vorerst bis 18.04. | #2720ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens zeigt ab 21. März 2020 die Ausstellung Raum und Hülle des Künstlers Jens Hausmann. Die Ausstellung ist virtuell als 3D Tour (GALLERY VISIT) zu besuchen. Der Berliner Maler Jens Hausmann ist seit vielen Jahren einer der auffälligsten mitteleuropäischen Maler im Themenbereich der Architektur. Wobei bereits dieses Label etwas irreführend ist, denn Hausmann geht es um Malerei nicht um Architektur. Er ist im Besten Sinne ein Konstruktivist, denn seine Architekturen und Bildräume sind Konstruktionen. Viele seiner architektonischen Formen basieren zwar auf realen Gebäuden, aber diese Gebäude sind lediglich der Auslöser zur Gestaltung eines Bildes. Seine Szenarien sind konstruierte Realität – kein Abbild einer Realität. Obwohl mit den Landschaftsausschnitten und Vegetationen, die seine Bilder bevölkern, in gewisser Weise ein romantisches Element aufzuscheinen scheint, ist diese Konfrontation Kultur-Natur nicht im Sinne der Romantik zu verstehen. Denn Hausman macht in seinen Bildern deutlich, daß auch die Natur nicht mehr das vom Menschen unabhängige Andere und damit das Gegenteil von Kultur bildet, sondern im Zeitalter des Anthropozän selbst bereits „kulturell kontaminiert“ ist und längst nicht mehr unabhängig vom Menschen existiert. Selbst in den tiefsten Tiefseegräben, im Ewigen Eis und auf den Gipfeln der Berge sind die […]

bis 04.04. | #2716ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin zeigt ab 20. März 2020 die „Strippenausstellung“ mit den Künstlern Uwe Paulsen & Emil Päffel, Achim Maaz, Norbert Backner, und den Künstlerinnen Concetta Cassarà, Thi Thu und Katinka Kaskeline. Nach schwerem Wasserschaden präsentiert Galerie ART CRU Berlin in einer „Strippenausstellung“ Werke zu stark reduzierten Preisen. Während der Installation hat die Galerie auch sonntags geöffnet. Am 04.11.2019 musste die gemeinnützige Galerie für 3 Monate die Türen schließen. Ein Nachbar hatte beobachtet, wie Wasser aus der Eingangstür herausströmte. Nachdem Polizei und Feuerwehr das bis 20 cm stehende Nass abgepumpt hatten, bot sich Galerieleitung und Team ein schrecklicher Anblick. Dutzende Bilder, gelagert in Mappen, waren völlig durchnässt. Außerdem waren weitere Werke, die zur Hängung am nächsten Tag auf dem Boden platziert waren, ein leichtes Opfer für das Wasser. Nach Sichtung und Einschätzung des Unglücks wurde klar, dass der Galerie ein enorm hoher finanzieller Schaden entstanden war. Es folgten wochenlange Aufräumarbeiten: Auspacken, Trockenlegen, Pressen mit saugfähigen Löschkartons. Papierarbeiten wurden zum Teil auch auf Wäscheleinen zum Trocknen in der Galerie aufgehängt. Installationsansicht,Strippenausstellung, Galerie ART CRU Berlin Für die „STRIPPENAUSSTELLUNG“ werden Arbeiten einiger Galerie-Künstler*innen in einer raumgreifenden Installation präsentiert. In diesem großen SALE werden Bilder, die durch […]

bis 15.03. | #2714ARTatBerlin | Robert Morat Galerie präsentiert ab 11. März 2020 die nur wenige Tage zu sehende Ausstellung »Wer bist du?« des Fotografen Florian Jaenicke. In diesem Zeitraum findet am 13. März die Buchpremière statt. „Oft starren wir Friedrich lange an, weil wir nicht glauben können, dass seine großen Augen uns nicht sehen können. Weil dort wo die Bilder im Gehirn entstehen, es ständig blitzt und donnert.“ In seiner Fotokolumne im ZEITmagazin gewährte Florian Jaenicke seit Anfang 2019 Millionen ZEIT-Leser*innen jede Woche Einblicke in das Leben mit seinem mehrfach-schwerstbehinderten Sohn Friedrich. Im Buch zur Kolumne beschreibt Jaenicke so sensibel wie respekt- und liebevoll, wie sich das Leben mit einem Kind anfühlt, das nicht sprechen oder Augenkontakt halten kann. Eine Lektüre, die Perspektiven verschiebt – und lehrt, was Glück bedeutet. Für Friedrich: die Beatles und Schweinsbraten. Für seine Eltern: die Liebe zu Friedrich. Friedrich, Foto: Florian Jaenicke Vernissage: Dienstag, 10. März 2020, 18:30 – 21:00 Uhr Buchpremiere:Freitag, 13. März um 18:30 Uhr gemeinsam mit Christoph Amend, Chefredakteur des ZEITmagazin (ABGESAGT!) Ausstellungsdaten: Mittwoch, 11. März bis Sonntag, 15. März 2020 Finissage: Sonntag, 15. März 2020, 15:00 Uhr – Florian Jaenicke führt durch die Ausstellung   Ausstellung Florian Jaenicke – Robert Morat Galerie […]

bis 29.04. |#2710ARTatBerlin | Galerie Dittmar zeigt ab 13. März 2020 die Ausstellung „Die siebziger Jahre“ mit Arbeiten auf Papier von Gerhard Altenbourg, Georg Baselitz, Rudolf Englert, Georg Frietzsche, Joan Hernández Pijuan, Imi Knoebel, Arnulf Rainer, Aldo Rossi, Gottfried Salzmann, Ernesto Tatafiore und Hannsjörg Voth. Die siebziger Jahre des 20. Jahrhunderts nehmen in der Kunst eine herausgehobene Position ein. In den späten sechziger Jahren entwickeln sich neue Kunstströmungen, wie die Konzeptkunst, interdisziplinäre und prozesshafte Verfahren; auch die zuvor wenig beachtete Fotografie findet jetzt Eingang. Ein Gründungsdokument für den erweiterten und dann beliebigen Kunstbegriff ist Joseph Kosuths Programmschrift „Art after Philosophy“ von 1969. Der Begriff der Avantgarde bleibt zur Absicherung weiter als „metahistorische Kategorie“ (Christian Demand) im Gebrauch. Gleichzeitig erlebt das Bild, die Malerei, das Medium Papier, eine große, wenn auch nicht, wie vorerst anzunehmen, letzte Blüte. Ernesto Tatafiore, Les souvenirs, 1974, Aquarell, Bleistift, Collage, 24,5 x 34,5 cm In den siebziger Jahren werden, je nach den individuellen Voraussetzungen, oft entweder die wesentlichen Grundlagen für das Weitere gelegt, erste herausragende Arbeiten vorgestellt oder wichtige, zum Teil entscheidende Werkübersichten geschaffen. Auch die nachfolgende Generation konnte in vielfältiger Weise auf diesem Fundament aufbauen. Die maßlose Übersteigerung in allen Bereichen des Kunstgeschehens in den […]

bis 18.04. | #2707ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts zeigt ab 7. März 2020 die Ausstellung Space Lips mit Skulpturen und Collagen der Künstlerin Katja Strunz. Die Gegenwart der Vergangenheit ist Katja Strunz’ Thema, Faltung ihre Methode, Metall und Papier sind ihr Material. Es geht in ihrem Werk darum, von A nach B zu kommen – was es bedeutet, warum wir es für so wichtig halten. Es geht um die Beziehung zwischen Zeit und Raum. Um dieses so einschüchternde Kontinuum! Der traumatisierte Körper faltet Zeit. Traumatische Erfahrungen werden nicht wie Erinnerungen verarbeitet, sie bleiben im Körper haften, werden dort konserviert. Bessel van der Kolk beschreibt in seinem Bestseller The Body Keeps the Score von 2014, wie sich das Trauma „in den Bereich des Gehirns einschreibt, welcher für das körperliche Empfinden, lebendig zu sein, verantwortlich ist“, und enthüllt so die physische Dimension, die das kontinuierliche Wiedererleben der Vergangenheit hat, welches Menschen belastet, die unter posttraumatischer Belastungsstörung leiden. In der Gegenwart nehmen die Überlebenden ihre Traumata als fragmentierte Bilder, Geräusche und Emotionen wahr, die das Gehirn nicht als der Vergangenheit zugehörig registrieren kann. Mit in sich verwinkelten Formen und Falten gibt Strunz Risse und Einbrüche wieder. Widerständiges Metall faltet sich in feinen Konturen von neutraler […]

bis 18.04. | #2704ARTatBerlin | Galerie aKonzept und Raphael Lévy präsentieren ab 6. März 2020 die Einzelausstellung „Unterschwellige Bilder“ des Künstlers Jiří Valoch. „Unsere Ausstellung kann weder den Anspruch erheben, Valochs produktives Werk zu erklären, noch kann sie es in den politischen und künstlerischen Kontext seiner Zeit stellen. Doch das, was wir ausstellen, fasst das Wesen seines Werkes wohl gut zusammen, das darin besteht, dem Leben einen Sinn zu entnehmen und ihn zu teilen. Es ist nicht schwer, sein Werk zu verstehen, das trotz seiner grafischen Reduktion großzügig ist, weil es seine Interpretation für alle offen lässt. Seine Werke beleben unsere Gedanken, so dass sie ein Lächeln und die Freude provozieren, sich in Räumen zu verlieren, die uns schnell vertraut werden, auch wenn wir noch nie dort waren. Seine Werke sind freudig-ernst und tiefgründig. Sie gleichen einem Freund, der uns mit ein oder zwei Worten einen Gedanken vorschlägt, den wir uns zu eigen machen. Wie als 1973 Valoch “fragment of a book that does not exist” auf ein einziges Blatt druckte, das gleichzeitig der Titel des Werkes ist. Jiří Valoch tut uns gut.“ Raphaël Lévy fragment of a book that does not exist. 1972. Text auf einem Blatt Büttenpapier gedruckt, […]

bis 03.05. | #2701ARTatBerlin | Bermel von Luxburg Gallery zeigt ab 6. März 2020 die Gruppenausstellung MATERIA mit abstrakten Werken von acht Künstler*innen. Die Gruppenausstellung mit dem Titel MATERIA präsentiert folgende internationale abstrakte Künstler: Thomas Canto, Fred Eerdekens, Uli Fischer, Benjamin Herndon, Lew Khesin, Nadège Mouyssinat, Robert Pan, Olaf Schirm Olaf Schirm, Swarm, 40 x 161 x 48 cm, Mixed Media, 2019 Bei der Ausstellung MATERIA geht es um Künstler, die die gleiche formelle künstlerische Sprache der Abstraktion teilen. Ihre Forschungen, ihre Ansätze, ihre Produktionsmethoden und die Verwendung von diversen Materialien zur Darstellung der Abstraktion sind jedoch vielfältig und einzigartig. Bermel von Luxburg Gallery feiert mit dieser Ausstellung ihr zweites Jubiläum: „Wir möchten allen Künstlern, Sammlern und Freunden für ihre unglaubliche und großzügige Unterstützung danken. Ohne euch Alle wäre dies nicht möglich! Wir hoffen, Sie alle persönlich zu sehen. Mit herzlichen Grüßen, Aleksandra von Luxburg & Mario Bermel“ Vernissage: Donnerstag, 5. März 2020 von 18 bis 21 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 6. März bis Sonntag, 3. Mai 2020   Ausstellung MATERIA – Bermel von Luxburg Gallery | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 05.04. | #2698ARTatBerlin | König Galerie (Nave) zeigt derzeit die Ausstellung THE REAL EXTENT mit Werken der Künstlerin Jorinde Voigt. Die KÖNIG GALERIE präsentiert mit The Real Extent eine Ausstellung mit neuen Werken von Jorinde Voigt, die vom 21. Februar bis zum 5. April 2020 in der NAVE in St. Agnes Kirche zu sehen ist. Es ist bereits die vierte Einzelausstellung von Voigt in der Galerie. Die Werke in The Real Extent umfassen eine neue Serie von frei hängenden Arbeiten sowie neuere Arbeiten auf Papier und setzen die Untersuchungen der Künstlerin zum Prozess der Wahrnehmung fort. Jorinde Voigts Zeichnungen und skulpturale Arbeiten entwickeln rigorose, eigenwillige Systeme, um darzustellen, wie sich die innere Welt der persönlichen Erfahrung, Emotion und Erinnerung mit den äußeren Verhältnissen überschneidet. Die fortlaufende Serie Immersive/Integral artikuliert ein sich ständig erweiterndes Formenlexikon: Notizen, schnell geschwungene Linien, gezackte Ausbrüche von Blattgold und rhythmische vertikale Striche. Ein immer wiederkehrendes Motiv in der Serie ist der Torus, ein mathematisches Objekt in der Form eines Donuts, das keine klare Grenze zwischen innen und außen aufweist. Für den französischen Psychoanalytiker Jacques Lacan veranschaulicht die Topologie dieser Form, dass das Unbewusste nicht nur ein inneres psychisches System, sondern von Natur aus intersubjektiv ist. […]

bis 28.03. | #2695ARTatBerlin| Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung zeigt ab 21. Februar 2020 im backstage der Galerie eine kleine Auswahl von Papierarbeiten von Jana Troschke.  Zeitgleich eröffnet on stage die Wichtendahl Galerie die Ausstellung Alexandera Deutsch | Eva Walker – Objekte, Radierungen, Zeichnungen. Jana Troschke startete ihr Künstlerinnenleben nicht als Zeichnerin. Nach einer langen Phase als Malerin großformatiger Bilder, in der auch grafische Arbeiten immer eine Rolle spielten, zeichnet sie seit 2014 ausschließlich. Formgebilden aus ihrem alltäglichen Sehen geht sie beim Zeichnen nach. Mit Collage- oder Schablonenfragmenten treibt sie die Entwicklung auf den Blättern spielerisch voran. Durch Überlagerungen von strukturierten Feldern und Farbflächen entsteht oft eine Verräumlichung. Regelmäßigkeiten erfundener Ordnungen verwandelt sie durch freie Formengefüge – die Künstlerin setzt den Fluss des Zeichnens in Gang. Jana Troschke, 1973 in Münster geboren; 1993–1997 Studium Fachrichtung Bildhauerei an der AKI, Akademie für bildende Kunst, Enschede, NL; 2018 u. 2019 Lehrauftrag für das Fach Zeichnung an der Universität Dortmund; lebt und arbeitet in Schildow bei Berlin. 4.3.2019, Tusche, 50,5 x 36 cm Ausstellungen (Auswahl) 2019 Offenes Atelier, Schildow, René Farber, Jana Troschke 2018 paperfile #14, Galerie oqbo, Berlin; Punkt Trifft Linie, Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung, Berlin 2017 […]

bis 18.04. | #2692ARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin zeigt ab 22. Februar 2020 die Einzelausstellung der Künstlerin Elisabeth Vary. Elisabeth Vary baut als Bildträger geometrisch klar konstruierte Körper. Diese Gebilde, Malgründe, die zu Malstücken werden, dienen ihr als Basis für gemalte Farbe. „Das Andere definiert und entwickelt sich aus dem Einem“, so Elisabeth Vary. Elisabeth Vary | Ohne Titel | Untitled | 2009 | zweiteilig | two-partite |  Ölfarbe auf Karton | Oil on cardboard | 20 x 26 x 26,5 cm | Photo: Marcus Schneider   Elisabeth Vary | Ohne Titel | Untitled | 2018 / 2019 | zweiteilig | two-partite | Ölfarbe auf Karton | Oil on cardboard | 16 x 27 x 26 cm | Photo: Marcus Schneider Die Farbe steht im Dialog mit dem konstruierten Körper und entsteht im Malprozess zunehmend autonom und wird selbst zum Körper. In diesem Sinn erlangt die Farbe ihr ganz diesseitiges Eigenleben, mal pastos oder opak, mal transparent, graduell in allen denkbaren Verdichtungen. Der Farbverlaufs-, -ablagerungsprozess steht unter ständiger Beobachtung der Künstlerin, wird mitunter überarbeitet, neu in Gang gesetzt, rythmisiert und somit zu einem kontinuierlichen Malvorgang. Elisabeth Vary | Ausstellungsansicht 2020 | Exhibition view 2020 | Courtesy Elisabeth Vary & kajetan Berlin 2020 | Photo: Marcus Schneider Elisabeth Vary | […]

bis 21.03. | #2689ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt ab 22. Februar 2020 die erste gemeinsame Ausstellung von Sven-Åke Johansson und Thomas Kapielski. Die Eröffnung der Ausstellung ist zugleich LP-Release: SÅJ / TK – Das Moabiter Duo/recovered, erschienen im Fantôme Verlag, und Video-Premiere: SÅJ / TK – Live at Korrekt. Auf der von Frieder Butzmann abgemischten und gemasterten LP ist ein bisher unveröffentlichter Konzertmitschnitt von 1983 zu hören. Gemeinsame Auftritte von Kapielski und Johansson fanden seinerzeit in Clubs wie dem Korrekt (Alt-Moabit, Berlin) statt oder auch ‒ im Rahmen der damals von Heiner Goebbels und Christoph Anders initiierten experimentellen Konzertreihe „Materialausgabe“ ‒ in der Frankfurter Batschkapp. Kapielski verfremdete mit Alltagsgegenständen erzeugte mechanische Geräusche auf seinem elektronischen Equipment, was, in seinen eigenen koketten Worten, „stockhausisch-genialisch“ rüberkam. Johansson erkundete das Soundspektrum von Schuhspannern, schlug mit Handtüchern um sich, griff zu seinem mit einem Rückspiegel versehenen Akkordeon und spielte natürlich nicht zuletzt sein frappierendes Schlagzeug. Thomas Kapielski als bildender Künstler, studierter Geograf und Philologe, Dozent, Musiker und Literat ist schon lange kein Geheimtipp mehr, dessen (selbst-) ironische und kunstbetriebskritische Alltagsbeobachtungen sich Eingeweihte weiterempfehlen. Doch seine abseitigen, grotesk-subversiven Kommentare und hintersinnigen Objekte und Fotografien sorgen nach wie vor für Furore. Sven-Åke Johansson – Plattenspieler, […]

bis 21.03. | #2686ARTatBerlin | drj art projects präsentiert ab 13. Februar 2020 die Ausstellung lesen mit Werken der Künstlerin Daniela Comani und des Künstlers Carlo Battisti. lesen heißt die erste Ausstellung des gerade begonnenen Jahrzehnts bei drj art projects. Zu sehen ist eine Gegenüberstellung neuer Arbeiten der beiden italienischen Künstler*innen Carlo Battisti und Daniela Comani. Beide collagieren auf ganz eigene Weise über lange Zeit zusammengetragene Inhalte zu neuen und verdichteten Kompositionen. The Beginning, The End  ist der Titel des neuen, für diese Ausstellung fertiggestellten Beitrags von Daniela Comani [*1965 in Bologna]. Hierbei handelt es sich um eine von der Künstlerin über viele Jahre hinweg zusammengetragene Sammlung ausgewählter Zitate der klassischen Belletristik und B-Fiction, die in ein neues, aus zwei Teilen bestehendes Werk münden. Hierbei verfolgt Daniela Comani mehrere konzeptuelle Ansätze und diverse Überarbeitungsprozesse. Comani nutzt die Zitate nicht frei, sondern systematisch: es ist immer der erste und der letzte Satz des ausgewählten Buchs. Aus diesen jeweils ersten Sätzen ihrer zunächst in mehreren Sprachen auf Karteikarten festgehaltenen Zitate, arrangiert sie in The Beginning gezielt eine neue, ganz eigene und von ihr bestimmte Geschichte. Ein sehr bewusster Prozess der künstlerischen Aneignung. Um diesen Vorgang noch zu unterstreichen, bedient sie sich eines Kunstgriffs, den sie schon in ihrem international vielbeachteten Werk Ich […]

bis 14.03. | #2678ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 14. Februar 2020 die Ausstellung Strange Days mit Malerei und Zeichnung des Künstlers Daniel Harms. Die Kunst von Daniel Harms (*1980 in Hamburg, seit 2007 in Berlin ansässig) ist inspiriert von vielen Quellen. Auch wenn man vor seinen Bildern zunächst den Eindruck hat, dass Harms‘ Bildsprache dem Graffiti und dem Comic nahe steht, so sind es doch vor allem Bezüge zur Bildenden Kunst, die zur Stilistik seiner Werke beigetragen haben. Seine Bilder entstehen hauptsächlich aus Acryl- und Ölfarben. Das Herz | Öl / Leinwand, 2019, 40 x 30 cm O.T. | 70 x 50 cm, Tinte und Acrylstift auf Papier, 2019 „Die magische Kraft der Bilder der Dresdner Brücke-Künstler fasziniert ihn, ‚ihre Unbekümmertheit und Unverfälschtheit‘. Die Detailfülle der Kunst von Daniel Harms gipfelt in Text-Einsprengseln, die eine tagebuchartige Grundierung […] bilden“ (Christoph Tannert). Aber auch Künstler wie Max Beckmann, Egon Schiele und Francis Bacon zählen zu seinen Vorbildern. Übergänge zwischen ‚High and Low‘ sind also charakteristisch für Daniel Harms‘ Kunst. Die Themen entwickelt der Künstler meist zyklenhaft. War, Rotkäppchen und Mirrors sind Beispiele für solche Zyklen, denen lange Recherchen vorausgehen. André Lindhorst Life and Death | Acryl / Leinwand, 2016, 180 […]

bis 23.05. | #2681ARTatBerlin | Salongalerie Die Möwe zeigt ab 28. Februar 2020 die Ausstellung … aus der Luft mit Werken von Zuzanna Skiba und Werner Drimecker. Gezeigt wird Kunst an der Schnittstelle von Malerei und Kartographie. Die Berliner Salongalerie „Die Möwe“ präsentiert in ihrer neuen Ausstellung „… aus der Luft“ Werke von Zuzanna Skiba und Werner Drimecker, die nicht nur eine mehr als zwei Jahrzehnte lange Freundschaft, sondern auch ihre Tätigkeit als Kartographen verband. Die Kartographie beeinflusste auch ihre künstlerische Arbeit und führte sie zu einer unverwechselbar individuellen Weltsicht und Bildsprache. So setzt sich Werner Drimecker in seinen „Kopflandschaften“ mit dem Erlebnisraum Landschaft und dem Denkraum Kopf auseinander, während Zuzanna Skibas Arbeiten ebenso als Magnetfelder oder Luftbilder wie auch als mentale Landschaften betrachtet werden können. In ihrer ersten gemeinsamen Ausstellung, die vom 28. Februar bis zum 23. Mai 2020 zu sehen ist, treten die Werke beider Künstler in einen wortlosen und dennoch beredten Dialog miteinander. Zuzanna Skiba | Magnetfeld eingebettet | 2012-2014 Bleistift, Fineliner, Firnis auf Pappe | 34 x 35 cm Die Lebenswege von Zuzanna Skiba (*1968) und Werner Drimecker (1928-2011) berühren sich in Bielefeld. Drimecker flüchtet 1950 aus seiner Geburtsstadt Leipzig nach Westdeutschland, Zuzanna Skiba siedelt 1977 als Neunjährige mit ihren Eltern […]

bis 31.03. | #2677ARTatBerlin | aquabitART präsentiert ab 1. Februar 2020 die Ausstellung Breathless, eine Installation des kroatisch-österreichischen Künstlerkollektivs Numen/For Use. Vom 1. Februar bis 31. März 2020 präsentiert die Berliner aquabitArt Galerie die Installation Breathless des Künstlerkollektivs Numen/For Use. Die Ausstellung wird kuratiert von der Galeristin und Architektin Irina Ilieva. Das kroatisch-österreichische Kunstkollektiv Numen/For Use ist eine kontinuierliche Zusammenarbeit zwischen Designer und Szenografen Sven Jonke, Christoph Katzler und Nikola Radeljković. Im Rahmen der Breathless Ausstellung stellt das Kollektiv nun konzeptionelle und mechanistische Modelle vor, die aus ihren groß angelegten Bühnenbildprojekten und Installationsarbeiten abgeleitet wurden. Beide Modelle erweitern das experimentelle Feld der Ausgangsobjekte durch die Einführung eines Elements von lebensähnlichen Prozessen und Rhythmen, die sich in einem orchestrierten Intervall von Bewegung und Gegenbewegung manifestieren – ein strukturelles „Atmen“. Diese Intervention verwandelt ehemals statische Entwürfe in dramaturgische Sequenzen, die nun anders wahrgenommen werden, sobald sie in einer … Lesen Sie den Beitrag mit allen Informationen weiter auf DEEDS.WORLD Vernissage: Samstag, 1. Februar 2020, 19:00 – 22:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 1. Februar – Samstag, 31. März 2020, Öffnungszeiten: Freitag + Samstag, 14:00 – 20:00 Uhr und nach Vereinbarung   Bildunterschrift Titel: Foto © Numen/For Use Ausstellung Numen/For Use | Breathless – aquabitArt Galerie […]

bis 29.03. | #2674ARTatBerlin | Die GalerieETAGE im Museum Reinickendorf zeigt ab 24. Januar 2020 die Ausstellung Eroberung des Raumes mit Werken der Künstlerin Ashley Scott und des Künstlers Daniel Sambo Richter. Mit „Eroberung des Raumes“ zeigt die GalerieETAGE Reinickendorf eine Ausstellung, in der die künstlerischen Positionen Skulptur von Ashley Scott und Malerei von Daniel Sambo-Richter in Dialog zueinander treten. Den Arbeiten ist eine intensive Farbigkeit und kompromisslose Formfindung gemeinsam, ihre Präsenz ergreift Besitz vom umgebenden Raum. Daniel Sambo-Richters dunkle, entmenschlichte Eislandschaften und gepanzerten Samurai thematisieren das von Menschen kreierte Verhältnis von Macht und Ohnmacht. Diese endzeitliche Stimmung in der Malerei trifft auf die offensive Farbigkeit der Skulpturen von Ashley Scott. Diese setzt sich mit Themen wie Identitätsfindung, Diskriminierung und Klassendenken auseinander. Ashley Scott behandelt hier die Geschichte der eigenen Black Historie sowie die Geschichte ihrer Familie, inkludiert Themen wie Sklaverei, Sexismus, Abgrenzung von Minderheiten und Rassendiskriminierung. Die Ausstellung Haare Hüte und Tante Fancie, die im Herbst 2019 auch in der White Square Gallery zu sehen war, zeigt 13 Werke der Amerikanerin Ashley Scott. Ihre reale Tante Fancie, die eigene Familiengeschichte und speziell die Geschichte der Frauen ihrer Familie sind der rote Faden in ihren Werken. Es ist die dritte […]

bis 07.03. | #2671ARTatBerlin | Meyer Riegger präsentiert ab 18. Januar 2020 die Ausstellung „What are you doing the rest of your life?“ der Künstlerin Anna Lea Hucht. Anna Lea Hucht, Ohne Titel, 2019, watercolor on paper, 48 x 36 cm (Photo: Jens Ziehe) Zeitgleich wird die Einzelausstellung „Der Kreis ist rund Die Ellipse ist oval Der Kreis ist kugelrund Der Mensch ist jovial“ des Künstlers Waldemar Zimbelmann eröffnet und ist im selben Zeitraum zu sehen. Vernissage: Freitag, 17. Januar 2020, 18:00 bis 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 18. Januar bis Samstag, 7.  März 2020   Ausstellung Anna Lea Hucht – Meyer Riegger | Contemporary Art – Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 29.02. | #2668ARTatBerlin | Bermel von Luxburg Gallery präsentiert ab 23. Januar 2020 die Ausstellung Winter Salon mit Werken der Künstler Uli Fischer, Jean Dunand, Jean-Michel Frank, Alfred Porteneuve und E. J. Ruhlmann. Im Kabinett wird Arndt Kaestner gezeigt. BvL präsentiert zum ersten Mal den Berliner abstrakten Künstler Uli FISCHER und lädt für den Wintersalon den französischen Kunsthändler und Art Déco-Spezialisten Laurent Guelfucci zur Carte Blanche ein. Somit präsentiert sich eine Einzelausstellung von Uli Fischer entlang prestigeträchtiger Kunstwerke und Möbel von französischen Art Déco Design Meistern wie Jean Dunand, Jean-Michel Frank, Alfred Porteneuve und E.J. Ruhlmann. Im Kunstkabinett werden dem Publikum ausgewählte Werke auf Papier des Berliner Künstlers Arnd Kaestner in Form früher und seltener abstrakter Zeichnungen von 1990 bis 2018 zugänglich gemacht. Jean-Michel Frank, Chair, 1935 Ziel des Winter-Salon ist es, den guten Geschmack des Lebens mit Kunst hervorheben – Kunstwerke und Möbel von feinster Qualität in der einzigartigen Umgebung der Galerie Bermel von Luxburg in der Fasanenstraße. Vernissage: Donnerstag, 23. Januar 2020 von 18 bis 21 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 23. Januar bis Samstag, 29. Februar 2020   Bildunterschrift Titelbild: Uli Fischer, Wohin, 210 x 305 cm, 2015 Ausstellung Winter Salon – Bermel von Luxburg Gallery | Zeitgenössische […]

bis 21.02. | #2665ARTatBerlin | Luisa Catucci Gallery zeigt ab 18. Januar 2020 die Ausstellung In Abwesenheit von binären Gegensätzen mit Werken der Künstlerin Elena Monzo und des Künstlers William Grob. „Post-Anarchismus ist ein Anarchismus, der nicht als eine bestimmte Gruppe von sozialen Arrangements oder sogar als ein bestimmtes revolutionäres Projekt verstanden wird, sondern als eine Sensibilität, ein bestimmtes Ethos oder eine bestimmte Lebensweise und Sicht auf die Welt, die von der Verwirklichung der Freiheit angetrieben wird, die man bereits hat.“ Saul Newman Das Werk des jungen schweizerisch-britischen Künstlers William Grob und das der italienischen Künstlerin Elena Monzo zeichnen sich beide durch eine raue Technik und eine sehr eigentümliche Ästhetik aus. Auch wenn beide Künstler aus unterschiedlichen kulturellen Hintergründen und leicht unterschiedlichen Generationen stammen, scheinen sie die Welt mit der gleichen Linse zu betrachten, wo die Regeln der binären Gegensätze gerne nicht akzeptiert werden. Die binäre Opposition ist die strukturalistische Idee, die die menschliche Neigung anerkennt, in Gegensätzen zu denken. Mit dieser Kategorisierung werden Begriffe und Konzepte tendenziell als positiv oder negativ assoziiert. Derrida, der Vater der Dekonstruktion, argumentierte, dass diese Oppositionen willkürlich und von Natur aus instabil seien, die Strukturen selbst beginnen sich zu überlappen und aufeinander zu prallen […]

bis 16.02. | #2662ARTatBerlin | König Galerie zeigt ab 15. Januar 2020 die Ausstellung ❤ IST EIN TIPPFEHLER mit Werken des Künstlers Robert Janitz. Mit <3 ist ein Tippfehler präsentiert die KÖNIG GALERIE eine ortsspezifische Installation mit neuen Bildern und Skulpturen des New Yorker Künstlers Robert Janitz. Die Ausstellung findet in der Kapelle der KÖNIG GALERIE statt. Man könnte die Arbeit von Robert Janitz als eine Studie der Genealogie der Arbeit bezeichnen. Der Künstler trägt Farbe so auf, wie eine Arbeiterin eine Fliese mit Fugenmörtel bestreichen würde. Angesichts solcher Zwänge könnte die gelangweilte Arbeiterin irgendwann damit beginnen, ihre Kellenstriche zu verfeinern, während sie nach wie vor die Oberfläche der Fliese bedeckt.Im Laufe der Generationen gibt sich das für den Erbfaktor verantwortliche Gen nicht mehr damit zufrieden, einfache Proteinstrukturen zu kodieren, und produziert stattdessen kunstvolle Skelette. Das Auftragen der Farbe nimmt eine knochenähnliche Form an – vielleicht als Illustration der idealen Form, die das Gen verfolgt. Alle Kompositionen in <3 ist ein Tippfehler weisen auf die Sprache hin: Einer Ur-Muschel gleich, bestand auch die frühe Schriftsprache lediglich aus einfachen linearen Strukturen, bis sie dann später, mit der Entwicklung des Sprachorganismus, die Krümmung, die Dichte  und die Asymmetrie einer fortgeschritteneren Lebensform hinzu […]

bis 25.04. | #2659ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 24. Januar 2020 eine Ausstellung mit neuen Bildern der Berliner Malerin Franziska Klotz im Dialog mit Skulpturen der New Yorker Bildhauerin Patricia Ayres. Franziska Klotz malt Landschaften, Figuren oder Strukturen, die sie in der realen Welt beobachtet. Ebenso wichtig wie die Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit und den existenziellen Fragen des Seins sind ihr die Mittel der Malerei selbst: Komposition, Farbe, Form und individueller Ausdruck. Patricia Ayres fertigt Skulpturen aus Stoff und anderen weichen Materialien, die an deformierte Urbilder von Weiblichkeit denken lassen. Die Verletzlichkeit des Körpers wird deutlich, aber auch das Streben des Geistes nach unbedingter Freiheit. „Das Werk von Franziska Klotz befindet sich aktuell in einer spannenden Übergangsphase. (…) Die Dinge entwickeln sich. Ein transitorisches Element macht sich bemerkbar, das die gesamte Ausstellung erfasst. Es handelt sich um einen Wandel, der eine existentielle und eine innerkünstlerische Seite hat. Viele Künster*innen lieben auf leidenschaftliche Weise das Inkognito, das in die Distanzierung weist. Nicht so Franziska Klotz. Sie reagiert in ihren neuen Werken mit einem geschärften Bewusstsein ihrem Leben und ihrer Kunst gegenüber. Wer Klotz’ Bilder zu lesen versteht, wird in ihnen das besondere seelische Moment wahrnehmen, das die private Innenwelt mit […]

bis 15.02. | #2656ARTatBerlin| Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung zeigt ab 10. Januar 2020 die Ausstellung Lichtungen – Gewichtungen mit Werken des Künstlers Kazuki Nakahara. Kazuki Nakaharas engmaschige, lineare Netzwerke – mit Buntstift über großformatige Papiere gezeichnet – ziehen große Aufmerksamkeit auf sich. Auf den ersten Blick nicht zu enträtselnde Zeichen sind seinen meist horizontal fließenden, sich oft überlagernden Linienwelten eingewoben. Diese öffnen sich wiederum zu lang angelegten, ausschweifenden Strukturformationen mit linearen Verdichtungen, die atmosphärisch vorzugsweise Lichtzonen und Strömungen umspielen. Bewegungsmuster werden im Mit- und Gegeneinander, im Zusammenstoßen oder Verschwinden auf von ihm neu eroberten Ebenen der Fläche ausgelotet. Eine bemerkenswerte Weltoffenheit breitet sich zeichnerisch auf den weißen Papieren aus. Dem Künstler wurde am 6. November 2019 der XII. Egmont Schaefer Preis für Zeichnung vom Berliner Kabinett e.V. verliehen. (Preisträgerausstellung in Zusammenarbeit mit der Galerie Parterre Berlin vom 8. Mai bis 28. Juni 2020.) o.T., 2019, Farbstift auf Papier, 124 x104 cm Kazuki Nakahara, 1980 in Kagawa/Japan geboren; 2000-05 Studium an der Yokohama City University; 2005-10 Studium an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee; 2010/11 Meisterschüler bei Hanns Schimansky; Preise (Auswahl) 2017 „Christine Perthen Preis für Radierung“, Berlinische Galerie, Berlin; 2013/14 Studienaufenthalt in London (Pola Art Foundation,Japan); 2011 „Mart Stam Förderpreis“, […]

bis 22.02.| #2653ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte präsentiert ab 18. Januar 2020 die Gruppenausstellung Haptic Feedback mit Werken von neun verschiedenen Künstler*innen. Als erste Ausstellung im neuen Jahr zeigt die Galerie Thomas Schulte Arbeiten von neun Künstler*innen, die unsere sich verändernde Wahrnehmung von Wirklichkeit, Identität sowie einen Wandel im mentalen Raum erkunden. Haptic Feedback behandelt unser sich unter dem Einfluss von digitalen Technologien veränderndes psychologisches Verhältnis zum physischen Raum und unser Gefühl von Zugehörigkeit und Berührung. Die Gruppenausstellung wurde gemeinsam mit dem in Philadelphia lebenden Künstler der Galerie David Hartt entwickelt. Teilnehmende Künstlerinnen und Künstler: WALEAD BESHTY, DAVID HARTT, CAROLYN LAZARD, MARIA LOBODA, IÑIGO MANGLANO-OVALLE, JEAN-LUC MOULÈNE, MICHAEL MÜLLER, JULIA PHILLIPS, WILMER WILSON IV Vernissage: Freitag, 17. Januar 2020, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 18. Januar – Samstag, 22. Februar 2020   Bildunterschrift: David Hartt / Negative Space, 2019 / tapestry, 290 x 515 cm | 114 1/4 x 202 3/4 in Ausstellung Haptic Feedback – Galerie Thomas Schulte | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

verlängert bis 29.04. | #2650ARTatBerlin | Galerie mutare präsentiert ab 14. Dezember 2019 eine Gruppenausstellung mit Werken der Galeriekünstler*innen. Präsentiert werden Exponate von Hans Scheib, Jonas Hödicke, Michael Sowa, Oskar Manigk, Cäsar W. Radetzky, Filip Kalk, Tamim Sibai, Sybille Onnen und Arndt von Diepenbroick gezeigt, und zwar Malerei, Grafik, Skulptur, Objekte in Ausstellungsvariationen. Seit Ende Februar 2020 gibt es eine Ausstellungsvariation der aktuellen Ausstellung mit Caro Stark, Hans Scheib, Tamim Sibai, Oskar Manigk, Reinhard Stangl, Jonas Hödicke, Kuisoon Park, Sabina Grzimek, Cäsar W. Radetzky, Volker Henze, Michael Sowa, Sybille Onnen, Joanna Rusinek, Arndt von Diepenbroick. In dieser Ausstellung zeigt die Galerie auch erstmals Werke der ART BRUT. Hans Scheib, Rendezvous, 2019, 97 x 23 x 21 cm, Holz, Farbe, 8.330,- € Jonas Hödicke, Bronze-Gold 2016, Höhe 44 cm x Tiefe 14 cm x Breite 30 cm Ausstellungsdaten: Samstag, 14. Dezember – Samstag, 1. Februar 2020 – verlängert bis Mittwoch, 29. April 2020 Öffnungszeiten Dezember 2019 bis Mai 2020: Mi – Fr 13.00 – 18.00 Uhr, Sa 11.00 – 15.00 Uhr   Bildunterschrift Titelbild: Courtesy of Galerie mutare – Tamim Sibai (Detail) Ausstellung Künstler der Galerie – Galerie Mutare | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien […]

bis 28.02. | #2647ARTatBerlin | Galerie HELLE COPPI präsentiert ab 7. Dezember 2019 die Ausstellung  Krieg unseren Geistern mit Malerei von Klaus Schiffermüller. Unter anderem wird darin auch das sechs Meter lange, Ausstellungstitel gebende Werk „Krieg unseren Geistern“ gezeigt. Klaus Schiffermüller, Krieg unseren Geistern, 2018, Öl auf Leinwand, 170 x 600 cm Im Kabinett wird die Ausstellung Tauziehen der Künstlerin Nina Schneider mit Zeichnung und Grafik zu sehen sein, unter anderem mit einer Serie aus kleinformatigen Zeichnungen auf Haftnotizzetteln. Nina Schneider, aus der Serie Haftnotizen, 200°C, 2019, Zeichnung, 7,6 x 7,6 cm Vernissage: Samstag, 7. Dezember 2019, 16:00 – 18:00 Uhr, die Künstlerin und der Künstler werden anwesend sein. Ausstellungsdaten: Samstag, 7. Dezember 2019 – Freitag, 28. Februar 2020 (während des Jahreswechsels vom 27.12.2019 bis 04.01.2020 geschlossen)   Bildunterschrift Titel: Klaus Schiffermüller, Lichtbauer, 2018, Öl auf Leinwand, 90 x 150 cm Ausstellung Klaus Schiffermüller – Nina Schneider – Galerie HELLE COPPI | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 11.01. | #2644ARTatBerlin | Galerie Friedmann-Hahn präsentiert derzeit die Einzelausstellung Sirenen und Tamaschowskys des Künstlers Marc Taschowsky mit Malerei und Objekten zwischen Superflat, Pop, Trash & Comic. „Ich benutze Motive, die bereits da sind. Das ist natürlich einerseits Pop Art, andererseits ist es komplett Zeitgeist, es ist Hip Hop.“ – Marc Taschowsky Pop Art, Post-Pop, Neo-Dada, Surrealismus, Punk, Comic, Camp, Superflat – zwischen und mit diesen verschiedenen Stilistiken bewegt sich der Maler Marc Taschowsky. Er sampelt Bildfragmente, collagiert Farbebenen, arbeitet mit Schriftzeichen. Es ist ein wildes Spiel mit Versatzstücken aus Werbung, Warenwelt und Konsum. In seiner mittlerweile fünften  Einzelausstellung in der GALERIE FRIEDMANN-HAHN spielen seine Arbeiten mit dem Witz, dem Absurden und der Märchenwelt mit ihren Elementen von Grusel, Erregung, Sexualität und Komplexität. Auf seinen Leinwänden tummeln sich Monster aus Science-Fiction-Filmen, wie die beiden Leibwächter von Jabba The Hutt aus „Krieg der Sterne“, neben einem Cello spielenden Mädchen; da schaut ein Super Mario hervor, fliegt ein Pokémon über das Bild, schiebt sich ein Tukankopf aus einem Pflanzengetümmel und überall schwirren Kolibris, krabbeln Käfer und schweben Fische vorbei. „Ich spiele in meinen Bildern. Die Ironie, das Lustige, das Spaßige, das Irre – das ist das, was mich interessiert“, so Taschowsky. Marc Taschowsky „Kermit“, 2019, Öl auf Leinwand, 200 […]

bis 18.01. | #2641ARTatBerlin | drj art projects zeigt ab 28. November 2019 die Gruppenausstellung PROOF of CONCEPT mit ausgewählten Werken von 36 internationalen Künstler*innen. Zum Abschluss des besonders intensiven Ausstellungsjahrs 2019 zeigt drj eine Auswahl von Arbeiten tragender Künstler*innen des langjährigen Programms als Accrochage aus den Beständen. Darüber hinaus werden gezielt neue Arbeiten sowie einzelne zusätzliche Positionen als + in die Ausstellung integriert. So wird die Kontinuität der künstlerisch-inhaltlichen Ausrichtung des Programms sowohl unterstrichen als auch ein Ausblick auf die Zukunft gegeben. Der Ausstellungstitel PROOF of CONCEPT hat dabei doppelte Bedeutung: zum einen werden spezifisch zu einem Gesamtbild komponierte Kunstwerke aus dem künstlerischen Programm von drj in Haupt- und Nebenräumen der weiterhin bestehenden Rauminstallation Anarchy of Forms von Esther Stocker gegenübergestellt. Dadurch eröffnen sich dem Publikum Möglichkeiten, diese selbst in ein Gegenüber zu stellen sowie – durch die neue Kontextualisierung der Räume zueinander – den eigenen Blick und das persönliche Raumempfinden, eventuell auch im Vergleich mit dem vorangegangen Ausstellungskonzept, neu zu erfahren. Die dabei entstehenden Eindrücke aus Raum-Erinnerung und neuer Vor-Ort-Erfahrung können also direkt und in einer Rückschau überprüft werden – ein bewusst experimentelles Vorgehen, sowohl aus kuratorischer als auch aus künstlerischer Perspektive! [_1.] Darüber hinaus dienen Titel und […]

bis 01.02. | #2638ARTatBerlin | Kewenig Berlin präsentiert ab 23. November 2019 die Ausstellung Sur un terrain étrange, kuratiert von Lóránd Hegyi. Gezeigt werden Werke der Künstlerinnen und Künstler Veronica Holcová, Juul Kraijer, José Antonio Suárez Londoño, Barthélémy Toguo und Sandra Vásquez de la Horra. „Sur un terrain étrange“ versammelt Arbeiten auf Papier von fünf zeitgenössischen Künstlern, die sich über die gesamte erste Etage der Galerie erstrecken: Veronica Holcová (geb. 1967 in Prag, Tschechische Republik), Juul Kraijer (geb. 1970 in Assen, Niederlande), José Antonio Suárez Londoño (geb. 1955 in Medellin, Kolumbien), Barthélémy Toguo (geb. 1967 in M’Balmayo, Kamerun) and Sandra Vásquez de la Horra (geb. 1967 in Viña del Mar, Chile). Zur Ausstellung erscheint eine Publikation. Vernissage: Freitag, 22. November 2019, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 23. November – Samstag, 1. Februar 2020   Bildunterschrift: Sandra Vásquez de la Horra, El Angel Jardinero, 2019 (detail) Ausstellung Sur un terrain étrange – Kewenig Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 29.02. | #2634ARTatBerlin | Stella A. präsentiert anlässlich des 20. Galerie-Jubiläums ab 22. November 2019 die Ausstellung THINK SMALL! mit Werken zahlreicher Künstlerinnen und Künstler. „Seit zwanzig Jahren präsentieren wir in rund 100 Ausstellungen ein Programm, das sich auch unter dem Titel „Think small!“ zusammenfassen ließe. Der Titel bezieht sich auf George Brecht’s Beitrag zu der Ausstellung „Mein Kölner Dom“ von 1980 (siehe Abbildung). Die Aufforderung „Think small!“ betrifft nicht nur das Format der Werke, sondern meint auch eine Haltung, die ein „Langsamer, kleiner, weniger“ anstrebt (siehe unsere Ausstellung, 2010). Beharrlich wiederholend zeigen wir Werke, die mit geringem Materialaufwand, mit einfachen technischen Mitteln durchaus komplexe Fragen behandeln und die es den Betrachter/innen ermöglichen, sich als Teil des kreativen Aktes wahrzunehmen. Anlässlich unseres 20. Jubiläums in den Räumen der Gipsstraße zeigen wir ausgewählte Arbeiten der u. g. Künstlerinnen und Künstler. Wir möchten Sie zu der Ausstellung THINK SMALL! herzlich einladen.“ Dorle Döpping & Michael Behn Künstlerinnen und Künstler:  Milena Aguilar, Roland Albrecht, Fritz Balthaus, Michael Behn, Joseph Beuys, Eddie Bonesire, Henning Brandis, George Brecht, Marcel Duchamp, Edel Exel, Robert Filliou, Nataly Hocke, Ralf Jurszo, Alison Knowles, Katharina Kohl, Jürgen Liefmann, Christoph Mauler, Marc Pätzold, Dieter Roth, Christian Schiebe, Tomas Schmit, Peter […]

bis 31.01. | #2631ARTatBerlin | me Collectors Room Berlin präsentiert ab 16. November 2019 die Ausstellung Transverse Wave mit Werken der Künstlerin Mary Bauermeister und des Künstlers Rashid Al Khalifa, begleitet durch Sound Design von Simon Stockhausen. „Die Differenz der Kulturen, die Differenz der Künste und die der Sinne sind Bedingungen, nicht Begrenzungen der Erfahrung im Allgemeinen und ebenso verhält es sich mit der gegenseitigen Verschränkung dieser Differenzen.“ (Jean-Luc Nancy, Zum Gehör, Zürich, Berlin 2014 (2002), S. 23.) Es sind diese „Bedingungen der Erfahrung“, die in der Ausstellung Transverse Wave hergestellt werden. Mit Mary Bauermeister (*1934, Deutschland) und Rashid Al Khalifa (*1952, Bahrain) konnten eine Künstlerin und ein Künstler für den me Collectors Room Berlin gewonnen werden, die nicht nur in verschiedenen Kulturräumen sozialisiert wurden, darüber hinaus setzen sie in ihrem künstlerischen Schaffen an gegensätzlichen Enden an. Rashid Al Khalifa, Pressure Wave (Mobile Column II), 2018, Emaille auf Edelstahl / enamel on stainless steel, 150 x 150 x 150 cm © the artist Während die Werke von Mary Bauermeister aus gefundenen, zumeist organischen, jedoch grundsätzlich in zuvor Natur- oder Gesellschaftsprozessen eingebundenen Materialien bestehen, greift Rashid Al Khalifa auf künstliches, dem industriellen Kontext entspringendes Material zurück. Seine Objekte verweisen anhand ihrer […]

bis 14.12. | #2629ARTatBerlin | Galerie aKonzept und Raphael Lévy präsentieren ab 16. November 2019 die Ausstellung KORRELATION mit Werken der Künstlerin Anne-Lise Coste und der Künstler Martin Disler und Guillaume Sebag. Die Galerie-Besucher*innen sind in dieser Ausstellung zu einer besonderen Interaktion eingeladen. „Computer-Algorithmen analysieren Verhaltensweisen und interpretieren sie. Unsere Künstler lassen ihre Werke oft mit einer ähnlichen Methode entstehen, jedoch nutzen sie zusätzlich noch ihre fünf Sinne. Anne-Lise Coste So entsteht eine Symbiose aus Gefühlen, sich überlagernden Gedanken und unzähligen Eindrücken – wie auch in den sieben besonderen Werken, die wir mit Ihnen teilen möchten. Martin Disler Sechs der Werke sind bereits fertig, das siebte erschaffen Sie! Ihr Mitgestalten wird zum Teil der Ausstellung. Wir laden Sie herzlich dazu ein, die aktuell noch leere Leinwand als Werk „Korrelation” mit Acrylfarbe und Pinsel in unserer Galerie entstehen zu lassen: Als erstes Gemälde, das von einer sich unbekannten, aber miteinander interagierenden Gruppe geschaffen wurde. Finden Sie Inspiration in den Werken von Anne-Lise Coste, Martin Disler und Guillaume Sebag. Guillaume Sebag An der Finissage werden wir das außergewöhnliche Gemälde einweihen und mit den sechs anderen vergleichen und besprechen. Jeden neuen Fortschritt des Gemäldes teilen wir auf unseren Social Media-Kanälen – und natürlich […]

bis 12.12. | #2626ARTatBerlin | Galerie mutare zeigt ab 17. November 2019 eine Ausstellung mit Malerei der Gastkünstlerin Deborah Esses in Raum 1 der Galerie. Deborah Esses, 1966 in Buenos Aires, Argentinien geboren, absolvierte 1982-84 ein Studium der Malerei an der „Beato Angelico“ Hochschule für Bildende Kunst in Buenos Aires. Anschließend war sie Stipendiatin an der „Tel Aviv University“, Israel. Erste Ausstellungen zeigte Deborah Esses in Galerien in Buenos Aires. 1987 erweiterte die Künstlerin ihr Wirken um sog. Mixed Media und Performances unter Einsatz von Videos, Musik und Fotos. Sie unternahm Reisen durch Europa. Ihre erste Mixed Media Einzelausstellung wurde in Kent, England, präsentiert. Im Jahr 2002 siedelte sie nach England über. In London arbeitete sie freischaffend mit eigenem Atelier und einer Galerie. Sie leitete u.a. das Projekt einer Installation, die als lebendes Kunstwerk mit der Gruppe „Green Street Women Artists“ über die Themse konzipiert war. Die Künstlerin besuchte regelmäßig Zeichenkurse u.a. in Wien und im Sotheby’s Art Institute, London. Seit 2016 lebt und arbeitet sie in Berlin. Ihre Werke wurden international bereits in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt. Ab 19. November wird in Raum 2 der Galerie mutare zeitgleich zu Deborah Esses Malerei und Grafik des Künstlers Rolf-Dieter Grass […]

verlängert bis 23.02. | #2623ARTatBerlin | Galerie Kremers zeigt ab 8. November 2019 die Ausstellung 100 Jahre Ernst Weil – Virtuose Malerei gegen den Zeitgeist mit Werken des Künstlers Ernst Weil. „Between 1939 and 1945 my wish to study art became stronger and stronger and after having studied architecture on the Technische Hochschule Stuttgart (…) I started to study painting from 1946 – 1950 on the Academy in Munich.” Ernst Weil, Werk 409, 130 x 88 cm, 1976 Wenn man weiß, dass Ernst Weil von 1939 – 1944, direkt nach dem Abitur und unterbrochen durch schwere Krankheit und zwei Kriegssemester, sowohl an der Saar als auch in Russland als Soldat am Kriegsgeschehen beteiligt war, dann mögen diese Selbstzeugnisse Ernst Weils aus seinem in Englisch geschriebenen Lebenslauf erstaunen. Die Hartnäckigkeit, mit der er auch gegen Widerstände und persönliche Rückschläge seine Ziele verfolgt hat, ist beeindruckend. Diese besondere Dynamik und Resilienz zeigt sich auch in der Entwicklung seiner Künstlerkarriere und schließlich in seiner Malerei, in die die Richtung auf eine eigene Bildsprache erkennbar wird: „Der Richtungspfeil im Werk des Malers Ernst Weil weist eindeutig auf seine späten Bilder. Dort findet er sein Ziel, – erreicht durch Neugier, Intuition, Beharrlichkeit, Annahme der inneren […]

bis 20.12. | #2620ARTatBerlin | alexander levy präsentiert ab 2. November 2019 die Ausstellung „X=Hase. Meret Oppenheim gegen alle Regeln der Vernunft“ mit Werken der Künstlerin Meret Oppenheim. Schon mit 17 Jahren fragte sich Meret Oppenheim (*1913 Berlin †1985 Basel), wenn mathematische Gleichungen Wurzeln haben, wo dann die Hasen bleiben ­– und collagierte X=Hase in ihr Schulheft. Das gesamte Schaffen und Denken der Künstlerin zeugt von einer geistigen Unabhängigkeit und einem Widerstand gegen alle Logik und akademischen sowie gesellschaftlichen Normen. Oppenheims Œuvre ist sinnbildlich für das Rätselhafte, Verborgene, Unterbewusste und Unerwartete – für ein neugieriges Staunen wie bei dem kleinen Mädchen in dem Gemälde Die Waldfrau, das allein im Wald ein gewaltiges, mythisches weibliches Wesen mit Drachenschwanz entdeckt. Ihre Affinität zu den Schriften des Psychoanalytikers C. G. Jungs ließ sie schon früh in die Tiefensphären des menschlichen Geistes eintauchen und ein Verständnis vom Kreislauf des Werdens und Vergehens und von der Natur als mythischen Erfahrungsraum menschlich-animalischer Urkräfte gewinnen. Meret Oppenheim, Die Waldfrau, 1939, oil on Pavatex, 28 x 37,5 cm  Die erste große Retrospektive erhielt Oppenheim 1967 in Stockholm, gefolgt 1974/75 von einer Werkschau in Solothurn, Winterthur und Duisburg, der Verleihung des Kunstpreises der Stadt Berlin 1982 sowie der Teilnahme an der documenta 7. 2013 […]

bis 21.12. | #2617ARTatBerlin | KLEMM’S zeigt ab 2. November 2019 die Ausstellung Sing Hallelujah! mit Werken der Künstler Falk Haberkorn und Sven Johne. Im Frühjahr 2019 unternahmen Falk Haberkorn und Sven Johne ihren zweiten gemeinsamen road-trip durch den Osten des Landes – exakt 15 Jahre nach ihrer ersten Reise. Wieder mit dem lose angelegten Vorhaben, das Gesehene und Erlebte aufzunehmen und die vorgefundenen Situationen in eigenen und gemeinsamen Arbeiten zu reflektieren. Eines war klar: die Zeit ist vorangeschritten und Einiges hat sich verändert…– das aktuelle gesellschaftliche Klima, die angeheizten Debatten, die vermeintlichen Brüche und Zerwürfnisse sind bekannt…Falk Haberkorn und Sven Johne verstehen Sing Hallelujah! als gemeinsames Projekt sich einen Eindruck zu verschaffen, als kritische Bestandsaufnahme und Abgleichen der eigenen Haltung und künstlerischen Position gleichermaßen. Entstanden sind umfangreiche Bildzyklen: Haberkorn nimmt dabei das Wohnmobil-‚Vehikel‘ der Reise und die unmittelbaren Eindrücke der Nachtfahrt ins Visier – es sind sprechende Bilder von Abschottung, Bunkermentalität, Flächen an denen man abrutscht, seltsame Details von leeren Orten. Bei Sven Johne stehen stillgelegte Produktionsstätten – Fabriken, Werkzeughallen, Sportstätten, Sozialer Raum – im Fokus. Abwicklung und die Folgen… neben die visuelle Ebene tritt eine Text/Sound-Arbeit – Gespräche und Austausch über das Gesehene und Erlebte verschneiden sich mit […]

bis 18.01. | #2614ARTatBerlin | 68 projects präsentiert ab 22. November 2019 eine Ausstellung des Künstlers Chris Hood. 68projects freut sich in Kooperation mit Villa Aurora & Thomas Mann House e.V. den Berlin Fellow 2019 bekannt zu geben: Chris Hood. Während seines mehrwöchigen Aufenthalts in Berlin wird der Künstler einen neuen, durch die ihn umgebende Stadt beeinflussten Werkkomplex schaffen. Im Anschluss an seine Residenz zeigen wir sein Schaffen in einer Einzelausstellung. Diese wird vom 22. November 2019 bis 18. Januar 2020 in den Räumen der 68projects zu sehen sein. In der Zeit seines Aufenthalts wird es mehrere Veranstaltungen geben, darunter ein Künstlergespräch mit Chris Hood und dem Kunstkritiker, Dozenten und Berater Drew Hammond. Anspruch der Residenz und der Ausstellung ist es, den Künstler einem neuen Publikum zu präsentieren und seine Werke zum ersten Mal in Berlin zu zeigen. Das Berlin Fellowship wurde 2012 ins Leben gerufen und fördert die Begegnung US-amerikanischer Künstler*innen mit ehemaligen Villa Aurora Fellows. Chris Hood im Atelier, 2019 Chris Hood wurde in Atlanta, USA geboren und lebt derzeit in Los Angeles. Er erhielt seinen Bachelor of Fine Arts von der Georgia State University und schloss sein Kunststudium mit dem Master of Fine Arts am San Francisco Art Institute ab. […]

Dávila verlängert bis 09.02. | #2611ARTatBerlin | König Galerie präsentiert ab 26. Oktober 2019 die Ausstellung THE MOMENT OF SUSPENSION mit neuen Werken des Künstlers Jose Dávila (im Kirchenschiff/Nave) und die Ausstellung SINK, SANK, SUNK des Künstlers Michael Sailstorfer (in der Kapelle/Chapel). Im Laufe seiner mehr als zwanzigjährigen Karriere beschäftigte sich der in Guadalajara lebende Jose Dávila mit der Architektur, dem Symbolismus und der materiellen Integration des Raumes. Für seine dritte Einzelausstellung in der König Galerie hat er unterschiedliche Arten von Steinkörpern entwickelt, die aus Basaltstein und Vulkangestein sowie aus alltäglicheren Materialien wie Kalkstein und Beton bestehen und sich gegenseitig in einem feinen Zusammenspiel von Volumen und Masse in der Schwebe halten. Ungeschliffener Fels und bearbeiteter Beton werden in spannungsgeladene Kongruenz gebracht. Die entstehende Balance, die die unterschiedlich gewichteten Materialien an Ort und Stelle hält, weckt Assoziationen an utopische Ideale. Während die Sprache der Skulptur traditionell eine der Solidität und Beständigkeit ist, zeigt Dávilas Werk eine entschiedene Fragilität, die im Gegensatz zur Dichte der verwendeten Materialien steht. Die Arbeiten wirken stets so, als befänden sie sich kurz vor dem Zusammenbruch und zeigen dem Betrachter den Kampf der gegeneinander gerichteten Energien so deutlich auf, dass das instabile Erscheinungsbild die monolithische Stabilität […]

bis 20.12. | #2608ARTatBerlin | Galerie Born Berlin zeigt ab 1. November 2019 die Ausstellung Procession mit Malerei des Künstlers Reinoud van Vught.  Arbeiten von Reinoud van Vught, geb. 1960, waren mehrfach in Gemeinschaftsausstellungen mit seinen niederländischen Maler-Kollegen Henri Jacobs, Han Klinkhamer und Marc Mulders in der Galerie Born zu sehen. Seine erste Einzelpräsentation in der Galerie Born, Berlin steht unter der Überschrift  „Procession“. Dies kann als Hinweis auf sich wiederholende Formen in seinen z.T. großformatigen Papierarbeiten und Gemälden verstanden werden. Aber auch ein Bezug auf das Ritual der Malerei schwingt mit. Die Prozession zu Ehren Gottes, denn der Begriff begegnet uns vor allem in religiösen Zusammenhängen, will der Künstler als eine für die Kunst verstanden wissen. Vernissage: Donnerstag, 31. Oktober 2019, 18 – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 1. November – Freitag, 20. Dezember 2019   Bildunterschrift Titelbild: Courtesy Galerie Born Berlin -Reinoud van Vught Ausstellung Reinoud van Vught – Galerie Born Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin      

bis 07.12. | #2606ARTatBerlin | WENTRUP zeigt ab 26. Oktober 2019 die Ausstellung jene des Künstlers Thomas Grünfeld. Wentrup freut sich, die erste Ausstellung mit dem in Köln lebenden Künstler Thomas Grünfeld anzukündigen. Das skulpturale Werk von Grünfeld, der als Professor an der Kunstakademie in Düsseldorf lehrt, zeichnet sich durch den Einsatz ungewöhnlicher Materialien und eine anspielungsreiche inhaltliche Komplexität aus. Für die Ausstellung hat Grünfeld eine neue Serie von Skulpturen konzipiert, die eine Weiterentwicklung seiner sogenannten fireplaces sind. Diese übertragen die Architektur von häuslichen offenen Kaminen in minimalistische Polsterskulpturen und wurden 2016 in der Galerie Massimo de Carlo in London und 2017 im Düsseldorfer Privatmuseum Philara gezeigt. Die nun ausgestellten neuen Werke tragen den Titel jene und verweisen dabei bewusst auf etwas bestimmtes, welches gleichsam unbestimmt ist. Dieser offene Verweis erschließt sich unmittelbar in der Betrachtung der Skulpturen, die Erinnerungen wecken, aber nicht greifbar werden lassen. Die aus Polstern in grafischen Formen bestehenden Reliefs stehen nicht frei im Raum, sondern hängen an der Wand, verbinden sich mit dem Raum und erinnern in ihrer Formensprache an Wandregale und Sideboards. Der Eindruck des Funktions-Möbels wird verstärkt durch weiteres Inventar wie Kugellampen, Topfblumen, Rosshaare (bzw. Dichtungsbürsten für Türen) und Holzscheite, wodurch Grünfeld Dinge […]

bis 21.12. | #2603ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi präsentiert ab 25. Oktober 2019 die Ausstellung Der verlorene Traum mit aktuellen Malereien des Künstlers Achim Bertenburg. Erst 30 Jahre nach dem Scheitern der Nordpolexpedition Salomon August Andrées werden die drei Leichname, Ausrüstung und Fotonegative im Eis entdeckt. Achim Bertenburg bewegten diese Fotografien sehr und er wählte sie als Ausgangspunkt des malerischen Prozesses seiner neuen Werke. “ … Die Qualität der Malerei Achim Bertenburgs besteht (gerade) darin, dass sie das Sinnliche und das Kognitive, das Erlebte und das Ausgedachte, das Konzeptuelle und das Spontane miteinander verbindet … sie ist reflektiert und emotional zugleich; die Bandbreite des Schaffens zeigt die immer neue Befragung der Malerei auf ihre Möglichkeiten … Fotografien begleiten (gelegentlich) die Gemälde und deuten darauf hin, wie alles von ihm Gemalte von sichtbarer und gesehener Wirklichkeit, direkt erlebter oder medial vermittelter Erfahrung grundiert ist… er invertiert die Genealogie der Malerei: nicht aus der Figuration erwächst die Abstraktion, sondern umgekehrt aus der Abstraktion die Gegenständlichkeit …” Textauszug: Michael Stoeber, Katalog „still“ Achim Bertenburg, way out, 2019, 47 x 41 cm, Foto: Franziska von den Driesch Achim Bertenburg (geb. 1954) studierte bis 1989 Kunst an der Hochschule für Künste Bremen. Als Stipendiat war […]

bis 20.12 | #2600ARTatBerlin | galerie burster zeigt ab 18. Oktober 2019 die Ausstellung METRO des niederländischen Künstlers Bram Braam. Die Galerie präsentiert die zweite solo show des niederländischen Künstlers Bram Braam (*1980) in der galerie burster berlin. Bram Braams Werk scheint von einer bemerkenswert greifbaren Komplexität geladen, sowohl in der materiellen Vielfalt seiner Arbeiten als auch in dem, was dem schöpferischen Akt selbst vorausgeht. Das Konzept der Utopie erweist sich als der grundlegende Interpretationsschlüssel, der ein breiteres Verständnis von Braams Werk ermöglicht und die Verflechtungen, die seine Werke ausmachen entwirren kann. Das Wort Utopia leitet sich etymologisch aus dem Griechischen ū =’non‘ und tópos =’Ort‘ ab und hat daher die verborgene Bedeutung eines Nicht-Ortes. Dieser Nicht-Ort ist ein nicht existierender Ort, eine imaginäre Architektur, die Vision einer nicht zukunftsweisenden Aussicht. Bram Braam, METRO #2, 2019, steel, plastic, spray paint, wood,137 x 53 x 6 cm Innerhalb dieses Konzepts dreht sich in Braams Arbeiten alles um wiederverwertete Materialien, gefundene Objekte, Teile von Möbelstücken, Fragmente von Stadtmauern und all jenen Elementen, die exemplarisch für eine konstruktivistische Historizität stehen können, die nicht nur konstruktiv, sondern auch semantisch verstanden wird. Architektur findet sich für Braam in den von Le Courbusier errichteten Gebäuden, in […]

Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin zeigt ab 18. Oktober 2019 in der Reihe „Musikwerke Bildender Künstler“ die Ausstellung Bergama Stereo des Künstlers Cevdet Erek. In der Architektur- und Soundinstallation „Bergama Stereo“ bezieht sich der in Istanbul lebende Künstler und Musiker Cevdet Erek auf Gestalt, Inhalt und Rezeptionsgeschichte des in Berlin befindlichen Pergamonaltars und kreiert eine Neuinterpretation dieses bedeutenden hellenistischen Bauwerks. Im August und September 2019 wird die Installation im Rahmen der Ruhrtriennale in Bochum gezeigt, bevor sie ab Oktober in den Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin wandert. Die Ausstellung in Berlin findet zum 20-jährigen Jubiläum von „Musikwerke Bildender Künstler“ statt und wird von einem Konzert- und Performanceprogramm begleitet. Bergama ist der türkische Name für das antike Pergamon sowie der heutigen Stadt und des Bezirks in Kleinasien. Der berühmte Gigantenfries des Altars wird in einer Multi-Kanal-Komposition interpretiert, die den Raum beschallt. Der Sound übernimmt hier die zentrale Rolle zur Schaffung einer Architektur, die die Besucher*innen in ihrer Bewegung durch den Raum hörend erfassen. „Bergama Stereo“ (2019) ist eine ortspezifische Arbeit und ist konzipiert für zwei Schauplätze, die auf unterschiedliche Weise mit der Geschichte des Pergamonaltars und dem historischen Kontext seiner Rezeption und Rekonstruktion verbunden sind. […]

bis 07.12. | #2596ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin zeigt ab 8. November 2019 die Ausstellung „Strangers in Town“ mit Arbeiten der internationalen Künstler*innen Amina Agueznay, Hiva Alizadeh, Ranti Bam, Liz Collins, Kyle Meyer, Outi Pieski, Erin M. Riley, Robin Kang und Sinta Tantra. In Zeiten der fortschreitenden Digitalisierung präsentiert die Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin eine Gruppenausstellung, in der traditionelle Handwerkskünste und deren Greifbarkeit zelebriert werden. Strangers in Town bringt neun internationale Künstler*innen zusammen, deren Praxis durch dynamische Methoden wie Nähen, Weben und Malen verschiedene Formen der Materialität befragt. Kultureller Dialog und Kollaboration stecken im Herzen der Praxis von Amina Agueznay. Die marokkanische Künstlerin arbeitet mit einheimischen Kunsthandwerker*innen zusammen, um Schmuck und Installationswerke zu kreieren — oft verwendet sie Materialen, die in der Natur zu finden sind. Auf diese Weise erkundet Agueznay zeitgleich, wie sich Traditionen beleben lassen und wie sie sich weiterentwickeln können. Ebenso von kulturellen Traditionen beeinflusst, modifiziert Hiva Alizadeh Methoden von nomadischen Teppichweber*innen aus Kurdistan und schafft so kaleidoskopische Kunstwerke. Von Weitem betrachtet erscheinen die Arbeiten als Einheit, als schimmerndes Farbspiel. Ein näherer Blick entlarvt Schichten von Synthetik-Haaren. Die Täuschung der Materialität spielt mit den Erwartungen der Betrachtenden, wobei die Arbeiten sowohl eine neue Perspektive auf handwerkliche Prozesse […]

bis 26.10.| #2569ARTatBerlin | Galerie mehdi chouakri zeigt derzeit die Ausstellung 9102hoist / plasmatic breeze round-up des Künstlers Gerwald Rockenschaub in den Galerieräumen am Fasanenplatz. Die zehnte Einzelausstellung mit Werken von Gerwald Rockenschaub zeigt neue und bisher unbekannte Werke. Die Ausstellung mit dem Titel 9102hoist / plasmatic breeze rund-up wird in der Galerie Fasanenplatz präsentiert und umfasst Wandarbeiten und ein Objekt, das quasi-minimalistische Naturkonfrontation mit Vorstellungen von Raum, Farbe, Form, Materialität und dem Phänomen des eigenen optischen Seherlebnisses ermöglicht. Rockenschaub arbeitet mit einer Vielzahl von synthetischen und industriellen Materialien: Acrylglas, Farbvinyle, Aluminium, MDF-Platten, etc. Seine Kunst hat zwar ihren Ursprung in der Malerei der 1980er Jahre der Neogeo-Bewegung, hat sich aber in der Folgezeit zunehmend zu Video, Skulptur und Installation entwickelt. Die technischen Produktionsprozesse seiner Werke sind zum Thema geworden – heute werden die Werke vollständig am Computer gestaltet. Durch die zusätzliche Verwendung der technischen Spezifikationen als Titel umfasst Rockenschaub die Fertigungsprozesse. Die praktische Umsetzung der Entwürfe delegiert der Künstler an professionelle Fachfirmen und erfahrene Handwerker. In der Ausstellung 9102hoist / plasmatic breeze rund-up zeigt Gerwald Rockenschaub vor allem malerische Wandobjekte. Diese bestehen aus Acrylglas und lackierten MDF-Platten, die Schnittkanten in scheinbar monochromen Oberflächen aufweisen, die durch die Lichtbrechung sichtbar […]

bis 21.09. | #2593ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 28. September 2019 die Ausstellung LUXUS FÜR ALLE mit Werken des Fotografen Daniel Biskup. DANIEL BISKUP  gilt als „das Auge der Revolution in Ost-Europa“ (Der Spiegel) – Er ist der Fotograf des Prozesses der Wiedervereinigung in Deutschland. Ebenso begleitete er fotografisch die Umbruchphase in der Sowjetunion. Biskup gelang es mit seiner Kamera immer wieder dort zu sein, wo Geschichte geschah. Er visualisiert Systembrüche und zeigt die Menschen hinter politischen und gesellschaftlichen Prozessen. Helmut Kohl, die Supermarktverkäuferin oder Trump – Biskup präsentiert hierarchielos Akteure des Zeitgeschehens. Biskup fotografiert sowohl spontan, als auch im Auftrag. „Zufallsbegegnungen“ führen zu überraschenden Aufnahmen. Wie bekam er nur Karl Lagerfeld dazu in der Berliner U-Bahn zu posieren? Und dann das großartige Tableau politischen Zeremoniells: Angela Merkel auf den Treppen zum Weißen Haus. Wie sie sich in Abendrobe auf dem roten Teppich ihrem der Limousine entstiegenen Mann zudreht: Ein mildes, nahezu verführerisches Lächeln im Abendlicht. Mr. und Ms. Obama erwarten das Paar ebenfalls lächelnd. Im Hintergrund wird das Setting ergänzt mit den üblichen Pressefotografen, Sicherheitspersonal und Männern in Uniform, stramm aufgestellt. Aus einem Moment politischen Protokolls inszeniert der Fotograf ein Arrangement höchster Subtilität. Im höchsten Amte legt Angela […]

bis 28.09. | #2590ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab 21. September 2019 in der Reihe „Wochenschau / Weekly Show“ die Ausstellung des Künstlers Gustav Kluge für die Dauer von genau eine Woche. Gustav Kluge Vernissage: Samstag, 21. September 2019, 11:00 – 14:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 21. September – Samstag, 28. September 2019   Ausstellung Gustav Kluge – Galerie Michael Haas | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 02.02. | Das Museum Bergguen zeigt ab 14. September 2019 die Ausstellung Pablo Picasso x Thomas Scheibitz. Zeichen Bühne Lexikon als eine Gegenüberstellung von Werken beider Künstler. Kaum ein zeitgenössischer Künstler arbeitet so vielschichtig mit Versatzstücken und Referenzen, die aus dem Alltag und dem Fundus der Kunstgeschichte stammen, wie Thomas Scheibitz (*1968, Radeberg). Seine dichten Gemälde und schemenhaft angelegten Skulpturen lassen sich als freie Realitäts-Montagen verstehen. Sie zeigen sich als komplexe Bild- oder Objektspeicher, in denen sich die visuelle Lebenskultur eingeschrieben hat, vom Künstler formal stark verdichtet. Unverkennbar ist der Einfluss von Pablo Picasso und dem Kubismus. Das Museum Berggruen, der Kunst Picassos und seiner Zeit gewidmet, schlägt mit dieser Ausstellung einen Bogen von der Klassischen Moderne in die Kunst der Gegenwart. Anhand von ca. 45 Werken zeigt sich, dass Picasso und Scheibitz zwar nicht die gleichen Motive verbinden, jedoch eine ähnliche künstlerische Haltung. Beide begreifen ihre Arbeit als offenen Prozess, der unablässig zu neuen Varianten und Aktualisierungen der bereits gefundenen Lösungen führt. Nichts bleibt hier statisch. Beide Künstler halten zugleich an der grundsätzlichen Idee von Bild und Skulptur fest. Die Ausstellung ist als direkte Gegenüberstellung „Picasso – Scheibitz“ angelegt, als offener Parcours durchs Museum Berggruen. Pablo Picasso, Dora […]

bis 19.10. | #2581ARTatBerlin | Galerie Sievi zeigt seit 6. September 2019 die Ausstellung Shells der Künstlerin Berit-Kristina Weiss. Die Bilder von Berit-Kristina Weiss sind Werkstücke, keine „please don’t touch“-Gemälde. Eine Aussage -falls vorhanden- soll im Hintergrund bleiben und weder transportiert noch decodiert oder gelesen werden. Einzig die subjektive Auseinandersetzung des Betrachters mit dem Bild zählt, eine Freiheit, die erstaunlicherweise noch häufig verunsichert. Unruhe wollen die Bilder tatsächlich auslösen als ein Stück „artifizieller Natur“, als etwas Organisches in einem aufgeräumten Ambiente. Dabei kann man die Bilder durchaus als „gewachsen“ bezeichnen, da die Malerin in einem oft langen Schaffensprozess der Leinwand förmlich abringt, was schließlich zu sehen ist: Werke mit Kraft und Tiefe. Seit 2018 erweitern plastische Arbeiten das Repertoire, die sich als Weiterentwicklung der Arbeitsweise und aus der Faszination für das Material heraus verstehen. Berit-Kristina Weiss ist gebürtige Berlinerin und absolvierte ihr Studium an der UdK sowie der TU Berlin. Sie lebt und arbeitet seit rund 15 Jahren in München und Berlin. Vernissage:  Freitag, 6. September 2019, 19 Uhr, Musikalische Umrahmung: Anne-Christin Schwarz / Violoncello + Harmut Walter / Kontrabass Ausstellungsdaten: Freitag, 6. September – Samstag, 19. Okober 2019   Bildunterschrift: Courtesy Galerie Sievi – Berit-Kristina Weiss Ausstellung Berit-Kristina Weiss […]

bis 27.10. | #2573ARTatBerlin | EBENSPERGER RHOMBERG BERLIN zeigt ab 13. September 2019 die Ausstellung Damn View des Künstlers Mark van Yetter. Vernissage: Freitag, 13. September 2019, 18  – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 13. September – Sonntag, 27. Oktober 2019   Image caption: Courtesy of EBENSPERGER RHOMBERG BERLIN – Mark van Yetter Ausstellung Mark van Yetter – EBENSPERGER RHOMBERG BERLIN | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 26.10. | #2566ARTatBerlin | Galerie Buchholz präsentiert ab 13. September 2019 die Ausstellung “Imagine” der Künstlerin Anne Imhof.   Vernissage: Freitag, 13. September 2019, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 13. September – Samstag, 26. Oktober 2019   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Buchholz – Anne Imhof Ausstellung Anne Imhof – Galerie Buchholz | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 19.10. | #2561ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab 14. September 2019 die Ausstellung Lost Tribes des Künstlers Heinz Ackermans. Nach seinem Studium der Bildhauerei an der Folkwang Schule in Es­sen ist Heinz Ackermans (*1949) in den 1980er Jahren im Umfeld einer neuen Figuration mit eigenwilligen Skulpturen hervorgetreten. In ihnen verband sich seine Faszination durch den menschlichen Körper mit einer Vorliebe für mythologisch inspirierte Figuren und ungewöhnliche Materialien und deren Kombination. Bekannt geworden ist er damals etwa mit großen Gestalten aus LEGO-Steinen. Solche und andere Ar­beiten wurden bald in Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert, u. a. in der Nationalgalerie in Westberlin. Dem allgemein in dieser Zeit wieder erwachten Interesse an Darstellungen des menschlichen Kör­pers, an mythologischen Motiven und an Narration fügte Ackermans die ihm eigene Begeisterung für unterschiedlichste Materialien und deren unorthodoxer Behandlung hinzu. – In den 1990er Jahren hat sich der Künstler zunehmend auf das Sammeln zeitgenössischer Kunst verlegt und so eine herausra­gende Sammlung geschaffen. In ihr sind seine genuin künstleri­schen Interessen in anderer und erweiterter Form sichtbar. Seit einer Reihe von Jahren nun hat sich Ackermans wieder verstärkt der eigenen Bildhauerei zugewandt. Er arbeitet weiterhin mit einer gro­ßen Vielfalt von Materialien, die er in immer wieder überraschender Weise […]

bis 05.10. | #2563ARTatBerlin | Kuckei + Kuckei präsentiert aktuell die Ausstellung Museum of the Revolution des Künstlers Guy Tillim. Diese Photographien sind zwischen 2014 und 2018 auf langen Spaziergängen durch die Straßen der Afrikanischen Städte Johannesburg, Durban, Maputo, Beira, Harare, Nairobi, Kampala, Addis Ababa, Luanda, Libreville, Accra, Abidjan, Dakar und Dar Es Salaam entstanden. Der Titel der Serie bezieht sich auf das Museum der Revolution (Museum of the Revolution), das sich in der Avenida 24 Julho (Straße des 24. Juli) in Mosambiks Hauptstadt Maputo befindet. Die Straße wurde nach dem Datum der Gründung der portugiesischen Kolonialhauptstadt Lourenço Marques benannt, der frühere Name Maputos. Der 24. Juli 1875 markierte das Ende des Luso-Britischen Konflikts über territoriale Besitzansprüche, der zugunsten Portugals entschieden wurde. Hundert Jahre später ist der Straßenname derselbe,  doch seine Bedeutung hat sich verändert. Mosambiks Unabhängigkeit von Portugal wurde am 25. Juni 1975 ausgerufen; die Hauptstadt wurde in Maputo umbenannt. Heute ist der 24. Juli Nationalfeiertag, der an die Verstaatlichung des gesamten portugiesischen Eigentums sowie alle beschlagnahmten Gebäude erinnert. Es folgte ein 15 Jahre andauernder Bürgerkrieg, der 1992 endete. Die Volksrepublik Mosambik wurde zur Republik Mosambik, was den Beginn einer neuen Ära markierte. Im Museum der Revolution befindet sich ein Panorama Gemälde […]

bis 02.11. | #2555ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens präsentiert ab 10. September 2019 die Ausstellung The Light and the Dark mit Werken der Künstlerin Raquel Maulwurf. Raquel Maulwurf wurde 1975 in Madrid geboren. Sie hat in Arnheim studiert und lebt in Amsterdam. Sie ist mit ihren großformatigen Kohlezeichnungen bereits sehr erfolgreich, ihre Arbeiten befinden sich u. a. in den Sammlungen des Rijksmuseums Amsterdam, Teylers Museum Haarlem und Stedelijk Museum Schiedam und sind in über 20 Europäische Museen gezeigt und ist in vielen privaten und musealen Sammlungen vertreten. In 2017 hatte sie eine Einzelausstellung im Gemeentemuseum Den Haag. 2011 war sie Stipendiatin des renommierten International Studio & Curatorial Program (ISCP) in New York. Sie wurde mit mehreren Kunstpreisen ausgezeichnet und ihr Werk wurde in über 20 Museen in Italien und den Niederlanden gezeigt und ist in vielen privaten und musealen Sammlungen vertreten. Für ihre erste Einzelausstellung in der Galerie Martin Mertens hat Raquel Maulwurf ein Ausstellungskonzept entwickelt, das ihre letzte Einzelausstellung „The Carbon War Room“ im Gemeentemuseum Den Haag fortführt. Sie zeigt bei uns großformatige Kohlezeichnungen im Kontrast zu sehr kleinen Zeichnungen im „Smartphone Format“. Während sich Maulwurfs frühere Arbeiten mit den Auswirkungen und Zerstörungen des Krieges beschäftigten, beschreiben ihre neuesten […]

bis 02.11. | #2584ARTatBerlin | White Square Gallery zeigt ab 7. September 2019 die Ausstellung The Hairs, The Hats and Aunt Fancie mit Arbeiten der Künstlerin Ashley Scott. Galeristin und Kunsthistorikerin Dr. Elena Sadykova, Berlin, schreibt im August 2019: Ich betrete das Atelier und werde sofort von einem Farbenreigen eingesogen. Beinah geblendet nehme ich zunächst unzählige bunte Schatten wahr, die um mich herum durch lichterfüllte Räume flattern. Sie scheinen von sonderbaren farbenreichen Objekten geworfen zu werden, die jeden freien Platz im Studio besetzen und es in eine Art magisches Tropenhaus verwandeln. Diese Vision ist sehr stark, denn die Skulpturen sind von einer Leichtigkeit erfüllt, als ob sie lediglich aus Luft und Farbe bestehen, die zum bunten Schaum geschlagen wurden. Sie machen Eindruck, nicht fest zu sein, federleicht, schwirrend, warm. Der virtuose Umgang mit Farben erzeugt und unterstützt diesen anmutenden Schwebezustand und suggeriert zugleich die erstaunliche Strahlkraft der Plastiken. Die Farben schimmern, leuchten und glühen im Inneren der Figuren wie auf deren Oberfläche, wo sie in einander fließen und über einander laufen, um sich in ein Feuerwerk aus vielen neuen schillernden Flächen und funkelnden Punkten zu verwandeln. Ashley Scott hat nun mal wieder zugeschlagen: Mit ihrer neuen Serie von Wandplastiken geht […]

bis 19.10. | #2572ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 6. September 2019 die Ausstellung Recogcognitionnition mit Arbeiten der Künstler Becker Schmitz und Il-Jin Atem Choi. Recogcognitionnition: Das Nicht-Erkennen-Erkennen-Können Becker Schmitz und Il-Jin Atem Choi unternehmen den Versuch, das Profane, Absolute, Moralische und Didaktische in der Kunst zu überwinden, um dem poetischen Schein zu entrinnen, der dadurch entsteht, wenn das Kunstwerk sich zu sicher ist, sich auf der richtigen Seite der Geschichte zu befinden. Von epigonalen Tendenzen innerhalb der zeitgenössischen Kunst ganz zu schweigen. Die kunstgeschichtliche Genealogie, die sich innerhalb der Malerei von Becker Schmitz aufspannt, soll zwar noch erahnt werden können. In seinen Arbeiten erklärt der Künstler aber die Überwindung des Motivs trotz seiner augenscheinlichen Treue zum Manifest einer Gleichzeitigkeit von Anwesenheit und Abwesenheit. Il-Jin Atem Chois Werke versuchen im Gegensatz dazu jede offensichtliche Genealogie zu negieren – und zwar im neo-dadaistischen Bewusstsein der Unmöglichkeit eines solchen Unterfangens. Das Wesen seiner Arbeiten durchdringt den paradoxen Anspruch den schöpferischen Akt als tätige Nicht-Tätigkeit zu etablieren und zu ertragen, um den Selbstzweck der Kunst als undefinierbar zu benennen. Becker Schmitz, Die Senkung, 2018, 50 x 40 cm Beide Positionen oszillieren zwischen Zuständen des Nicht-Erkennen-Erkennen-Könnens. Vor Ihnen entfaltet sich ein Kosmos, der sich […]

bis 18.10. | #2552ARTatBerlin | Migrant Bird Space präsentiert ab 4. September 2019 die Ausstellung Embers des Künstlers Shi Zheng. “This is real time, it is modern history in the making.” —Sarah Charlesworth on Movie-Television–News-History, 1979 Convincing images. This is how scientists describe the computer-generated results of neural networks like PGGAN. They identify and predict. Input to output. Faces, yes, but also landscapes. In A.I. research labs across the world, computers have been taught to alter summer snapshots to look like snowy winter scenes, to convert horses into zebras, Monets into Van Goghs. Fake media, fake images. Fake, but convincing. I’ve been tricked by images like these. In Frosty Morning, Shi Zheng uses the same complex algorithm, a type of Generative Adversarial Net (GAN), to predict the cover of the New York Times. Using a data set of the newspaper’s front pages over the past six years, Shi’s program launches a “perpetual newspaper generator” that can, or tries to, predict the future. For Shi, the front page is a “narrative view of our world.” In a time of fake news, fake narratives multiply. Frosty Morning reenacts their production. Celestial Fable is based on Fluxus pioneer Alison Knowles’ computer-generated poem—one of […]

bis 19.10. | #2546ARTatBerlin | Robert Morat Galerie präsentiert ab 7. September 2019 die Ausstellung Vandalism des Fotografen John Divola. Der kalifornische Fotograf John Divola war einer der Ersten, der Anfang der 70er Jahre die Grenzen seines Mediums in Frage stellte und sich mit Konzepten von Skulptur, Installation, Performance und Intervention beschäftigte. Seine Serie „Vandalism“ (1973-1975) wurde stilprägend. Die Robert Morat Galerie freut sich sehr, diese kunst- und foto-historisch so wichtige Arbeit in Berlin zeigen zu können. Zwischen 1973 und 1975 fuhr der amerikanische Fotograf John Divola – damals Mitte zwanzig und ohne eigenes Studio – quer durch Los Angeles, auf der Suche nach verlassenen Häusern, in denen er fotografieren konnte. Mit einer Kamera, Sprühfarbe, Schnur und Pappe bewaffnet, schuf der Künstler dort mit Vandalism eine seiner wichtigsten fotografischen Serien. In dieser intuitiven, spontan aus dem Moment heraus entstandenen Schwarz-Weiß-Bildserie verwüstet Divola leer stehende Häuser mit abstrakten Konstellationen von graffiti-artigen Zeichen und rituellen „Gestaltungen“ durch an Schnüren befestigte Stifte – das Projekt verband den dokumentarischen Ansatz mit inszenierten Interventionen, Performance, Skulptur und Installationskunst. John Divolas unverwechselbare fotografische Bildprache, die mit diesem Projekt begründet wurde, hinterfragte die Grenzen zwischen dokumentarischen und künstlerischen Praktiken zu einer Zeit, zu der die „Wahrhaftigkeit“ der […]

bis 02.11. | #2543ARTatBerlin | Galerie Kremers präsentiert ab 8. September 2019 die Ausstellung Opening Dimensions mit Werken des Künstlers Taher Jaoui. „It´s your own perception“ Dieser Titel ist wie die Einladung an den Betrachter der Gemälde von Taher Jaoui, dem freien Spiel und Tanz der Elementarteilchen auf der Leinwand zu folgen, die sich in schier unendlich verschiedenen Formationen nach farbenfrohen Partituren trennen und verbinden. Der Kosmos des Malers ist immer in Bewegung. (Auto)-poetisch verdichten sich die Taher´schen Elemente zu Konglomeraten, um dann wieder explosiv auseinander zu stieben oder sich in rhythmischen Reihungen zu formieren. Und ähnlich wie die Formen und Teilchen tanzen auch die Zahlen, Zeichen und Buchstaben an den Kreidetafeln des Mathematikers Taher Jaoui. Der französische Künstler mit tunesischen Wurzeln hat Finanzmathematik studiert, schon als Kind war er durch seine als Mathematiklehrerin tätige Mutter mit der Ästhetik der mathematischen Formel- und Symbolwelt vertraut. So verbinden sich die ästhetische und die mathematische Dimension in einem eigens für den Gotischen Saal geschaffenen 8 x 2,20 m großen Wandbild, in der Jaoui die Serien des Mathematikers Brook Taylor wie in einer Komposition der informellen Malerei einschreibt. Neben Leinwandbildern in verschiedenen Formaten zeigt diese Ausstellung eine weitere Installation, in der die Bewegung […]

bis 23.11. | #2540ARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin präsentiert ab 14. September 2019 die Einzelausstellung Forms of Aporia des Künstlers Jan Wawrzyniak. Auf der art berlin fair während der Berlin Art Week 2019 zeigt Galerie kajetan Berlin  im Special Project den Künstler Claude Viallat (mehr dazu unten). „Was ist meine Idee von einem Bild? Wo ist sie verankert und wie kann oder muss das Bild beschaffen sein, um dieser Idee gerecht zu werden? Im Lauf der Jahre ist in mir die Vorstellung des Bildes als offenes, aber zugleich distanziertes und instabiles Gegenüber gewachsen, dass sich weder der Penetration des Blicks von außen gefügig macht, noch versucht, dieses Außen zu manipulieren. Ein solches Bild wäre ein emanzipiertes, verantwortbares und aporetisches Bild. Und das wiederum kann nur eine Bildbehauptung sein, die fragt – die sich auf Augenhöhe befindet, die empfindlich, spröde und einfach, aber nicht vollständig durchschaubar und nicht zu vereinnahmen ist.“ (Jan Wawrzyniak im Gespräch mit Ulrike Kregel: Bis hierhin und nicht weiter. In: Jan Wawrzyniak, Broken and Lost | Drawing, Hrsg. Museum Wiesbaden, Kerber 2007) Jan Wawrzyniak, Sceptical Smile (19005), 2019, approx 65 x 65 cm, Charcoal on primed cotton fabric, Courtesy the artist and kajetan Berlin, (Photo: Marcus Schneider) […]

bis 11.10. | #2537ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher präsentiert ab 7. September 2019 die Einzelausstellung continuous sculpture mit einem Werk des französischen Künstlers Quentin Lefranc. Für Quentin Lefranc ist Architektur ein Rahmen, ein Terrain, ein Spielplatz und ein Ort der Untersuchung. Der Künstler zielt stets darauf einen Dialog zu initiieren zwischen dem Ort bzw. dem Raum und dem, was er in ihm materialisiert vorfindet. Continuous sculpture ist eine 30 Zentimeter hohe Bodenskulptur aus rechtwinkligem Material, das den gesamten Ausstellungsraum ausfüllt. Man kann die Skulptur nicht umlaufen. Es gibt keine unerreichbare Einhegung. Die Skulptur markiert kein definiertes Zentrum in dem gegebenen Raum. Es gibt nicht den einen Standort zur Betrachtung oder eine bestimmte Abfolge von Betrachtungsstandorten. Es gibt keine Distanz und keine Hierarchie. Die continuous sculpture ist ein Vorschlag zur Positionierung von Kunst und ihrer Wahrnehmung. Die Grenzen der Skulptur sind zugleich die des Raums, der sie umgibt, er ist ihr Fundament. Es gibt ein gleichbleibendes Muster und durch die Präsenz der Skulptur und ihre Größe und den Rhythmus, den sie kreiert, gestaltet sie gleichermaßen den Raum, in und mit dem sie sich entwickelt. Die Skulptur und ihre geringe Höhe lädt zum Beschreiten ein und fordert den Besucher auf sie zu […]

bis 05.10. | #2536ARTatBerlin | Galerie mutare präsentiert ab 24. August 2019 und während der Berlin Art Week 2019 eine Ausstellung mit Bildern des Künstlers Reinhold Braun. Reinhold Braun wurde 1961 in Karlsruhe geboren.
 1982-88 absolvierte ein Studium der Malerei an den Kunstakademien Karlsruhe und Düsseldorf bei Professor Markus Lüpertz. 1988 erwarb er den Abschluss als Meisterschüler. Seit 1988 ist er als freischaffender Maler tätig. Er hatte in der Zeit von 2007–11 einen Lehrauftrag für Malerei an der Kunstakademie Düsseldorf und von 2004-2014 an der Kunst Akademie Bad Reichenhall (Bayern) inne. Seit 2015 ist er als Dozent an der Kunst Akademie Kolbermoor (Bayern) tätig. Die Werke des Malers wurden bereits in zahlreichen nationalen (u.a. Düsseldorf, Stuttgart, Karlsruhe, Schwäbisch Hall) und internationalen Ausstellungen (u.a. Frankreich, Großbritannien, Griechenland, Monaco, Österreich, Chile), gezeigt. Seine Arbeiten befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen, wie z.B. VEBA Kunstsammlung, städtische Galerie Karlsruhe, Regierungspräsidium Baden-Württemberg, sowie Banken und Versicherungen in Deutschland. In die Ausstellung führt LEANDER KRESSE ein. Reinhold Braun, Geist (Ghost), Öl auf Leinwand, 120 x 95 cm, 2016 Vernissage: Samstag, 24. August 2019, 19:00 – 21:00 Uhr. Einführung: Leander Kresse Ausstellungsdaten: Samstag, 24. August – Samstag, 5. Oktober 2019 Öffnungszeiten im August und September 2019: Mi […]

bis 07.09. | #2531ARTatBerlin | DITTRICH & SCHLECHTRIEM präsentiert ab 10. August 2019 die Ausstellung „GrünLand“ des Künstlers Klaus Jörres. Unter dem Titel GrünLand zeigt Dittrich & Schlechtriem eine Reihe groß- und kleinformatiger Gemälde des Berliner Künstlers Klaus Jörres. Diese sind sowohl an den Wänden des Ausstellungsraums zu sehen, als auch an mehreren auf Rollen befestigten und beweglichen Metallgestellen, die frei im Raum stehen. © Klaus Jörres Im Zentrum von Jörres’ Kunst steht der raumzeitliche Charakter unserer Wahrnehmungen. Die Arbeiten werden in linearen Schichten angelegt und von Hand in Acrylfarben ausgeführt. Dabei werden mehrfach Bereiche abgeklebt und wieder freigelegt, sodass in einer Vielzahl von Anordnungen und Arbeitsschritten eine flächige und doch auf subtile Weise räumliche Oberfläche entsteht. Die Spannungen, die in die Komposition eingelassen sind, rufen falsche Schatten oder Formen hervor, die sich unter den Augen des Betrachters zu bewegen scheinen. Flirrende Landschaften scheinen zu entstehen. Aus diesem lebhaften Energiefluss heraus durchbricht das Werk die Flächigkeit seiner minimalistischen Form und drängt zurück in eine Dreidimensionalität, die sich nun auf den Vorder- und Rückseiten der modularen Gestelle entfaltet. Diese könnte man nach links oder rechts rollen, könnte sie drehen um ihre eigene Achse; ein beinahe performativer, aber als Funktionalität und rationale Gestik getarnter […]

bis 07.09. | #2528ARTatBerlin | H ART MANN GALLERY zeigt ab 3. August 2019 die Ausstellung des Künstlers Michael-Philipp Schnitzer. Nach erfolgreichen Messeteilnahmen in den beiden letzten Jahren in Miami, Neu Delhi, Hongkong, Shanghai und New York kommt der Künstler Michael-Philipp Schnitzer mit neuen Arbeiten zurück nach Berlin. Zur Vernissage unmittelbar am Ende der diesjährigen Sommerferien in der H ART MANN GALLERY möchte der Galerist Reinhold F. Hartmann Sie herzlich einladen. Sie findet statt am Freitag, 02. August 2019 von 19.00 bis 21.00 Uhr. Neue Bilder des Künstlers Michael-Philipp Schnitzer werden in seiner nunmehr dritten Ausstellung in der H ART MANN GALLERY mit dem logisch konsequenten Titel NUMMER 3 präsentiert. Der Künstler wird zur Vernissage anwesend sein. Michael Philipp Schnitzer, o.T., 2019, Öl und Acryl auf Leinwand, 50 x 70 cm Vernissage: Freitag, 2. August 2019, 19:00 bis 21:00 Uhr. Ausstellungsdaten: Samstag, 3. August – Samstag, 7. September 2019   Bildunterschrift: Michael Philipp Schnitzer o.T. 2019 Öl und Acryl auf Leinwand 50 x 70 cm Ausstellung Michael Philipp Schnitzer – H ART MANN GALLERY | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 16.11. | #2525ARTatBerlin | Galerie Kornfeld präsentiert zur Berlin Art Week ab 6. September 2019 eine Duo-Ausstellung: abstrakte Ölgemälde des Österreichers Hubert Scheibl (*1952, Gmunden) kombiniert mit Fotografien des in Berlin lebenden Georgiers David Meskhi (*1979, Tbilisi). In den Werken beider Künstler steht die Bewegung im Vordergrund. Während Meshki die Protagonisten seiner Fotografien in einem scheinbaren Schwebezustand einfängt, schafft Scheibl mit Hilfe seiner Pinselstriche gestisch-abstrakte Objekte auf der Leinwand, die nur aus der Bewegung heraus geschaffen werden können. Dabei sind die zentralen Werkmotive beider Künstler in einem undefinierbaren Raum verortet, welcher die Grenzen der zeitlichen Begriffe von Anfang und Ende verwischt und somit unsere gängigen Vorstellungen von Raum und Zeit hinterfragt. Hubert Scheibl, Badland, 2019, Öl auf Leinwand, 150 x 120 cm Hubert Scheibl widmet sich in seiner Malerei dem reinen Wesen der Abstraktion, ohne sich dabei auf theoretische Vorgänger zu berufen. Von intellektuellem Ballast bereinigt, konzentrieren sich seine Kompositionen auf die Frage, was die reine, wahre Natur der von ihm abgebildeten Objekte ist. Vor entmaterialisierten Hintergründen schwebend, versetzen die Objekte den Betrachter in kosmische Räume, die die Möglichkeit einer anderen, nicht fassbaren Realität vermuten lassen. Durch Schnitte und Risse, die der Künstler in die noch frische Farbe zieht, […]

bis 10.08. | #2523ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts zeigt ab 18. Juli 2019 die Erinnerungsausstellung In Memoriam zum Gedenken an den Künstler Eberhard Havekost. Am 5. Juli 2019 verstarb Eberhard Havekost völlig unerwartet und viel zu früh im Alter von 51 Jahren. In Erinnerung an den Künstler war es Contemporary Fine Arts kurzfristig möglich, die Werke seiner letzten Ausstellung vom Mai diesen Jahres zusammenzutragen. „In Memoriam“ soll Freunden und Weggefährten die Möglichkeit geben, von Eberhard Havekost Abschied zu nehmen. Ausdrücklich möchten wir drauf hinweisen, dass es sich hierbei um keine Verkaufsausstellung handelt. Im stillen Gedenken, Contemporary Fine Arts Eberhard Havekost, Offene Gesellschaft 2018, oil on canvas, 45 x 80 cm Eberhard Havekost 12. Oktober 1967 – 5. Juli 2019 Maximale Konzentration war eine der Grundvoraussetzungen für die Malerei von Eberhard Havekost. Um diese zu erreichen, strukturierte er seinen ganzen Alltag um die eigene Kunstproduktion herum, um möglichst viel Zeit und Raum für Kunst zu schaffen. Doch in dieser absoluten Vorrangstellung der Kunst lag für den Künstler auch ein großer Luxus. Denn Havekost wusste, dass die Entstehung seines Werks paradoxerweise eben auch den Bruch mit jener strengen Produktionslogik, einen „Moment jenseits von Kontrolle und Optimierungszwang” bedurfte. Deshalb lehnte er etwa auch […]

bis 19.10. | #2520ARTatBerlin | Köppe Contemporary zeigt ab 23. August 2019 die Ausstellung Christian Roeckenschuss – Vision des Universalen mit Skizzen, Entwürfen und Tafelbildern aus dem Nachlass des Avantgardisten der Op-Art und des Minimalismus. .Christian Roeckenschuss (1929-2011) zählt zu den zentralen Berliner Protagonisten der Nachkriegsavantgarde. In seinem Hauptwerk, den Séquences Chromatiques (Streifenbilder), sah Roeckenschuss seine künstlerisch-philosophischen Ideen umgesetzt: „Die Séquences Chromatiques beinhalten das Thema des Seins, der Natur und des Lebens sowie des ganzen Wesens des Menschen“, schrieb der Künstler. Mit ihrem geistig-philosophischen und auch spirituellen Anliegen räumten die Streifenbilder Roeckenschuss eine Sonderstellung innerhalb des Minimalismus wie auch der Op-Art ein. Persönliche Kontakte zur internationalen Avantgarde in Frankreich oder Italien (u.a. Hans Arp und Lucio Fontana) beeinflussten Roeckenschuss‘ Frühwerk. Gemeinsame Ausstellungen mit Künstler wie Georg Baselitz, Heinz Mack, Otto Piene, Günther Uecker, Sigmar Polke und Gerhard Richter brachten die Karriere des Künstlers in Gang. Mit Ausstellungen u.a. in Frankreich, Italien, Belgien, England, Skandinavien und Osteuropa wurde er schließlich auch international bekannt. Konsequent entwickelte Roeckenschuss sein Werk über Skizzen und Entwürfe. Sie spielten in der Suche des Künstlers nach einer eigenständigen Position innerhalb der Kunst eine wichtige Rolle. An den rund 400 Entwürfen und Miniaturen, die der Öffentlichkeit aus seinem […]

bis 01.09. | #2517ARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin präsentiert ab 6. Juli 2019 die Ausstellung Beauvais mit Skulpturen, Malerei, Zeichnung und Objekten des Künstlers Erich Reusch. Sowohl Erich Reuschs Zeit als Marinesoldat auf einem Minenräumboot während des letzten Weltkriegs und seine Arbeit als Minensucher zur See zum Geldverdienst danach, als auch seine spätere Leidenschaft für das Segelfliegen präparierten ihn mit einem Wissen über Strömungsverhalten, Magnetismus und Gefahrenlagen bzw. mit einer Begeisterung für den Luftraum, seine Energie, Thermik und Aufladung. Mit dieser Erfahrung und einem solchen Wissen stehen die Arbeiten des als Architekt und Bildhauer ausgebildeten Künstlers in einem engen Zusammenhang. Seit seinen künstlerischen Anfängen ist Erich Reusch den Qualitäten des Raums auf der Spur, die nicht auf Masse, Gravitation und Materie beruhen, sondern auf dem Verständnis des Raums als von verschiedenen energetischen Qualitäten erfülltes Kraftfeld. Bei Erich Reusch wird der Raum zum Ereignis. Seine Werke schärfen unser Bewusstsein für den Raum, in dem wir uns befinden. Das sind Innenräume, aber auch die architektonische Anlage unserer Städte, Landschaftsräume und der kosmische Raum. Ausstellungsansicht Erich Reusch – Beauvais: Zeichnungen 1995-1999, je 55 x 41 cm; Elektrostatisches Objekt, 1971, Plexiglas, Gasruß, 50,5 x 11 x 27 cm; Courtesy der Künstler und Galerie kajetan […]

bis 03.08. | #2514ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab zeigt ab 3. Juli 2019 die Ausstellung Some hollow crowns des Künstlers Bertrand Flanet. Der Ausstellungstext ist derzeit nur in englischer Sprache verfügbar: Some hollow crowns features recent productions and developments from the artist Bertrand Flanet. The exhibition starts with blue and blue, a footnote acting as a general introduction, invoking invisible and visible abstract narrations, close to epic tales. The work is a text on linen inspired by psychological motifs and linked to the artist’s interest in narratives. It alludes to a plot evolving for twelve hours as twelve chapters and iterations in a single day. A single chapter is introduced as part of a large scale series of twelve chapters existing as panels. The printed text recalls the narrative of a boy killing monsters in a plot crafted the vein of science-fiction. The entire twelve chapters exist also in the form of a small book, similar to a children’s book, available for review in the Lab library. By breaking with seriality and presenting a single chapter in isolation, the artist focuses our attention on the invisible paratext within the chapters one may typically omit. In that perspective, he is pursuing […]

bis 31.08. | #2511ARTatBerlin | Gallery Taik Persons präsentiert ab 29. Juni 2019 die Einzelausstellung „The Museum of Nature“ des Künstlers Ilkka Halso. „Ich plane und konstruiere visuell Strukturen, welche die Natur vor drohender Verschmutzung und, was noch wichtiger ist, vor Eingriffen des Menschen schützen. (…) Wenn man Natur in ein Museum setzt, so muss man den Aspekt des Publikums / Konsumenten in Betracht ziehen. Die Natur wird zu einem Vergnügunspark für Touristen und eine schöne Landschaft verwandelt sich in eine meditative Theatershow.“ Ilkka Halso Im Verlauf seiner Karriere setzte Ilkka Halso den Fokus seiner Fotografie auf das Bewahren, die Wiederherstellung und das Verstehen des Aufbaus der Natur. Seine fotografischen Serien, beginnend im Jahr 2000, haben auf optischem Wege erforscht, wie wir als Kultur neue Ansätze der Wahrnehmung und Wertschätzung von natürlichen Ressourcen, entwickeln müssen, die wir als so selbstverständlich betrachten. Diese frühen Werke untersuchten die verschiedenen Aspekte der Beziehung zwischen Mensch und Natur, indem letztere als ein seltener und gefährdeter Ort behandelt wurde. Halso fertigt seine Gebilde selbst an, entweder physisch oder digital in seinem Studio, um Seen, Flüsse und Wälder vor von Menschen verusachten Schäden, sowie vor dem direkten Missbrauch wertvoller Ressourcen zu schützen. Er ist bestrebt, seine […]

bis 31.08. | #2508ARTatBerlin | Galerie Georg Nothelfer präsentiert ab 29. Juni 2019 als Sommerausstellung eine Accrochage mit Werken namhafter Künstlerinnen und Künstler. Gezeigt werden Bilder, Skulpturen, Objekte, Zeichnungen folgender Künstler*innen: Adochi, Peter Brüning, Eduardo Chillida, Christo & Jeanne-Claude, K.F. Dahmen, Madeleine Dietz, K.O. Götz, Thomas Hartmann, Gerhard Hoehme, Edgar Hofschen, László Lakner, Walter Menne, Henri Michaux, Robert Motherwell, Max Neumann, Georges Noël, Robert Schad, Emil Schumacher, Richard Serra, Kazuo Shiraga, K.R.H. Sonderborg, Walter Stöhrer, Antoni Tàpies, Fred Thieler, Wolfgang Troschke, Cy Twombly und Jan Voss. Adochi, Leichte Erde I, 5.6.1986, Leimfarbe/Leinwand, 175 x 155 cm Vernissage: Freitag, 28. Juni 2019, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 29. Juni – Samstag, 31. August 2019   Bildunterschrift: Adochi, Leichte Erde I, 5.6.1986, Leimfarbe/Leinwand, 175 x 155 cm Ausstellung Accrochage – galerie georg nothelfer | Zeitgenössische Kunst Berlin Contemporary Art | Kunst Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 11.08. | #2505ARTatBerlin | Haus am Lützowplatz präsentiert ab 21. Juni 2019 die Gruppenausstellung Hey, Mars!, kuratiert von Lydia Korndörfer, mit Werken von A/A (Andreas Greiner & Armin Keplinger), Natalie Körner, PPKK (Sarah Ancelle Schönfeld & Louis-Philippe Scoufaras) und Elisa Storelli. Vom 22. Juni bis 11. August 2019 wird die Studiogalerie im Haus am Lützowplatz in eine Raumstation verwandelt. Die Ausstellung „Hey, Mars!“ widmet sich dem neu aufkommenden Marsfieber. Nur 50 Jahre nach der Mondlandung rückt heute das nächste bedeutende Raumfahrtziel in greifbare Nähe: Bis 2027 soll der Mars nicht nur betreten, sondern auch besiedelt werden. Was sich wie Science-Fiction liest, ist Realität: Kolonialisierungspläne, Infrastruktur und Technologien für die künftigen Marsmenschen wurden bereits entwickelt. Natalie Körner, Rocking Rocks (Mars), 2019 © Natalie Körner, 2019 Die Ausstellung versteht sich als spielerischer Exkurs zur Zukunft der Menschheit auf Mars und Erde. Während die Flucht in den Weltraum als Exit-Strategie an Bedeutung und Aufmerksamkeit gewinnt, bleibt die Zukunft unseres Planeten, der Gesellschaft und Kultur wie wir sie kennen, ungewiss. Wird der Mensch eine neue Erde finden oder erschaffen? Welches Wissen, welche Werte werden tradiert, wenn bereits heute als Konsequenz des Klimawandels nicht die Ehrfurcht vor der Natur zur Prämisse menschlichen Handelns wird, […]

verlängert bis 24.08. |#2501ARTatBerlin | Galerie Dittmar zeigt ab 21. Juni 2019 eine Ausstellung mit Skulpturen und Zeichnungen des Künstlers Rainer Kriester. „Ich bin Realist von Natur aus, aber ich arbeite nicht realistisch. Ich bin kein Abstrakter, aber ich suche die Abstraktion.“ (R. K.) Rainer Kriester (1935-2002) zählt zu den profiliertesten Bildhauern des späteren 20. Jahrhunderts. Die Verlagerung des Schwerpunktes seiner Arbeit 1982 nach Castellaro bei Vendone in Ligurien markiert eine Wende in seinem Schaffen. Der expressive, gewaltsame und schmerzhafte Ausdruck der früheren Arbeiten wird sublimiert, die Kraft ist wie nach Innen verlegt, die Aussage ins Zeichenhafte überführt. Die dem Material, dem Kalkstein, dem Marmor, eigenen sinnlichen Qualitäten werden offengelegt. Einen besonderen Stellenwert nehmen die das skulpturale Werk begleitenden Zeichnungen ein. Seit der ersten großen Ausstellung 1975 im Schoss Charlottenburg, Berlin, zahlreiche Museumsausstellungen mit begleitenden Publikationen, so 1982 im Wilhelm Lehmbruck Museum in Duisburg, 1985 in der Staatlichen Kunsthalle Berlin und im Museo d’Arte Contemporanea in Genua. 1993-1994 folgt die Wanderausstellung „Scultura-Natura“ über sechs Stationen, 1999 Den Haag, 2000 „Der mediterrane Traum“ im Pergamonmuseum Berlin. 1997 und 2003 erscheinen die Werkverzeichnisse im Hirmer Verlag München. Arbeiten im öffentlichen Raum in Deutschland, Italien, Japan, den USA; in Berlin unter anderem im […]

bis 24.08. | #2499ARTatBerlin | EFREMIDIS GALLERY zeigt ab 29. Juni 2019 im [ERP Projekt] die Ausstellung Walkers der Künstlerin Nuria Fuster. Efremidis Gallery freut sich ‚Walkers‘ von Nuria Fuster als zweite Ausstellung im Rahmen des ERP Projekts zu präsentieren. Nuria Fuster (1978), geboren in Alcoi, Spanien und wohnhaft in Berlin, absolvierte ihren Masterabschluss in freier Kunst an der Polytechnic University in Valencia und studierte außerdem an der Academia di Belle Arti in Rom. ‚Walkers‘ ist eine ortsspezifische kinetische Intervention, die Fuster für das ERP Projekt entwickelt hat. Die beiden ‚Walkers‘ sind dabei als direkte Antwort auf die Architektur der Räumlichkeiten des ERP Projekts konzipiert worden. ‚Walkers‘ bildet die konstante Bewegung außerhalb der Galerie ab; die von der U-Bahn-Station zu ihrem Ziel eilenden Menschen. Die Grenze zwischen innen und außen, privat und öffentlich wurde bereits von den Architekten Rolf Gutbrod und Hermann Kiess verschoben, als sie den Gehweg innerhalb des Gebäudes weiterführten – sicht- aber nicht erreichbar. Die Arbeit steht so im Dialog mit dem Gebäude, der Intention der Architekten und den Passanten auf dem Ernst-Reuter-Platz. Nuria Fuster Fusters skulpturale Intervention besteht aus zwei Stahlseilen, die zwischen die Betonpfeiler im Ausstellungsraum geschlungen werden. Ein einzelnes Seil hängt von dem horizontal […]

bis 27.07. | #2495ARTatBerlin | Galerie Born Berlin präsentiert ab 14. Juni 2019 die Sommer-Ausstellung Goldstaub des Künstlers Strawalde.  In der Ausstellung Goldstaub wird Malerei, Collage, Skulptur des Künstlers zu sehen sein. Vernissage: Donnerstag, 13. Juni 2019, 18:00 – 21:00 Uhr. Der Künstler ist anwesend. Ausstellungsdaten: Freitag, 14. Juni – Samstag, 27. Juli 2019 In der Dependance der Galerie Born in Born auf dem Darss wird noch bis 3. Juli 2019  die Ausstellung „Drawing now“ der Künstler Martin Assig, Gilgian Gelzer, Mark Lammert und Daniel Schlier gezeigt. Im Projektraum Heiddorf der Galerie ist bis zum 21. Juli 2019 die Ausstellung La Place D’Italie des Künstlers Jens Jensen zu sehen.   Bildunterschrift: Courtesy Galerie Born Berlin – Strawalde Ausstellung STRAWALDE | Goldstaub – Galerie Born Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin      

bis 31.08. | #2496ARTatBerlin | Galerie Kornfeld präsentiert ab 27. Juni 2019 die Sommer-Ausstellung „Pack den Badeanzug ein“ mit Werken von jungen und etablierten Positionen der zeitgenössischen Malerei. Kaum ein Lied vermag die ausgelassene Stimmung und Unbeschwertheit des Sommers so treffend einzufangen wie der Schlager „Pack die Badehose ein“ aus den frühen 1950er Jahren. Beschwingt singt der Kinderstar Conny von den kleinen Lasten des Alltags, die mit einem Sprung ins kalte Wasser des Wannsees gelöst werden können. Diesem Motto folgend freuen wir uns, Ihnen mit der Ausstellung Pack den Badeanzug ein einen erfrischenden Blick auf junge und etablierte Positionen der zeitgenössischen Malerei zu geben. Anhand einer breiten Auswahl künstlerischer Arbeitsweisen untersuchen wir, was Malerei im 21. Jahrhundert sein kann. Wie geht es dem ältesten Medium der Kunst in unserer hyper-digitalisierten Zeit? Was kann das analoge Bild, was das digitale nicht kann, und wie beeinflussen sich die Medien gegenseitig? Elvira Bach, Unter Palmen, 1982, Acryl auf Papier, 50 x 35 cm Teilnehmende Künstler*innen:  Alicia Adamerovich, Tom Anholt, Elvira Bach, Carlo D’Anselmi, Monica Kim Garza, Stefanie Gutheil, Erik Hanson, Kimia Ferdowsi Kline, Ella Kruglyanskaya, Tamara Kvesitadze, Clemencia Labin, Kat Lyons, Christian Perdix, Logan T. Sibrel, James Ulmer und weitere Christian Perdix (*1987 in […]

verlängert bis 20.07. | #2490ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens zeigt ab 1. Juni 2019 die Ausstellung Rhythm of the Staple Gun des Künstlers Julius Bobke. Diese zweite Ausstellung von Julius Bobke in der Galerie ist stark auf eine neue Werkgruppe fokussiert, die Bobke seit 2018 erarbeitet hat. Für diese Bilder verwendet er Ausschnitte von historischen Teppichen aus verschiedenen Epochen und Kulturkreisen, die er in einem komplexen Druckverfahren ins Bild einfügt, sie übermalt, bleicht, auseinanderschneidet und neu zusammenfügt. Er spannt die Bilder immer wieder vom Keilrahmen ab, um sie zu bedrucken oder neu zusammenzunähen. Dabei kommt oft das Tackergerät zum Einsatz. Der Begriff Rhythmus bzw. Muster läßt sich also auf das Tackern, den Rhythmus der Nähmaschine aber auch die Muster der Teppichfragmente beziehen. Grundsätzlich ist ein gemaltes Bild enger verwandt mit einem Teppich als man auf den ersten Blick denkt, denn beides sind letztlich gefärbte Textilien. Julius sagt dazu: “Der Orientteppich tauchte vom 13. bis 17. Jahrhundert vermehrt als dekoratives Element in der europäischen Malerei auf. Es sind heute mehr Teppiche in Gemälden der Renaissancemalerei abgebildet, als real erhalten geblieben sind. Hierdurch fokussiert sich die Forschung der islamischen Kunst auch auf europäische Gemälde in ihren Untersuchungen.” Julius Bobke Dass der Teppich […]

bis 27.07. | #2486ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab 6. Juni 2019 die Einzelausstellung WEIMAR, NORIS, ERNEMANN der Künstlerin Ricarda Roggan. „Schwere Maschinen, durch deren Ritzen im Dunkel des Vorführraums das Licht dringt: Die besondere Aura der Projektoren begeisterte Ricarda Roggan, seit sie im Studentenjob lange, ruhige Kinonächte mit ihnen verbrachte. Das Gewicht der schweren Apparate, das leise Rattern der Motoren, das luftige Flimmern der Bilder im Kinoraum. All diese Eindrücke haben lange geruht und beharrlich nachgewirkt, um jetzt in einer neuen Fotoserie verdichtet zu werden, die stärker als sonst mit der Biografie der Bildkünstlerin verbunden ist. Wie alles, was Ricarda Roggan vor der Linse ihrer analogen Großbildkameras arrangiert, verharren nun auch die Projektoren in einer Art Zeitkapsel. Sie schreien nicht „schau mich an!“ oder „hol mich hier raus.“ Sie genügen sich selbst. Freuen sich demütig darüber, dass ihnen noch einmal eine Bühne bereitet wird. Verharren in sich ruhend und entfalten gerade darum einen ganz eigenen, nüchternen, völlig unsentimentalen Zauber. Sprechen eine stumme Einladung aus, sie ungestört und konzentriert zu betrachten. Ricarda Roggan, WEIMAR (Weimar 3), 2017, aus der Serie: APPARATE, Bromsilbergelatine-Handabzug, kaschiert, 100 x 80 cm, Auflage von 3 Dramatische Effekte vermeidet Ricarda Roggan, destilliert durch stetige […]

bis 04.08. | #2484ARTatBerlin | König Galerie (Nave) zeigt ab 8. Juni 2019 die Ausstellung Circus Empire der Künstlerin Kathryn Andrews. Zeitgleich wird in der Chapel der Galerie der Künstler Anselm Reyle mit der Ausstellung Reflections gezeigt. Die KÖNIG GALERIE freut sich, vom 7. Juni bis 4. August 2019 mit „Circus Empire“ ihre erste Ausstellung von Großskulpturen und Wandobjekten von Kathryn Andrews zu präsentieren. Die in Los Angeles lebende Künstlerin verwandelt das historische Gebäude der Galerie in eine massive Zirkuszeltstütze. Im Inneren vermischen interaktive Kunstwerke Referenzen auf Imperium, Vergangenheit und Gegenwart, neben Symbolen von Verfall, Exzess, Versagen und Verrottung. Kathryn Andrews, Tutti Frutti Ancients and Moderns, 2019, stainless steel, aluminum, glass, ink, paper and paint, 112 x 112 x 5 cm Mit beißendem Witz in Form von materiell reichen, absurden Objekten hinterfragt Andrews den aktuellen Zustand der Zivilisation und ihrer Darstellungen, während sie die Misserfolge seiner endlosen Faszination für Dominanz aufdeckt. Ausstellungsdaten: Samstag, 8. Juni bis Sonntag, 4. August 2019   Bildunterschrift: Kathryn Andrews, Tutti Frutti Ancients and Moderns, 2019, stainless steel, aluminum, glass, ink, paper and paint, 112 x 112 x 5 cm Ausstellung Kathryn Andrews – König Galerie (Nave) | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | […]

Die Alte Nationalgalerie präsentiert derzeit den französischen Maler und Mäzen der Impressionisten Gustave Caillebotte (1848–1894). In der Ausstellung wird sein 1877 vollendetes, zukunftsweisendes Werk „Rue de Paris, temps de pluie“ gezeigt, das erstmals in Berlin zu sehen ist. Gustave Caillebotte war einer der zentralen Akteure des französischen Impressionismus und gehört dennoch zu jenen Künstlern, die heute noch zu entdecken sind. Sein Ruhm gründete sich zunächst auf seine Rolle als Mäzen, während er als Maler erst spät volle Anerkennung fand. Mit Caillebottes 1877 vollendetem Gemälde „Straße in Paris, Regenwetter“ („Rue de Paris, temps de pluie“) zieht nun eine Ikone des Impressionismus in die Alte Nationalgalerie ein. Es gilt als Hauptwerk des Künstlers und ist eines der Aushängeschilder des Art Institute of Chicago. Selten reiste das monumentale Gemälde bislang nach Europa, in Berlin ist es zum ersten Mal überhaupt zu sehen. Dass „Straße in Paris, Regenwetter“ nun hier gezeigt wird, kann als Sensation bezeichnet werden und basiert auf einer einmaligen internationalen Kooperation: Während das Art Institute of Chicago Edouard Manets „Im Wintergarten“ für eine große monographische Ausstellung ausgeliehen bekommt, erhält die Alte Nationalgalerie im Gegenzug das Meisterwerk eines Künstlers, der selbst nicht in ihrer Sammlung vertreten ist. Damit kommt das deutsche wie […]

bis 24.08. | #2479ARTatBerlin | Salongalerie Die Möwe präsentiert ab 6. Juni 2019 die Ausstellung Zweimal Berlin. Blicke auf eine geteilte Stadt. Bitte beachten Sie die Sommerpause der Galerie vom 14. Juli bis 29. Juli 2019. Im 30. Jahr des Mauerfalls stellt unsere Ausstellung „Zweimal Berlin. Blicke auf eine geteilte Stadt“ urbanes Leben in Ost- und Westberlin vor. Auf Gemälden, Grafiken und Zeichnungen vermitteln namhafte Berliner Künstlerinnen und Künstler aus Ost und West ihre Eindrücke von städtischen Strukturen und sozialem Alltag in der Zeit vor der Wiedervereinigung. Die Stadtansichten und Straßenszenen, die sie mit liebevollem oder kritisch-distanziertem Blick wiedergeben, verdeutlichen die Atmosphäre im geteilten Berlin. Das Nebeneinander der Kunstwerke aus mehreren Jahrzehnten lässt die Ausstellung zu einem Ort spannender Begegnungen werden. Evelyn Kuwertz, Zur Wannseebahn, 1979, Bleistiftzeichnung auf Karton, 70 x 100 cm Gezeigt werden Arbeiten von Rolf Curt, Wolfgang Frankenstein, Brigitte Fugmann, Dieter Goltzsche, Werner Heldt, Carl-Heinz Kliemann, Matthias Koeppel, Evelyn Kuwertz, Wolfgang Leber, Monika Meiser, Arno Mohr, Otto Möller, Robert Rehfeldt, Wolfgang Reinke, Klaus Roenspieß und Peter Rohn. Wolfgang Leber, Feuerschein über der Stadt, 1988, Acryl auf Leinwand, 110 x 130 cm Zur Vernissage am Donnerstag, dem 6. Juni 2019, ab 19 Uhr laden wir Sie und Ihre […]

bis 08.09. | #2471ARTatBerlin | Galerie mehdi chouakri wiedereröffnet am 25. Mai 2019 die Galerieräume am Fasanenplatz mit der Gruppenausstellung Kunst über Kunst. Art defines art. In this general sense, art always and inevitably deals with itself. — Johannes Cladders Mit Werken von: Saâdane Afif / John M Armleder / Hans-Peter Feldmann / Sylvie Fleury / General Idea / Louise Lawler / Michel Majerus / Mathieu Mercier / Jonathan Monk / Giulio Paolini / Bernd Ribbeck / Salvo / Rob Scholte / Sturtevant / Wolfgang Tillmans Die Ausstellung KUNST ÜBER KUNST zeigt Werke – einige davon stammen aus den 1960er Jahren -, die jeweils thematisch die Werke anderer Künstler widerspiegeln. Die Referenzen umfassen einfache Zitate, Beifall, übertriebene Verzierung, Assoziation oder völlige Aneignung. KUNST ÜBER KUNST sucht keineswegs einen enzyklopädischen Ansatz, sondern untersucht das Thema anhand ausgewählter Beispiele zeitgenössischer Kunst. Auch wenn diese künstlerische Strategie als ein typisches Phänomen der Postmoderne angesehen werden kann, gab es historisch gesehen immer „interne“ künstlerische Referenzen – direkte Kopien oder einfache malerische Studien sind zwei Beispiele dafür. Das Thema und der Fokus von KUNST ÜBER KUNST sind konzeptioneller Natur, was die Lebendigkeit der Ausstellung in keiner Weise beeinträchtigt. Die Ursprünge der präsentierten Kunstwerke werden aus einer Vielzahl […]

bis 06.07. | #2441ARTatBerlin | BQ Berlin zeigt momentan eine Einzelausstellung der Künstlerin Raphaela Vogel. Drei Jahre nach ihrem ersten Auftritt in der Galerie BQ entwirft Raphaela Vogel ein engmaschiges Labyrinth der Angst, das gleichermaßen Rückblende und düstere Vision ist. Über drei Räume hinweg vernetzt sie Soundcollage, Skulptur, Video und Malerei zu einer surrealen Odyssee, die die dunklen Seiten des Karrieretraums erkundet. Schlüsselelemente aus vorangegangenen Ausstellungen kehren als angesammelte Bruchstücke wieder und werden neu aufgerüstet aufeinander losgelassen. Die meist gefürchtete unter ihren Artgenossen, die Vogelspinne, nimmt uns zwischen acht kühle Tentakel und ihrem arachniden Bildkörper gefangen. Hypnotisiert von spiralförmigen Wirbeln und eingelullt durch die sanfte Vibration eines Freischwingers werden wir Zeuge, wie Vogel die eigene Retrospektive durch die Schiffsschraube treibt – bis davon nur noch Schnipsel und Fetzen übrig sind. Kreation und Regression im designten Wohnzimmer, begleitet von sirenenartigen Klängen. Eine hochpotente Gebärmaschinerie, bestehend aus den martialischen Versatzstücken einer unermüdlichen Erlebnis- und Performancekultur, attackiert uns von allen Seiten mit weiblichen Rollenzuschreibungen. In der klaustrophobischen Arena kämpft das Mutterschiff bis zum K.O.. Die Künstlerin konfrontiert nicht nur sich selbst, sondern auch den Kunstbetrieb mit eingefleischten Phobien: die Angst vor dem Selbstverlust und Erschöpfungszustand angesichts einer sich stetig drehenden Produktionsspirale und der […]

bis 15.06. | #2452ARTatBerlin | Crone Berlin zeigt aktuell die Ausstellung 100 Cuts des deutsch-österreichischen Künstlers Clemens Krauss. Gezeigt werden hundert gleichformatige Ölgemälde, die in dem für Krauss typischen pastosen Farbauftrag gemalt sind und „Close ups“ männlicher und weiblicher Geschlechtsteile zeigen. Mit dem Projekt „100 Cuts“ problematisiert Krauss, der in seiner Kunst oftmals auf politische, kulturelle und soziale Zusammenhänge verweist, ein ebenso sensibles wie tabuisiertes Thema: Den Eingriff in die körperliche Unversehrtheit des Menschen aus religiös-rituellen Motiven. Er zeigt auf seinen Bildern nicht mehr und nicht weniger als die meist an Minderjährigen durchgeführte, operative Entfernung von Teilen des Geschlechtsorgans, also die Beschneidung des Penis oder die zumeist folgenreichere und zurecht als Genitalverstümmelung bezeichneten Eingriffe am weiblichen Geschlecht. Das englische „Cut“ steht hier also für zwei Bedeutungen: Einerseits für den Ausschnitt, andererseits für den Einschnitt. Der nahegehende „Ausschnitt“ erzeugt einen eindringlichen Blick auf das Intime des menschlichen Körpers. Der jeweilige „Einschnitt“ bleibt in vielen der Arbeiten hingegen unklar. Entscheidend ist allerdings, dass es nicht nur um einen körperlichen „Schnitt“ geht, sondern darüber hinaus um eine Beschneidung des Rechts auf freie Selbstbestimmung. Neben den irreversiblen, oft lebensgefährlichen Verletzungen tragen die Betroffenen in vielen Fällen auch psychische Narben davon. Die Eingriffe werden meist […]

bis 18.06. | #2440ARTatBerlin | Galerie Gesellschaft präsentiert aktuell die Ausstellung der Wien-Berlinischen Kunstarmee. Gänzlich friedlich marschiert am 18. April die Wien-Berlinische Kunstarmee in Berlin auf. Künstler und Kunstbegeisterte dieser beiden Städte haben sich zusammengetan, um den vielfältigen Berliner und Wiener Szenen einen radikalen Beitrag hinzuzufügen. Einerseits geschieht dies aus einem gewissen Überdruss an Tendenzen des Kunstmarktes, um sich selbst zu kreisen, narzisstische Bedürfnisse zu befriedigen, Nachfrage zu beliefern und auf Gefälligkeit zu schielen. Andererseits entwickeln die Beteiligten einen ausgeprägten Enthusiasmus für einen wieder höheren Stellenwert der künstlerischen Gesellschaftsreflexion in unsicheren und krisenhaften Zeiten. Allerdings beginnt ihre Arbeit erst dort, wo Worte, Gesten oder mathematische Gleichungen die Welt nicht mehr zu fassen vermögen. Insbesondere kreist sie um die Rolle von Identität und Ironie, die Beziehungen von Kunst und Großstadtleben sowie um Information und Kommunikation. Obwohl (oder gerade weil) es sich um einzelgängerische Existenzen handelt, formieren sich die Kunstarmisten zu einem komplexen adaptiven System. Kai Hellbardt, Courtesy the artist and Galerie Gesellschaft Reizvoll ist überdies diese neue kulturelle Achse der beiden deutschsprachigen Metropolen Wien und Berlin. Es bleibt dem Betrachter überlassen, in den Werken auch K&K oder preußische  Elemente zu entdecken. Die erste Gruppenausstellung der Wien-Berlinischen Kunstarmee bildet den Auftakt zu […]

bis 29.06. | #2476ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin zeigt ab 24. Mai 2019 die Ausstellung mit Werken der Künstlerin Melanie Woste. ART CRU Berlin zeigt von Melanie Woste (geb.1983, Münster) aus Pappkarton gefertigte Objekte, neben Bildern und Kollagen. Die in Lippstadt lebende Aktion-Kunst-Preisträgerin und Mitglied der Künstlergruppe DAS ROTE ZEBRA widmet sich, in ihrer ersten Einzelausstellung in Berlin, technischen Gebrauchsgegenständen und Interieurs der 1970er Jahre. Die Karton-Objekte der Künstlerin werden ergänzt durch Kollagen aus Zeitungspapier, wie z. B. einem Kassettenrecorder, den sie durch Schichtungen von kleinsten Buchstabenschnippseln mit bestechender Detailliertheit kreiert und Zeichnungen/Malerei, z. B. von einer kleinen Serie von alten Fotoapparaten, die sie in bestechend-eleganter Genauigkeit in Aquarell und Tinte umgesetzt hat. o. T., 2019 Aquarell, Tinte auf Karton, 42,1 x 29,7 cm Ausgediente Ton- und Kommunikationsträger wie Fernseher, Radios oder Plattenspieler bildet Melanie Woste in ihren nostalgisch anmutenden Arbeiten im Maßstab 1:1 nach und verwendet hierzu nichts anderes als ebenfalls ausgedientes Verpackungsmaterial: alten Pappkarton. Eine Transformation, die sie mit einer unglaublichen Akribie und Präzision vollzieht. Fernseher mit Klapptüren, 2017 Versandkarton, 67 x 63 x 50 cm Kaugummiautomat, 2017 Versandkarton, 30 x 17,5 x 16,5 cm Die unterschiedlichen Oberflächenstrukturen übersetzt sie sorgfältig Detail für Detail in ein einziges, […]

bis 27.07. | #2459ARTatBerlin | Klosterfelde Edition präsentiert derzeit die Ausstellung Prototypes and Multiples der Künstlerin Jorinde Voigt. In ihrer Ausstellung bei Klosterfelde Edition experimentiert Jorinde Voigt, die bisher vornehmlich großformatig zeichnet, mit räumlichen Explorationen ihrer bisher meist zweidimensional verfassten Untersuchungen von wahrnehmungs- und erkenntnistheoretischen Fragestellungen. Gezeigt werden Prototypen und Multiples, die sich nicht als hermetisch geschlossene, vom Betrachter distanzierte Kunstwerke präsentieren, sondern in ihrer potenziellen Nutzbarkeit mit Fragen nach Funktionalität und Integrierbarkeit in Alltagsabläufe spielen, jedoch vordergründig künstlerische Auseinandersetzungen mit Themen wie Handlungsspektrum, Proportion und Stabilität darstellen. Als solche markieren sie eine Übertragung von Voigts zeichnerischen Praxis in eine räumlich geöffnete Formensprache, die neue Möglichkeiten der Erschließung und Erfahrung dahinter stehender Konzepte ermöglicht. Vernissage: Freitag, 26. April 2019 Ausstellungsdaten: Samstag, 27. April – Samstag, 27. Juli 2019   Bildunterschrift: Jorinde Voigt, Foto: Roman März, Courtesy and Copyright: Studio Jorinde Voigt Ausstellung Jorinde Voigt – Klosterfelde Edition | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 01.06. | #2436ARTatBerlin | Galerie Barbara Thumm zeigt aktuell die Einzelausstellung Unweit von Dir der Künstlerin Anne-Mie van Kerckhoven. .THE END OF AN INVESTIGATION / LET ME BEGIN / TO FULLY UNDERSTAND THE APPEAL OF SCIENTIFIC REALISM / IN WORKING MY WAY THROUGH […]. Schriftdetail aus dem Werk „Reflections Going Down with the Sun”, 2013. Den Blick auf ein durch Anne-Mie van Kerckhoven (AMVK) gewähltes Textfragment in einem ihrer Werke zu werfen, ist ein zum Scheitern verurteilter Versuch, einem Verständnis für das grundsätzlich Unsubsummierbare ihrer künstlerischen Ausdrucksweisen nahe zu kommen. „In working my way through [the investigation]”, frei übersetzt, “indem ich es [die Recherche, Untersuchung, Erforschung] auf meine Art und Weise durchgearbeitet habe“, ist genau dieses Fragment einer Passage, die mein heutiges Interesse weckt. Das Werk AMVKs wurde in der Vergangenheit aus zahlreichen Blickwinkeln, meist aus der Vogelperspektive, seziert, begutachtet und kategorisiert. Dabei halfen uns die Erläuterungen zu Inhalten (technologisch-digitaler Impetus, Mystizismus und weibliche Intelligenz, leibnizsche Herunterbrechungen der Natur auf eine mathematische Logik, neurowissenschaftliches Maschinenwissen) und Methoden (eisensteinsche-filmische und mittelalterliche Auflösung von Linearitäten, Überforderungsstrategien, Narrative des literarischen Cut-ups und Fold-ins eines Burroughs und Gysin), ein umfassenderes Verständnis dieses außergewöhnlichen Werks zu erhalten. Es nutzt alle Medien der Kunst und […]

bis 26.05. | #2450ARTatBerlin | König Galerie (Nave) präsentiert derzeit eine Ausstellung mit neuen Werken des Künstlers Matthias Weischer. Zeitgleich wird in der Chapel der Galerie die Künstlerin Camille Henrot mit der Ausstellung Tuesday gezeigt. Matthias Weischer zeigt zum Gallery Weekend 16 neue Werke in der Nave der König Galerie. Der Maler, der sich in den letzten Jahren verstärkt der Landschaftsmalerei zugewandt hatte, ist zu seinen Ursprüngen zurückgekehrt: Weischer war Anfang der 2000er Jahre vor allem mit eindrucksvollen Interieurs bekannt geworden und knüpft nun wieder an dieses Bildsujet an. Die kleinformatigen quadratischen Bildräume, die aus vier Farbflächen zu einer Art Guckkasten zusammengefügt sind, konnte man bei dem Künstler auch schon vor fünfzehn Jahren sehen. Umso interessanter sind die Abweichungen, die sich jetzt erkennen lassen. Weischer arbeitet nun in Serien, bei denen auf drei, vier Bildern das gleiche Sujet mit leichten Variationen wiedergegeben wird, etwa bei jenen Bildern mit einer Matratze. Die Bildräume sind identisch konstruiert, unterscheiden sich aber in ihrer Farbigkeit oder in der Lage der Gegenstände. Zudem handelt es sich nicht mehr wie bei den früheren Arbeiten um hermetische Farbräume, sondern diese werden jetzt zusätzlich von Ornamenten strukturiert. So sind alle vier Räume von einer Stuckleiste umrandet, die aber […]

bis 22.06. | #2488ARTatBerlin  | Galerie Eigenheim präsentiert ab 4. Mai 2019 die Ausstellung EGO vs. ECO – eine Gegenüberstellung. Künstler*innen: Gökçen Dilek Acay, Christoph Blankenburg, Benedikt Braun, Fanny Josefine Dehnkamp, The Data Driven Objects Project, Francis Kamprath, Kaspar Elias Kimmel, Barbara Nemitz, Nina Röder, Stefan Schiek, Theresa Schubert, Julia Scorna, José Taborda, Moritz Wehrmann. Rahmenprogramm: 10. – 11.5.2019 Liveübertragung von Programmpunkten des Symposiums der Professur für Sozialwissenschaftliche Stadtforschung Postwachstumstadt – Perspektiven des sozial-ökologischen Wandels der Stadtgesellschaft / 07.06.2019 um 19 Uhr Francis Kamprath – Der Meistergedanke. – eine Lecture Performance zur Rolle der Mazdaznan-Lehre in den ersten Jahren des Bauhauses / 13.06.2019 um 19 Uhr Theresa Schubert – milieu #04, Performance / 22.06.2019 um 19 Uhr Christoph Blankenburg – Lecture Performance Rennsteig Flimmern 2 und Musik zur Finissage der Ausstellung (weitere Informationen zum Rahmenprogramm unter weiterlesen) Das Ich unterliegt einer Vielzahl von Konzepten und Vorstellungen – sei es in der modernen Philosophie, in der analytischen Psychologie oder in der Soziologie. All diesen Blickwinkeln liegt jedoch die immer gleiche Erkenntnis zugrunde: Das Ich oder Ego kann nur in Bezug auf seine Umwelt betrachtet werden. Dem Ego gegenüber gestellt wird in dieser Ausstellung Eco. Ein Begriff, welcher die Beziehungen von Lebewesen […]

bis 27.07. | #2448ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin zeigt derzeit die Ausstellung HAUS der Künstler Peter Fischli und David Weiss. Sprüth Magers zeigt mit HAUS eine Einzelausstellung des Schweizer Künstler Duo`s Fischli Weiss, die seit den 1980er Jahren durch Filme wie Der geringste Widerstand oder den Doppelbödigen skulpturalen Alltagsgegenständen Bekanntheit erlangten. Haus bildet das Kernstück der neuen Ausstellung, welches Peter Fischli und David Weiss erstmals für die Skulptur Projekte Münster 1987 entwickelten und welches sie dann in Ausstellungen im Guggenheim Museum, New York und Museo Jumex, Mexico City (2016) zeigten. Im letzten Jahr wurde eine Aluminiumversion des Hauses in Zürich permanent installiert. Mit dieser Ausstellung wird erstmals das Referenzsystem Architektur im Werk der Künstler anhand ausgewählter Skulpturen, Fotografien und Archivmaterial zentral gestellt. Dem Haus vorangegangen war eine modellhafte Skulptur gleicher Form, welche Aspekte von Skizze und Modell thematisierten. Die Künstler entwickelten ihr Interesse an der Alltagsarchitektur weiter und brachten die Skulptur für Münster zurück in den öffentlichen Raum. Verortet in einer unprätentiösen Gegend abseits touristischer Anziehungspunkte, in die sich das Haus in Münster einschmiegte, war es vor allem von den zur Arbeit gehenden Passanten durch seinen Maßstab 1:5 als künstlerische Arbeit zu identifizieren. Das Haus spiegelte seine unmittelbare Umgebung: die Zweckarchitekturen und Tätigkeiten, die sich an diesem öffentlichen […]

bis 05.06. | #2433ARTatBerlin | Michaela Helfrich Galerie präsentiert ab 26. April 2019 die Ausstellung Die Figur als Maß – Eine Retrospektive mit Werken des Künstlers David D. Lauer. Vielfältig sind die verwendeten Materialien und Techniken ob Bronze, Marmor, Stahl, Gips, immer in handwerklicher Perfektion ohne Platz für Fehler mit dem Streben nach Vollkommenheit. Gleichzeitig und demgegenüber stehen seine Zeichnungen, spontan mit Geschwindigkeit, schnell und nicht weniger meisterhaft auf das Blatt gebracht, eine bildhauerische Arbeit, die sich wesentlich am Menschen orientiert. Die späten Arbeiten von David D. Lauer werden zum Gallery Weekend 2019 zum ersten Mal öffentlich in Berlin zu sehen sein. Nicht nur das eigene Schaffen, sondern auch die Lehre an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe von 1974 bis 2004, sind wesentlich für Lauers Werdegang, Lauer lebte und arbeitete in Gleisweiler und Karlsruhe. Er starb 2014 im Alter von 74 Jahren. David D. Lauer – Installation – Courtesy of Michaela Helfrich Galerie Parallel dazu wird im zweiten Raum der Galerie Michaela Helfrich die Ausstellung Different gezeigt: Malerei von Simon Czapla, Ulrike Pisch, Gerard Waskievitz. Eine Lobpreisung der Träume, des Zufalls und der Spontanität in einer konstruktiven Welt. Simon Czapla, Trixie, 2019, Öl auf Leinwand, 270 x 130 cm ACHTUNG! […]

bis 20.06. | #2431ARTatBerlin | GALERIE SPRINGER BERLIN zeigt ab 30. April 2019 die Ausstellung GENIUS LOCI des Fotografen Winfried Muthesius. Die Galerie Springer Berlin freut sich, nach der ersten Ausstellung im Jahr 2016, zwei neue Serien des Künstlers Winfried Muthesius zu präsentieren. Seinem Stile treu, bewegt er sich weiterhin grenzüberschreitend, schichtet mehrere Ebenen von Malerei und Fotografie übereinander, so dass die unterschiedlichen Bildelemente sich ineinander verschlingen und völlig neue Wirklichkeiten kreieren, in der sich das fotografische Element teilweise fast gänzlich zurückzieht, oder stark in den Hintergrund tritt. In der aktuellen Ausstellung zeigt die Galerie Springer Berlin zwei Serien. Die erste und namensgebende Genius Loci entstand in Berlin, an sogenannten Unorten, wie ehemalige Industriestandorte am Rand von Moabit und rund um den Bahnhof Zoo. Ganz im Gegensatz dazu steht die Serie Triomphe. Sie hatte ihren Ursprung in Paris, an monumentalen und zentralen Orten, wie dem Arc de Triomphe, dem Eiffelturm und an der Seine, nahe des Place Concorde. Interessanterweise lösen sich in den Werken der beiden Serien die Klischees, die wir mit diesen Orten verbinden, auf. Der Glamour von Paris, Schmutz, Gestank und Unwirtlichkeit der „Berliner Unorte“ verschmelzen  und machen einer neuen Qualität Platz, die poetisch, brachial, verstörend und faszinierend […]

bis 29.05. | #2470ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens präsentiert ab 23. April 2019 die Ausstellung body dialogue der Künstler Robert Bosisio und Gregor Gaida. 2015 haben wir schon einmal die Werke des Südtiroler Malers Robert Bosisio (*1963) mit dem Werk eines anderen Künstler konfrontiert. Damals fand der Dialog zwischen den expressiven Figurenbildern des Rumänen Radu Belcin statt und heute treten sie in Verbindung mit den Holzfiguren des Bildhauers Gregor Gaida (*1975), dessen Werk wir zum ersten Mal in der Galerie zeigen. Robert Bosisio + Gregor Gaida | body dialogue | GALLERY Visit Martin Mertens Ein auffälliges Objekt im Raum ist die Skulptur Apheirophobia (die Angst vor der Unendlichkeit)- eine Arbeit, die ihr Geheimnis nicht auf den ersten Blick Preis gibt. Erst beim Umrunden entdeckt man, das es sich um einen männlichen muskulösen Rücken handelt, der drei Mal exakt gespiegelt. Die Arbeit steht zwischen menschlichem Körper uns Abstraktion. Der menschliche Körper wird von geometrischen Elementen durchdrungen. Organisches und Geometrie, Natur und Kultur gehen eine Verbindung ein, aus der ein eigenständiges Objekt entsteht. Gregor Gaida, Apeirophobia 2016 Eiche, MDFschwarz, Acrylglas, 55 x 35 x 35 cm, Fotos Franziska von den Driesch Wir zeigen auch die zweiteilige Arbeit Outliners die sicher zu den […]

bis 07.06. | #2434ARTatBerlin | Migrant Bird Space präsentiert ab 20. April 2019 die Ausstellung Wearing the Fog der Künstlerin Yafei Qi. Die Performance- und Videokünstlerin Yafei Qi ist die erste von drei Stipendiat*innen des gemeinsam vom Auswärtigen Amt und dem Landesverband Berliner Galerien (lvbg) organisierten AArtist in Residence-Programms in 2019. Die zurzeit in Berlin lebende Künstlerin möchte im Dachatelier Interviews mit in Berlin lebenden Migranten führen, die sie dann zu einem von der Idee des Existenzialismus inspirierten Film montieren wird. Auch die Uraufführung dieses Films soll im Gastatelier stattfinden. Die Künstlerin wird von der in Berlin und China aktiven Galerie Migrant Bird Space betreut, die ihr im Sommer auch eine Einzelausstellung ausrichten wird. Yafei Qi – Still from Life tells lies 2017 © Yafei Qi, Migrant Bird Space Während ihres dreimonatigen Arbeitsaufenthalts von April bis Juni wird Yafei Qi ihr temporäres Atelier auf dem Dach des Auswärtigen Amts mehrmals für Interessierte öffnen: Am Donnerstag, den 2. Mai und Dienstag, den 21. Mai 2019, lädt sie jeweils um 18 Uhr zu Studio Visits mit einem AArtist Talk in englischer Sprache ein. Auch im Rahmen der Langen Nacht der Ideen des Auswärtigen Amts am Donnerstag, den 6. Juni 2019 von 18 […]

bis 15.06. | #2430ARTatBerlin | White Square Gallery präsentiert ab 13. April 2019 die Ausstellung SONNENDUFT mit Malerei der dänischen Künstlerin Pia Andersen. Pia Andersen, 1960 geboren in Frederikshavn, Dänemark, besuchte von 1981-83 und 1985-86 die Hochschule für Kunsthandwerk, Kolding, und von 1983 bis 85 die Akademie der Bildenden Künste in Krakau, Polen. Ihre Werke, neben Malerei und Zeichnung auch Keramik, Porzellan und Glas, sind seit 1985 auf zahlreichen dänischen und internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen, sowie weltweit in Museen und Sammlungen vertreten. Pia Andersen, VERANO SECO, 2018, Öl auf Leinwand,150 x 180 cm Vernissage:  Freitag, 12. April 2019, 19 – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 13. April – Samstag, 15. Juni 2019   Ausstellung Dietrich Walther – White Square Gallery | Zeitgenössische Kunst | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin | Kunst in Berlin | Galerien Berlin | ART at Berlin  

bis 11.05. | #2425ARTatBerlin | Galerie Wagner + Partner zeigt ab 5. April 2019 die Ausstellung NEXUS des Künstlers Eckart Hahn. Mit Nexus eröffnet die Galerie WAGNER + PARTNER die sechste Einzelausstellung des Malers Eckart Hahn. Es ist der Künstler und Mensch Eckart Hahn, der in seinen Werken besondere, meist nicht sichtbare Verbindungen aufspürt und ihnen zu einem bildlichen, sehr individuellen Ausdruck verhilft. Die Ausstellung Nexus präsentiert die neuesten Bilder Hahns in einem installativen Arrangement, das den Galerieraum mit diversen Seilenden, die aus den Wänden zu kommen scheinen oder in ihnen verschwinden, in eine einzige Meta-Verbindung verwandelt. Eckart Hahn – Fade away – 50 x 40 cm Acryl auf Leinwand 2018 Courtesy WAGNER + PARTNER Das Seil – es verbindet oder fesselt, trennt ab oder rettet. Je nach „Konnexion“ kann seine Bedeutung sich wandeln. Das Seil ist weniger ein Symbol als eine semantische Leerstelle, die sich im jeweiligen Zusammenhang mit Bedeutung füllen kann und immer wieder sonderlich-einzigartige Bildschöpfungen generiert. Doch alle Werke weisen eine versteckte, innere Verbindung auf. Beispielhaft stehen hierfür die Ausstellungstitel der letzten Jahre: Nexus (2019), Limbus (2017) oder Myzel (2015). Wie Netze, Wurzeln oder unterirdische Kanäle „konnekten“ sie das ikonografische Universum des Reutlinger Künstlers. Eckart Hahn – Roter Faden 140 x 100 cm Acryl auf Leinwand 2019 […]

bis 11.05. | #2420ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 6. April 2019 die Ausstellung POSITION RED mit Arbeiten von 15 verschiedenen Künstlerinnen und Künstlern.  Die Grundfarbe Rot ist eine Signalfarbe mit zahlreichen Konnotationen, auch quer durch die Kunstgeschichte. Die Galerie Z22 lädt folgende Künstlerinnen und Künstler ein, die Position beziehen zur Farbe Rot- POSITION RED: JONATHAN APELBAUM, ANDREA AUPERS, KATERINA BELKINA, HARDY BRACKMANN, GIULIANA DEL ZANNA, FRANCESCO FASOLATO, TOMASZ FUDALA, SIMON PELE GROß, VLADA HAUSER, ANDREY KEZZYN, JINRAN KIM, ERIC MASSHOLDER, DMYTRO MIROSHNICHENKO, IMMANUEL ROHRINGER, KONSTANTIN SCHNEIDER (Special Guest) Rot ist eine Signalfarbe und steht für Dynamik, Gefahr, Wärme, Temperament. Rot ist eine der Grundfarben und auch eine der ersten Farben, die in der Malerei verwendet wurden. Schon in der Jungsteinzeit wurde aus Ton die rote Farbe extrahiert, die durch das Mineral Hämatit die rote Färbung erhält. Die prähistorischen Wandmalereien in Spanien, Altamira um ca. 15.000 v. Chr. sind frühe Zeugnisse von Malerei mit rotem Ocker. Zinnober war bei den Ägyptern hoch im Kurs. Dieses hochgiftige Quecksilbersulfit wurde dann auch von den Römern und ab dem 12. Jahrhundert von den Chinesen verwendet. Es war begehrt, giftig und sehr teuer. Das Zinnoberrot in China wurde auch „Chinesisches Rot “ genannt und […]

bis 11.05. | #2417ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin präsentiert ab 6. April 2019 die Ausstellung VOM WAISENKIND ZUM GENIE mit Werken des Schweizer Künstlers Hans Krüsi. Galerie ART CRU Berlin und das Kunstmuseum Thurgau zeigen ca. 30 Werke von Hans Krüsi (1920-1995). Sie geben einen umfassenden Überblick über sein reiches Schaffen und kreisen um das Thema Selbstfindung und Selbstinszenierung. Neben nicht verkäuflichen Hauptwerken des Künstlers ist eine Reihe von weiteren, bis dahin noch nie gezeigten Arbeiten zu sehen. Improvisierter Verkaufswagen, um 1980 verschiedene Materialien, darunter Schweizer Militärtornister Copyright Nachlass Hans Krüsi, Kunstmuseum Thurgau Hans Krüsi undatiert, Gouache und Deckweiß auf Papier und Pappkarton mit Holzleiste gerahmt, Rahmen, H 89,5 B 59 T 4 Copyright Nachlass Hans Krüsi, Kunstmuseum Thurgau Hans Krüsi ist als Waisenkind im Kanton Appenzell aufgewachsen und bewegte sich immer am Rand der Gesellschaft. Der Autodidakt wäre als junger Mann gerne Gärtner geworden und verkaufte jahrelang auf der Bahnhofstraße Zürichs selbst gebundene Blumensträuße, bevor er Mitte der 70er Jahre sein Angebot um erste Kunstwerke wie Postkarten, Fotografien und kleine Bildformate erweiterte. Die vorerst auf Servietten, Karton und Packpapier gezeichneten Kompositionen zeigen Landschaften, Tiere und Menschen, die oft in scherenschnittartiger Symmetrie oder serieller Wiederholung angeordnet sind. Serviette mit […]

bis 17.05. | #2414ARTatBerlin | Die Rathaus-Galerie Reinickendorf zeigt ab 29. März 2019 die Gruppenausstellung Function.Anomy mit 27 internationalen Künstlerinnen und Künstlern des Künstlerkollektivs Intermission, die sich mit der Vielschichtigkeit des sozialen Raumes auseinandersetzen. Die Ausstellung „Function.Anomy“ des Künstlerkollektivs Intermission lädt ein, den sozialen Raum und die Institution Rathaus neu zu entdecken. Dazu zeigen 27 internationale Künstlerinnen und Künstler Arbeiten, die den Diskurs mit dem öffentlichen Raum sowie den Dialog mit den Protagonisten widerspiegeln. Vom 28. März bis 16. Mai 2019 sind diese besonderen Arbeiten in der Galerie des Rathaus Reinickendorf zu erleben. Begleitet wird die Ausstellung von Videokunst, Performance und Künstlergesprächen rund um das Thema „Function.Anomy“. Teilnehmende Künstler*innen: Agata Wieczorek, Angela Dwyer, Anne Marie Sampaio, Antti Pussinen, Assaf Hinden, Barbara Sanchez Barroso, Barbara Schober, Claudia Olendrowicz, Claudia Vitari, Daniela Delgado Viteri, Diana Pacelli, Doris Marten, FELL, Francesco Petruccelli, Ilka Raupach, Jennifer Oellerich, Jonas Büßecker, Jürgen Kellig, Katharina Bévand, Marc Oosting, Martin Sieron, Ori Jauch, Sarah Wohler, Swen Erik Scheuerling, Teresa Mayr, Thilo Droste, Yeongbin Lee Francesco Petruccelli -Aleksandr Zakharchenko (from the serie The Good and the Evil ) – courtesy of Francesco Petruccelli „Ich freue mich über die Kooperation mit diesem spannenden Kunst-Kollektiv. Das Rathaus als öffentlicher Ort und […]

bis 19.06. | #2411ARTatBerlin | Brutto Gusto Fine Arts zeigt ab 21. März 2019 die Ausstellung Spring in Berlin mit Glasarbeiten der Künstler Bernard Heesen, Massimo Micheluzzi und der Künstlerin Ritsue Mishima. Bernard Heesen Bernard Heesen (Leerdam, 1958) arbeitet seit Beginn seiner Karriere an einem Glaswerk, das seinen Ursprung in der Great Exhibition im Londoner Crystal Palace 1851 hat. Die Vielfalt der in dieser bahnbrechenden Ausstellung gezeigten Objekte hat Heesen zu einer Bildsprache inspiriert, die ihm einen einzigartigen Platz im Contemporary Glas verschafft hat. Seltsam und farbenfroh zugleich, rufen seine barocken Glasobjekte nach unserer Aufmerksamkeit, mal anziehend, mal abstoßend. Bernard Heesen ist einzigartig in seiner Fähigkeit, die unbesungenen Qualitäten der dekorativen Künste des 19. Jahrhunderts – lange bekannt als The Ugly Period – zu enthüllen und in einen ganz persönlichen Designstil umzusetzen. Bernard Heesen, Foto: Foto: def image – Francesco Barasciutti Massimo Micheluzzi Das facettenreiche Werk von Massimo Micheluzzi (Venedig, 1957) zeigt die Schönheit seines Heimatlandes Venedig in nicht geringem Maße. Seine legendären Murrina-Gefäße erinnern an die Reflexionen am Wasser der Stadt mit ihren vielfältigen Texturen, das Grau eines bewölkten Tages oder den Silberglanz der Lagunen. „Ich wollte ein Gefühl der Bewegung durch ein statisches Material vermitteln, wie ein Canaletto-Gemälde“, erklärt […]