie ein lebendiges Zeugnis, beispielhaft für die Teilung von 1945. Lee hat zehn gleichmäßig verteilte topografische Punkte entlang dieser Linie ausgewählt, von denen sich fünf aufgrund der Grenzpolitik in Südkorea und fünf in […]

bis 13.10. | #2174ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt derzeit die Einzelausstellung DEEP SLEEP der Künstlerin Birgit Brenner. Birgit Brenner erforscht in ihrer Kunst die digitalen Muster, mit denen wir leben. „Ich nenne es ‚hand poly’“, sagt die Künstlerin und bezieht sich auf ihre Bilder – „hand poly“ als Variation des „low poly“ aus den Anfängen der 3D-Animation. Low Poly besteht aus einer relativ kleinen Anzahl von Polygonen, die aus geraden Linien und Winkeln bestehen. „Low-Poly ist eher eine lausige Kulisse“, sagt Brenner, „eine grobe, schnelle Darstellung der Natur.“ Es ist eine Manipulation der Realität, eine Fiktion: „Kunst ist auch eine Fiktion. Ein Fragment der Realität. Künstlerische Realität. “ Die Sprache der virtuellen Realität inspiriert Brenners Arbeit. Wie „Deep Speech“, ein Ende-zu-Ende-Spracherkennungsnetzwerk. „Ende-zu-Ende“ ist, wenn Sie ein Spiel bis zum Ende spielen, ohne zurückzugehen. Oder „Permadeath“, ein Ausdruck, der sich auf eine Situation bezieht, in der ein Charakter nicht wieder erscheinen kann, nachdem er getötet wurde. „Du stirbst, genau wie im richtigen Leben“, erklärt Brenner, „ohne eine Chance zu haben, zu optimieren.“ In Zeiten der 3D-Kunst malt Birgit Brenner gerne 3D-Szenen: eine flache Skulptur, die dennoch wie ein Hologramm aussieht und eine Leinwand, die digitale Muster zeigt. Statt einer schönen Modellierung […]

bis 20.10. | #2190ARTatBerlin | H ART MANN GALLERY zeigt ab 15. September 2018 die Ausstellung Je suis Gustave der Künstlerin Zuzanna Skiba. Wer ist Gustave und warum der Titel? Zuzanna Skiba (1968) beschäftigt sich seit mehr als 3 Jahren als Hommage an Gustave Courbet (1819 – 1877) mit seiner Idee von Revolution und Gedanken des Individuums, mit der Direktheit, Bilder als Seelenträger und Sensibilität zu malen – innere wie äußere Landschaften. Die Ergebnisse sind aufgeladen, dunkel, erotisch und sinnlich und werden zum ersten Mal in der Gesamtheit in der H ART MANN GALLERY in Berlin-Mitte präsentiert. Je suis Gustave, 2017, Öl auf Leinwand | 90 x 135 cm | gerahmt Alles began im Mai 2015 mit dem Slogan: „Je suis Charlie“. Ein kurzer Satz, der unmittelbar nach dem furchtbaren Anschlag auf die französische Satirezeitschrift Charlie Hebdo am 7. Jan. 2015, d.h. vor 3 Jahren in Paris durch die Presse ging. Was auch heißt: „Ich bin Charlie“ oder „Ich folge Charlie“. Dieser kurzer Satz bringt unsere Solidarität mit den unschuldigen Toten zum Ausdruck. Er wurde seither in abgewandelter Form zu Solidaritätsbekundungen verwendet. Hier nun aber Gustave; also „Wer ist Gustave und warum der Titel ?“ : Durch diesen einfachen Satz verbindet man sich […]

bis 10.11. | #2184ARTatBerlin | KOW zeigt ab 8. September 2018 die Gruppenausstellung WAS EUCH AM LEBEN HÄLT, IST, WAS BEI UNS ZU ASCHE ZERFÄLLT mit Blick auf den Rechtsruck in Deutschland. Die Galerie und die KünstlerInnen möchten damit ein Zeichen setzen. Teilnehmende KünstlerInnen: Alice Creischer, Henrike Naumann, Mario Pfeifer, Andreas Siekmann, Michael E. Smith, Tobias Zielony Aus gegebenem Anlass ändert KOW kurzfristig sein Programm und schaut mit einer Ausstellung auf den Rechtsruck in Deutschland. Die Galerie und die KünstlerInnen möchten damit ein Zeichen setzen in einem Moment, in dem sich das Politische – und für immer mehr Menschen auch der Alltag – in einen Alptraum verwandeln. Wir möchten uns all denen anschließen, die sich dagegen wehren. In ihren klügeren Momenten kommt die öffentliche Diskussion um die neue Spitze des rechtsradikalen Eisbergs – Chemnitz, Sachsen – zu der Einsicht, dass der soziale Unfriede in seiner neonationalen Gesinnung zwar unerträglich, aber keineswegs unbegründet ist. Erstaunlich ist ja nicht so sehr, dass braune Menschenfänger in schwarzen Anzügen die Unzufriedenheit in der Bevölkerung einsammeln und reklamieren, für die Mehrheit, also das Volk, zu sprechen, und dabei wütende Affekte eines Mobs hinter sich und auf die Straße bringen. Erstaunlicher ist doch, wie lange diese Unzufriedenheit offiziell […]

bis 10.11. | #2168ARTatBerlin | EFREMIDIS GALLERY präsentiert ab 14. September 2018 die Ausstellung All of this and Nothing von Susanne Rottenbacher und Claus Rottenbacher. Die grenzenlose Inszenierungskraft der katholischen Kirchen Roms in Claus Rottenbachers Fotoserie prostratio und die monumentale Lichtskulptur Demontage von Susanne Rottenbacher bieten faszinierende Verbindungen. Das Zusammenspiel beider Positionen schafft einen inneren Raum, der nicht nur die rätselhafte Kraft der Kirchen Roms, sondern auch die Auflösung ihrer räumlichen und ideellen Grenzen verhandelt. Für mehr Infos zur Ausstellung wechseln Sie mit nur einem Klick zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. Das geht ganz einfach: In der rechten oberen Ecke sehen Sie einen Sprachbutton – genau, die kleine Flagge. Dort können Sie auf so gut wie jeder Seite von ART@Berlin zur englischsprachigen Version wechseln – und wieder zurück. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. Sollten Sie ausnahmsweise mal auf der Startseite landen, existiert in dem Fall keine Übersetzung. See you in a second! Vernissage: Freitag, 14. September, ab 18:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 14. September – Samstag, 10. November 2018 Künstlergespräch + Buchvorstellung: Dienstag, 6. November 2018, 19 Uhr (Details siehe Veranstaltungskalender)   Bildunterschrift: Courtesy of EFREMIDIS GALLERY – Susanne Rottenbacher – Claus Rottenbacher Ausstellung Susanne Rottenbacher + Claus Rottenbacher – EFREMIDIS GALLERY | Zeitgenössische […]

bis 13.10. | #2189ARTatBerlin | janinebeangallery zeigt ab 8. September 2018 die Ausstellung DU, VENUS UND ICH mit den Künstler*innen Anna Borowy, Peter Doherty, Beate Höing und Jonathan Meese. Die janinebeangallery setzt in der Ausstellung „Du, Venus und Ich“ Werke der Künstler Peter Doherty und Jonathan Meese mit denen der Künstlerinnen Anna Borowy und Beate Höing in Relation. Collagen, Zeichnung und Installation des britischen Künstlers, Musikers und Dichters Peter Doherty treffen auf die Gemälde der Berliner Künstlerin Anna Borowy, ungestüme Mixed Media Arbeiten von Jonathan Meese finden sich im Zusammenspiel mit den filigranen Keramiken von Beate Höing. Die Ausstellung bietet nicht nur die Möglichkeit, über die Gegensätze der künstlerischen Positionen ihre jeweiligen Eigenschaften im Vergleich neu und aus einer anderen Perspektive zu entdecken. Darüber hinaus offenbaren sich gemeinsame Merkmale in den zunächst eher komplementär wahrgenommenen Werken. Bei aller inhaltlichen Aufladung und emotionalen Widmung den Motiven lässt sich bei allen Künstlern der Ausstellung eine unprätentiöse Herangehensweise an die Sujets feststellen, sei es durch eine spürbar intuitive, unumwundene Technik oder durch die gelebte Authentizität ihrer direkt ansprechenden Inhalte und offenen Konzepte. Anna Borowy Summer Night With A Passenger 160 x 150 cm 2018 Anna Borowy, geboren 1985 in Uelzen, studierte Malerei bei Prof. […]

bis 10.11. | #2182ARTatBerlin | Robert Morat Galerie zeigt ab 8. September 2018 die Ausstellung „Manhattan Sunday “ mit Arbeiten des Fotografen Richard Renaldi. „Manhattan Sunday“ ist ein persönliches Tagebuch aus dem New Yorker Nachtleben und gleichzeitig eine Homage an New York als einen Ort der Selbstverwirklichung, als eine Leinwand, auf die die Menschen seit Generationen Ihre Wünsche, Träume und Vorstellungen projizieren. Die schwarz-weißen Großbild-Aufnahmen beschreiben eine Samstagnacht und einen Sonntagmorgen in Manhattan. Die Serie ist eine Sammlung von Portraits, urbanen Landschaften und Innenaufnahmen aus Bars und Clubs, sie erzählt vom pulsierenden Nachtleben und von dem Moment, an dem die Clubs Ihre Gäste in die Morgenstunden, in die Straßen der schlafenden Stadt entlassen. Richard Renaldi, „6:50″, New York, aus der Serie „Manhattan Sunday“ Richard Renaldi, „5:12″, New York, aus der Serie „Manhattan Sunday“ Richard Renaldi, „6:17″, New York, aus der Serie „Manhattan Sunday“ Richard Renaldi, „6:27″, New York, aus der Serie „Manhattan Sunday“ Richard Renaldi, geboren 1968, gilt als einer der einflussreichsten zeitgenössischen Portrait-Fotografen der USA. Er wurde vor allem durch seine Arbeit mit der Großbildkamera bekannt („Figure and Ground“, 2006 oder „Touching Strangers“, 2014). „Manhattan Sunday“ wurde 2015 mit einer Guggenheim Fellowship ausgezeichnet. Das Buch zur Serie wurde bei […]

bis 13.10. | #2161ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt seit 1. September 2018 die Ausstellung ZWEIHEIT von Erwin Bechtold und Matias Bechtold. Laura Mars Gallery freut sich, die erste gemeinsame Ausstellung von Erwin und Matias Bechtold zu präsentieren. Erwin Bechtold, Matias Bechtold photo copyright: Christine Bechtold Erwin Bechtold (geb. 1925) ist ein in Köln geborener und auf Ibiza lebender Maler und Zeichner, dessen Arbeiten sich durch eine charakteristische Farb- und Formsprache auszeichnen. Ein, wenn nicht das zentrale Grundmodell seiner im Kontext der informellen Malerei der Nachkriegszeit entwickelten Bilder ist das Ausbalancieren von geschlossenen geometrischen Gebilden und spontan wirkenden, zeichnerischen Elementen. Flächenwirkungen der Farbfeldmalerei treten in ein konstantes Spannungsverhältnis zu einem linearen, expressiven Duktus. Zum Beispiel werden die Bildfläche dominierende, blockhafte Rechtecke mit impulsiv-gestischen Formungen aufgesprengt und/oder erweitert. Inszeniert wird der immerwährende Antagonismus zwischen dem Exakten, klar Artikulierten und dem Diffusen und Indifferenten – eine Konstellation, aus der Erwin Bechtold ein vielschichtiges und umfangreiches Œuvre entwickelt hat. Erwin Bechtold – Zum Thema Incisión, 1996 Acryl auf Leinwand, 212 x 188 cm (vierteilig) copyright by the artist, courtesy Laura Mars Gallery Dem künstlerischen Ansatz des Vaters scheinen Matias Bechtolds (geb. 1955, lebt in Berlin) Arbeiten zunächst denkbar fern. Seine gebauten, plastisch-wuchernden, jedoch stets sich auf eine konkrete […]

bis 02.11. | #2172ARTatBerlin | Galerie Tanja Wagner zeigt ab dem 14. September 2018 die Ausstellung DAS RADIKALE EMPATHIACHAT mit einer neuen Videoarbeit der Künstlerin Anna Witt. Anna Witt begleitete eine Gruppe junger Leute in Leipzig bei der Entwicklung und Umsetzung eines Manifests einer möglichen Jugendbewegung. Im gemeinsamen Gespräch wurden gesellschaftliche Utopien und ihre eigenen Empfindungen innerhalb vorherrschender Systeme diskutiert. Die bestehenden Normen und Werte der Gesellschaft wurden hinterfragt und dekonstruiert, mit dem einer Jugendbewegung inhärenten Ziel, nach für sie als wahrhaft empfundener Bedeutung zu suchen. Das entstandene Manifest zeigt sich jedoch nicht wie herkömmlich in schriftlicher Form, sondern als performative Übersetzungen im öffentlichen Raum. Das Video entstand in Zusammenarbeit mit Maria Bujanov, Phillip Borchert, Anja Engelhardt, Belve Langniss, Blandia Langniss, Chiara Rauhut, Lena Schule und der Unterstützung der GFZK Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig. Vernissage: Freitag, 14. September 2018 Ausstellungsdaten: Freitag, 14. September – Freitag, 2. November 2018   Bildunterschrift: Anna Witt, DAS RADIKALE EMPATHIACHAT, 2018 Ausstellung Anna Witt – Galerie Tanja Wagner | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 06.10. | #2165ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab 7. September 2018 die Ausstellung artefact affairs des Künstlers Marc von der Hocht. Auf der positions berlin art fair (27.-30.09.18) zeigt Semjon Contemporary Werke von Ursula Sax und Marc von der Hocht. Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Freunde der Galerie, Sie sind herzlich eingeladen zur Ausstellungseröffnung von artefact affairs von Marc von der Hocht (Malerei, Collage, Lichtobjekt und Installation) am Freitag, den 7. September, von 19 – 21.30 Uhr. Der Künstler wird anwesend sein. Mit freundlichen Grüßen, Semjon H. N. Semjon Contura (Detail), 2018, 190 x 150 cm, Hochglanzlack auf Aluminium auf Holz Vernissage: Freitag, 7. September 2018, 19.00 – 21.30 Uhr – in Anwesenheit des Künstlers Ausstellungsdaten: Freitag, 7. September  – Samstag, 6. Oktober 2018 positions berlin art fair 2018: Donnerstag, 27. September – Sonntag, 30. September 2018 (Flughafen Tempelhof, Hangar 4). Semjon Contemporary zeigt Werke von Ursula Sax und Marc von der Hocht   Bildbezeichnung: Contura (Detail), 2018, 190 x 150 cm, Hochglanzlack auf Aluminium auf Holz Ausstellung Marc von der Hocht – Semjon Contemporary – Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 10.10. | #2122ARTatBerlin | galerie gerken zeigt derzeit die Solo-Ausstellung CANDY LAND mit Werken der Künstlerin Anja Fußbach. Parallel dazu zeigt galerie gerken im Cella Artis die Ausstellung A Remix of Aesthetic Forms and their Opposites der Künstler Jan Bernstein und Peter Wackernagel. Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Freunde, Wir laden Sie herzlich zu unseren kommenden Ausstellungen ein – die Einzelausstellung CANDY LAND von Anja Fußbach und die Doppelausstellung Ein Remix der ästhetischen Formen und ihre Gegensätze von Jan Bernstein und Peter Wackernagel werden am 24. August 2018 eröffnet. Auch in diesem Jahr nimmt die galerie gerken wieder an der POSITIONS Berlin Art Fair teil und präsentiert Werke von Jan Bernstein, Helga Gerken-Grieshaber, Peter Tomschiczek und Peter Wackernagel. Anja Fußbach, klean your soul, 2018, Mixed Media, 106 x 137 x 6 Anja Fußbach, Pig hater, 2018, Mixed Media, 31 x 31 x 4 Mit der Ausstellung Candy Land begeht Anja Fußbach ihr Berliner Solo-Debüt und präsentiert eine umfassende rauminstallative Werkschau. Unterschiedlichste Medien und Materialien kommen zum Einsatz, die durch den charakteristischen Umgang Fußbachs zusammengehalten werden, der sich der formalen Möglichkeiten freier Objektkombination bedient und diese mit ihrem handwerklichen Geschick verbindet. Der Titel CANDY LAND berichtet einerseits vom kuratorischen Gesamtkonzept, andererseits vermittelt er einen ersten Einstieg in […]

bis 13.10. | #2142ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung zeigt ab 31. August 2018 die Einzelausstellung backstage mit Objekten aus der Serie Objet Trouvé des Künstlers H. Frank Taffelt.  Ausgestellt werden für H. Frank Taffelt typische, mit schwarzem Kugelschreiber gezeichnete Rechtecke. Es sind Arbeiten aus seinem seit zirka 10 Jahren kontinuierlich immer wieder als Nebenspur aufgenommenen Projekt „Objet Trouvé“. Die Rhythmisierungen von Flächen bringt der Künstler neu für sich in diesen Zeichnungen auf vorgefundenen Papieren, Kartons und Pappen wohl durchdacht ins Spiel. Das dunkle Bildlicht breitet sich – metallisch glänzend – über die Geschichten der Gebrauchsspuren in stoischer Ruhe auf den gefundenen Materialien aus. O.T. Nr. 16, 2017, 2- teilig, je 13 x 62 cm, Kugelschreiber, Bleistift auf vorgefundenem Karton H. Frank Taffelt – Biografie 1955 geb. in Bautzen; 1974-80 Studium der Klinischen Psychologie an der Humboldt Universität zu Berlin; seit 1980 intensives Zeichnen; ab 1980 Tätigkeit als Psychotherapeut/ Psychoanalytiker; lebt und arbeitet in Berlin; Ausstellungen: 2017 Berlin, Galerie Inga Kondeyne, „Renotation“; Berlin, Galerie Inga Kondeyne/Wichtendahl Galerie, „Drawing Perfomance, Abstraction from Berlin and the United States“ ; Seward (Nebraska, USA), Marxhausen Gallery of Art, Concordia University Seward, „Drawing Performance: Abstraction from Berlin and the United States“; 2016 Lincoln […]

bis 19.10. | #2136ARTatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 8. September 2018 die Ausstellung Floaters der französischen Künstlerin Capucine Vandebrouck. Floater sind Trübungen verschiedener Größen und Konsistenzen im Glaskörper des Auges. Sie manifestieren sich als dunkle Flecken, schwarze Punkte, Kreise, Linien oder Filamente. Viele von uns haben diese Erfahrung bereits gemacht. Sie fallen besonders auf, wenn der Blick auf einen einfachen Hintergrund, einen klaren Himmel oder eine weiße Wand gerichtet ist. Die Floater, die wir sehen, sind nur Schatten ihrer eigenen Körper. Im Glaskörper (zentraler Teil des Auges) schwimmend, sind sie aufgrund des Schattens, den sie auf die Netzhaut projizieren, sichtbar und haben einen anderen Brechungsindex als der Glaskörper. Wenn wir unsere Augen bewegen, folgt der Schwimmer, und wenn wir versuchen, ihn zu reparieren, können wir ihn nicht sehen. Diese visuellen Interferenzen, die unser Sehen stören und die nur der Schatten ihrer selbst sind, führen uns dazu, die Vorstellungen von Aussehen, Wahrnehmung, Realität und Realität zu überdenken. Könnte dieser flüchtige und fliehende Körper, den wir auf der Oberfläche unserer Netzhaut sehen können, uns helfen zu verstehen, dass es keine objektive Realität gibt? Wird dies die Chance beinhalten, die Vision unseres täglichen Lebens neu zu gestalten und uns zu einem […]

bis 27.10. | #2135ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler zeigt ab 14. September 2018 den ersten Teil der Ausstellung True Stories – A Show Related to an Era – The Eighties, kuratiert von Peter Pakesch, in der Goethestraße. Albert Oehlen, Die wilden Jahre sind vorbei, mein Platz an der Theke ist jetzt frei, 1981 Ausstellung mit den folgenden Künstlerinnen und Künstlern: MIROSŁAW BAŁKA HERBERT BRANDL WERNER BÜTTNER CLEGG & GUTTMANN MATHIS ESTERHAZY GÜNTHER FÖRG ISA GENZKEN ROBERT GOBER FÉLIX GONZÁLEZ-TORRES GEORG HEROLD AXEL HÜTTE CRISTINA IGLESIAS MIKE KELLEY MARTIN KIPPENBERGER JEFF KOONS LIZ LARNER ZOE LEONARD INGE MAHN MEUSER REINHARD MUCHA CADY NOLAND ALBERT OEHLEN MARKUS OEHLEN RICHARD PRINCE DIDI SATTMANN JULIAN SCHNABEL WILHELM SCHÜRMANN CINDY SHERMAN MARIELLA SIMONI THOMAS STRUTH ROSEMARIE TROCKEL FRANZ WEST TERRY WINTERS CHRISTOPHER WOOL OTTO ZITKO HEIMO ZOBERNIG Preview: Freitag, 14. September 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 14. September – Samstag, 27. Oktober 2018 (in der Goethestraße 2/3)   Bildunterschrift: Albert Oehlen, Die wilden Jahre sind vorbei, mein Platz an der Theke ist jetzt frei, 1981 Ausstellung True Stories – Gruppenausstellung Teil I – Galerie Max Hetzler | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 03.11. | #2128ARTatBerlin | Brutto Gusto Fine Arts zeigt ab 21. September 2018 die Einzelausstellung Trial and Error mit Werken des Künstlers Johannes Nagel. Vom 27. bis 30. September wird Brutto Gusto den Künstler auch auf der Messe Art Berlin 2018 zeigen. Keramische Schutzhüllen, greifbare Gefäße, erfassbare Räume, verbeulte Behältnisse, unerklärliche Vorratsspeicher – die Formen sind immer sprechende Objekte, kenntlich als Vasen, Flaschen, Bottiche, Fässer, Schläuche. Nur der selbsterklärende Verwendungszweck wird nicht mitgeliefert. Das sind nicht einfach nur Aufbewahrungsobjekte aus Porzellan. Es sind Behälter mit offensichtlicher Individualität und in Maßen rätselhaft. Sie sind raus aus der Zeit. Die Gefäße assoziieren archaische Gerätschaften oder den Nestbau mit groben Wandverschmierungen in natürlichen Höhlungen. Sie erinnern an Naturformen, an sezierte und fest konservierte Organe oder große gepanzerte Früchte mit harten Schalen. Die porzellanen Ab- und Ausgüsse sind Umformungen des Lebendigen, der Bewegung, ein gestisches Umgreifen der Hohlform. Alles ist in scheinbarer Unwucht verschoben. Die Objekte sind mit kalkiger Haut ummantelt, die Glasuren von tiefen Krakele durchzogen. Die Oberflächen zeigen sich schrundig, rissig und stumpf. Farbnasen laufen über verwischte Bemalungen, selten schimmern fragmentarische Ornamente durch. Kein Beiwerk, nichts Dekoratives – diese Keramik ist lebendig und fordernd. Das sind Anmaßungen, nicht nur räumlich, auch […]

bis 20.10. | #2126ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 14. September 2018 eine Einzelausstellung mit Collagen des syrischen Künstlers Tammam Azzam. Die Galerie Kornfeld freut sich sehr, erstmals Werke des syrischen Künstlers Tammam Azzam zu präsentieren. Ausgestellt werden neue Collagen aus bis zu 50.000 Papierschnipseln und Gemälde. Tammam Azzam machte erstmals 2013 auf sich aufmerksam, als er sein Atelier in Syrien aufgeben musste und in seiner neuen Heimat Dubai begann, digitale Fotomontagen anzufertigen. Diese setzten sich direkt mit dem Krieg in seinem Heimatland auseinander. Eine dieser Arbeiten trägt den Titel „A Kiss for the Whole World“ und zeigt ein bombardiertes syrisches Gebäude, das mit einer Abbildung von Gustav Klimts „Der Kuss“ überlagert ist. Das Werk verbreitete sich kurz nach seiner Veröffentlichung viral in den sozialen Medien und zählt zu den bekannteste Motiven des Künstlers. Ausgehend von diesen Werken fand Tammam Azzam auf einer neuen Ebene zurück zur Malerei. Mit „Storeys“ (= Stockwerke), einer Reihe monumentaler Acrylgemälde, die das Ausmaß der Verwüstung in Syrien anhand expressionistischer Kompositionen zerstörter Stadtlandschaften zeigen, hielt der Künstler den gegenwärtigen Zustand des Landes mittels einer kathartischen Rekonstruktionsübung fest, Stockwerk um Stockwerk. In der Folge entwickelte sich sein malerisches Schaffen in Richtung dreidimensionales Objekt: neben die Acrylgemälde sind Objekte […]

bis 17.11. | #2125ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab 28. September 2018 anlässlich der Berlin Art Week Skulpturen des Niederländers Auke de Vries (*1937). Die Skulpturen im öffentlichen Raum von Auke de Vries in Städten wie Amsterdam, Barcelona, Hannover, Magdeburg, Ludwigsburg und Wakefield in Yorkshire sind zu Wahrzeichen geworden. Hierzu gehört beispielsweise das ›Maasbeeld‹, das sich über den Fluss Maas in der Stadt Rotterdam neigt. Seine autonomen Plastiken wurden in den vergangenen 40 Jahren in zahlreichen Einzelausstellungen in Museen, überwiegend in den Niederlanden und Deutschland, gezeigt. Anlässlich der Präsentation in Berlin entwirft der Künstler speziell für das Kunst-Lager Haas eine Außenskulptur. Hinzu kommt eine von Konstruktionszeichnungen begleitete Übersicht aus seinem plastischen Werk der letzten drei Jahrzehnte. Die Skulpturen aus Stahl bestehen oft aus einfachen elementaren Formen und reichen von kleineren Objekten auf einem Sockel, auf dem Boden, an der Wand bis hin zu meterhohen Installationen. Teils empfindsam und unkonkret wie zarte, linienhafte Zeichnungen im Raum, hier absurd und humorig wie Dada, dort erzählerisch und assoziativ. Die Materialien sind nicht besonders edel, eher einfach: meist Stahl, häufig Draht, einzelne Versatzstücke aus Karton, Blech oder Holz. Zum Teil ist der Stahl durch die Behandlung mit Säure korrodiert, die partielle bunte Bemalung ist grob, nachlässig, einige […]

bis 13.10. | #2120ARTatBerlin | Galerie Mutare präsentiert ab 18. August 2018 eine Ausstellung mit Malerei der Künstlerin Ita Maximowna. Die Ausstellung „Ita Maximowna“ präsentiert Werke dieser vielseitigen Künstlerin im Genre ihrer freien Malerei. Somit zeigt die Galerie Mutare im Anschluss an die Ausstellung des Künstlers Martin Rupprecht, der bei Ita Maximowna assistierte, abermals eine Künstlerin, die ursprünglich im Bühnen- und Kostümbild zuhause war. Die Ausstellung wird am 18. August eröffnet und ist bis zum 13. Oktober 2018 zu sehen. Die Galeristin führt mit einem Gespräch mit Freunden und Sammlern von Ita Maximowa ein. Ita Maximowna war eine Bühnen- und Kostümbildnerin, Grafikerin und Malerin russischer Herkunft und eine der ersten und bedeutendsten Bühnenbildnerinnen in Deutschland. Auch international gelang ihr der Durchbruch. Sie war an allen großen Opernhäusern weltweit gefragt. Ihre kreative Schaffensperiode lag in den 40er bis 70er Jahren des 20. Jahrhunderts. Die freien Arbeiten der Künstlerin unter dem Motto „Faszination des Verfalls“ stehen sehr in Kontrast zu ihren eher heiteren Bühnenbildern und zeigen überwiegend Motive aus dem Berliner Stadtmilieu. Ita Maximowna – Peitschemaste im Wedding | Mischtechnik | 70 x 50 cm Ita Maximowna – Kochstraße | Mischtechnik | 70 x 50 cm | 1971 Auf Streifzügen durch das verfallene Berlin mit […]

bis 12.10. | #2118ARTatBerlin | Köppe Contemporary zeigt ab 7. September 2018 die Ausstellung „The Remains Of The Night – Rückblick auf die Zwanziger Jahre und ihr dramatisches Ende“ des Künstlers Jim Avignon. Jim Avignon wird sich in der Galerie Köppe – natürlich im typisch subversiven „Jim-Avignon-Stil“ – einem Thema widmen, dass einen Bogen von den Zwanzigern des vergangenen Jahrhunderts bis in die Gegenwart schlägt. Dabei wird er unter anderem Künstler wie Otto Dix, Max Beckmann und George Grosz mit ausgewählten Werken aus der damaligen Zeit zitieren, bei seiner Reise zurück aber auch der Frage zuwenden, ob es gewisse Parallelen gibt zwischen jener Epoche und unserer Gegenwart. Die Stunde des Opportunisten  So wird Jim Avignon Themen wie die damalige Salonkultur der heutigen Clubkultur und dem Nachtleben gegenüberstellen. Aber auch Themen wie Gentrifikation und Rechtsruck (damals wie heute) sollen mit einbezogen werden. Die Goldenen Zwanziger bzw. der Zeitabschnitt 1924 bis 1929, standen in Berlin für ein völlig neues Lebensgefühl. Weltoffenheit und Internationalität, Dreigroschenoper, Bubikopf, Josephine Baker, Dada, Bauhausarchitektur, herausragende Sportwettkämpfe, Tanz-Vergnügungen, ein boomendes Nachtleben mit Bars, Clubs und Amüsement aller Art – das sind nur einige der Stichworte, die beispielhaft für den Geist dieser Zeit in der Metropole stehen. Die Neue […]

bis 15.09. | #2115ARTatBerlin | axmann kunstgalerie präsentiert ab 1. August 2018 Malerei der Künstlerin Véronique Wibaux. unsere künstlerin Wibaux zeigt hier einige ihrer bilder, geprägt von einem tiefen humanismus und sensiblen blick auf die schönheit und vergänglichkeit der welt. véronique wibaux ist geboren und bis zum 15. lebensjahr aufgewachsen in brazzaville (kongo). die tiefgreifende erfahrung der kindheit und jugend in afrika wird in vielen ihrer bilder sichtbar. heute lebt sie in chartres/frankreich und ist im künstlerkollektiv „nainachronicales” aktiv. Wibaux nahm an diversen internationalen ausstellungen teil. eine vielzahl ihrer bilder können sie in unserer ausstellung betrachten und kaufen. Otto Axmann Véronique Wibaux – Bild 1 Véronique Wibaux – Bild 2 Véronique Wibaux – Bild 3   Véronique Wibaux Begleitend zu Véronique Wibaux finden Sie in der axmann kunstgalerie Werke weiterer Künstlerinnen und Künstler der Galerie aus den Bereichen Malerei, Skulptur und Zeichnung. Ausstellungsdaten: Mittwoch, 1. August bis Freitag, 31. August 2018 – verlängert bis 15. September 2018!   Bildunterschrift: Courtesy axmann kunstgalerie – Véronique Wibaux Ausstellung Véronique Wibaux – axmann kunstgalerie | Zeitgenössische Kunst in Berlin – Ausstellungen Berlin – Galerien Berlin – ART at Berlin        

bis 15.09. | #2112ARTatBerlin | Jarvis Dooney zeigt seit 21. Juli 2018 die Ausstellung Autofocus der beiden Fotografen Torsten Schumann und David Schikora. Wenn Sie diesen Sommer in Berlin sind, laden wir Sie ein, uns diesen Freitag, den 20. Juli ab 19:00 Uhr zur Eröffnung der Ausstellung Autofocus zu begleiten. Eine Ausstellung von zwei in Berlin lebenden deutschen Fotografen: Torsten Schumann & David Schikora. Die Ausstellung läuft ab: Samstag, den 21. Juli bis Samstag, den 15. September 2018. Schauen Sie sich die Arbeiten von Torsten Schumann in More Cars, Clothes and Cabbages an, die bei Pepperoni Books erscheinen – und das eigens veröffentlichte Fotobuch Autolose Autoreifen in der Ukraine von David Schikora. Vernissage: Freitag, 20. Juli 2018, 19.00 – 21.00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 21 Juli – Samstag, 15. September 2018   Bildunterschrift: ART at Berlin – Courtesy of Jarvis Dooney – Torsten Schumann + David Schikora Ausstellung Torsten Schumann + David Schikora – Autofocus – Jarvis Dooney | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin –ART at Berlin 

bis 08.09. | #2109ARTatBerlin | 68projects der GALERIE KORNFELD präsentiert ab 2. August 2018 die Gruppenausstellung Cat Scan der Künstler Jillian Mayer, Rodrigue Mouchez und Michael Sailstorfer, kuratiert von Omar Lopez-Chahoud. Die multidisziplinären Künstler der Ausstellung Cat Scan zeigen eine Reihe skulpturaler Arbeiten, die konzeptuell vielschichtig und formal anspruchsvoll sind. Mechanisch und technisch gesehen ist ein Cat Scan eine computergenerierte Kombination von Röntgenmessungen aus vielen verschiedenen Perspektiven zur Erzeugung von Schnittbildern. Im Kern ist ein Cat Scan also eine Möglichkeit, in etwas hineinzugelangen, ohne es aufschneiden zu müssen. Dies ist ein Ansatz, den alle Künstler in Cat Scan verfolgen: sie verwenden bekannte zeitgenössische kulturelle Referenzen, um den Betrachtern ihre Werke zugänglich zu machen, wobei visuelle, konzeptuelle oder physische Aufhänger dazu dienen, verschiedene Blickwinkel auf ihre Arbeiten freizulegen. Für die Künstler, die den performativen – und dennoch abwesenden – Körper evozieren und integrieren, wird die Herstellung von Objekten zur Möglichkeit, die binären Gegensätze von Technologie und Umwelt, physischen und geistigen Objekten, Abwesenheit und Präsenz sowohl zu beschwören, als auch zu untergraben. Die Arbeiten der drei Künstler eröffnen Betrachtern somit neue Wege der Interpretation, des Denkens und des Sehens. Jillian Mayers Arbeit weckt das Interesse der Betrachter, indem sie diese einlädt, mit ihren Skulpturen zu interagieren, sich in […]

bis 20.09. | #2106ARTatBerlin | Tschechisches Zentrum Berlin zeigt derzeit die Ausstellung Ausländer des Künstlerduos David Böhm und Jiří Franta. Das Tschechische Zentrum lädt herzlich zur Eröffnung der neuen Ausstellung „Ausländer“ von David Böhm und Jiří Franta am Donnerstag, 12. Juli 2018 um 19 Uhr ein. Das erfolgreiche Künstlerduo, dessen wichtigstes Kommunikationsmedium die Zeichnung ist, überschreitet die Grenzen von Maßstäben, zwischen künstlerischen Medien und die unserer Vorstellungen über das Medium Zeichnung an sich. In der Sommerausstellung der Galerie TZB untersuchen sie ironisch und spielerisch das Phänomen des Ausländerseins, sowohl im Hinblick auf das Leben im abgeschlossenen böhmischen Talkessel, als auch basierend auf eigenen Reiseerfahrungen. Jiří Franta + David Böhm David Böhm, Jiří Franta: Ausländer Das erfolgreiche Künstlerduo David Böhm und Jiří Franta, dessen wichtigstes Kommunikationsmedium die Zeichnung ist, überschreitet die Grenzen von Maßstäben, zwischen künstlerischen Medien und die unserer Vorstellungen über das Medium Zeichnung an sich. In der Sommerausstellung der Galerie TZB untersuchen sie ironisch und spielerisch das Phänomen des Ausländerseins, sowohl im Hinblick auf das Leben im abgeschlossenen böhmischen Talkessel, als auch basierend auf eigenen Reiseerfahrungen. In ihrer dritten Berliner Ausstellung geht das Künstlerduo Jiří Franta und David Böhm auf ein Ereignis ein, das zurzeit ein großes Thema in ihrem Heimatland […]

bis 18.08. | #2088ARTatBerlin | Stella A. zeigt seit 6. Juli 2018 die Ausstellung Die Sonne von Mexiko II mit Werken von Andreas Seltzer. Ihren Namen hat diese Zeichnungsserie von einer Gastwirtschaft, die am Rande des Schulwegs von Andreas Seltzer in Frankfurt am Main lag. Dort trafen sich, bis in die achtziger Jahre, Trinker, Bordellgänger der nahen Breite Gasse, aber auch Binnenschiffer, die von der großen transatlantischen Passage träumten. Formal nutzt die Serie den kartografischen Blick, den Seltzer in der Arbeit über Jules Vernes Reise zum Mittelpunkt der Erde (2006–2012) erprobte. Dort folgt er den konzentrischen Kreisen, die ins Erdinnere führten. Hier aber sind es nicht mehr die geologischen Schichten des Untergrundes, sondern Partikel von Körpern und Fragmente von Gegenständen, die, grotesk verzerrt, in hybride Wesen verwandelt oder in schwer entzifferbare Details zersplittert sind. Was deren Formationen charakterisiert, das ist ihre Spielfreude. Der dicht karierte Hintergrund vor dem sie agieren, fungiert als ein Formenfänger, der vielerlei grafische Elemente zusammenwürfelt und ihnen Tiefe gibt. Rot, Schwarz, Grau und Weiß sind da die Hauptakteure. Sie folgen keinem festgelegten Plan, sondern Impulsen, denen es um Verdichtung, Trennung, Auflösung geht. Daraus entstehen Geschichten, die karnevaleske, zirkushafte Züge haben und in Rätseln sprechen, die sich als Vexierbilder verkleiden, Balancen […]

bis 08.09. | #2101ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 2. August 2018 die Gruppenausstellung Berlin Calling. Gezeigt werden Arbeiten auf Papier, kuratiert von Philip Grözinger. Zur Vernissage lädt die Galerie zum Sommerfest mit Cocktails und Grillen. Teilnehmende Künstlerinnen und Künstler: Tom Anholt Samuel Bassett Armin Boehm Fritz Bornstück Hannah Dougherty Farshad Farzankia Robert Fry Philip Grözinger Michelle Jezierski Franziska Klotz Clemens Krauss Manfred Peckl Andrew Salgado Sebastiaan Schlicher Tina Schwarz Joachim Stracke Kristian Touborg Im Sommermonat August freut sich die Galerie Kornfeld, Ihnen mit der Ausstellung „Berlin Calling: Works on Paper“ eine Auswahl von Werken auf und mit Papier zu präsentieren. In enger Kooperation mit dem Berliner Künstler Philip Grözinger zeigen 16 von ihm eingeladene zeitgenössische Künstler Werke, die eindrucksvoll die Vielfalt und den Variantenreichtum im Umgang mit dem Medium Papier zum Ausdruck bringen. Dabei wird gezeichnet, aquarelliert und gemalt, es wird gefaltet, geklebt und collagiert. Figuration steht neben Abstraktion, Expression neben Introspektion, Fülle neben Leere, Bild neben Text, Skizzenhaft-Flüchtiges neben bildhaft Komponiertem. Kleine Formate werden durch größere, sich zu Rauminstallationen ausweitenden Werken kontrastiert. Der Rückgriff auf die jahrhundertealte Tradition des Mediums wird ergänzt durch künstlerische Konzepte, die dem Papier ganz neue Facetten entlocken. Tom Anholt | Manfred Peckl Neben dem […]

bis 19.08. | #2096ARTatBerlin | König Galerie (Chapel) zeigt ab 14. Juli 2018 die Einzelausstellung EDEN der Künstlerin Sabine Moritz. KÖNIG GALERIE freut sich, die erste Einzelausstellung mit Ölgemälden von Sabine Moritz in Berlin zu präsentieren. EDEN stellt neben gegenständlichen Gemälden vor allem die jüngsten abstrakten Arbeiten der Künstlerin in den Mittelpunkt. Die Werke erkunden malerisch Themen wie Wahrnehmung, Erinnerung und Vergänglichkeit. Die Ausstellung gibt zugleich einen Überblick über mehrere Werkgruppen der Künstlerin. So sind ihre frühen Arbeiten über die Kindheitserinnerungen an Lobeda im Bild Tunnel weitergeführt. Neuland ist eines ihrer Gemälde nach Pressefotografien, das hier die Wiederaneignung der Stadt Pribyat bei Tschernobyl durch die Natur zeigt. Aus der über die Jahre kontinuierlich weitergeführten Serie der Blumenstillleben sind Rosen und Schädel, Peonien und Mäuse sowie Rosen und Lilien gezeigt. Zu ihren Stillleben sagt Moritz: »Ich zeichne oder male oft Blumen, die ich in meinem Atelier habe — das Bild dieser Blumen ist eine Darstellung der Gegenwart, in der man sich wie in einer Art Tagtraum an etwas Fernes erinnert.« Zwischen den Blumenstillleben und abstrakten Gemälden lassen sich trotz der auf den ersten Blick unterschiedlichen Sujets Gemeinsamkeiten finden. In ähnlicher Weise, wie die Stilleben einen Augenblick auf Leinwand festhalten, halten die abstrakten […]

bis 28.07. | #2099ARTatBerlin | Galerie Buchholz zeigt momentan eine Ausstellung mit den Künstlern Florian Pumhösl und Atsuko Tanaka. Es werden Werke der Künstler Florian Pumhösl und Atsuko Tanaka (Werke aus den späten 60ern bis 2000) gezeigt. Atsuko Tanaka Vernissage: Freitag, 8. Juni 2018, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 8. Juni – Freitag, 28. Juli 2018   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Buchholz – Atsuko Tanaka Ausstellung Florian Pumhösl + Atsuko Tanaka – Galerie Buchholz | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 01.09. | #2094ARTatBerlin | Galerie Berlin zeigt ab 19. Juli 2018 die Ausstellung Erde – Wasser – Licht der Künstler Christoph Bouet und Hans Georg Wagner. Gezeigt werden Malerei von Christoph Bouet und Skulpturen von Hans Georg Wagner. Hans Georg Wagner, (Galionsfigur)“, 2015, Eiche, teilw. gefärbt, geölt, 2015, 154 x 40 x 33 cm Vernissage: Donnerstag, 19. Juli, ab 18 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 19. Juli bis Samstag, 1. September   Bildunterschrift: Hans Georg Wagner, „Tänzerin (Galionsfigur)“, 2015, Eiche, teilw. gefärbt, geölt, 154 x 40 x 33 cm Ausstellung Christoph Bouet + Hans Georg Wagner – Erde – Wasser – Licht – Galerie Berlin | Contemporary Art Zeitgenössische Kunst – ART at Berlin  

bis 27.08. | #2091ARTatBerlin | me Collectors Room Berlin zeigt ab 8. Juli 2018 die Ausstellung „THE LONG NOW – Reflexionen von Zeit und Vergänglichkeit“ in der Lounge des me Collectors Room mit 20 aktuellen künstlerischen Positionen, in denen unterschiedliche Aspekte von Zeitlichkeit zum Tragen kommen. Diese betreffen unseren Zeitbegriff ebenso wie die Muster der Zeitwahrnehmung und nicht zuletzt die Darstellung von Zeit. Die Zeit erweist sich dabei zusehends als offene Größe, die sich in der subjektiven Erfahrung gänzlich anders zeigt als auf den Zifferblättern unserer Uhren. Polaritäten wie Ruhe und Unruhe, Be- und Entschleunigung, aber auch Augenblicklichkeit, Dauer und Vergänglichkeit werden zu zentralen Kategorien. Zeit ist etwas, das uns alle sowohl auf konkrete wie elementare Weise betrifft. Ohne einen Begriff von Zeit scheinen unsere Existenz, wie auch die Vorgänge in der Welt um uns herum nicht denkbar. Zugleich stellt die Zeit ein abstraktes und schwer fassbares Phänomen dar, das ForscherInnen und DenkerInnen, wie auch KünstlerInnen seit jeher beschäftigt. Vor dem Hintergrund einer beschleunigten Moderne und einer medial vermittelten globalen Gleichzeitigkeit stellen sich Fragen nach der Zeit umso dringlicher. Was bedeutet uns die Zeit? Was heißt Gegenwart? Wie lange währt das Jetzt? THE LONG NOW läuft vom 25.03. – 17.06.2018 […]

bis 10.08. | #2086ARTatBerlin | pavlov’s dog präsentiert ab 6. Juni 2018 die Einzelausstellung YUGOMANIA mit Fotografien von Joerg Waehner. Der weiße Putz bröckelt von der roten Backsteinmauer, eine graue Regenrinne verläuft durch das Bild. In diesem Rot, Weiß und Grau klaffen kleine Einschusslöcher. Das Foto wurde auf dem Territorium des ehemaligen Jugoslawien aufgenommen. Damit stehen der Jugoslawienkrieg und der Zerfall des Landes in den neunziger Jahren mit seiner Widersprüchlichkeit und Fragilität symbolisch für die Zeit nach dem Eisernen Vorhang, die zu neuen Abgrenzungen und gesellschaftlichen Verwerfungen geführt hat. Joerg Waehner nähert sich dieser Epoche mithilfe eines erweiterten Fotografiebegriffes. Durch Aufnahmen, Zeichnungen, Texte und Frottagen materialisiert Waehner die historischen Restmengen zu haptischen Bildträgern in einer Art soziologischem Reifeprozess. In YUGOMANIA beeinflusst die Vergangenheit permanent die Gegenwart. Waehner lässt Fotografien von jungen Soldaten aus dem Jugoslawienkrieg mit der auf Grabsteinen gespiegelten Umgebung verlaufen, verbindet Bilder vom ehemaligen Präsidenten Tito mit Landschaften aus einem Kalender. Ein vormaliges Landesschild von Jugoslawien wurde schlicht mit „Slowenien“ überschrieben. Abgepaust bringt Waehner diese Erinnerung zum Vorschein. Auf diese Weise schiebt sich in YUGOMANIA ein Bild in das Nächste, um die verdrängten Schichten des Krieges freizulegen. Chiara Thies Vernissage: Donnerstag, 5. Juli 2018, 19.00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 6. Juli […]

bis 02.10. | #2085ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi präsentiert ab 25. August 2018 die Ausstellung „Paintings“ mit Malerei der Künstlerin Tiina Heiska. „Ich habe so etwas wie eine Vision, weil es ein Ziel geben muss, aber immer kommt es anders. Eigentlich suche ich nach dem Moment, in dem ein Gemälde seinen eigenen Weg zu finden beginnt und mir eine Orientierung weist. Es ist ein langer, chaotischer und bewegter Prozess, in dem das ursprüngliche Motiv unterschiedliche Fassungen annimmt oder sich sogar vollkommen verändert.“ Tiina Heiska, Mai 2018 Galerie Pugliese Levi zeigt die erste Einzelausstellung der finnischen Künstlerin Tiina Heiska in Deutschland. Tiina Heiska beschreibt in ihren Gemälden die conditio humana, unsere Beziehungen zu uns selbst und der Existenz. Heiskas Frauenfiguren nehmen Anleihen bei fotografischen und filmischen Situationen, sie sind geheimnisvoll und manchmal beunruhigend. Planvoll und mit sicherer Hand baut Heiska eine dramatische Spannung auf. Breite Pinselstriche bezeugen den Schöpfungsmoment des Gemäldes. Die Farben sind minimalistisch und monochromatisch, dennoch zugleich kraftvoll, sie geben Szenen Licht, welche sonst häufig von Dunkelheit erfüllt sind. Mit Ähnlichkeiten zu Alice im Wunderland evozieren Heiskas Figuren, oder die bloßen Spuren ihrer Bewegungen, sehr weibliche Zustände. Das kleine Mädchen und die erwachsene Frau, Unschuld und Sinnlichkeit, Kinderspiele und Träume, Ängste der Erwachsenen, Begehren und Fantasien wechseln einander ab und vermischen sich auf überraschende Weise. Tiina Heiska, From the series The Pond, 2013, 160 […]

bis 31.07. | #2081ARTatBerlin | Galerie JeanMichelBerlin zeigt ab 6. Juli 2018 die Ausstellung „BELLES DE NUIT“ mit Fotografien (Portraits und Akte) von Carl Kolb. Der in Heidelberg lebende Fotograf Carl Kolb zeigt Porträts und Akte. Musisch, poetisch, sinnlich, erotisch, eine Hymne auf die weibliche Schönheit. Carl Kolb – Victoria Carl Kolb – Dana Carl Kolb – Chloe Rose Vernissage: Donnerstag, 5. Juli 2018, 19:00 bis 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 6. Juli bis Dienstag, 31. Juli 2018   Bildunterschrift Titelbild: Carl Kolb, Chloe Rose Ausstellung Carl Kolb – Galerie JeanMichelBerlin | Zeitgenössische Kunst | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin | Kunst in Berlin – ART at Berlin       

bis 31.08. | #2075ARTatBerlin | rk – Galerie für zeitgenössische Kunst im Rathaus Lichtenberg zeigt ab 11. Juli 2018 die Gruppenausstellung HEIM_Spiel Lichtenberg der vom Frauenmuseum Berlin e.V. entwickelten Ausstellungsreihe mit verschiedenen Künstlerinnen des Bezirks Lichtenberg. Es ist schon immer ein besonderes Anliegen der rk- Galerie für zeitgenössischen Kunst, professionellen Künstlerinnen und Künstlern, die im Bezirk wohnen und arbeiten, ein Podium zu bieten, eine Möglichkeit zu schaffen, ihre künstlerischen Arbeiten der Öffentlichkeit in ihrem „HEIM“ zu präsentieren. Auf die Ausschreibung zu dieser Ausstellung haben sich zahlreiche Künstlerinnen beworben. Neun Künstlerinnen, die in Lichtenberg leben oder ihr Atelier im Bezirk haben, wurden durch eine Jury ausgewählt, ihre Kunstwerke zum Thema zu präsentieren. Heim_Spiel ist eine vom Frauenmuseum Berlin e.V. entwickelte Ausstellungsreihe, die über einen Zeitraum von mehreren Jahren in verschiedenen Berliner Bezirken realisiert wird und zu einer Auseinandersetzung mit dem Themenfeld „Heim“ einlädt. Idee der Reihe ist es, jeweils den Künstlerinnen eines bestimmten Bezirkes eben dort auch ein Forum zu bieten. Eine Karriere im Kunstbetrieb ist, vor allem Frauen mit Kindern, eher selten beschieden. Sie müssen mehr leisten, mehr arbeiten, offensiver und „besser“ sein als ihre männlichen Kollegen, um als professionelle Künstlerinnen wahrgenommen zu werden. Besonders in den letzten Jahren befindet sich […]

bis 11.08. |#2074ARTatBerlin | Galerie Dittmar päsentiert ab 27. Juni 2018 „Lissabon“ – Fotografien von Tina Deininger + Gerhard Jaugstetter. Der Ausgangspunkt für diese Fotografien war die Beschäftigung mit dem portugiesischen Schriftsteller Fernando Pessoa, der das Wesen und die Geschichte seines Landes, besonders Lissabons und seiner Menschen immer wieder in dichten Bildern beschworen hat. Das forderte die Fotografen Tina Deininger und Gerhard Jaugstetter heraus, auf ihre Weise diesen Spuren nachzugehen. Die Bilder fangen, frei von allem rein Dokumentarischen oder Anekdotischen, Momente ein, die eine Grundstimmung, ein bestimmtes Sentiment spiegeln. Zu der Authentizität, der sich die Fotografen verschrieben haben, gehören auch die verwendeten klassischen fotografischen Verfahren. Es spielt viel Schattiges, Nächtiges hinein, das metaphorisch zu lesen ist und zudem, wörtlich genommen, vor allen inhaltlichen Bezügen eine technische Herausforderung für die Fotografen bedeutete. Fern jeder Inszenierung, aber von großer formaler Sicherheit, verdichten sich die Bilder zu Tableaus von nahezu sinnbildlicher Kraft. Das Lebensgefühl, dem Ausdruck gegeben wird und etwas Zeitloses, eine historische Tiefenschicht anklingen lässt, hält sich frei von jeder Nostalgie. Das alles ist dem Lissabon nah, wie Pessoa es sah, sich erwanderte und imaginierte und als Projektionsfläche für seine inneren Reisen nahm. Die braungetonten Barytabzüge geben der hier vorherrschenden melancholischen Stimmung Ausdruck. […]

bis 19.08. | #2072ARTatBerlin | KÖNIG GALERIE präsentiert ab 30. Juni 2018 die Ausstellung „Subversive Praktiken“ des Künstlers Andreas Mühe im größten Raum der Galerie, dem Hauptschiff der ehemaligen Kirche St. Agnes. Andreas Mühe unterwandert seine Bilder. Er stürzt Bedeutungen und zerstört Erwartungen. Bestehende soziale Ordnungen werden von ihm  neu arrangiert, Hierarchien bagatellisiert und Autoritäten um- bzw. weggedreht. Seine Tätigkeit findet im Verborgenen statt, denn er untergräbt Bedeutungen, verändert ihren Sinn und wechselt in den Perspektiven. Offene und versteckte Propaganda münzt er um, ordnet Gruppen in ungewohnten Formationen. Diversion ist sein Geschäft und in Subordination ist er geübt. Er beherrscht die Sprache der Macht und der Mächtigen und führt sie in seinen Bilderwelten vor, indem er sich ihrer perfektionierten Ideologie bedient. Zwischen der Mauerschau, einem Begriff aus dem Theater, bei der Schauspieler Dinge beschreiben, die sie angeblich sehen und die sie in die Lage versetzen, gleichzeitig ablaufende Ereignisse auch zugleich zu behandeln, und dem sogenannten Botenbericht, der vergangene Vorgänge in die Gegenwart holt, wechselt er mühelos. Sein Ziel ist, die Macht der Bilder im Auge des Betrachters zu zerstören. Vernissage: Freitag, 29. Juni 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 30. Juni bis Sonntag, 19. August 2018   Bildunterschrift: Andreas Mühe, Empfang Antonio […]

bis 28.07. | #2069ARTatBerlin | H ART MANN GALLERY zeigt ab 30. Juni 2018 die Ausstellung „Gemächer“ mit Werken der Künstlerin Marianne Stoll. Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Kunstfreundinnen und Kunstfreunde, am letzten Wochenende vor Beginn der Sommerferien in Berlin freue ich mich, Sie zur nächsten Vernissage herzlich einladen zu dürfen am Freitag, 29. Juni 2018 von 19.00 bis 21.00 Uhr. Mit dem Titel Gemächer werde ich Ihnen Arbeiten von Marianne Stoll präsentieren. Erste Eindrücke vorab finden Sie unter www.marianne-stoll.de Alle weiteren Informationen entnehmen Sie bitte der beigefügten Einladung. Auf Ihr Kommen freut sich und grüßt bis dahin herzlich Reinhold Hartmann Vernissage: Freitag, 29. Juni 2018, 19.00 bis 21.00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 30. Juni bis 28. Juli 2018   Bildunterschrift: Marianne Stoll Gartenhaus III 2017 Öl- und Acrylfarbe auf Papier 70 x 100 cm Ausstellung Marianne Stoll – H ART MANN GALLERY | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin | Galerien Berlin | ART at Berlin    

bis 07.07. | #2065ARTatBerlin | ALEXANDER OCHS PRIVATE zeigt ab 7. Juli 2018 die Gruppenausstellung WHERE HAVE ALL THE FLOWERS GONE?.   Der Dichter und Publizist Johann Georg Jacobi schrieb 1782 ein Gedicht: Sagt, wo sind die Veilchen hin. Der amerikanische Songwriter Peter Seeger schrieb 1955 ein Lied mit dem Titel Where Have All The Flowers Gone, das im letzten Jahrhundert zu einem der bestimmenden Anti-Kriegs-Songs wurde. Peter, Paul und Mary, Joan Baez, Nana Mouskouri, Chris de Burgh und viele andere sangen es; das Musikprojekt 1000 Days 1000 Songs veröffentlichte das Lied auf seiner Website im Februar 2017 als Protest gegen die Politik des US-Präsidenten Donald Trump. Oliver Mark, Hearts of Beauty, 2016, 45 x 60 cm, Kodak Endure Metallic Print auf Alu-Dibond, Ed. 5 + 2 AP Courtesy Artist and ALEXANDER OCHS PRIVATE Der deutsche Liedtexter Max Colpet übersetzte Seegers Song Ende der 1950er Jahre ins Deutsche und orientierte sich dabei auch am Rhythmus des Gedichts von Johann Georg Jacobi. 1962 wurde die deutsche Version Sag mir wo die Blumen sind ein erstes Mal von Marlene Dietrich gesungen, die es auch in englischer und französischer Sprache interpretierte. Der Song wurde zum Welterfolg. Karsten Konrad, Flowers, 2018, 105 x 30 x 23 cm, Stahl, Aluminium, beschichtete Spanplatte Courtesy Artist and ALEXANDER OCHS PRIVATE Sag mir […]

bis 31.07. | #2132ARTatBerlin | Andreas Reinsch Project zeigt ab 23. Juni 2018 eine Ausstellung mit Malerei des Künstlers Roland Eiszmann. Es ist pure Malerei – und eine nicht enden wollende Suche – Malerei als Prozess. Farbschichten legen sich übereinander, gleich polyphonen Kompositionen. Doch immer wieder wird das bereits für fertig Erachtete hinterfragt, zerstört, übermalt und verdichtet. Und über lange Zeiträume wachsen so die großformatigen Tafeln wie lebendige Organismen in den Raum, Jahresringe, und verkrusten sich schließlich zum Relief. – Gefrorene Zeit. Diese Materialität ist wesentlich für den Schaffensprozess: die Farbe wird mit bloßen Händen rhythmisch aufgetragen und sinnlich erfahren. Im Ergebnis haben sich die Bilder von der lesbaren Bildwelt gelöst, ohne abstrakt zu sein. Sie erinnern an Landschaften, an innere, seelische Landschaften (und wollen eigentlich nur Musik sein). Vernissage: Samstag, 23. Juni 2018, 19:00 bis 21:30 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 23. Juni – Dienstag, 31. Juli 2018   Bildunterschrift: Courtesy by Andreas Reinsch Project – Roland Eiszmann Ausstellung Roland Eiszmann – Andreas Reinsch Project | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 15.07. | #2061ARTatBerlin | Galerie Verein Berliner Künstler (VBK) präsentiert ab 23. Juni 2018 die Einzelausstellung des diesjährigen Preisträgers des Kunstpreises des VBK – Benninghauspreis 2018 – Detlef Suske. Neben weiteren Arbeiten des Künstlers werden in der Ausstellung unter dem Titel ANTHROPOZÄN die Fotoarbeiten aus der Serie “Pomonas Kabinett“ 2017 des Künstlers gezeigt, aus der das Preisträgerwerk “ Birne aus Pomonas Kabinett“, Ed.1/9, prämiert wurde. Zum Radiobeitrag des rbb Kulturradio bitte hier klicken: https://www.kulturradio.de/av/programm/das_portrait/2018/das_portrait_7380.html  Foto © Detlef Suske, “ Birne aus Pomonas Kabinett“, Ed.1/9, Fine Art Print auf Hahnemühle-Büttenpapier, 35 x 35 cm Der Kunstpreis des VBK, gestiftet von den Mäzenen Barbara und Michael Benninghaus, wird jährlich an einen Künstler oder eine Künstlerin des Vereins Berliner Künstler vergeben. Mit dem Preis wird ein Werk ausgezeichnet, das stellvertretend für das Gesamtschaffen des Künstlers steht. Der diesjährige Kunstpreis des VBK ging am 26. Januar 2018 an den Künstler Detlef Suske. Die externe Fachjury im Jahr 2018 bildeten Frau Dr. Carola Muysers, Herr Martin Bayer und Herr Dr. Martin Steffens. Begründung der Jury Die Arbeit von Detlef Suske überrascht durch Schlichtheit und einen daran geknüpften Erkenntnisprozess, der die Betrachtenden einlädt eine Reise ins ausgehende 18. Jahrhundert und zurück in die Gegenwart. Der Augenschein […]

bis 31.07. | #2058ARTatBerlin | Daniel Marzona präsentiert ab 15. Juni 2018 die Ausstellung „Coulda Woulda Shoulda“ der Künstlerin Sofia Hultén. Daniel Marzona freut sich, die zweite Einzelausstellung von Sofia Hultén mit neuen Arbeiten in der Galerie zeigen zu dürfen. Die Arbeiten von Sofia Hultén sind getrieben von einer experimentellen Auseinandersetzung mit den Dingen, denen wir im Alltag begegnen. Hulténs rauhe Objekte stammen meistens aus zweiter Hand, online bezogen oder auf der Straße gefunden. Sie tragen in sich Spuren eines früheren Lebens, deuten auf das verborgene Potential und die parallelen Möglichkeiten ihrer kompositorischen Neugestaltung. Ihre Materialien erscheinen oft als Fragmente eines breiteren Aktivitätsrahmens, ähnlich einem Kapitel aus einer längeren Geschichte. In ihren Arbeitsprozessen gelingt es Hultén, gewohnte Strukturen der Wahrnehmung zu umgehen und gleichsam unerkannte Dimensionen in Alltagsgegenständen zu offenbaren. Viele ihrer Arbeiten sind knifflige, manchmal humorvolle Demonstrationen darüber, wie Kunst, oft mehr als Philosophie oder Wissenschaft, zwischen abstraktem Denken und ästhetischer Erfahrung vermitteln kann. Eine neue Werkserie mit dem Titel Pattern Recognition widmet sich den Motiven von Rätseln und ihrer Entschlüsselung. Hultén hängt Werkzeuge und industrielle Materialien, wie Schraubschlüssel oder Metalausschnitte, auf Lochplatten in geometrischer Anordnung. Diese Arrangements sind inspiriert von den “Bongard-Problemen” der Mitte der 1960er Jahre, einer […]