bis 02.11. | #2538ARTatBerlin | Bermel von Luxburg Gallery zeigt ab 7. September 2019 die Ausstellung German Abstractionism der Künstler Karl Otto Götz, Bernard Schultze und Fred Thieler. Bermel von Luxburg beginnt die Saison mit: „German Abstractionism“. Gezeigt werden ausgewählte Werke von drei bedeutenden Künstlern in der Geschichte der deutschen abstrakten Malerei: Karl Otto GÖTZ, Bernard SCHULTZE und Fred THIELER. Es werden ausgewählte Kunstwerke aus einer exklusiven Sammlung zu sehen sein. Bermel von Luxburg Gallery freut sich darauf, Sie willkommen zu heißen. Karl Otto Götz 06 – Gouache 30 x 20 cm #KarlOttoGötz #BerndSchultze #FredThieler #Vernissage #OpeningBerlin #ArtShow #Ausstellung #Ausstellung #BerlinArtWeek #Positionen #ArtfairBerlin #GalleryWeekendBerlin #AbstractPainting #AbstractArt #InformelleKunst #Quadriga #GermanArt #BerlinGallery #ContemporaryArt #Museum #ZeitgenössischeKunst #Fasanenstrasse #Charlottenburg #Kurfürstendamm #KunstBerlin #ArtCollection #ArtCollector #Auction #Sothebys #Christies #ArtBasel #ArtCologne #Tefaf #Lifestyle #Design #EnjoyArt #BermelvonLuxburg Die Galerie Bermel von Luxburg nimmt zur Berlin Art Week 2019 an der Kunstmesse POSITIONS teil (12.09.-15.09.2019, Tempelhofer Flughafen). Vernissage: Samstag, 7. September von 19 bis 21 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 7. September bis Samstag, 2. November 2019   Bildunterschrift: Karl Otto Götz, Courtesy Bermel von Luxburg Gallery Ausstellung German Abstractionism – Bermel von Luxburg Gallery | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin […]

bis 14.09. | #2534ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts präsentiert ab 16. August 2019 die Ausstellung Ferragosto des Künstlers Edgar Leciejewski. Es ist die erste Ausstellung Edgar Leciejewskis mit der Galerie CFA Berlin. Feuer ist ein mehrdeutiges Phänomen. In der Kulturgeschichte steht es sowohl für Zerstörung als auch Erneuerung. Im Mittelalter etwa galt Feuer als Medium der Strafe und Läuterung. Als eine Art Zwischenreich markierte es im damaligen Glauben die Grenze zwischen dem Paradies als Ort absoluter Glückseligkeit und der Hölle als Ort der ewigen Verdammnis. In vielen Kulturen wird es als etwas Göttliches verehrt. In China verbrennen trauernde Angehörige bis heute etwa bündelweise so genanntes „Höllengeld“ um ihre toten Verwandten im Jenseits zu versorgen und die Götter gnädig zu stimmen. Etwas von dieser magisch-transformativen Macht des Feuers scheint auch in den neuen „Stoff-Bildern“ von Edgar Leciejewski zu lodern. Dort schieben sich Formen des Stilllebens, der Assemblage und des Portraits wie verschiedene Folien übereinander. „Das Feuer nimmt und gibt“ sagt Leciejewski. „Im Feuer sieht man alles.“  Der Künstler zitiert über Bilder im Bild ein reichliches Dutzend kulturell oder gesellschaftlich signifikanter Frauen der Gegenwart und bringt diese in seinem Atelier mit verschiedenen Dekorstoffen sowie Waxprints zusammen. So entsteht eine Form der Hommage […]

bis 02.10. | #2532ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi zeigt ab 10. August 2019 die Ausstellung Entanglement des Künstlers Marc Lambrechts. Empfang mit Marc Lambrechts: 14. September 2019. Gezeigt werden neue Arbeiten von Marc Lambrechts. In diesen Arbeiten greift der Künstler spielerisch das Phänomen der Verschränkung (Entanglement) auf, einem der faszinierendsten Aspekte der Quantenmechanik. Am 14. September 2019, im Rahmen der Berlin Art Week 2019, lädt die Galerie um 18:00 Uhr zu einem Empfang in Anwesenheit des Künstlers, der an dem Abend persönlich eine Einführung in die Ausstellung geben wird. Ausstellungsbeginn: Samstag, 10. August 2019, ab 13:00 Uhr  Empfang: Samstag,14. September 2019, 18:00 Uhr, mit einer Einführung von Marc Lambrechts in die Ausstellung Ausstellungsdaten: Samstag, 10. August – Mittwoch, 2. Oktober 2019   Bildunterschrift Titelbild: Marc Lambrechts, Entanglement dance 3, 2019, 15 x 30.5 cm Ausstellung Marc Lambrechts – Entanglement – Galerie Pugliese Levi | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 31.08. | #2529ARTatBerlin | Galerie Brockstedt zeigt ab 1. August 2019 eine Sommer-Accrochage. Gezeigt werden Malerei, Skulpturen und Collagen der Künstler Tino Geiß, Johannes Grützke, Martin Heinig, Hans Scheib und der Künstlerin Annette Schröter. Annette Schröter Martin Heinig Die aktuellen Öffnungszeiten der Galerie Brockstedt in Berlin nach den Sommerferien sind Di – Fr 11- 18 Uhr und Sa 11 – 14 Uhr. Hans Scheib, Guter Morgen, 2012 Tino Geiß Johannes Grützke Ausstellungsdaten: Donnerstag, 1. August bis Samstag, 31. August 2019   Bitte vormerken: Donnerstag, 12. September 2019 eröffnet Galerie Brockstedt von 18 – 21 Uhr in Berlin die Ausstellung „Horst Janssen zum 90. Geburtstag“. Ausstellung Sommer-Accrochage – Galerie Brockstedt | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 16.11. | #2526ARTatBerlin | 68 projects präsentiert ab 6. September 2019 die Gruppenausstellung Story as a Woven Carpet von sieben im georgischen Tiflis lebenden und arbeitenden Künstler*innen: Andro Eradze, Levan Chelidze, Salome Chigilashvili, Tezi Gabunia, Nino Kvrivishvili, Tamar Nadiradze, Giorgi Qochiashvili Die Ausstellung besteht aus kulturellen Fragmenten und widmet sich neuen Narrativen, die in den Werken der jungen Künstler*innen konstruiert werden. Georgien wird in der Geschichte schon immer exotisiert, von den Griechen der Antike bis hin zu Reiseberichten aus dem 20. Jahrhundert. Was andere über das Land gesagt haben und meinen, wurde in georgischen Lehrbüchern gesammelt und über Generationen gelehrt. Die an dieser Ausstellung teilnehmenden Künstler*innen erzählen Geschichten aus ihrer eigenen Perspektive. Sie vertreten die Generation, die vielleicht mit dem Prozess begonnen hat, ihre eigenen Geschichten zu erfinden und zu erzählen, ähnlich wie in Demna Gvaalias Ausstellung SS19 in Paris. Diese georgischen Künstler*innen des 21. Jahrhunderts finden ihre kulturellen und visuellen Referenzen im Internet und auf dem Computerbildschirm. Sie greifen auf Information zu, ohne auf physische Grenzen zu achten, und entdecken neue Arten, Dinge zu sehen und zu erschaffen. Für sie steht alles gleichzeitig zur Verfügung, auf dem Bildschirm, ganz ohne die Zeitevolution, wie sie in der Kunstgeschichte erklärt […]

bis 10.08. | #2523ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts zeigt ab 18. Juli 2019 die Erinnerungsausstellung In Memoriam zum Gedenken an den Künstler Eberhard Havekost. Am 5. Juli 2019 verstarb Eberhard Havekost völlig unerwartet und viel zu früh im Alter von 51 Jahren. In Erinnerung an den Künstler war es Contemporary Fine Arts kurzfristig möglich, die Werke seiner letzten Ausstellung vom Mai diesen Jahres zusammenzutragen. „In Memoriam“ soll Freunden und Weggefährten die Möglichkeit geben, von Eberhard Havekost Abschied zu nehmen. Ausdrücklich möchten wir drauf hinweisen, dass es sich hierbei um keine Verkaufsausstellung handelt. Im stillen Gedenken, Contemporary Fine Arts Eberhard Havekost, Offene Gesellschaft 2018, oil on canvas, 45 x 80 cm Eberhard Havekost 12. Oktober 1967 – 5. Juli 2019 Maximale Konzentration war eine der Grundvoraussetzungen für die Malerei von Eberhard Havekost. Um diese zu erreichen, strukturierte er seinen ganzen Alltag um die eigene Kunstproduktion herum, um möglichst viel Zeit und Raum für Kunst zu schaffen. Doch in dieser absoluten Vorrangstellung der Kunst lag für den Künstler auch ein großer Luxus. Denn Havekost wusste, dass die Entstehung seines Werks paradoxerweise eben auch den Bruch mit jener strengen Produktionslogik, einen „Moment jenseits von Kontrolle und Optimierungszwang” bedurfte. Deshalb lehnte er etwa auch […]

bis 19.10. | #2520ARTatBerlin | Köppe Contemporary zeigt ab 23. August 2019 die Ausstellung Christian Roeckenschuss – Vision des Universalen mit Skizzen, Entwürfen und Tafelbildern aus dem Nachlass des Avantgardisten der Op-Art und des Minimalismus. .Christian Roeckenschuss (1929-2011) zählt zu den zentralen Berliner Protagonisten der Nachkriegsavantgarde. In seinem Hauptwerk, den Séquences Chromatiques (Streifenbilder), sah Roeckenschuss seine künstlerisch-philosophischen Ideen umgesetzt: „Die Séquences Chromatiques beinhalten das Thema des Seins, der Natur und des Lebens sowie des ganzen Wesens des Menschen“, schrieb der Künstler. Mit ihrem geistig-philosophischen und auch spirituellen Anliegen räumten die Streifenbilder Roeckenschuss eine Sonderstellung innerhalb des Minimalismus wie auch der Op-Art ein. Persönliche Kontakte zur internationalen Avantgarde in Frankreich oder Italien (u.a. Hans Arp und Lucio Fontana) beeinflussten Roeckenschuss‘ Frühwerk. Gemeinsame Ausstellungen mit Künstler wie Georg Baselitz, Heinz Mack, Otto Piene, Günther Uecker, Sigmar Polke und Gerhard Richter brachten die Karriere des Künstlers in Gang. Mit Ausstellungen u.a. in Frankreich, Italien, Belgien, England, Skandinavien und Osteuropa wurde er schließlich auch international bekannt. Konsequent entwickelte Roeckenschuss sein Werk über Skizzen und Entwürfe. Sie spielten in der Suche des Künstlers nach einer eigenständigen Position innerhalb der Kunst eine wichtige Rolle. An den rund 400 Entwürfen und Miniaturen, die der Öffentlichkeit aus seinem […]

bis 01.09. | #2517ARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin präsentiert ab 6. Juli 2019 die Ausstellung Beauvais mit Skulpturen, Malerei, Zeichnung und Objekten des Künstlers Erich Reusch. Sowohl Erich Reuschs Zeit als Marinesoldat auf einem Minenräumboot während des letzten Weltkriegs und seine Arbeit als Minensucher zur See zum Geldverdienst danach, als auch seine spätere Leidenschaft für das Segelfliegen präparierten ihn mit einem Wissen über Strömungsverhalten, Magnetismus und Gefahrenlagen bzw. mit einer Begeisterung für den Luftraum, seine Energie, Thermik und Aufladung. Mit dieser Erfahrung und einem solchen Wissen stehen die Arbeiten des als Architekt und Bildhauer ausgebildeten Künstlers in einem engen Zusammenhang. Seit seinen künstlerischen Anfängen ist Erich Reusch den Qualitäten des Raums auf der Spur, die nicht auf Masse, Gravitation und Materie beruhen, sondern auf dem Verständnis des Raums als von verschiedenen energetischen Qualitäten erfülltes Kraftfeld. Bei Erich Reusch wird der Raum zum Ereignis. Seine Werke schärfen unser Bewusstsein für den Raum, in dem wir uns befinden. Das sind Innenräume, aber auch die architektonische Anlage unserer Städte, Landschaftsräume und der kosmische Raum. Ausstellungsansicht Erich Reusch – Beauvais: Zeichnungen 1995-1999, je 55 x 41 cm; Elektrostatisches Objekt, 1971, Plexiglas, Gasruß, 50,5 x 11 x 27 cm; Courtesy der Künstler und Galerie kajetan […]

bis 03.08. | #2514ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab zeigt ab 3. Juli 2019 die Ausstellung Some hollow crowns des Künstlers Bertrand Flanet. Der Ausstellungstext ist derzeit nur in englischer Sprache verfügbar: Some hollow crowns features recent productions and developments from the artist Bertrand Flanet. The exhibition starts with blue and blue, a footnote acting as a general introduction, invoking invisible and visible abstract narrations, close to epic tales. The work is a text on linen inspired by psychological motifs and linked to the artist’s interest in narratives. It alludes to a plot evolving for twelve hours as twelve chapters and iterations in a single day. A single chapter is introduced as part of a large scale series of twelve chapters existing as panels. The printed text recalls the narrative of a boy killing monsters in a plot crafted the vein of science-fiction. The entire twelve chapters exist also in the form of a small book, similar to a children’s book, available for review in the Lab library. By breaking with seriality and presenting a single chapter in isolation, the artist focuses our attention on the invisible paratext within the chapters one may typically omit. In that perspective, he is pursuing […]

bis 31.08. | #2511ARTatBerlin | Gallery Taik Persons präsentiert ab 29. Juni 2019 die Einzelausstellung „The Museum of Nature“ des Künstlers Ilkka Halso. „Ich plane und konstruiere visuell Strukturen, welche die Natur vor drohender Verschmutzung und, was noch wichtiger ist, vor Eingriffen des Menschen schützen. (…) Wenn man Natur in ein Museum setzt, so muss man den Aspekt des Publikums / Konsumenten in Betracht ziehen. Die Natur wird zu einem Vergnügunspark für Touristen und eine schöne Landschaft verwandelt sich in eine meditative Theatershow.“ Ilkka Halso Im Verlauf seiner Karriere setzte Ilkka Halso den Fokus seiner Fotografie auf das Bewahren, die Wiederherstellung und das Verstehen des Aufbaus der Natur. Seine fotografischen Serien, beginnend im Jahr 2000, haben auf optischem Wege erforscht, wie wir als Kultur neue Ansätze der Wahrnehmung und Wertschätzung von natürlichen Ressourcen, entwickeln müssen, die wir als so selbstverständlich betrachten. Diese frühen Werke untersuchten die verschiedenen Aspekte der Beziehung zwischen Mensch und Natur, indem letztere als ein seltener und gefährdeter Ort behandelt wurde. Halso fertigt seine Gebilde selbst an, entweder physisch oder digital in seinem Studio, um Seen, Flüsse und Wälder vor von Menschen verusachten Schäden, sowie vor dem direkten Missbrauch wertvoller Ressourcen zu schützen. Er ist bestrebt, seine […]

bis 31.08. | #2508ARTatBerlin | Galerie Georg Nothelfer präsentiert ab 29. Juni 2019 als Sommerausstellung eine Accrochage mit Werken namhafter Künstlerinnen und Künstler. Gezeigt werden Bilder, Skulpturen, Objekte, Zeichnungen folgender Künstler*innen: Adochi, Peter Brüning, Eduardo Chillida, Christo & Jeanne-Claude, K.F. Dahmen, Madeleine Dietz, K.O. Götz, Thomas Hartmann, Gerhard Hoehme, Edgar Hofschen, László Lakner, Walter Menne, Henri Michaux, Robert Motherwell, Max Neumann, Georges Noël, Robert Schad, Emil Schumacher, Richard Serra, Kazuo Shiraga, K.R.H. Sonderborg, Walter Stöhrer, Antoni Tàpies, Fred Thieler, Wolfgang Troschke, Cy Twombly und Jan Voss. Adochi, Leichte Erde I, 5.6.1986, Leimfarbe/Leinwand, 175 x 155 cm Vernissage: Freitag, 28. Juni 2019, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 29. Juni – Samstag, 31. August 2019   Bildunterschrift: Adochi, Leichte Erde I, 5.6.1986, Leimfarbe/Leinwand, 175 x 155 cm Ausstellung Accrochage – galerie georg nothelfer | Zeitgenössische Kunst Berlin Contemporary Art | Kunst Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 11.08. | #2505ARTatBerlin | Haus am Lützowplatz präsentiert ab 21. Juni 2019 die Gruppenausstellung Hey, Mars!, kuratiert von Lydia Korndörfer, mit Werken von A/A (Andreas Greiner & Armin Keplinger), Natalie Körner, PPKK (Sarah Ancelle Schönfeld & Louis-Philippe Scoufaras) und Elisa Storelli. Vom 22. Juni bis 11. August 2019 wird die Studiogalerie im Haus am Lützowplatz in eine Raumstation verwandelt. Die Ausstellung „Hey, Mars!“ widmet sich dem neu aufkommenden Marsfieber. Nur 50 Jahre nach der Mondlandung rückt heute das nächste bedeutende Raumfahrtziel in greifbare Nähe: Bis 2027 soll der Mars nicht nur betreten, sondern auch besiedelt werden. Was sich wie Science-Fiction liest, ist Realität: Kolonialisierungspläne, Infrastruktur und Technologien für die künftigen Marsmenschen wurden bereits entwickelt. Natalie Körner, Rocking Rocks (Mars), 2019 © Natalie Körner, 2019 Die Ausstellung versteht sich als spielerischer Exkurs zur Zukunft der Menschheit auf Mars und Erde. Während die Flucht in den Weltraum als Exit-Strategie an Bedeutung und Aufmerksamkeit gewinnt, bleibt die Zukunft unseres Planeten, der Gesellschaft und Kultur wie wir sie kennen, ungewiss. Wird der Mensch eine neue Erde finden oder erschaffen? Welches Wissen, welche Werte werden tradiert, wenn bereits heute als Konsequenz des Klimawandels nicht die Ehrfurcht vor der Natur zur Prämisse menschlichen Handelns wird, […]

verlängert bis 24.08. |#2501ARTatBerlin | Galerie Dittmar zeigt ab 21. Juni 2019 eine Ausstellung mit Skulpturen und Zeichnungen des Künstlers Rainer Kriester. „Ich bin Realist von Natur aus, aber ich arbeite nicht realistisch. Ich bin kein Abstrakter, aber ich suche die Abstraktion.“ (R. K.) Rainer Kriester (1935-2002) zählt zu den profiliertesten Bildhauern des späteren 20. Jahrhunderts. Die Verlagerung des Schwerpunktes seiner Arbeit 1982 nach Castellaro bei Vendone in Ligurien markiert eine Wende in seinem Schaffen. Der expressive, gewaltsame und schmerzhafte Ausdruck der früheren Arbeiten wird sublimiert, die Kraft ist wie nach Innen verlegt, die Aussage ins Zeichenhafte überführt. Die dem Material, dem Kalkstein, dem Marmor, eigenen sinnlichen Qualitäten werden offengelegt. Einen besonderen Stellenwert nehmen die das skulpturale Werk begleitenden Zeichnungen ein. Seit der ersten großen Ausstellung 1975 im Schoss Charlottenburg, Berlin, zahlreiche Museumsausstellungen mit begleitenden Publikationen, so 1982 im Wilhelm Lehmbruck Museum in Duisburg, 1985 in der Staatlichen Kunsthalle Berlin und im Museo d’Arte Contemporanea in Genua. 1993-1994 folgt die Wanderausstellung „Scultura-Natura“ über sechs Stationen, 1999 Den Haag, 2000 „Der mediterrane Traum“ im Pergamonmuseum Berlin. 1997 und 2003 erscheinen die Werkverzeichnisse im Hirmer Verlag München. Arbeiten im öffentlichen Raum in Deutschland, Italien, Japan, den USA; in Berlin unter anderem im […]

bis 24.08. | #2499ARTatBerlin | EFREMIDIS GALLERY zeigt ab 29. Juni 2019 im [ERP Projekt] die Ausstellung Walkers der Künstlerin Nuria Fuster. Efremidis Gallery freut sich ‚Walkers‘ von Nuria Fuster als zweite Ausstellung im Rahmen des ERP Projekts zu präsentieren. Nuria Fuster (1978), geboren in Alcoi, Spanien und wohnhaft in Berlin, absolvierte ihren Masterabschluss in freier Kunst an der Polytechnic University in Valencia und studierte außerdem an der Academia di Belle Arti in Rom. ‚Walkers‘ ist eine ortsspezifische kinetische Intervention, die Fuster für das ERP Projekt entwickelt hat. Die beiden ‚Walkers‘ sind dabei als direkte Antwort auf die Architektur der Räumlichkeiten des ERP Projekts konzipiert worden. ‚Walkers‘ bildet die konstante Bewegung außerhalb der Galerie ab; die von der U-Bahn-Station zu ihrem Ziel eilenden Menschen. Die Grenze zwischen innen und außen, privat und öffentlich wurde bereits von den Architekten Rolf Gutbrod und Hermann Kiess verschoben, als sie den Gehweg innerhalb des Gebäudes weiterführten – sicht- aber nicht erreichbar. Die Arbeit steht so im Dialog mit dem Gebäude, der Intention der Architekten und den Passanten auf dem Ernst-Reuter-Platz. Nuria Fuster Fusters skulpturale Intervention besteht aus zwei Stahlseilen, die zwischen die Betonpfeiler im Ausstellungsraum geschlungen werden. Ein einzelnes Seil hängt von dem horizontal […]

bis 27.07. | #2495ARTatBerlin | Galerie Born Berlin präsentiert ab 14. Juni 2019 die Sommer-Ausstellung Goldstaub des Künstlers Strawalde.  In der Ausstellung Goldstaub wird Malerei, Collage, Skulptur des Künstlers zu sehen sein. Vernissage: Donnerstag, 13. Juni 2019, 18:00 – 21:00 Uhr. Der Künstler ist anwesend. Ausstellungsdaten: Freitag, 14. Juni – Samstag, 27. Juli 2019 In der Dependance der Galerie Born in Born auf dem Darss wird noch bis 3. Juli 2019  die Ausstellung „Drawing now“ der Künstler Martin Assig, Gilgian Gelzer, Mark Lammert und Daniel Schlier gezeigt. Im Projektraum Heiddorf der Galerie ist bis zum 21. Juli 2019 die Ausstellung La Place D’Italie des Künstlers Jens Jensen zu sehen.   Bildunterschrift: Courtesy Galerie Born Berlin – Strawalde Ausstellung STRAWALDE | Goldstaub – Galerie Born Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin      

bis 31.08. | #2496ARTatBerlin | Galerie Kornfeld präsentiert ab 27. Juni 2019 die Sommer-Ausstellung „Pack den Badeanzug ein“ mit Werken von jungen und etablierten Positionen der zeitgenössischen Malerei. Kaum ein Lied vermag die ausgelassene Stimmung und Unbeschwertheit des Sommers so treffend einzufangen wie der Schlager „Pack die Badehose ein“ aus den frühen 1950er Jahren. Beschwingt singt der Kinderstar Conny von den kleinen Lasten des Alltags, die mit einem Sprung ins kalte Wasser des Wannsees gelöst werden können. Diesem Motto folgend freuen wir uns, Ihnen mit der Ausstellung Pack den Badeanzug ein einen erfrischenden Blick auf junge und etablierte Positionen der zeitgenössischen Malerei zu geben. Anhand einer breiten Auswahl künstlerischer Arbeitsweisen untersuchen wir, was Malerei im 21. Jahrhundert sein kann. Wie geht es dem ältesten Medium der Kunst in unserer hyper-digitalisierten Zeit? Was kann das analoge Bild, was das digitale nicht kann, und wie beeinflussen sich die Medien gegenseitig? Elvira Bach, Unter Palmen, 1982, Acryl auf Papier, 50 x 35 cm Teilnehmende Künstler*innen:  Alicia Adamerovich, Tom Anholt, Elvira Bach, Carlo D’Anselmi, Monica Kim Garza, Stefanie Gutheil, Erik Hanson, Kimia Ferdowsi Kline, Ella Kruglyanskaya, Tamara Kvesitadze, Clemencia Labin, Kat Lyons, Christian Perdix, Logan T. Sibrel, James Ulmer und weitere Christian Perdix (*1987 in […]

verlängert bis 20.07. | #2490ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens zeigt ab 1. Juni 2019 die Ausstellung Rhythm of the Staple Gun des Künstlers Julius Bobke. Diese zweite Ausstellung von Julius Bobke in der Galerie ist stark auf eine neue Werkgruppe fokussiert, die Bobke seit 2018 erarbeitet hat. Für diese Bilder verwendet er Ausschnitte von historischen Teppichen aus verschiedenen Epochen und Kulturkreisen, die er in einem komplexen Druckverfahren ins Bild einfügt, sie übermalt, bleicht, auseinanderschneidet und neu zusammenfügt. Er spannt die Bilder immer wieder vom Keilrahmen ab, um sie zu bedrucken oder neu zusammenzunähen. Dabei kommt oft das Tackergerät zum Einsatz. Der Begriff Rhythmus bzw. Muster läßt sich also auf das Tackern, den Rhythmus der Nähmaschine aber auch die Muster der Teppichfragmente beziehen. Grundsätzlich ist ein gemaltes Bild enger verwandt mit einem Teppich als man auf den ersten Blick denkt, denn beides sind letztlich gefärbte Textilien. Julius sagt dazu: “Der Orientteppich tauchte vom 13. bis 17. Jahrhundert vermehrt als dekoratives Element in der europäischen Malerei auf. Es sind heute mehr Teppiche in Gemälden der Renaissancemalerei abgebildet, als real erhalten geblieben sind. Hierdurch fokussiert sich die Forschung der islamischen Kunst auch auf europäische Gemälde in ihren Untersuchungen.” Julius Bobke Dass der Teppich […]

bis 27.07. | #2486ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab 6. Juni 2019 die Einzelausstellung WEIMAR, NORIS, ERNEMANN der Künstlerin Ricarda Roggan. „Schwere Maschinen, durch deren Ritzen im Dunkel des Vorführraums das Licht dringt: Die besondere Aura der Projektoren begeisterte Ricarda Roggan, seit sie im Studentenjob lange, ruhige Kinonächte mit ihnen verbrachte. Das Gewicht der schweren Apparate, das leise Rattern der Motoren, das luftige Flimmern der Bilder im Kinoraum. All diese Eindrücke haben lange geruht und beharrlich nachgewirkt, um jetzt in einer neuen Fotoserie verdichtet zu werden, die stärker als sonst mit der Biografie der Bildkünstlerin verbunden ist. Wie alles, was Ricarda Roggan vor der Linse ihrer analogen Großbildkameras arrangiert, verharren nun auch die Projektoren in einer Art Zeitkapsel. Sie schreien nicht „schau mich an!“ oder „hol mich hier raus.“ Sie genügen sich selbst. Freuen sich demütig darüber, dass ihnen noch einmal eine Bühne bereitet wird. Verharren in sich ruhend und entfalten gerade darum einen ganz eigenen, nüchternen, völlig unsentimentalen Zauber. Sprechen eine stumme Einladung aus, sie ungestört und konzentriert zu betrachten. Ricarda Roggan, WEIMAR (Weimar 3), 2017, aus der Serie: APPARATE, Bromsilbergelatine-Handabzug, kaschiert, 100 x 80 cm, Auflage von 3 Dramatische Effekte vermeidet Ricarda Roggan, destilliert durch stetige […]

bis 04.08. | #2484ARTatBerlin | König Galerie (Nave) zeigt ab 8. Juni 2019 die Ausstellung Circus Empire der Künstlerin Kathryn Andrews. Zeitgleich wird in der Chapel der Galerie der Künstler Anselm Reyle mit der Ausstellung Reflections gezeigt. Die KÖNIG GALERIE freut sich, vom 7. Juni bis 4. August 2019 mit „Circus Empire“ ihre erste Ausstellung von Großskulpturen und Wandobjekten von Kathryn Andrews zu präsentieren. Die in Los Angeles lebende Künstlerin verwandelt das historische Gebäude der Galerie in eine massive Zirkuszeltstütze. Im Inneren vermischen interaktive Kunstwerke Referenzen auf Imperium, Vergangenheit und Gegenwart, neben Symbolen von Verfall, Exzess, Versagen und Verrottung. Kathryn Andrews, Tutti Frutti Ancients and Moderns, 2019, stainless steel, aluminum, glass, ink, paper and paint, 112 x 112 x 5 cm Mit beißendem Witz in Form von materiell reichen, absurden Objekten hinterfragt Andrews den aktuellen Zustand der Zivilisation und ihrer Darstellungen, während sie die Misserfolge seiner endlosen Faszination für Dominanz aufdeckt. Ausstellungsdaten: Samstag, 8. Juni bis Sonntag, 4. August 2019   Bildunterschrift: Kathryn Andrews, Tutti Frutti Ancients and Moderns, 2019, stainless steel, aluminum, glass, ink, paper and paint, 112 x 112 x 5 cm Ausstellung Kathryn Andrews – König Galerie (Nave) | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | […]

bis 06.07. | #2481ARTatBerlin | Bermel von Luxburg Gallery zeigt ab 23. Mai 2019 die Ausstellung Los paisajes de subconsciente des Künstlers Jesus Mullor und im Kabinett den Künstler Leone Minassian. Bermel von Luxburg Gallery lädt Sie zur kommenden Ausstellung ein: „Jesus MULLOR – Los paisajes de subconsciente“. Der spanische Titel bedeutet: Die unbewussten Landschaften. Entdecken Sie die erste Ausstellung des spanischen Künstlers Jesus Mullor in Berlin. Jesus Mullor, Mapa Turquesa, 140 x 110 cm, Mixed media, 2018/2019 Bermel von Luxburg Gallery präsentiert im Kunstkabinett auch italienische Moderne Kunst: “ Leone Minassian (1905-1978): An Italian Surrealist. Vernissage: Donnerstag, 23. Mai 2019, 19:00 – 22:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 23. Mai – Samstag, 6. Juli 2019   Bildunterschrift: Jesus Mullor, Mapa Turquesa, 140 x 110 cm, Mixed media, 2018/2019 Ausstellung Jesus Mullor – Bermel von Luxburg Gallery | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 11.08. | Kunsthaus Dahlem präsentiert aktuell die Ausstellung „Flucht in die Bilder? Die Künstler der Brücke im Nationalsozialismus“ in Kooperation mit dem Brücke-Museum. Die »Ausstellung Flucht in die Bilder?« beschäftigt sich erstmals kritisch und ausführlich mit der künstlerischen Praxis, den Handlungsspielräumen und dem Alltag der ehemaligen Brücke-Künstler im Nationalsozialismus. Die Situation von Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein und Ernst Ludwig Kirchner in den Jahren von 1933 bis 1945 wurde bislang zumeist auf ›Verfemung‹ ihrer Kunst durch die Nationalsozialisten reduziert. Dieser eindimensionale Blick wird weder der vielschichtigen Situation der Künstler noch den Widersprüchen innerhalb der nationalsozialistischen Kulturpolitik gerecht. Die meisten der ehemaligen Brücke-Künstler hatten zu Beginn die Hoffnung gehegt, mit ihrer Kunst Anerkennung unter den Nationalsozialisten zu finden – eine Hoffnung, die von letzteren teilweise genährt wurde. Trotz der Zäsuren durch die NS-Kunstpolitik, waren die ehemaligen Brücke-Künstler – mit Ausnahme von Kirchner, der sich 1938 das Leben nahm – bis in die letzten Kriegsjahre künstlerisch tätig. Karl Schmidt-Rottluff, »Entwurzelte Bäume«, 1934, Brücke-Museum © VG Bild-Kunst, Bonn. Um Brüche und Kontinuitäten im Werk der ehemaligen Brücke deutlich zu machen, endet die Aufarbeitung nicht im Mai 1945, sondern setzt sich im letzten Teil der Schau im Kunsthaus Dahlem fort. Wie wurde […]

bis 27.07. | #2461ARTatBerlin | BORCH Gallery präsentiert aktuell die Ausstellung Duets des Künstlers Matt Saunders. BORCH Gallery & Editions ist hocherfreut, im Rahmen des Gallery Weekend Berlin neue Werke von Matt Saunders in der Ausstellung Duets zu zeigen. Ausgangspunkt ist eine Serie von Monotypien, in denen Saunders seine kontinuierliche Zusammenarbeit mit BORCH durch eine weitere Form des Mediums Druckgrafik ergänzt. Darüber hinaus wird das druckgrafische OEuvre des Künstlers in den breiteren Kontext seiner Praxis in Malerei und Video gestellt. In den Monotypien der Serie Duets (Torsos), 2018, werden beide Seiten einer Aquarellmalerei auf Leinen zeitgleich auf Papier übertragen. Die Drucke tragen die Struktur des Textils, sowie die subtilen Symmetrien und Asymmetrien von Vorder- und Rückseite. Saunders’ Monotypien sind eine Fortführung der Untersuchungen von Umkehrungen und Verdopplungen aus seinen früheren Druckgrafiken. Die intuitivere Technik erlaubt es ihm jedoch, schnell und experimentell zu arbeiten und somit neue Aspekte von Farbe und insbesondere von Transparenz in das Werk einfließen zu lassen. Torsos – jene Zentren, um die wir unsere Haltungen und Identitäten arrangieren – drehen, verschieben und bewegen sich durch die Serie. Obwohl nur wenige Gesichter zu sehen sind, sind die Bilder mit einer Mischung aus Psychologie, Hommage, Prozess und Materialität aufgeladen. […]

bis 15.06. | #2462ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab präsentiert derzeit die Ausstellung Reflexxxions mit Werken der Künstlerin Signe Pierce. Die amerikanische Künstlerin Signe Pierce (* 1988, USA) bezeichnet sich selbst als Reality-Künstlerin: „Ich bin Pop und ich bin Kunst. Ich bin digital und ich bin physisch. Ich bin virtuell und ich bin real“. „Was ist real?“ ist die zentrale Frage, die sich durch Pierces Installationen, Fotos, Performances und Schriften zieht. Für mehr Informationen wechseln Sie bitte zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. Das geht ganz einfach: Klicken Sie auf den Sprachbutton in der rechten oberen Ecke. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. See you in a second! Vernissage: Mittwoch, 24. April 2019, 17:00 – 21:00 Uhr, Performance um 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Mittwoch, 24. April – Samstag, 15. Juni 2019   Bildunterschrift: Signe Pierce, Uploading My Consciousness Into Unreality, 2018. Courtesy die Künstlerin und das EIGEN + ART Lab Ausstellung Signe Pierce – EIGEN + ART Lab | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 18.08. | #2478ARTatBerlin | me Collectors Room Berlin und das Schloss Caputh zeigen derzeit die Ausstellung B.A.R.O.C.K.. Mit „B.A.R.O.C.K.“ präsentieren die Wunderkammer des me Collectors Room Berlin (27.04. – 18.08.2019) und das Schloss Caputh der Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin – Brandenburg (04.05. – 31.10.2019) künstlerische Interventionen von Margret Eicher, Luzia Simons, Rebecca Stevenson und Myriam Thyes. Die beiden von Margret Eicher und Mark Gisbourne konzipierten Ausstellungen basieren auf der Wahrnehmung kultureller Symptome, die unsere gegenwärtige psychopolitische Situation in einer globalisierten Welt charakterisieren und gleichzeitig bereits in der Epoche des Barock besonders wirksam waren. Ähnlich wie im 17. Jahrhundert erleben wir auch heute vielschichtige gesellschaftliche, religiöse und politische Verwerfungen, die miteinander korrelieren und sich in den letzten Jahren zu einem apokalyptischen Weltgefühl verdichtet haben. Margret Eicher, Boundery 1, 2019,  Print auf halbtransparenter Folie, aplliziert auf Vitrinenglas,  © VG Bild Kunst Bonn 2019 In der Epoche des Barock leistete die Kunst eine Visualisierung dieses Welt- und Lebensgefühls, in einer bis heute, eindringlichen und mitreißenden Weise. Barocke und zeitgenössische Kunst beziehen ihre Wirkungsmacht aus der Überwindung des Normativen in Inhalt und Ästhetik und im Spiel mit den Grenzen des Darstellbaren. Das Erleben von weltweitem, teils virtuellem Krieg, die zerstörerische Hybris […]

bis 29.06. | #2449ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler zeigt derzeit die Einzelausstellung Who We Are des Künstlers Adam Pendleton in den Galerieräumen Bleibtreustraße. Adam Pendleton ist ein in New York ansässiger Künstler, der für seine Arbeiten bekannt ist, die durch das animiert werden, was der Künstler „Black Dada“ nennt, eine kritische Auseinandersetzung mit Schwärze, Abstraktion und der Avantgarde. Ausgehend von einem Archiv von Sprache und Bildern entwirft Pendleton konzeptuell rigorose und formal erfinderische Gemälde, Collagen, Videos und Installationen, die sein Werk in breitere Dialoge über Geschichte und zeitgenössische Kultur einfügen. Seine Arbeiten befinden sich in öffentlichen Sammlungen wie dem Museum of Modern Art, New York; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Carnegie Museum of Art, Pittsburgh; Museum of Contemporary Art, Chicago; Museum of Contemporary Art, San Diego; The Studio Museum in Harlem, New York; und Tate, London, unter anderem. Untitled (WE ARE NOT), 2019, Silkscreen ink and spray paint on canvas. 36 × 28 in (91.44 × 71.12 cm) © Adam Pendleton. Courtesy the artist and Galerie Max Hetzler, Berlin | Paris | London, Image credit: Andy Romer Photography Für mehr Infos zum Ausstellungsinhalt wechseln Sie mit nur einem Klick zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. In der rechten oberen Ecke […]

bis 22.06. | #2475ARTatBerlin | Galerie Z22 zeigt ab 18. Mai 2019 die Ausstellung Foreign Interferenz mit Arbeiten von Mathias Hornung und Lars Fischedick.  Foreign Interferenz ist eine multimediale Ausstellung, die das Ergebnis einer internationalen Zusammenarbeit ist. Lars J. Fischedick (Kapstadt) lud seinen deutschen Kollegen – Mathias Hornung (Berlin) – ein, gemeinsam im Industriebereich des Corbeau-Gebäudes in Kapstadt zu arbeiten. Sie haben sich mit der Dynamik der Fremdheit beschäftigt – mit dem Raum, dem Ort und der Praxis des anderen. Der Begriff „Interferenz“ hat sowohl negative als auch positive Konnotationen: In der Musik beschreibt er die geschichtete Kollision von Schallwellen, aber in einem politischen Kontext bedeutet er einen korrumpierenden Einfluss. Wie kann sich Interferenz in einer nicht-gegenständlichen künstlerischen Sprache manifestieren, und was passiert, wenn zwei verschiedene Stimmen an einem Projekt arbeiten? Das sprachliche Zusammenspiel von englischen und deutschen Begriffen im Titel verweist auf eine Spannung zwischen akustischen Mustern und kulturellen Werten, zwischen Wissenschaft und Existenzialem. Das Projekt wird nach einem Zwischenstopp in der Galerie Z22 ab Spätherbst in Johannisburg zu sehen sein. Mathias Hornung + Lars Fischedick Vernissage: Samstag, 18. Mai 2019, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 18. Mai – Samstag, 22. Juni 2019 Musique en Galerie: Donnerstag, 23. Mai 2019, […]

bis 28.07. | #2477ARTatBerlin | Schinkel Pavillon präsentiert derzeit die Gruppenausstellung Straying from the Line. Straying from the Line widmet sich einer grundlegend erweiterten Perspektive auf die Vielstimmigkeit feministischer Tendenzen in der Kunst der letzten 100 Jahre. Anstatt einer geradlinigen Narration feministischer Kunst als einem generations- und/oder identitätsspezifischen Stil, entwirft die Ausstellung ein offenes Netzwerk, das multiple Bezüge und Verbindungslinien zwischen ästhetisch und politisch, geographisch und historisch heterogenen Perspektiven greifbar werden lässt. Unterschiedliche Erzählungen und Bewegungen geben so feministischen Tendenzen Kontur, die weder Stil noch Label vereint. Vielmehr verbindet sie eine bestimmte Haltung gegenüber Kunst als einem Feld antagonistischer Beziehungen und hierarchischer Ordnungen, die das gesellschaftliche Leben als Ganzes bestimmen. 1969 schloss Lee Lozano aus diesem Zusammenhang von künstlerischen und gesellschaftlichen Hierarchien die Schlussfolgerung, dass es „keine Revolution der Kunst unabhängig von einer Revolution der Wissenschaft, einer politischen Revolution, einer Erziehungsrevolution, einer Drogenrevolution, einer Sexrevolution oder einer persönlichen Revolution“ geben kann. Das Persönliche und das Politische wie Lozano als zwei Seiten der gleichen Medaille zu begreifen, war eine der zentralsten feministischen Forderungen der Zeit: sie artikulierte den gemeinsam Nenner unterschiedlicher, aktivistischer, theoretischer und künstlerischer Feminismen über politische und soziale Grenzen hinweg. 2019, genau 50 Jahre später, hat die Frage nach […]

bis 15.06. | #2445ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt derzeit die Einzelausstellung des Künstlers Abraham David Christian. „…ich würde … es gerne haben, wenn man, so paradox das klingt, das Äußere meiner Skulpturen vergisst, davon absieht – um vorzudringen zu dem Kern, der nicht sichtbar ist.“ – Abraham David Christian Die Beziehung zwischen Fragilität und Stabilität auszuloten, ist ein zentrales künstlerisches Anliegen von Abraham David Christian (*1952 in Ulm). Von der Zeichnung über Gips- und Papierskulpturen bis hin zur massiven Bronze- und Eisenplastiken hat er Werke geschaffen, die bestimmt sind von Ausgeglichenheit und Balance. Die Plastiken lassen sich kaum deuten, vielmehr lassen sie sich erleben, erspüren, geben den Geist wieder, den das zutiefst Menschliche eint, überall auf der Welt. Christian ist seit seiner Jugend ein Reisender, hat die Landschaften und Kulturen in Indien, im Vorderen Orient, in Asien, Japan, Europa und Nordamerika in sich aufgesogen und all diese Eindrücke und Einflüsse seit Jahrzehnten in seiner Kunst verarbeitet – seit vielen Jahren in seinen Ateliers in Düsseldorf, New York und im japanischen Hayama. Christians Werk wurde, damals als jüngster Teilnehmer, auf der documenta 5 (1972) und auf der documenta 7 (1982) gezeigt. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1973 in der Kunsthalle […]

bis 29.06. | #2472ARTatBerlin | Robert Morat Galerie präsentiert ab 11. Mai 2019 die Ausstellung Material des Fotografen Tobias Kruse. Die Publikation „Material“ erschien im Kerber Verlag im November 2018. Die Serie umfasst visuelle Erzählungen, Notizen und Beobachtungen aus den letzen zehn Jahren, in denen Tobias Kruse Bilder produziert hat, die eine Stimmung, ein Lebensgefühl in eine authentische Bildsprache überführt haben. „Tobias Kruse hat in den vergangenen Jahren die unsagbaren Momente des Lebens festgehalten: Die Form eines Gegenstands, die Gewissheit um bevorstehende Verletzungen, die Geburt der Kinder und das Glück auf ihrer Haut“, schrieb Laura Benz anlässlich der Buchveröffentlichung. „Viele nennen die Arbeit ein Tagebuch, aber genau das ist es natürlich nicht“, sagt Tobias Kruse. „Es sind Miniaturen, ein Kondensat.“ Material #082, Archival Pigment Print Material #004, Archival Pigment Print Tobias Kruse wurde 1979 in Mecklenburg geboren. Er studierte Fotografie bei Prof. Ute Mahler an der Ostkreuzschule für Fotografie und besuchte die Meisterklasse von Prof. Arno Fischer. Seit 2011 ist er Mitglied bei der Agentur OSTKREUZ. Seit 2017 unterrichtet er selbst an der Ostkreuz Schule für Fotografie. Seine Arbeiten werden international ausgestellt und publiziert. Tobias Kruse lebt und arbeitet in Berlin. Material #008, Archival Pigment Print Material #056, Archival Pigment […]

bis 25.05. | #2453ARTatBerlin | Der Verein zur Förderung von Kunst und Kultur am Rosa-Luxemburg-Platz zeigt aktuell die Ausstellung Traces of Truth der Künstlerin Jana Müller. Es gab immer ein erhebliches Interesse an echten Tatorten und Beweisobjekten aller Art. In Traces of Truth folgt die Berliner Fotografin Jana Müller dieser Neugier in Bildern, Collagen und Installationen. Sie begibt sich auf Spurensuche und legt imaginative Fährten. In den Asservatenkammern der Republik – oft triviale Orte wie Garagen und leerstehende Geschäfte – hat die Künstlerin unzählige Beweisstücke dokumentiert. So banal die einzelnen Objekte oft sind, der Lack des Bösen ist noch nicht ab. Im durchaus manipulativen Spiel mit den Assoziationen der Betrachter entwickeln sich neue unvorhersehbare Geschichten. Mit dem Blick auf die Provinz wird der seit Jahren zu beobachtende Hype medialer Verwertung wissenschaftlicher Polizeiarbeit – im Besonderen forensischer Untersuchungen in Form von fiktiven und pseudodokumentarischen Polizeiserien – aufgegriffen und weitergetrieben. Vordergründig  handelt „Traces of Truth“ von der Wahrheit, präziser vom Verhältnis der  Realität zur Fiktion und der Rolle des Objekts und des dokumentarischen Bildes in dieser Konstellation. Die Frage ist, ob sich Parallelen zwischen Künstler*innen und Verbrecher*innen ziehen lassen, insofern beide mit „krimineller“ Energie Normen und Tabus verletzen? Müller nimmt hier erstmals […]

bis 25.05. | #2473ARTatBerlin  | Galerie Eigenheim zeigt ab 24. April 2019 die Ausstellung mit Malerei und Zeichnung des Künstlers Enrico Freitag. ENRICO FREITAG reflektiert in seiner Malerei, Zeichnung und Grafik grundlegende und gegenwärtige Aspekte menschlicher Zivilisation. In anthologischen Serien widmet er sich dabei unterschiedlichen Phänomenen gesellschaftsrelevanter Themen und nach und nach entsteht so ein komplexer Zusammenhang zwischen den verschiedenen Werkgruppen des Künstlers. Ein gedanklicher Ausgangspunkt und zugleich wiederkehrendes Motiv, welches sich ebenso als Sinn stiftend für die weiteren Sujets des Künstlers erweist, kann in der Serie mit dem Titel LabOra gesehen werden. Mit diesem Titel, einer dem Benediktinerorden entlehnten Phrase Ora et Labora (Bete und Arbeite), führt uns der Künstler in eine Welt der Arbeit, die ebenso durch eine fast kontemplative Aura geprägt und doch tief in eine aktive fordistische Dystopie der Massenproduktion eintauchen lässt. Dabei wird Arbeit vom Künstler weder heroisiert noch kritisiert, sondern neutral und als logischer Bestandteil von Zivilisation und Gesellschaft betrachtet. HE FLIGHT / Acryl und Öl auf Papier 60 x 50 cm (Motiv 49 x 41 cm) / 2019 In einer Art autopoietischen Entwicklung dieser Grundidee folgen Serien wie The Poisoning, welcher ein folgenschweres Industriedesaster in den 50er Jahren in Japan zugrunde liegt. Oder […]

bis 14.07. | #2443ARTatBerlin | Galerie Kremers präsentiert ab 3. Mai 2019 die Ausstellung The New Abstract – An Atlantic Bridge – USA – BERLIN mit Werken von Jonni Cheatwood, Taylor A. White, Robert Szot, Alan Neider, Taher Jaoui, Jenny Brosinski, Gregor Hiltner, Christian Achenbach Wer hätte vermutet, dass ausgerechnet soziale Medien tragbare Brücken bauen? Instagram macht es möglich. Über dieses Medium entdeckte der „Künstler-Kurator“ Gregor Hiltner eine Vielzahl neuer amerikanischer abstrakter Maler, die mit erfrischender kreativer Freiheit in Technik und Komposition die große Tradition der abstrakten amerikanischen Malerei weiterführen und ihr – jeder auf seine Art  – einen hochaktuellen Dreh geben. Dieser Gruppe korrespondiert eine Anzahl von in Berlin ansässigen Malern, die ähnliche Wege beschreiten. Es ist in diesen Zeiten nicht erstaunlich, dass diese Künstler schon lange in den sozialen Medien heimisch sind, sich kennen und schätzen. Das Schöpfen aus einem gemeinsamen Erfahrungsschatz, der sowohl in der Tradition als auch in der geteilten Erfahrung einer globalisierten Welt mit internationalen Märkten gefunden werden kann, ist der Anker, von dem aus die Künstler sich in verschiedene Richtungen auf den Weg machen. Robert Szot, to gather flowers constantly, 2019, 71 x 46 cm monotype collage crayon and gouache on paper Die künstlerischen Navigationsinstrumente […]

bis 22.06. | #2442ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi präsentiert ab 26. April 2019 die Ausstellung almost nothing mit weißen Werken aus Malerei und Skulptur. Galerie Pugliese Levi freut sich, anlässlich ihres zweiten Geburtstags und des offenen Galerien-Wochenendes in Berlin, die Ausstellung almost nothing zeigen zu dürfen, mit weißen Werken von: Mats Bergquist, Achim Bertenburg, Julian Birbrajer, Claudia Doderer, Jeffrey James, Marc Lambrechts, Birgitte Lund, Jakob Roepke, Rebecca Salter RA, Shawn Stipling, Tünde Újszászi, Maibritt Ulvedal Bjelke and Xiaohua. Ausstellungsansicht almost noting – Galerie Pugliese Levi  Die nahezu ausschließliche Verwendung der Farbe Weiß und die extreme Reduktion des Überflüssigen charakterisieren alle Arbeiten und sind der rote Faden dieser minimalistischen Ausstellung. Den allerkleinsten Details kommt so die allergrößte Bedeutung zu, obwohl sie doch nahezu nichts (almost nothing) sind. „Almost nothing. Zu Beginn, als ich die weiße Einladung erhielt, hatte ich keine Vorstellung davon, welchen Wagemut diese Ein-Farben-Herausforderung erfordern würde. Die Essenz meiner Malerei ist nichts als Farbe – Farben und Licht. Auf Weiß eingeschränkt zu werden, diese Minderung oder gar Verweigerung von Farbe erschien mir zuerst Sinn und Interpretation zuwider zu laufen. Einzig Weiß zu verwenden schien meine Arbeit zum Äußersten zu treiben. Und wie sehr ich mich auch bemühte, Weiß auf […]

bis 01.06. | #2437ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin präsentiert ab 26. April 2019 die Ausstellung Woven and Illuminated mit der Künstlerin Sinta Tantra und dem Künstler André Hemer.  Wie kann der Einfluss von Licht unsere Perspektiven oder gar Objekte selbst transformieren? Diese Frage vereint die komplexen und vielschichtigen künstlerischen Wege von Sinta Tantra und André Hemer. Für ihre erste gemeinsame Ausstellung in der Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin präsentieren die Künstler*innen unterschiedliche Arbeiten, welche die fluktuierenden Beziehungen zwischen Raum, Zeit und Materialität ergründen. Unter dem Titel „Woven and Illuminated“ vereint die Ausstellung eine Sammlung von Kunstwerken, die verschiedene Dimensionen miteinander verflechten und den Betrachter zu einer intimen Reise in kreative Prozesse einladen. Sinta Tantras vielseitige künstlerische Praxis umfasst alles, von Kunst im öffentlichen Raum, über Installationen und Skulpturen bis hin zu Malerei. In erster Linie sind ihre „Farbcollagen“ bekannt, in denen separate Elemente durch architektonische Linien und lebendige Farben vereint werden. In jüngster Zeit hat Tantra Begeisterung für das Handwerk des Webens entwickelt, sowohl in Bezug auf die alte physische Praxis, als auch auf das Konzept der Verbindung von Raum, Objekt und Zeit. Während diese Faszination wahrscheinlich am deutlichsten in Tantras Installationen wird, welche Betrachter*innen auffordern, sich um das dreidimensionale Kunstwerk […]

bis 24.05. | #2396ARTatBerlin | Galerie aKonzept zeigt ab 26. April 2019 die „Gebrüllte Ausstellung“ des Künstlers Guillaume Sebag (*1975). Diese Suite von 9 Werken, die in der Galerie aKonzept gezeigt werden, ist eine Demonstration für die Kohärenz des Künstlers und die Komplexität der Komposition seiner Bilder, die haarbreit vom Scheitern entfernt sind. Guillaume Sebag dehnt das Risiko bis aufs Äußerste, diese spektakuläre und einzigartige Homogenität seiner Werke an das Ganze zu verlieren. Wir spüren dieses Physische, Sinnliche der Malerei. Guillaume Sebag malt ohne Pinsel, indem er die Farben der Tuben mit den Fingern direkt auf der Leinwand mischt, die mit Klammern fest an die Wand gespannt und mit Caparol vorbereitet ist. Die Kohle zieht manchmal eine Kontur oder eine isolierte Linie oder zeichnet etwas annähernd Figürliches, das sich der Architektur einfügt. Manchmal werden die Reste von Kohle auf die Leinwand geklebt, die später auf einen Rahmen montiert wird.   Guillaume Sebag, 220 x 140 cm Guillaume Sebag, 160 x 105 cm Diese sich bewegenden, instabilen Werke erlauben kein genaues Hinsehen, bestehen sie doch aus mehreren Herzen, die zusammen schlagen, was Aufregung beim Zuschauer erzeugt. Die Augen wandern auf der Leinwand oder stoppen schnell bei einem verwirrenden Fragment, um schließlich […]

bis 09.06. | #2427ARTatBerlin | Galerie mutare präsentiert ab 26. April 2019 eine Ausstellung mit den Künstlern Johannes Gervé und Hans Hoge. Gezeigt werden Malerei von Johannes Gervé und Objekte von Hans Hoge. Hans Hoge | Urbanes Wochenende Johannes Gervé | Good times coming ACHTUNG! Sonder-Öffnungszeiten Gallery Weekend 2019: Freitag, 26. April 19:00 bis 21:00 Uhr, Samstag 27. April und Sonntag, 28. April 2019 11:00 bis 19:00 Uhr Vernissage: Samstag, 26. April 2019, 19:00 – 21:00 Uhr, Einführung: Michaela Schubert Ausstellungsdaten: Samstag, 26. April – Samstag, 9. Juni 2019 Öffnungszeiten im April und Mai 2019: Mi – Fr 14.00 – 19.00 Uhr, Sa 12.00 – 16.00 Uhr, im Juni 2019: Mi – Fr 14.00 – 20.00 Uhr, Sa 12.00 – 18.00 Uhr   Ausstellung Johannes Gervé + Hans Hoge – Galerie Mutare | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 15.06. | #2423ARTatBerlin| Daniel Marzona zeigt ab 26. April 2019 die Ausstellung KOSMOS TROPICAL des Künstlers Axel Hütte. Die Galerie Daniel Marzona zeigt zum Gallery Weekend 2019, dem Jahr des 250-jährigen Jubiläums Alexander von Humboldts, die Einzelausstellung „Kosmos Tropical“ von Axel Hütte. Hütte bereist seit Mitte der 1990er Jahre die Welt und fotografiert vorwiegend Landschaften und Architektur. Seine Aufnahmen sind weniger an einer exakten Wiedergabe der Realität interessiert, sondern arbeiten stets an einer Verdichtung ihrer Erscheinung und lassen sich oft als fast malerische Darstellungen lesen. Jenseits des Dokumentarischen und des Narrativen versucht Hütte sein subjektives Empfinden von Naturräumen und Stadtlandschaften in Bildern einzufangen, die den Blick des Betrachters irritieren und zumeist eine eindeutige Lesbarkeit des Bildraumes verwehren. Stets mit einer Plattenkamera unterwegs hat Axel Hütte so in den vergangenen 30 Jahren auf allen Kontinenten Landschaften fotografisch zur Darstellung gebracht. Axel Hütte, Peru Hierbei erscheint Hüttes Sicht auf die Welt derjenigen von Alexander von Humboldt eng verwandt. Es ist der nüchterne, neugierige und immer wieder verzauberte Blick eines Freundes, dessen Beobachtung die kleinsten Details berücksichtigt, ohne die größeren Strukturen aus dem Auge zu verlieren. Nur einem solchen Blick kann es gelingen, uns die Welt im Bild als Erscheinungsraum vorzustellen, der […]

bis 22.06. | #2418ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 25. April 2019 die Ausstellung mit neuen Gemälden des britischen Künstlers Nick Dawes im Dialog mit Skulpturen aus Bronze und Glas der Künstlerin Susanne Roewer. Mit fließenden Formen gestaltet Nick Dawes komplexe Farbarrangements und strebt so nach einer neuen Qualität malerischer Abstraktion. Die scheinbar impulsive malerische Geste seiner Malerei verdankt sich allerdings einem genauen Plan, der dem Zufall nur wenig Raum lässt. Aus den formalen Eigenheiten von Verkehrsschildern und anderen zeichenhaften Objekten unserer Alltagswelt destilliert der Künstler abstrakte Formen, die er zunächst in Bleistiftzeichnungen festhält und dann auf der Leinwand mit dünn fließender Ölfarbe umsetzt. Die Farbe wird dabei kontrolliert auf die am Boden liegenden oder schräg an der Wand lehnenden Leinwände geschüttet. Da diese nicht grundiert sind, sinkt sie tief in den Malgrund ein. Durch Bewegen der Leinwand gelingt es dem Künstler, die fließende Farbe in die zuvor skizzierten Formen zu lenken. Im Laufe eines längeren, beinahe meditativen Prozesses wird eine neue Farbe erst dann aufgetragen, wenn die zuvor aufgetragenen Schichten bereits getrocknet sind. Auf diese Weise entstehen amorphe, wie gewachsen wirkende Farbfelder. Nick Dawes, Line, 2018, Öl auf Leinwand, 210 x 285 cm Auf einer rein materiellen Ebene sind die Werke von […]

bis 06.04. | #2415ARTatBerlin | Blain|Southern Berlin zeigt noch bis 6. April 2019 die Gruppenausstellung A Walking Shadow mit Arbeiten von Owen Kydd, Mark Lewis, Amie Siegel, Bill Viola und Wim Wenders. A Walking Shadow bringt fünf Künstler zusammen, die sich auf unterschiedliche Art mit dem bewegten Bild auseinandersetzen, die jedoch geeint sind durch ihr gemeinsames Interesse daran, wie Technologie und Umgebung unsere Wahrnehmung einzelner Figuren verändern. Wim Wenders, der sowohl als einflussreicher Filmemacher als auch für seine Fotografien bekannt ist, zeigt hier zum ersten Mal Videoinstallationen. Same Player Shoots Again (2019) basiert auf einem seiner ersten 16 mm Kurzfilme, den er 1967 in München drehte. Ein Soldat, gespielt von seinem Freund, dem jungen Schauspieler Hanns Zischler, schleppt sich über das Straßenpflaster, anscheinend erschöpft oder sogar verletzt, sein Gewehr baumelt unterhalb der Hüfte. Die Figur ist für den Betrachter nicht zu identifizieren, da die Kamera das Gesicht nicht zeigt. In Schwarz-Weiß aufgenommen, wird der Film fünf Mal – immer in wechselnden Farben getönt – wiederholt, was zusammen mit dem Titel eine Referenz an die fünf-Ball Struktur des Pinball-Spiels ist: ‚Es ist kein wirklicher Farbfilm geworden‘ schreibt Wenders. ‚Lediglich etwas Blau, Rot, Gelb und Grün entlang der Straße‘. Silver City Revisited […]

bis 27.04. | #2412ARTatBerlin | Westphal Berlin zeigt ab 28. März 2019 die Ausstellung „Seltsam, aber so steht’s geschrieben“ des Künstlers C.D. Aschaffenburg. Gezeigt werden neue Bilder von C.D. Aschaffenburg (*1953 in Aschaffenburg). Der Künstler lebt und arbeitet in Berlin. Vernissage: Donnerstag, 28. März 2019, 18:00 – 20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 28. März bis Samstag. 27. April 2019   Bildunterschrift: C.D. Aschaffenburg, Der Mann ohne, Öl auf Leinwand, 2019, 120 x 142 cm Ausstellung C.D. Aschaffenburg – Seltsam, aber so steht’s geschrieben – Westphal Berlin | Contemporary Art – Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 06.05. | #2409ARTatBerlin | Künstlerhaus Bethanien zeigt ab 11. April 2019 eine gemeinsame Ausstellung COME CLOSE & STEP BACK der Winsor & Newton Stipendiatinnen 2018/19 Pia Krajewski und Irina Ojovan. Die Ausstellung wird kuratiert von Jurriaan Benschop. Ondulierende Haartrachten, mäandernde Endlosarme, Vasen und Krüge als Protagonisten eines lustvollen Vexierspiels und monochrome Flächen, die darunterliegende Farbschichten hermetisch abdecken oder wie ein Palimpsest Auskunft über Vergangenes geben – vom 11. April bis 5. Mai 2019 geben die diesjährigen Winsor & Newton-Stipendiatinnen Pia Krajewski und Irina Ojovan mit „COME CLOSE & STEP BACK“ Einblick in ihre künstlerische Praxis und zeigen neue Arbeiten in einer gemeinsamen Ausstellung, kuratiert von Jurriaan Benschop. Nach der erfolgreichen Etablierung des Winsor & Newton-Stipendiums im Jahr 2017/2018 waren erneut ausgewählte Professorinnen und Professoren der Malerei in Deutschland aufgerufen, für zwei Plätze am Künstlerhaus Bethanien in Berlin künstlerische Positionen aus ihren Klassen zu empfehlen. Die Stipendiat*Innen erhalten ab 01. Oktober 2018 bzw. 01. April 2019 für jeweils sechs Monate ein Atelier, einen monatlichen Stipendienbetrag für den Lebensunterhalt, kuratorische sowie maltechnische Begleitung und eine gemeinsame Ausstellung im Künstlerhaus Bethanien. Vernissage: Donnerstag, 11. April 2019, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 11. April – Sonntag, 5. Mai 2019 Panel Discussion zum Gallery Weekend Berlin: Samstag, […]

bis 18.04. | #2406ARTatBerlin | Kuckei + Kuckei zeigt derzeit eine Ausstellung der Künstlerin Barbara Probst. Die angeschnittene Kaffeetasse ist gut gefüllt, ein paar Kaffeetropfen am Tassenrand lassen vermuten, dass bereits daraus getrunken wurde. Sie steht auf einem dunklen Holztisch inmitten einer Pfütze. Die Flüssigkeit ist klar, sodass die Patina des Holztisches durchschimmert und sich das Licht darin spiegelt. Ist das Wasser? Wurde ein Glas oder eine Flasche umgeschüttet? Versehentlich oder gar mit Absicht? Allein diese zwei Komponenten in Barbara Probsts Exposure #140 wären rätselhaft genug. Doch unser Blick wandert weiter, hin zu etwas, das wie der Ausschnitt eines menschlichen Arms aussieht und schwer an der Kante des Tisches aufliegt. Und wieder wird eine Kaskade an Fragen beim Betrachter ausgelöst: Zu wem gehört dieser Arm? Wo ist der Mensch? Was macht er hier? Welche Rolle spielt er in dieser Fotografie und wie hängt er mit der Kaffeetasse und der verschütteten Flüssigkeit zusammen? Barbara Probst, „Exposure #140: Munich, Nederlingerstrasse 68, 09.07.18, 5:13 p.m.“, 2018 Ultrachrome ink on cotton paper, 3 parts: 112 x 75cm / 44 x 29 inches  Die soeben beschriebene Szene könnte als klassisches Stillleben durchgehen, wäre sie nicht Sujet eines Triptychons, dessen drei Bilder alle nur einen Augenblick […]

bis 04.05. | #2403ARTatBerlin | Robert Morat Galerie zeigt ab 23. März 2019 die Ausstellung Hinterland des Fotografen Hans-Christian Schink. „Hinterland meint einerseits die dünn besiedelten Landstriche abseits der Großstädte, in dieser Serie speziell die abgelegenen Regionen Brandenburgs und Mecklenburg-Vorpommerns“, erklärt Hans-Christian Schink. „Andererseits bezieht sich der Titel „Hinterland“ auf die imaginären Landschaften, die aus meiner Erinnerung entstehen. Landschaften, die ich aus meiner Kindheit kenne.“ Und weiter: „Es geht in dieser Serie also nicht um das Abbilden konkreter Orte. Meine Bilder sind eher das Resultat einer Suche ohne Ziel.“ Mit seinem Projekt versucht Hans-Christian Schink eine Balance zu halten – einerseits die spröde Schönheit dieser Form von Landschaft zu zeigen, andererseits mit diesen Bildern auch eine Atmosphäre der Melancholie zu transportieren, die sich aus der Gefährdung eben dieser Landschaft durch die permanente Überbeanspruchung ihrer Ressourcen ergibt. Bei Groß Briesen (2012), 35 x 40 cm, C-Print, Ed. of 8 + 2 AP Am Breiten Luzin (2012), 35 x 40 cm, C-Print, Ed. of 8 + 2 AP Hans-Christian Schink, 1961 geboren in Erfurt, studierte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Er gilt als einer der wichtigsten Vertreter der zeitgenössischen Fotografie aus Deutschland. Seine Arbeiten, meist Landschafts-Untersuchungen im Spannungsfeld […]

bis 05.05. | #2400ARTatBerlin | Haus am Waldsee zeigt seit 9. März 2019 die Ausstellung ONE TO FREE des Künstlers Ammar Al-Beik. Wie kaum ein anderer syrischer Künstler seiner Generation steht der 1972 in Damaskus geborene, vielfach ausgezeichnete Filmemacher und Fotograf Ammar al-Beik für den experimentellen Film seines Landes. Seine Arbeiten waren seit den frühen 2000er Jahren auf internationalen Filmfestivals unter anderem in Venedig und Berlin zu sehen, sie wurden aber auch in Museen in New York, Paris, Seoul und Tokyo gezeigt. Al-Beik kam 2014 über Beirut und Dubai nach Berlin, wo er heute lebt und arbeitet. ONE TO FREE eröffnet einen ersten Überblick über sein Schaffen in einer deutschen Kunstinstitution. Inhaltlich spannt sich der Bogen der ausgestellten Arbeiten von der Suche nach einer neuen, syrischen Identität, über die Aufstände der Opposition in Damaskus, bis in die unmittelbare Gegenwart, in der der Filmemacher sein Leben im Berliner Exil reflektiert. Poetisch und hochpolitisch, persönlich und mit hellwachem Blick portraitiert Ammar al-Beik seine Umgebung. Veranstaltungen im Ausstellungszeitraum SO 10.03.2019 KINDERVERNISSAGE 11.00 – 13.00 Uhr MI 20.03.2019 BUCHVORSTELLUNG mit Björn Vedder „Reicher Pöbel“ Beginn: 19.30 Uhr MI 13.03.2019 FÜHRUNG IM DIALOG Beginn: 19.00 Uhr Weitere Termine: 3.04., 17.04 und 24.04.2019 DO 21.03.2019 KÜNSTLERGESPRÄCH mit […]

bis 28.04. | #2397ARTatBerlin | Galerie Eigenheim präsentiert ab 16. März 2019 die Gruppenausstellung „From the Lab to the Studio – Neue Technologien und Materialien in der Kunst“ mit Werken von 14 Künstler*innen. EIGENHEIM Weimar/Berlin ist 2019 offizielles Schaufenster der Bauhaus-Universität Weimar zum Jubiläum 100 JAHRE BAUHAUS. An beiden Standorten finden verschiedene Ausstellungen zu aktuellen Themen statt. Diese Ausstellung in Berlin stellt den Auftakt dieser Ausstellungsreihe dar.  »From the Lab to the Studio – Neue Technologien und Materialien in der Kunst« – unter diesem Titel eröffnet am 16. März 2019 um 19 Uhr die erste Ausstellung der Berliner Galerie EIGENHEIM in Kooperation mit der Bauhaus-Universität Weimar und anderen Institutionen. Als »Schaufenster Bauhaus 100« präsentiert die Galerie in ihren Räumen in Berlin-Charlottenburg Arbeiten von Studierenden, Lehrenden und Alumni aus allen vier Fakultäten der Bauhaus-Universität Weimar. Die Reihe stellt das künstlerische und wissenschaftliche Schaffen am Gründungsort des Bauhauses in Weimar heute dar und zeigt, welche zeitgenössische Fragestellungen in den Disziplinen aktuell eine Rolle spielen und demonstriert die wissenschaftlich-künstlerische Auseinandersetzung damit. »From the Lab to the Studio – Neue Technologien und Materialien in der Kunst« bildet den Auftakt einer Reihe von Ausstellungen, die als temporäres Schaufenster die Weimarer Universität einem größeren Publikum zugänglich machen […]

bis 18.04. | #2393ARTatBerlin | Crone Berlin zeigt ab 16. März 2019 die Ausstellung Es ist eh schon alles da der Künstlerin Carola Dertnig. Wir möchten Sie sehr herzlich zur Eröffnung der ersten Einzelausstellung der österreichischen Künstlerin Carola Dertnig in unserer Galerie in Berlin-Charlottenburg einladen. Unter dem Titel „Es ist eh schon alles da“ werden Foto-, Video- und Textarbeiten gezeigt, in denen uns Dertnig „die bewußte Zufälligkeit der Dinge“ vor Augen führt – der Dinge, die uns umgeben oder mit denen wir uns umgeben. Schon in der titelgebenden Videoarbeit klingt das Thema an: Drei Mädchen sitzen in einem perfekt eingerichteten Wohnzimmer. Das strahlende Weiß der Möbel und das helle Sonnenlicht lassen den Raum wie eine digital bearbeitete Werbeaufnahme wirken. Wir befinden uns im ehemaligen Atelier des legendären Wiener Architekten Otto Wagner (1841 – 1918). Die heutige Bewohnerin hat den runden, kuppelartigen Raum mit verschiedensten Möbel- und Design-Klassikern gefüllt, in deren Mitte sie wie selbstverständlich lebt. Ausgerechnet hier treffen sich nun Vertreterinnen der neuen Millenial-Generation und proben die materielle Selbstfindung. Sie bewegen sich in dem bizarr-stylischen Ambiente, tippen auf ihren Tabletts und Handys, posten und performen. „Zwischen YouTube und Instagram, zwischen Nachahmung und dem Einfordern eigener Lebensentwürfe“, so die Kuratorin Claudia Slanar, skizziert […]

bis 04.05. | #2390ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab 30. März 2019 die Ausstellungen „Eins“ mit Fotografien der Künstlerin und Schauspielerin Katja Flint. Der Moment des (S)eins – Innere und äußere Wirklichkeit Die Zeiten der großen Ungewissheit, in der plötzlich ganze Denk- und Verhaltensstrukturen sowie gesellschaftliche, politische und ökonomische Übereinkünfte – jahrzehntelang in langem Ringen miteinander geschmiedet – wegbrechen und zertreten werden, ist gleichzeitig die Zeit der Introspektion und der Beginn einer neuen kreativen Wende. Alle Katastrophen bergen in sich – so fatal das klingt und es auch ist – die Geburt des Neuen. Man muss es nur spüren und das Werkzeug entwickeln, es zu sehen. Kritischer Verstand ist die erste schöpferische Voraussetzung. Das Antennenwerk, die Stimmungen zu messen und in neue Energien umzuwandeln, ist dem schöpferischen Menschen gemein, egal in welcher Disziplin sie oder er schafft. Der Hass, die Wut, das tierisch Brutale in uns Menschen bricht in solchen Zeiten wie der aktuellen unverblümt heraus, weiß sich plötzlich geborgen in einer großen Woge Gleichgesinnter und lässt den Unentschlossenen, weil Unsicheren, herausgerissen aus seiner bisherigen Komfortzone, lässt sich mitreißen ins neue große vermeintliche Ganze. Das Tabu als Regelwerk für ein zivilisiertes Miteinander, das nach vielen schmerzvollen Katastrophen eine große Leistung […]

bis 20.04. | #2387ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin zeigt ab 13. März 2019 die Ausstellung NONSEQUITUR mit den Künstler*innen Juliette Mahieux Bartoli (Malerei) und Athar Jaber (Skulptur). Zusätzlich wird die Künstlerin Louise Thomas im Discovery Room ausgestellt. Fragmentierte, verdrehte und isolierte Körperteile sind es, welche die Werke der zwei Künstler*innen Juliette Mahieux Bartoli und Athar Jaber in ihrer ersten gemeinsamen Ausstellung in der Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin verbinden. Der Ausstellungstitel „NONSEQUITUR“, ein lateinischer Begriff, der die Unterbrechung einer logischen Folge bezeichnet, bietet einen Ansatz um die Kunstwerke sowohl gemeinsam, als auch gegenübergestellt zu betrachten. So werden unsere Wahrnehmung und unser Umgang mit Kunst hinterfragt und gleichzeitig neue Sichtweisen geboten. Juliette Mahieux Bartolis kraftvolle, abstrakte Gemälde de-strukturieren den menschlichen Körper, um aus ihm heraus neuen Raum und neue Formen zu schaffen. Aus der Verbindung klassischer Motive mit Fragen zu multikultureller Identität und Zugehörigkeit schöpft die Künstlerin eine einzigartige Bildsprache. Eindrücke von ockerfarbenen Gebäuden, rosa Himmeln, Pflastersteinen und Marmor finden sich in ihrer römischen Farbpalette wieder und die fragmentierten Körper erinnern an die Verschmelzung der neuen und alten Architektur der Stadt. „Wenn visuelle Komposition als Sprache verstanden wird, können Bilder soweit auseinandergebrochen werden, dass ihre Bedeutungen in einer konzentrierten Form festgehalten werden […]

bis 13.04. | #2384ARTatBerlin | Galerie Deschler zeigt ab 7. März 2019 die Gruppenausstellung FRAUEN ÜBER-FRAUEN. zum Weltfrauentag in Berlin. Die Ausstellung präsentiert Arbeiten von Elvira Bach, Xenia Hausner, Seet van Hout, Lies Maculan, Deborah Sengl, Yukiko Terada und Patricia Waller. Als einziges Bundesland Deutschlands würdigt Berlin den internationalen Frauentag am 8. März ab diesem Jahr als offiziellen Feiertag. Zu diesem Anlass richtet die Galerie Deschler Berlin eine Ausstellung aus, die Arbeiten der von ihr vertretenen Künstlerinnen zum Thema Frauen zusammen- und gegenüberstellt: FRAUEN ÜBER-FRAUEN. Elvira Bach, 24 Hours, 2007, Acryl auf Leinwand, 230 x 190 cm Vernissage: Donnerstag, 7. März 2019,  19:00 – 21:00 Uhr. Einleitende Worte gegen 20 Uhr: Christiane Stuetzle Scharf, Rechtsanwältin, Fachanwältin für Urheber- und Medienrecht Grußwort per Video von Claudia Roth, MdB, Vizepräsidentin Deutscher Bundestag Ausstellungsdaten: Donnerstag, 7. März – Samstag, 13. April 2019   Bildbeschreibung: Elvira Bach, 24 Hours, 2007, Acryl auf Leinwand, 230 x 190 cm Ausstellung  FRAUEN ÜBER-FRAUEN. – Galerie Deschler | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 20.04. | #2381ARTatBerlin | DIEHL präsentiert derzeit die Ausstellung NeroRossi des Künstlers Turi Simeti. Gezeigt werden neue Arbeiten des italienischen Künsters Turi Simeti (*1929) Turi Simeti, 3 ovali neri, 2018, acrylic on canvas, 150 x 180 cm Vernissage: Freitag, 22. Februar 2019, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 23. Februar – Samstag, 20. April 2019   Bildunterschrift: Turi Simeti, 3 ovali neri, 2018, acrylic on canvas, 150 x 180 cm Ausstellung Turi Simeti – DIEHL | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

verlängert bis 24.05. | #2379ARTatBerlin | Kewenig Berlin zeigt derzeit die Ausstellung The Palace of Perfect mit Werken des Künstlers James Lee Byars. KEWENIG freut sich, die Ausstellung „The Palace of Perfect“ mit Werken von James Lee Byars (1932 – 1997) zu eröffnen. James Lee Byars zählt zu den herausragenden Persönlichkeiten der Kunst des 20. Jahrhunderts. Insbesondere mit seinen Performances hat er in seiner Zeit und ihr voraus der Kunst der Gegenwart neue Terrains erschlossen und die bis dato geltenden Grenzen des Künstlerischen gesprengt. Vergleichbar allein mit Andy Warhol oder Joseph Beuys war sein Werk untrennbar verbunden mit dem Auftritt seiner Person. Byars, der Mann im goldenen Anzug, mit schwarzen Handschuhen und schwarzem Zylinder, die Augen – manchmal das ganze Gesicht – verhüllt hinter dem Schleier eines schwarzen seidenen Tuches; der Künstler als Zauberer, als Magier der Dinge in einer Welt der Alltäglichkeit, ein sonderbarer Solitär, der in der schillernden Exposition seiner selbst, die Aufmerksamkeit nicht nur auf sich zog, sondern gleichzeitig die Aufmerksamkeit für den aktuellen Moment in anderen zu entzünden vermochte, so Präsenz und  Geistesgegenwart  kreierend. James Lee Byars steht in der Maske seiner künstlerischen Verschleierung anonymisiert als Mensch im Zentrum seines Werkes, als Sinnsuchender in einer Welt […]

bis 06.04. | #2376ARTatBerlin | CAMERA WORK zeigt ab 2. März 2019 die Ausstellung Mauerspiel des Künstlers Jens Lorenzen. Die Galerie CAMERA WORK freut sich, ab dem 2. März 2019 die Ausstellung »Mauerspiel« des Malers Jens Lorenzen zu präsentieren. Die Einzelausstellung zeigt mit über 40 Arbeiten aus dem Zyklus »Mauer I–IV« das Hauptwerk des Berliner Künstlers, der in seinem Schaffen mit Einflüssen der Pop-Art und Freskenmalerei der italienischen Renaissance den Verlust der Bedeutungshoheit von Zeichen thematisiert. Nach der erfolgreichen Ausstellung in der CWC GALLERY im Jahr 2015 ist »Mauerspiel« die zweite Werkschau des Künstlers bei CAMERA WORK. JENS LORENZEN Mauer I Element Plus 18 »Wort zum Sonntag« Das Konzept von »Mauer I–IV« Was haben die Queen, der Schokoladenriegel »Kit Kat«, die Uhrenmarke »Rolex«, ein Roman von Émile Zola und ein Plakat mit der Aufschrift »Klassenkampf« gemein? Die Aufforderung des Erschließens eines Zusammenhangs drängt sich dem Betrachter des Werkes »Queen« (Mauer I Element Minus 30) von Jens Lorenzen auf, in dem all jene Inhalte visuell verdichtet sind. Dem Künstler erschließt sich hier ein assoziativer Zusammenhang. »Nichts ist so wie es scheint«, sagt Jens Lorenzen und meint damit den Verlust der Eindeutigkeit von Wörtern und Zeichen. Dieses Phänomen verarbeitet der Maler in […]

bis 20.04. | #2372ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab 1. März 2019 die Gruppenausstellung Wundersame Welten mit Malerei aus verschiedenen Epochen. „Das Absurde, mit Geschmack dargestellt, erregt Widerwillen und Bewunderung.“ – Johann Wolfgang von Goethe Es ist der Bruch mit dem vermeintlich Schönen, der die in dieser Ausstellung gezeigten Alten Meister bis hin zu zeitgenössischen Künstlern in ihrem  Schaffen eint. Ihre Werke lösen konträre Assoziationen, Gedanken und Gefühle aus – man kann sich ihnen kaum entziehen und wird unwillkürlich emotional involviert. Es scheint, als hätte jeder Betrachter eine andere Meinung über das, was er zu erfassen sucht, wenn er die Bilder, Objekte und Skulpturen sieht. Diese Kunst polarisiert. Naturgetreues trifft auf Absurdes und Fantastisches, Schönheit vereint sich mit Grausamkeit, Realität wird zur Illusion, das Märchenhafte bezaubert und jagt uns einen Schauer über den Rücken. Die Motive scheinen vertraut und zugleich fremd. Es ist eine reizvolle und dennoch eine gebrochene Schönheit, die jederzeit ins Morbide und Albtraumhafte zu kippen droht, ohne dass das Böse konkret fassbar wäre. Während man möglicherweise ein leichtes Unbehagen empfinden mag, hat man sich der Verführung von etwas nie zuvor Gesehenem längst hingegeben. Künstler*innen: Nicole Bianchet, GL Brierley, Martin Denker, Max Ernst, Jean Tinguely und Eva […]

bis 11.03. | #2369ARTatBerlin | galerie weisser elefant zeigt ab 23. Februar 2019 die Gruppenausstellung „Weltenwechsel. Oder: wesentlich gewesen“, ein Beitrag zum Realismus des Spekulativen mit Werken von sechs Künstler*innen, kuratiert von Ralf Bartholomäus. Teilnehmende Künstlerinnen und Künstler: Codemanipulator, Kinga Dunikowska, Else (Twin) Gabriel, Astrid Köppe, Anne Rinn, Carsten Schneider Im Einflussbereich der Philosophie des Spekulativen Realismus spielt das Problem eine Hauptrolle, wer denn eigentlich für uns alle spricht, für die Welt, für die Erde, auf der wir stehen. Je weiter wir unserer Herkunft bewusst werden, umso deutlicher wird uns, dass die Dinge zurückblicken auf uns und ihre Fragen stellen: Wo wollt ihr hin und wie nur konntet ihr uns vergessen? – Ist es ein Es, was so fragt, eine Logik ohne Be- & Verwertung? Dabei sind stets genug Meinungen vorhanden. Und eine spekulativ intendierte Kunst wäre wie die kompensatorisch geeichte Feinwaage der Vernunft. Josef Vogl schon meint zum Sinn eines so verstandenen Realismus: „Man könnte sagen, dass das in philosophischer Hinsicht der Versuch ist, auf so etwas wie einen intellektuellen Goldstandard zurückzukehren. Etwas zugespitzt würde ich diese Versuche alchemistische Experimente auf dem Gebiet der Philosophie nennen.“ (1) Unsere Auswahl der Künstler dazu ist natürlich rein spekulativ: Gemeinsam ist ihnen, […]

bis 31.03. | #2366ARTatBerlin | Galerie Z22 zeigt ab 23. Februar 2019 die Ausstellung Von Steinen und Beton mit Arbeiten von Anna Fiegen, Sandra Ratkovic und Pjotr Filin.  Die Ausstellung zeigt Malerei und Photographie zum Thema Ästhetik in der Architektur im weitesten Sinne. Einladungskarte zur Ausstellung Von Steinen und Beton Vernissage: Samstag, 23. Februar 2019, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 23. Februar– Sonntag, 31. März 2019   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Z22 – Anna Fiegen, Sandra Ratkovic und Pjotr Filin Anna Fiegen, Sandra Ratkovic + Pjotr Filin – Galerie Z22 | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – ART at Berlin        

bis 13.04. | #2363ARTatBerlin | EFREMIDIS GALLERY zeigt ab 26. Februar 2019 die Einzelausstellung APPLESAUCE des Künstlers Feiko Beckers. Efremidis Gallery freut sich, die erste Einzelausstellung des niederländischen Künstlers Feiko Beckers in Deutschland zu präsentieren. Feiko Beckers wird als Philosoph beschrieben, der sich auf das Konzept der Banalität spezialisiert. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich mit banalen Fragen, die er sich selbst stellt. ‘Warum besitze ich kein Sofa? Wie lange dauert es, einen Donut zu essen? Soll ich meinen Freund zu meinem Lieblingsitaliener in Paris einladen?’ Diese Fragen bilden die Basis für Diskussionen, die der Künstler mit verschiedenen Gesprächspartner*innen führt, wie etwa mit der unsichtbaren Stimme in „Maintenant“, mit seinem Freund in „A conversation is a risk to lose your own opinion“, oder mit den unbekannten Betrachter*innen seiner Werke. Diese Gespräche enthüllen letztlich die Tragweite der zunächst banal erscheinenden Ermittlungen. Nämlich: Ist diese Aktion meine Zeit wert? Wie strukturiere ich meinen Tag? Was legitimiert meine Handlungen? Feiko Beckers, Maintenant, 2017, HD Video, 9´56“, Ed 2/3 + 2 AP Albert Camus konstatierte, dass Individuen die Absurdität menschlicher Existenz akzeptieren sollten, allerdings ohne sich dabei von der Suche und Erkundung von Sinnhaftigkeit abbringen zu lassen. In seiner Arbeit sucht Beckers nach logischen Lösungen […]

bis 23.02. | #2360ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab zeigt derzeit die Ausstellung The Sceptical Chemist mit Werken des Künstlers Raul Walch. Der skeptische Chemiker* führt sein Leben undokumentiert. Die Figur ist beides: Reaktionär vom Wesen her und Lebensgeist. Sie beobachtet aus einem Blickwinkel, den andere niemals von sich aus einnehmen würden. Der skeptische Chemiker ist kein Rädchen im Getriebe, sondern der Gärtner des Rhizoms. *** Raul Walch ist der skeptische Chemiker, er ist aber auch Künstler, Betrachter und Ethnograf. Seine Installationen künden von seiner ureigensten Sicht auf eine von ihm selbst geschaffene Welt. Man kann sie ebenso als Traumwelt wie als Archiv betrachten. In seinen neuen Werken eröffnet er dem/der Betrachter*in endlos fließende Perspektiven auf geheime Regionen, kreuz und quer verflochtene Stofftücher sind der wesentliche Bestandteil dieses neuen Grenzbereichs. Die eintönigen spanischen Plastikkonstruktionen verbergen diskret die urbane Pipeline von Spanien nach Deutschland für das massenproduzierte Wintergemüse. Ein monumentales Feld aus weißem Plastik überzieht die Südspitze Spaniens. Versteckt, aber mittels Google Earth trotzdem erkennbar. Kein Mensch ist in Sicht. Walch findet auf seiner Pilgerreise in eine andere Welt nur die Worte Death King „Earth Warriors“. Jenseits des Tors zu dem, was wir heute als unser Leben kennen, liegt ein tiefer gehendes […]

bis 09.03. | #2357ARTatBerlin | Galerie Buchholz präsentiert ab 8. Februar 2019 die Ausstellung From “THE HOUSE THAT went to TOWN” des Künstlers Andy Warhol. Vernissage: Freitag, 8. Februar 2019, 18:00 – 20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 8. Januar – Samstag, 9. März 2019   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Buchholz – And Warhol Ausstellung Andy Warhol – Galerie Buchholz | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 09.03. | #2354ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte zeigt derzeit die Ausstellung Sound Field mit Zeichnungen des Künstlers Dieter Appelt. Seit dem 25. Januar präsentiert die Galerie Thomas Schulte unter dem Titel Sound Fields neue Zeichnungen von Dieter Appelt. Sein komplexes Werk, in das essentielle visuelle, körperliche und musikalische Erfahrungen und Überlegungen einfließen, zeigt Appelts fortwährende Beschäftigung mit Themen wie Aufzeichnung, Sequenz, Wiederholung und Beobachtungen von Raum und Zeit. Dieter Appelt / Partitur No. 27B, 2018 / ink drawing / 70 × 50 cm / 27 1/2 × 19 2/3 in Parallel zeigt Galerie Thomas Schulte im Corner Space der Galerie den Künstler Hamish Fulton. Vernissage: Freitag, 25. Januar 2019, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 26. Januar – Samstag, 9. März 2019   Ausstellung Dieter Appelt – Galerie Thomas Schulte | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 08.04. | Kunsthaus Dahlem zeigt derzeit die Ausstellung INSIDE OUT mit Plastiken, Wandobjekten und Reliefs der Künstlerin Tatjana Schülke. Räumliche Kompositionen und skulpturale Werke prägen das künstlerische Schaffen von Tatjana Schülke. Im Mittelpunkt steht dabei das Material als Ausdrucksmittel und dessen haptische sowie visuelle Erfahrbarkeit für den Betrachter. Aus einer ursprünglichen Nutzungszuweisung herausgenommen, widmet Schülke Werkmaterialien wie Nägel, Röhren oder Baustoffe um und erlaubt so neue Interpretationsmöglichkeiten ihrer Bedeutungen. Assoziativ kann sich der Betrachter dem skulpturalen Objekt nähern und sich den sinnlich taktilen Reizen hingeben. Das Resultat ihrer Auseinandersetzung mit Material, Form und Oberfläche sind fein komponierte skulpturale Objekte. TATJANA SCHÜLKE, limited, 2015, Styrodur, Metall, Holz, Pigmente, 57 x 57 x 57 cm Die Ausstellung „Inside Out“ zeigt 15 jüngere Werke, darunter hang out, limited und start up. Die Arbeiten verdeutlichen auf unterschiedliche Weise die Experimentierfreudigkeit  der Künstlerin. Elementar ist dabei neben dem Verhältnis zwischen Material, Form und Oberfläche die Spannung zwischen Innen- und Außenwirkung. Bedingt durch die verfremdeten Materialien wirken die skulpturalen Gebilde aus sich selbst heraus in den Raum hinein. Vertiefungen wie bei der Urkugel II oder Undercover gewähren Einblicke in ein Innenleben, die das Geheimnis ihrer Stofflichkeit jedoch für sich behalten. So entstehen Wahrnehmungs- und Erfahrungsräume, die […]

bis 16.03. | #2350ARTatBerlin | Semjon Contemporary zeigt ab 8. Februar 2019 die Ausstellungen „Spatial Strategies“ des Künstlers Colin Ardley und „Tafelbild – Bildtafel“ des Künstlers Klaus Steinmann. Colin Ardley wird in Spatial Strategies Wandobjekte und ein Modell für eine Bodenskulptur vorstellen. Klaus Steinmann zeigt in Tafelbild – Bildtafel Werke aus dem Bereich der Malerei. Das Foto bietet einen Einblick in beide Ateliers der gezeigten Künstler. Links eine Ateliersituation bei Colin Ardley (Foto: Ariane Flick), rechts eine Ateliersituation bei Klaus Steinmann (Foto: Semjon H.N. Semjon): Vernissage: Freitag, 8. Februar 2019, 19.00 – 21.30 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 8. Februar bis Samstag, 16. März 2019   Bildunterschrift: Atelier Colin Ardley – Foto links: Ariane Flick | Atelier Klaus Steinmann – Foto rechts: Semjon H.N. Semjon Ausstellung Colin Ardley + Klaus Steinmann – Semjon Contemporary | Zeitgenössische Kunst in Berlin – Contemporary Art – Ausstellungen Berlin Galerien – ART at Berlin  

verlängert bis 28.04. | #2347ARTatBerlin | KOW präsentiert ab 2. Februar 2019, als letzte Ausstellung in den Räumlichkeiten der Galerie, die Einzelausstellung OSTALGIE der Künstlerin Henrike Naumann.   Henrike Naumanns erste Einzelausstellung bei KOW, mit der sich die Galerie zugleich nach zehn Jahren aus ihren Räumen in der Brunnenstraße 9 verabschiedet, widmet sich den historischen Dimensionen einer besonderen Ausprägung von Nostalgie: der Ostalgie. Schon der Ausstellungsraum selbst beinhaltet eine nostalgische Geste: Die in der Architektur von Arno Brandlhuber konservierte Baulücke, die bei Google Street View noch immer besichtigt werden kann und aus der 2009 die Galerieräume von KOW entstanden, verweist auf ein untergegangenes Berlin-Mitte. Das Nebengebäude, das von einem Multimillionär anlässlich des 20. Jahrestages des Mauerfalls zynisch mit dem Spruch „Dieses Haus stand früher in einem anderen Land“ beschrieben wurde, markiert eine fast schon feindliche Erinnerungsaneignung. Wie jedes andere Gefühl im Kapitalismus wurde auch die Ostalgie ökonomisiert. Henrike Naumanns neue Videoarbeit Die Monotonie des Yeah Yeah Yeah (Walter Ulbricht), eingebettet in das Originalmobiliar eines brandenburgischen Schuhladens der 90er Jahre, widmet sich dem Zusammenhang der Vermarktlichung von Erinnerung und der Konstruktion einer neuen ostdeutschen Identität. Es geht um die Geburt der Ostdeutschen aus dem Beat der Ostalgie-Parties. Deren Erfinder, Ralf Heckel, […]

bis 06.04. | #2345ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin zeigt ab 1. Februar 2019 die Einzelausstellung CUTS der Künstlerin Astrid Klein. Zentral für die Arbeiten der Künstlerin Astrid Klein ist die Reflexion von Repräsentationsmechanismen, (visuellen) Stereotypen sowie Machtstrukturen, die sowohl unsere Wahrnehmung als auch unser Denken lenken und bestimmen. In ihrer Ausstellung bei Sprüth Magers führt Astrid Klein in dialogischer Gegenüberstellung Werke zusammen, die sich sowohl in ihrer formalen als auch inhaltlichen Ausrichtung gedanklich zueinander in Bezug setzen lassen. Astrid Klein, CUT II, 1986/1996 © Astrid Klein  Sie wirft in den künstlerischen Arbeiten einen ordnenden Blick auf die sie unmittelbar umgebende Gegenwart, indem sie nicht nur physische, sowie psychologische und kulturelle Räume reflektiert, sondern auch verschiedene Parameter, die Wissensbildung und Erkenntnisgewinn bestimmen, in das Blickfeld der Betrachter_innen rückt. Vernissage: Donnerstag, 31. Januar 2019, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 1. Februar –  Samstag, 6. April 2019   Bildunterschrift: Astrid Klein, CUT II, 1986/1996 © Astrid Klein Ausstellung Astrid Klein – Sprüth Magers Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien Berlin | ART at Berlin

bis 08.02. | #2341ARTatBerlin | Michaela Helfrich Galerie zeigt ab 26. Januar 2019 die Gruppenausstellung Charlottenburger Hängung mit Werken von 27 Künstlerinnen und Künstlern. „Eine Petersburger Hängung meint nicht nur eine kollektive Hängung, sondern wird hierzulande auch qualitativ und quantitativ betrachtet. Übersetze ich das für unsere neue Ausstellung, könnte man auf Augenhöhe mit der Kunst zu sprechen kommen, denn Kunst wird üblicherweise an Wänden verteilt. Dieses Vorgehen bestimmt dann auch eines seiner kuratorischen Platzierungsmerkmale von selbst: wertfrei vermischt sich junge und etablierte Kunst auf jeder erreichbaren Wandfläche und wird hier im Bezirk somit zur „Charlottenburger Hängung“. In Berlin erwartet man erstmal nichts, in Petersburg schon immer viel. Das Auge muss schmerzen, nichts passt und die „Charlottenburger Hängung“ wird zum authentischen Kunsterlebnis.“ – Michaela Helfrich Ausstellungsansicht Gerard Waskievitz Teilnehmende Künstler*innen: Gerard Waskievitz, Pina Rath, Simon Rosenthal, Jutta Kritsch, Jens Kloppmann, Simon Czapla, Nanako Shikata, Ulrike Pisch, Thomas Gatzemeier, Oliver Dehn, Gilbert Brohl, Pola Polanski, Horst Kistner, David D. Lauer, Stephan Seitz, Fabian Freese, Thomas Jüptner, Christina Gay, Stephan Paul Schneider, Bernhard Ailinger, Roland Behrmann, Andreas Koch, Oliver Estavillo, Lucas Oertel, Eva Maria Horstick, Heike Mardo, Jan Ziegler. Vernissage: Samstag, 26. Januar 2019, 18:00 bis 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Samstag, 26. Januar 2019 bis Freitag, […]

bis 09.03. | #2338ARTatBerlin | Galerie Barbara Weiss zeigt ab 26. Januar 2019 die Ausstellung A Fatal Attraction mit Werken von sieben Künstlerinnen und Künstlern. Teilnehmende Künstler*innen: Eva Barto Maria Eichhorn Richard Frater Jonathan Horowitz Samuel Jeffery Yuki Kimura Karin Schneider Vernissage: Freitag, 25. Januar 2019, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 26. Januar – Samstag, 9. März 2019   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Barbara Weiss Ausstellung A Fatal Attraction – Galerie Barbara Weiss | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 09.03. | #2335ArtatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin zeigt ab 19. Januar 2019 die Ausstellung „An Island of Truths“ mit der Künstlerin Maha Ahmed. In ihrer ersten Einzelausstellung „An Island of Truths“ in der Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin untersucht die pakistanische Künstlerin Maha Ahmed den Einfluss des „Othering“ – der Distanzierung und Differenzierung einer Gruppe von Anderen – auf ihre scheinbare Wahrheit und die Konstruktion des Selbst. Ihre komplexen, beinahe überirdischen Visionen von fantastischen Kreaturen und fernen Welten bieten eine eindringliche Reflexion über ihre persönlichen Isolationsgefühle während einiger Jahre, die sie in Tokio verbrachte und darüber, wie wir Kulturen wahrnehmen, die sich von unseren eigenen unterscheiden. Ahmed träumt imaginäre Welten, in denen ihre Charaktere – oft mythische oder hybride Kreaturen – in einer gewissen Weise im Widerspruch zu ihrer Umgebung und den anderen Bewohnern stehen. Die eigentlich geringen Unterschiede bewirken, trotz der gemeinsam geteilten Umgebung, eine eindringliche Trennung zwischen ihnen. „Meine Bildsprache kommt aus der eigenen Erfahrung, sich anders zu fühlen. In Japan ist der Sitz neben mir im Zug immer zuletzt besetzt gewesen, da ich deutlich anders aussehe.“ erzählt Ahmed. „Auch in meinen Bildern sind die kleinen Kreaturen offensichtlich andersartig; ich versuche nicht, etwas Negatives oder Hässliches aus ihnen […]

bis 02.03. | #2332ARTatBerlin | Galerie Born Berlin präsentiert ab 18. Januar 2019 die Ausstellung „Ogham“ des Künstlers John Noel Smith.  Die Gemälde handeln von Farben und Mustern, nähren sich aber ebenso aus der Welt selbst, aus den Formen der Natur, den Knoten, und jenen Gebilden, die in Erscheinung treten, wenn man natürliche Strukturen aus der Nähe oder mit mikroskopischen Mitteln untersucht, aus Wel­len und kleinsten Teilen. Und sein Werk nährt sich aus der Idee von Verbindung und Durch­­brechung, aus dem Aufeinanderstoßen oder Kreuzen der geraden und der gewölbten Linie, der Farbe, die mühelos zu benennen ist, und der Schattierungen innerhalb von Schat­tierungen, die viel schwerer auszumachen sind und auf die das Nervensystem mit Unbehagen reagiert. John Noel Smith Einige dieser Spuren wirken geradezu menschlich, wie die Wirbel und ausgeklügelten Muster in frühen irischen illuminierten Manuskripten, wie Muster in alten Steinskulpturen oder Zeichen, die Kultur oder Natur in der Landschaft hinterlassen haben. Sie verkörpern oder dramatisieren auch das menschliche Ringen um Spannung einerseits und Ruhe andererseits, zwischen dem Gewundenen, Geladenen einerseits und Ergebenheit, Hingabe andererseits. Colm Tóibín Vernissage: Donnerstag, 17. Januar, 18:00 – 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Freitag, 18. Januar bis Samstag, 2. März 2019   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Born Berlin – John […]

bis 16.02. | #2329ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin präsentiert ab 17. Januar 2019 die Einzelausstellung Odes To Relics der Künstlerin Melora Kuhn. Melora Kuhn präsentiert ihre erste Skulpturenausstellung. Sie besteht hauptsächlich aus Frauenköpfen, geformt aus Keramik und von den Körpern gerissen, abgestützt und liegend, zerbrechlich und labil ausbalanciert. Die Augen sind geschlossen, so kann man die Trümmer anstarren, ohne den Figuren in die Augen sehen zu müssen. Auf den ersten Blick erscheinen die Skulpturen wie antike Überreste, dargeboten wie in einem Museum. Zerbrochene Einzelteile, zusammengesetzt und mit einschlägigen Jahreszahlen versehen wie MCMLXXI. Das Publikum sieht versteinerte Geschichte, im Gedächtnis eingefroren und einem Zustand dauerhafter Unordnung preisgegeben wie die verschmierten Lippen von Kopf MCMLXXXIV, so, als hätte gerade eine Hand die dunkelrote Schminke vom Mund einer Dirne abgewischt. Bei Kopf MMVIII fehlt der Schädel. Leer steht er da, gehalten von einem Eisengestell, und verweist auf Denkstrukturen, die eine Fassade stützen. Melora Kuhn, MCMLXXXIV, 2018, Keramik, glasiert, 22,9 x 30,5 x 22,9 cm, Foto: Chris Kendall Laut Definition dient eine Ode der Lobpreisung oder lenkt dichterisch die Aufmerksamkeit auf etwas Besonderes. Relic bezeichnet im Englischen eine Reliquie, also die sterblichen Überreste oder Kleidungsstücke eines Heiligen, aber auch ein Relikt, ein Objekt von sentimentaler oder historischer Bedeutung. Mit […]

bis 16.03. | #2326ARTatBerlin | Robert Morat Galerie präsentiert ab 19. Januar 2019 die Ausstellung Kleinstadt des Fotografenpaars Ute und Werner Mahler. „Das Thema interessiert uns schon lange. Wir haben uns auch in unseren vorigen Arbeiten mit Vorstädten und unaufgeregten Orten beschäftigt. Wir wollten Städte besuchen, die in keinem Reiseführer stehen und die zu weit von der Autobahn entfernt sind, als dass Menschen sie auf der Durchreise durchqueren würden. Diese Orte sind Biotope, in denen das Leben übersichtlich erscheint. Wo es große Gemeinschaft gibt, aber auch starke soziale Kontrolle. Da, wo es keine Attraktionen gibt, werden die Kleinigkeiten spannend.“ Ute Mahler im Gespräch mit dem ZEIT Magazin. Kleinstadt #01, 2016 Ute und Werner Mahler (geb. 1949 und 1950), waren Schlüsselfiguren der Fotografie in der DDR und haben nach der Wende die renommierte Fotografenagentur Ostkreuz mitbegründet. Nachdem beide jahrzehntelang unabhängig voneinander erfolgreiche Karrieren verfolgt haben, legte das Ehepaar im Jahr 2011 eine erste gemeinsame Arbeit vor, die schwarz-weiße Portraitserie „Monalisen der Vorstädte“. Im Jahr 2014 folgte ein zweites Gemeinschaftsprojekt, „Die seltsamen Tage“, eine Serie großformatiger Landschaftsstudien. Kleinstadt #23, 2016 Nun präsentiert das Paar ein neue gemeinsame Arbeit und seine dritte gemeinsame Publikation, „Kleinstadt“ (Hartmann Projects), eine Expedition ins deutsche Hinterland. Ein […]

bis 10.03. | #2322ARTatBerlin | Haus am Lützowplatz präsentiert ab 17. Januar 2019 die Ausstellung „Burning Man – Electric Sky“ des Künstlerpaars Römer + Römer. Das in Berlin lebende Künstlerpaar Römer + Römer zeigt im Haus am Lützowplatz unter dem Titel „Burning Man – Electric Sky“ eine neue Werkserie, die das Kunstfestival Burning Man zum Gegenstand hat. Die Ausstellung besteht hauptsächlich aus nächtlichen Motiven, in denen sich die Black Rock Desert im US-Bundesstaat Nevada in eine von tausenden künstlichen Lichtquellen erhellte Scheinwelt verwandelt. Die zum Teil sehr großformatigen auf Leinwand gemalten Bilder entstanden auf der Grundlage einer im Jahr 2017 vorgenommenen Recherchereise, Römer + Römer, Black Rock Bandits Raccoon, 2018, Öl und Acryl auf Leinwand, 230 x 300 cm Die seit 1998 zusammen lebenden und arbeitenden Künstler Nina und Torsten Römer (*1978 in Moskau und *1968 in Aachen) haben sich an der Düsseldorfer Kunstakademie kennen gelernt und wurden dann dort gemeinsam Meisterschüler von A.R. Penck. Ihr künstlerisches Schaffen beruht auf der Übertragung von selbst aufgenommen Fotografien in großformatige Tafelbilder, gegenüber denen sich die Betrachter sowohl rein sinnlich als auch medienreflexiv positionieren. Das indexikalische Prinzip der Fotografie, also die im fotografischen Akt eingeschriebene Bezeugung eines Dagewesenen, wird im Werk von Römer + Römer verschränkt mit der […]

bis 08.03. | #2319ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 25. Januar 2019 die Ausstellung Christian Rickert – Meister der Lichtdramatik mit Zeichnungen und Fotografien des Künstlers. Zum ersten Mal präsentieren wir neben Zeichnungen das fotografische Werk von Christian Rickert. Bis zu seinem Rückzug aus dem öffentlichen Kunstgeschehen im Jahr 1986 zählte Rickert nicht nur zu den herausragendsten Zeichnern Berlins, sondern war auch international bekannt und stellte unter anderem mit Baselitz, Beckmann, Beuys, Chagall, Chillida, Hockney, Hrdlicka, Janssen, Mirò, Picasso, Pollock, Richter, Tàpies, Vasarely oder Wols aus. Seine Kunst hat Christian Rickert aber auch nach seinem Rückzug kontinuierlich in seinem Grunewalder Atelier weiterentwickelt. Mit noch nie öffentlich gezeigten Werken entdeckt die Ausstellung das Werk des Künstlers neu und legt einen Schwerpunkt auf Arbeiten der 80er Jahre bis heute. Dr. Wolfgang Köppe Christian Rickert – Studie für ein Portrait Max Beckmann, 4.III-9.V.1983, 59,4 x 42 cm, Bleistift auf Papier In den 1960er bis 1980er Jahren machte Christian Rickert Schlagzeilen. Mehrfach wurde der Berliner für seine virtuos-furiosen Zeichnungen mit ihren sozialkritischen Themen ausgezeichnet. 1970 erhielt er den renommierten Ruhrpreis. Bald galt er im Kontext der kritischen Berliner Realisten in der Gruppe so exzellenter Zeichner wie Wolfgang Petrick, Peter Sorge oder Hans Jürgen Diehl als […]

bis 22.04. | #2316ARTatBerlin | me Collectors Room Berlin präsentiert ab 15. Februar 2019 die Ausstellung ZOO MOCKBA – Spielzeugtiere aus der Sowjetunion – 1950 bis 1980 – Die Sammlung Köpcke & Weinhold. „ZOO MOCKBA – Spielzeugtiere aus der Sowjetunion“ zeigt mit rund 100 Werken von elf KünstlerInnen eine exemplarische Auswahl von originalen Spielzeugtieren aus der Sowjetunion aus den Jahren zwischen 1950 bis 1980. Die Spielfiguren stammen aus der mehr als 400 Objekte umfassenden Sammlung Köpcke & Weinhold und sind vom 15. Februar bis zum 22. April 2019 in der Lounge des me Collectors Room Berlin zu sehen. Anonym, Lew Smorgon, Valeri Kotow, Evolution, 1960er Jahre, Plastik © Köpcke und Weinhold Im Russland der Zarenzeit gab es keine eigene Spielwarenindustrie. Wer es sich leisten konnte, verwöhnte seine Kinder mit Puppen und Spielzeug aus deutscher und französischer Produktion. Die Spielsachen der breiten Masse waren individuelle Handarbeiten, aus Holz geschnitzt, aus Ton geformt. In ihnen spiegelt sich die traditionelle Volkskunst, die vielfach bis heute unser Bild von russischem Spielzeug und russischer Kultur im Allgemeinen prägt. Als dann ab den 1930er Jahren auch in der Sowjetunion die ersten industriell gefertigten Spielwaren vom Band liefen, orientierten sich diese an internationalen Vorbildern. Nach dem Zweiten Weltkrieg […]

bis 09.03. | #2313ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte zeigt ab 25. Januar 2019 im Corner Space der Galerie die Ausstellung A Walking Artist des Künstlers Hamish Fulton. UPCOMING Dieter Appelt 26 January to 9 March Hamish Fulton (Corner Space) 26 January to 9 March   „I describe myself as ‘a walking artist’. Walking art is the bringing together of two entirely separate activities, walking and art. I transform ideas into experienced realities. If I do not make a walk I cannot make any art. I am an artist who walks, not a walker who makes art. Not every artist enjoys walking and not every walker is tolerant of contemporary art. An artwork may be purchased, but my walks cannot be sold, stolen or re-produced by artificial intelligence. An artwork cannot re-present the experience of a walk. My walks range from multi-week solo camping treks to short communal urban walks involving up to several hundred participants. Every piece of art I materialise contains a walk text. I make art exclusively from walks that I have personally experienced. When the walk has been completed, the text can be written. The facts of the walk cannot be altered, but as time passes the walks […]

bis 21.12. | #2310ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 15. Dezember 2018 die Einzelausstellung One-single-artwork-show #8 mit einer Arbeit der Künstlerin Joanna Jones. Ganz herzlich möchten wir Sie zur One-single-artwork-show # 8 (Do-Sa 15-18 Uhr geöffnet) einladen, bei der ein abstraktes Gemälde der britischen Malerin Joanna Jones im Zentrum steht. Mit dieser Ausstellung verabschieden wir uns in die Winterpause. Joanna Jones Untitled, 210  x 160 cm, acrylic on canvas, Foto Gilla Loercher Fasziniert von einer die Malerei mit Performance verbindenden Kunstform und interessiert an der Verbundenheit von Dingen, Gedanken und unvermuteten Begebenheiten hat Joanna Jones über den Zeitraum von mehreren Dekaden eine künstlerische Arbeitsweise und einen performativen Prozess in ihrer Malerei entwickelt, bei dem sie ihren Körper als Medium nutzt und Malerei auf die Ebene des Ereignishaften bringt. Die britische Künstlerin Joanna Jones lebt und arbeitet in Dover (UK). Nach dem Northwich College of Art setzte sie ihr Studium in London an der Byam Shaw School fort. Jones hat ein National Diploma of Design in Malerei vom Goldsmith`s College und schloss ihr Malerei-Studium in 1970 an der Royal Academy Schools ab. Joanna Jones erhielt zahlreiche Preise und Stipendien für ihre künstlerische Arbeit, so z.B. erhielt sie in 1969 den […]

bis 12.04. | #2307ARTatBerlin | Galerie Kornfeld präsentiert zum Bauhausjahr ab 17. Januar 2019 die Einzelausstellung Thin Lines des Künstlers Jan Tichy. Anlässlich des 100jährigen Jubiläums der Gründung des Bauhauses 1919 präsentiert die Galerie Kornfeld die zweite Einzelausstellung des in Chicago lebenden Künstlers und Dozenten Jan Tichy. Parallel zur Einzelausstellung in der Galerie hat Jan Tichy eine Gruppenausstellung für 68projects, den Projektraum der Galerie Kornfeld auf der gegenüberliegenden Straßenseite, kuratiert. Die beiden Ausstellungen ergänzen sich und setzen seine Auseinandersetzung mit den Ideen des Bauhauses fort. In seinem Text „Social Formalism“ (2017) erläutert Jan Tichy, dass seine Werke den Ort besetzen, an dem Formen mit ihren äußeren Gegebenheiten kollidieren. Mit dem Begriff„Social Formalism“ (Sozialer Formalismus) lässt sich eine sozial bewusste, künstlerische Praxis beschreiben, die auf eine formalistische Bildsprache zurückgreift. Der Künstler arbeitet vielfach mit archivbasierten Inhalten, um Verbindungen zwischen historischen Ebenen und Werten mit zeitgenössischen Themen herzustellen. Basierend auf diesen Methoden realisierte er 2016 die AusstellungWeight of Glass in der Galerie Kornfeld. Darin reflektiert er die Flucht der Fotografin Lucia Moholy aus Berlin im Jahr 1933 und den daraus resultierenden Verlust ihres Werks mit dem Schicksal heutiger Flüchtlinge. Installation no. 30 (Lucia) wird im Januar im Rahmen des Eröffnungsfestivals Bauhaus 100 […]

bis 20.12. | #2305ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab zeigt derzeit die Gruppenausstellung CHEERS mit Werken von Künstler*innen der letzten 12 Monate. Wird das eigentlich immer schlimmer? Das Gefühl, dass das Jahr nur so an einem vorbeigerauscht ist? Wir im Lab sind mit unseren Gedanken noch bei den lauen Sommerabenden, die doch eigentlich versprachen, nie richtig aufzuhören. Und plötzlich sind wir im November. Die meisten machen einfach so weiter wie gehabt, schlittern ins neue Jahr hinein – oft ohne zu wissen, was heute ist und was gestern war. Nicht mit uns! Wir wollen das Jahr Revue passieren lassen: CHEERS ist eine Gruppenausstellung, die Arbeiten der Künstler*innen zeigt, mit denen das Lab in den letzten 12 Monaten Projekte realisiert hat. Die Körperlichkeit zwischen dem Digitalen und dem Analogen, die Anfänge der Medien-Kunst, der Künstler als Influencer – all diese Themen werden jetzt noch einmal aufgerollt. Das Lab vertritt eine Künstler*innen-Generation, die das Hier und Jetzt widerspiegelt. Und wenn man das Hier und Jetzt von einem ganzen Jahr betrachtet, dann kommt einiges zusammen. Wir wollen das Chaos feiern – vielleicht, um auch einen klareren Überblick zu schaffen: Was war los in diesem Jahr? Was hat die Menschen beschäftigt? In den nächsten Wochen lädt das Lab […]

Seit dem ersten Adventswochenende stimmt das Museum Europäischer Kulturen (MEK) in Berlin-Dahlem mit einem vielfältigen Ausstellungs- und Veranstaltungsprogramm Groß und Klein auf die diesjährige Weihnachtszeit ein. Das MEK verwahrt in seiner Sammlung zahlreiche herausragende Objekte rund um das Weihnachtsfest. Neben dem mechanischen Weihnachtsberg aus dem Erzgebirge, der das ganze Jahr über in der ständigen Sammlungspräsentation zu bestaunen ist, nimmt das MEK in seiner aktuellen Sonderausstellung Sterne in den Fokus: „Sterne – nicht nur zur Weihnachtszeit“ widmet sich dem Stern als Himmelskörper, als mathematischer Figur, als religiösem Symbol und als Ornament. Die Ausstellung bringt bekannte Weihnachtssterne wie den Herrnhuter Stern oder den Sebnitzer Stern zum Leuchten und erklärt ihre Herstellung und Hintergründe. Ein „Sternenpfad“ als Wegweiser verknüpft die Ausstellung mit Objekten in der Sammlungspräsentation. Mechanischer Weihnachtsberg, Detail, Erzgebirge, um 1885, © Staatliche Museen zu Berlin, Museum Europäischer Kulturen / David von Becker   In den kommenden Wochen findet zudem ein vielfältiges Veranstaltungsprogramm statt: Ab dem 1. Dezember 2018 vermitteln Workshops unterschiedliche Techniken, mit denen sich Sterne basteln lassen. Am 2. Dezember 2018 findet ein neapolitanisches Weihnachtskonzert für die ganze Familie statt. Auch zum „Sing-a-long“ am 6. Dezember 2018 sind Groß und Klein herzlich willkommen, bevor am 15. Dezember 2018 die „Erleuchtung“ […]

bis 31.01. | #2299ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi präsentiert ab 18. Dezember 2018 die Ausstellung Tiger and Lion mit Malerei der Künstlerin Xiaohua. Galerie Pugliese Levi freut sich, neue Werke der chinesischen Künstlerin Xiaohua zeigen zu dürfen. Die Künstlerin zeichnet weiterhin durch Nähen auf Leinwand und Papier. Sie führt hier zusätzliche textile Elemente ein, um den Bildraum zu erweitern und um ihren Visionen eine Form zu geben. Die neue Serie “Tiger and Lion” auf Ölmalpapier in intensiven, dunklen Rottönen wird neben großformatigen Arbeiten gezeigt werden. There is a tiger and a lion One speaks the truth the other hears it as a lie And there is also an eagle, between them Then a fable starts. Xiaohua, 2018 Xiaohua,Tiger and Lion, 2018, 23 x 31 cm Xiaohua wurde 1986 in Suzhou, China geboren. Sie studierte am Suzhou Art & Design Technology Institute, arbeitete fünf Jahre lang als Redakteurin, reiste viel und begann 2012 Malerei an der Chinesisch-Deutschen Kunstakademie in China zu studieren. 2013 zog sie nach Berlin, um ihre Studien an der Universität der Künste Berlin (UdK) fortzusetzen. 2016 schloss sie das Studium als Meisterschülerin in Bildender Kunst ab. Xiaohua,Tiger and Lion, 2018, 23 x 31 cm Seit 2012 zeigte Xiaohua […]

bis 09.01. | #2295ARTatBerlin | Galerie mutare zeigt ab 1. Dezember 2018 die Ausstellung „Stadtlandschaften, Installationen und Collagen“ mit Malerei der Künstlerin Kuisoon Park sowie Collagen und Objekten der Künstlerin Ahu Dural. Kuisoon Parks Bilder erscheinen wie eingefrorene Momente, dennoch klar und warm. Sie vermitteln das Gefühl, die Zeit bleibe stehen. Sie lässt sich von ihrer Umgebung inspirieren und sucht nach Räumen, von denen eine angenehme Ruhe ausgeht. Ihre ausdrucksvollen, dennoch minimalistisch wirkenden (Stadt-) landschaften, die sich durch eine Abwesenheit von Menschen auszeichnen, beschreiben Orte, die an der Grenze von Tagtraum und Realität existieren. Mit simplen Skizzen stellt sie die Realität dar. Die Farben und die Formen werden abstrahiert, sodass die Realität am Ende verschwimmt. KUISOON PARK, Olivaer Platz,100 x 120cm, Öl auf Leinwand, 2018 KUISOON PARK, schweben, 40 x 40cm, Öl auf Leinwand, 2018 Ahu Dural absolvierte nach ihrem Studium für Illustratives Zeichnen ein Studium der Performativen Kunst/Bildhauerei, widmete sich seitdem der Dreidimensionalität und fand darin ihr „Medium“. Seither sind es vor allem Installationen und Collagen, mit denen sie ihren raumgreifenden Arbeiten Ausdruck verleiht. Ihre Kunstwerke weisen einen zeichnerischen Zugang auf, ihre Ausführungen erschliessen sich oft über eine grafische Perspektive. Im Fokus des Werks steht bei Ahu Dural stets […]

bis 22.12. | #2251ARTatBerlin | Galerie Kunst am Gendarmenmarkt zeigt aktuell die Ausstellung Neue Bilder aus Paris – Metropolen und Menschen – Moskau, Paris und der Rest der Welt. von Ekaterina Zacharova, kuratiert von Peter Michael Dinter. Sehr verehrte Damen und Herren, liebe Freunde und Gäste der Galerie Kunst am Gendarmenmarkt, wir laden Sie gerne und ganz herzlich ein zur nunmehr schon zweiten Ausstellung von Frau Ekaterina ZACHAROVA in der gkag. In ihrer sehr typischen Malweise, voller Energie, Bewegung Verve und Magie zeigt uns Frau Ekaterina Zacharova ihre neusten Gemälde aus Paris. Und um keine so schillernde Stadt wie Paris ranken sich so viele Vorstellungen und Mythen. Paris, die Stadt der Sehnsüchte, Stadt der Liebe und der Mode. Paris, die Königin mit großer Vergangenheit. Stadt des ständigen Wandels, mit Schattenseiten tief brodelnd und nächtlich verzaubert – gelb, golden glänzend. Zentrum der Macht und Accrochage der Kulturen. Hedonistisch und romantisch, mystisch und enervierend zugleich. Walküre, Dublin, 2011, 100 x 120 cm, Öl auf Leinwand  Dazu präsentieren wir ihnen ausgewählte Arbeiten aus den vorherigen Bilderserien. New York, Havanna, Moskau und Shanghai. Wir freuen uns sehr auf Ihren Besuch sowohl der Vernissage als auch der Ausstellung! Herzlichst Ihr Peter Michael Dinter und das Team von der Galerie Kunst am Gendarmenmarkt. Previev […]

bis 22.12. | #2288ARTatBerlin | WENTRUP präsentiert derzeit die Ausstellung Doppelgänger des Künstlers Karl Haendel. Für mehr Infos zur Ausstellung wechseln Sie mit nur einem Klick zur englischsprachigen Version von ART@Berlin, denn die Galerie hat uns bisher nur eine englische Ausstellungsbeschreibung zur Verfügung gestellt. Das geht ganz einfach: In der rechten oberen Ecke sehen Sie einen Sprachbutton – richtig, die kleine Flagge. Dort können Sie auf so gut wie jeder Seite von ART@Berlin zur englischsprachigen Version wechseln – und wieder zurück. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. Sollten Sie ausnahmsweise mal auf der Startseite landen, existiert in dem Fall keine Übersetzung. See you in a second! Vernissage: Freitag, 16. November 2018, 18:00 bis 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 17. November – Samstag, 22. Dezember 2018   Bildunterschrift: Courtesy of WENTRUP – Karl Haendel Ausstellung Karl Haendel – WENTRUP | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 18.01. | #2289ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 30. November 2018 die Ausstellung Black Nymphéas des Künstlers Arno Bojak. Arno Bojak, 1974 in Wuppertal geboren, studierte von 1994 bis 2000 Malerei an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Markus Lüpertz. Seinen Gemälden legt er sorgfältige Beobachtungen des Alltags und des Zeitgeschehens zugrunde. Als zentrales Thema konzentriert sich das Werk des seit 2001 in Berlin lebenden Künstlers auf das Bild des Menschen. Diese Fokussierung hat er auch in seiner neuen, 2018 entstandenen Bildserie beibehalten. Schwere Sonne – Die Pisserein, 190 x 160 cm, 2018, Acryl auf Nessel Bojaks Gemälde entstehen aus einem Mix an Bezügen – etwa zur Kunstgeschichte, zur Literatur, zu Märchen, Sagen und Kinderbuchillustrationen, zum Comic oder zum Genre des Fantastischen Films. Wie schon in früheren Bildern sind häufig Kinder dargestellt. Kinderfiguren fungieren in Bojaks Werk schon immer als Archetypen. Sie stehen stellvertretend für die Spezies Mensch. Sommerloch, 160 x 145 cm, Acryl auf Nessel, 2018 Es fällt auf, dass sich die Menschenbilder in den jüngsten Werken verändert haben. Es sind nicht mehr die umtriebigen coolen Kids und heimtückischen kleinen Monster im kindlichen Milieu dargestellt, sondern Jugendliche in der Adoleszenz. Die Figuren sind also ganz unverkennbar älter geworden. Aber es […]

bis 26.01. | #2284ARTatBerlin | Buchmann Galerie zeigt ab 17. November 2018 die Ausstellung Sculpture des Künstlers Tony Cragg. Die Buchmann Galerie freut sich eine Ausstellung mit neuen Skulpturen und Zeichnungen von Tony Cragg anzukündigen. Eine monumentale, 2,40 Meter hohe Skulptur aus der neuen Werkgruppe Skulls im vorderen Ausstellungsraum beeindruckt durch die komplexe Verschränkung des Innen- mit dem Aussenraums. Das ganze Volumen, der aus Schichtholz aufgebauten Arbeit, ist durchdrungen von zahllosen eng aneinander liegenden und teilweise ineinander verschlungenen röhrenartigen Formen. Sie öffnen einen überraschenden Blick in das tiefe Innere der Skulptur. Schaumähnlich und doch Solidität vermittelnd, evoziert die Arbeit organische Formen, deren Inneres das Äußere hervorbringen. Tony Cragg führt dazu aus: „Es gibt ein ungemein reales Bedürfnis des Betrachters hinter die Oberfläche zu sehen, und zu erkennen, dass alle Formen, die wir erblicken mit den größeren und grundlegenderen äußeren und inneren Kräften in Verbindung stehen aus denen sie bestehen.“ Die Werkgruppe Hedges, inspiriert von Tony Craggs Kindheitserinnerungen an die Heckenlandschaften der englischen Heimat des Künstlers, besteht aus filigranen blatt- und lamellenartigen Formen. Die rotbraune matt schimmernde Patina des Stahls trägt zu den Naturassoziationen bei. Bei genauer Betrachtung wird deutlich, dass die Formen in ihrer Spannkraft, wie auch in ihrer Anordnung, synthetisch sind – […]

bis 22.12. | #2280ARTatBerlin | König Galerie (Nave) präsentiert ab 24. November 2018 die Einzelausstellung I can see forever des Künstlers Jeremy Shaw. Ich glaube, dass er Zugang zu einem Bewusstseinszustand hat, der unseren weit überschreitet. Das bedeutet nicht, dass dieser Zustand zwangsläufig völlig andersartig sein muss, es bedeutet vielmehr, dass er in der Lage ist, dort etwas zu entdecken und weite Landschaften erkennen zu können, wo unser Sichtfeld stark eingeschränkt bleibt. – Dr. Daniel Moore, I Can See Forever Jeremy Shaws künstlerische Praxis zeichnet sich durch die Verwendung vielschichtiger Effekte und Erzähltechniken aus, die mit der Wahrnehmung von Wirklichkeit und dem Ausdruck von Ideologien in der zeitgenössischen Kunst, im Film und den Massenmedien einhergehen. Sein jüngster Film I Can See Forever (2018) ist der Abschluss der hochgelobten und vielfach ausgestellten Quantification Trilogy, die mit Quickeners (2014) gefolgt von Liminals (2017) begann. Alle drei Filme erforschen kathartische Praktiken, mit deren Hilfe Bewusstseinszustände, Empfindungen, Ekstase, Glaube, religiöse Inbrunst oder Ausbruchsfantasien dargestellt und gleichzeitig hervorgerufen werden sollen. Es sind diese Extreme subjektiver Erfahrungsräume, die ausgehend von den Sub- und Populärkulturen der 1960er Jahre auch Einzug in die westliche politische Landschaft gehalten haben. Durch ein geschicktes Spiel mit den Erwartungen, die der Betrachter an […]

bis 26.01. | #2271ARTatBerlin | Sexauer Gallery zeigt ab 22. November 2018 die Einzelausstellung METABOLICA von Thomas Feuerstein. Für seine Ausstellung METABOLICA bei SEXAUER wird Thomas Feuerstein eine autonome Kunst-Welt schaffen. Er züchtet Algen in eigens dafür gebauten Skulpturen. Diese karbonisiert er hydrothermal in einem Druckreaktor, der ebenfalls als prozessuale Skulptur in der Ausstellungshalle steht. Mit der gewonnenen Kohle fertigt er Kohlestifte, mittels derer er wiederum die Zeichnungen der Ausstellung schuf. Dieses Vorgehen hat auch einen ökonomischen Aspekt: Hat Feuerstein keine Algen mehr, kann er nicht mehr zeichnen. Alle Ressourcen sind endlich, eine autonome Kunstwelt entsteht. Bei einer weiteren Arbeit züchtete Feuerstein eine Blut-Regen-Alge in einer prozessualen Skulptur und bestrahlte sie auf einem Bildträger mit ultraviolettem Licht. Dadurch verfärbte sich die zunächst grüne Alge rot, trocknete und fand so ihren endgültigen Zustand in dem Bild BLUTREGEN. Mittels biologischer und chemischer Prozesse schafft Feuerstein so eine Kunst-Welt von fesselnder, aber auch irritierender Schönheit. Thomas Feuerstein arbeitet experimentell und universalistisch. Er bezieht sich auf Kulturgeschichte, Philosophie, Literatur, Naturwissenschaft, Ökonomie und aktuelle Wissenschaftsdiskurse sowie Religion und Science-Fiction. Altgriechisches Denken verknüpft er mit der postmodernen Welt, wobei er stets gesellschaftspolitische Fragen in seine Kunst holt. Dabei geht es ihm nicht darum, außerkünstlerische Sachverhalte zu illustrieren, vielmehr reflektiert er die […]

bis 23.12. | #2275ARTatBerlin | Galerie Z22 zeigt ab 10. November 2018 die Ausstellung Greetings from Arcadistan mit neuen Arbeiten von Kai Teichert. Zeitgleich wird im Whitecube die Ausstellung Popolation mit Werken von Eric Massholder präsentiert. Der Künstler Kai Teichert hat den außergewöhnlich sonnigen Sommer 2018 in Berlin in eine Serie von Ölgemälden, die mit provozierender Nacktheit aufwarten, umgesetzt. Seine Figuren baden in Licht und Farbe, entspannt und scheinbar mit aller Zeit dieser Welt. Eine Vorstellung, die so gar nicht dem beginnenden 21. Jahrhundert anzugehören scheint. Kai Teichert – Greetings from Arcadistan (Einladungskarte)  Der Künstler spielt mit zahlreichen kunst- und kulturhistorischen Assoziationen: Lukas Cranachs Jungbrunnen aus dem Jahr 1564 klingt an und die Reformbewegung vom Monte Verità bei Askona in der Schweiz um 1900. Teicherts Badeszenen siedeln sich im arkadischen Sehnen nach Erneuerung und Unschuld an, lassen aber auch politische Anklänge nicht aus: Das wandgroße, zentrale Gemälde unserer Ausstellung betitelt er: “Greetings from Arcadistan”. Dabei verquickt er das alte Arkadien mit unserer globalisierten Wirklichkeit, wobei sich vielschichtige Interpretationen anbieten, die man salopp zu einem Reim verkürzen könnte: “Ganz weit weg ist nebenan, Grüße aus Arkadistan.” Zur Ausstellung erscheint ein 70-seitiges Katalogheft mit Texten von Dr. Sibylle Ehringhaus und Lucia Katharina Orellano […]

bis 26.01. | #2276ARTatBerlin | Kewenig Berlin präsentiert ab 6. November 2018 die Ausstellung Malerei 2003 – 2018 mit Werken des Künstlers Bernd Koberling. Die Ausstellung findet anlässlich des 80. Geburtstags des Künstlers statt. Er wurde am 4. November 1938 in Berlin geboren. KEWENIG freut sich, die Ausstellung »Malerei 2003 – 2018« mit Arbeiten von Bernd Koberling (*1938 in Berlin) anlässlich seines 80. Geburtstages zu eröffnen. Koberling ist einer der bedeutendsten deutschen Maler seiner Generation, dem es während seiner 60-jährigen Karriere immer wieder gelang, seine eigene künstlerische Sprache neu zu erfinden und weiterzuentwickeln. Hierdurch entstand nicht nur ein einzigartiges Werk, sondern auch ein „Vitales Echo“[1] innerhalb seines Umfeldes und einer Generation jüngerer Berliner Künstler. Die erste Ausstellung des Künstlers in den Berliner Räumen der Galerie beleuchtet die letzten 15 Jahre seines Schaffens, in welchen er sich vornehmlich auf seine sogenannten „Plattenbilder“ (1999-2011) sowie auf „Ölbilder“ (seit 2012) konzentriert hat. Wie essenziell die Begegnung mit der Natur für Koberlings Kunst ist, wird schon durch die Titel seiner Arbeiten, wie ,Sonnesonnen’, ,Autumn Heath‘ oder ,Naturblock‘ deutlich. Den Auftakt der Ausstellung bildet ein Raum, der ganz den neuesten Aquarellarbeiten des Malers gewidmet ist. In Wasserfarben – eine Technik, die ihn bis heute stetig begleitet – arbeitete […]

bis 12.01. | #2269ARTatBerlin | Bermel von Luxburg Gallery zeigt ab 15. November 2018 die Einzelausstellung Malerei von 1984 bis 2018 des Künstlers Peter Herrmann. Mit seinen 81 Jahren ist Peter Herrmann ein lebendiges Buch, dessen Seiten dicht beschrieben sind. Peter Herrmann ist ein herrlicher Geschichtenerzähler. Seine Worte, vorgetragen mit seiner ruhigen und sonoren Stimme haben Gewicht, nicht nur am Tisch mit seinen Freunden, sondern auch die wortlose Sprache in seinen Bildern. Die Geschichten seiner Gemälde heben mit einem humorvollen Augenzwinkern häufig das Erlebte im Alltag hervor und sind getränkt von einer direkten und authentischen Ehrlichkeit. Er ist ein unprätentiöser Mensch, das gern verwendete Klischee des in sich gekehrten Künstlers, als ein Außenseiter der Gesellschaft, trifft auf Peter Herrmann definitiv nicht zu. Peter Herrmann bringt uns dazu, die uns gut bekannten, alltäglichen Gegenstände oder vertrauten Situationen mit anderen Augen zu betrachten. Wir schenken ihnen mehr Aufmerksamkeit, als wir es normalerweise täten – so können wir sie ganz neu und unvoreingenommen für uns entdecken. Seine Kaffeemaschinen- und Aschenbecherbilder erinnern mich an die Bierdosen von Jasper Johns von 1960. Ein gewöhnliches Objekt, das plötzlich von einem anderen Blickwinkel aus betrachtet wird. Peter Herrmann, „Zu vier Händen mit Frankenstein und seiner Geliebten“, 90 x […]

verlängert bis 09.02 | #2265ARTatBerlin | EFREMIDIS GALLERY präsentiert ab 24. November 2018 die Gruppenausstellung Content Is A Glimpse. Diese Ausstellung konzentriert sich auf die menschliche Figur und ihre Herangehensweise in der zeitgenössischen Malerei. Fünf Künstler mit unterschiedlichen Hintergründen präsentieren Arbeiten, die die menschliche Figur vor- und oder anderweitig Anspielungen auf den Körper: mit Anna Tuori, David Schutter, Fiona Rae, Jorge Queiroz und Mark Lammert. Installationsansicht Anna Tuori Installationsansicht von links nach rechts: Mark Lammert, Fiona Rae, Jorge Queiroz, David Schutter Fiona Rae, Figure 1l, oil and acrylic on canvas, 183 x 129.5 cm, 2014 Courtesy of Buchmann Galerie and Efremidis Gallery   Ausstellungsdaten: Samstag, 24. November 2018 – Samstag, 26. Januar 2019 – verlängert bis 9. Februar 2019!   Bildunterschrift: Fiona Rae, Figure 1l, oil and acrylic on canvas, 183 x 129.5 cm, 2014 – Courtesy of Buchmann Galerie and Efremidis Gallery Ausstellung Content Is A Glimpse – EFREMIDIS GALLERY | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 01.12. | #2259ARTatBerlin | CAMERA WORK präsentiert aktuell eine Ausstellung des Fotokünstlers, Umweltschützers, Polarforschers und Extremsportlers Sebastian Copeland. Die Galerie CAMERA WORK freut sich, ab dem 20. Oktober 2018 eine Ausstellung des Fotokünstlers, Umweltschützers, Polarforschers und Extremsportlers Sebastian Copeland zu präsentieren. Die Ausstellung umfasst mehr als 30 Arbeiten aus seinem Oeuvre, darunter imposante Großformatfotografien. »Helping people fall in love with their world, is a catalyst to wanting to save it.« – Sebastian Copeland Mit seiner Arbeit verfolgt Sebastian Copeland nicht alleinig die Intention, die Schönheit der Natur zu zeigen. Vielmehr ist es sein Ziel, in den Dialog mit dem Betrachter zu treten und ihn dazu anzuregen, den Ursprung der dargestellten Naturobjekte und den Zusammenhang mit dem Menschen zu hinterfragen. Der Künstler funktionalisiert die Kamera als Erweiterung seines Blickesund seiner Erfahrungen auf den Expeditionen – als Kommunikationsmittel, um die Erhabenheit, die Bedeutung und die Vergänglichkeit der Natur herauszuarbeiten und die Bedrohung desKlimawandels von einer abstrakten zu einer konkreten Gefahr zu erheben. Die Ausstellung zeigt Fotografien eines fernen Naturraumes, der sich auflöst. Dabei arbeitet Sebastian Copeland vor allem die organischen Strukturen und grafischen Formen der Landschaften an den Polen und in Grönland heraus. Die durchdringenden Blautöne und die weißen Oberflächen der […]

verlängert bis 16.03. | #2263ARTatBerlin | Galerie Bastian präsentiert derzeit ihre letzte Ausstellung  – THE TIMES THEY ARE A-CHANGIN‘ mit sieben Künstlerräumen. Als letzte Ausstellung in der Galerie am Kupfergraben präsentiert Galerie Bastian diese Gruppenausstellung mit sieben Künstlern: Mark Alexander, Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Christopher Orr, Paul Wallach, Andy Warhol und Wim Wenders. Im neuen Jahr wird Ulrich Erben die aktuelle Wim Wenders Ausstellung im Erdgeschoss ablösen. „»THE TIMES THEY ARE A-CHANGIN’« (Bob Dylan), Titel unserer Ausstellung, Zitat aus einem Lied Bob Dylans, sagt mehr über Raum und Zeit aus als über ein Künstlerprogramm. Und so verbindet sich die kommende letzte Ausstellung in unserer Galerie Am Kupfergraben mit einem Abschied und einem Neubeginn. Annähernd eine Dekade Arbeit endet an einem wirklich einzigartigen Ort im Kontext der Museumsinsel Berlins. Wir hatten das Glück mit David Chipperfield in einer besonderen Topographie ein viel beachtetes Haus zu bauen; der Mut, dieses Haus zu bauen, verbindet sich jetzt mit der Freude, es als Geschenk der Stiftung Preußischer Kulturbesitz im Januar 2019 zu übergeben. Das Haus wird in einem neuen kulturellen Kontext seine Zukunft selbst bestimmen. Wir werden an einem anderen Ort in Berlin ein neues Haus bauen, die Ausstellungen fortsetzen und zugleich die Tätigkeit […]

bis 03.02. | #2162ARTatBerlin | KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst zeigt ab 30. September die Gruppenausstellung Absurde Routinen der Künstler Louis de Belle, Juno Calypso, Brooke DiDonato, Christoph Grill, Aleksey Kondratyev, Elisa Larvego, Sandra Lazzarini, Pierrick Sorin, Sebastian Stumpf und Ben Zank, kuratiert von CUCO – curatorial concepts berlin e.V. Die thematische Ausstellung Absurde Routinen präsentiert Arbeiten von zehn internationalen zeitgenössischen Fotograf*innen, die sich auf unterschiedliche Weise mit Alltagsabläufen und deren überraschender Brechung beschäftigen. Obwohl die Settings der Bilder vertraut wirken, wird der Betrachter zugleich mit dem Unerwarteten, Unerklärlichen konfrontiert. Die stark narrativen Fotografien führen nicht nur die Absurdität vor Augen, die mechanisierten Verhaltensweisen innewohnt, sondern werfen auch Fragen nach dem Zustand einer leistungsorientierten Gesellschaft auf, in der effizientes Handeln an oberster Stelle steht. Auch die Kehrseiten des dauerhaften Funktionierens jedes Einzelnen werden beleuchtet – Müdigkeit, Überforderung und Kollaps. Kuratiert von CUCO – curatorial concepts berlin e.V. (Hanna Dölle, Katherina Perlongo und Annika Turkowski) Brooke DiDonato, Closure, 2016, © Brooke DiDonato | Ben Zank, Crash, 2017, © Ben Zank. Vernissage: Freitag, 29. September 2018, 17:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Sonntag, 30. September 2018 – Sonntag, 3. Februar 2019   Bildunterschrift: Brooke DiDonato, Closure, 2016, © Brooke DiDonato. Ben Zank, Crash, 2017, © Ben Zank. Ausstellung Absurde Routinen – Galerie KINDL | Zeitgenössische Kunst in […]

bis 17.11. | #2248ARTatBerlin | Galerie Wagner + Partner zeigt derzeit die Ausstellung Portrait Extended – Sechs Positionen zu unserem Selbst mit Werken der Künstlerinnen Alexandra Baumgartner, Nezaket Ekici, Emel Geris, Csilla Klenyánski, Soline Krug und Natascha Stellmach. Ausgelöst durch unseren hypermodernen Lifestyle werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion obligatorisch. Dabei sind alt hergebrachte Sinnzusammenhänge, Deutungsmuster, Orientierungsmarken aufgelöst, sie zerfließen schier ineinander und verlaufen anders/ neu. Sicher scheint oft nur das Mittel der Selbstvergewisserung. Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Das Streben nach Einzigartigkeit als ein Ausdruck der jeweiligen individuellen Persönlichkeit ist geprägt von einer stetigen Sinn- und Identitätssuche, von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl des richtigen Essens – wir „kuratieren“ mittlerweile alles, was uns unter die Nägel kommt; alles unterliegt letztlich diesem Ideal des vermeintlich Selbstbestimmten. Doch inwieweit ist dieses Ideal ein Trugschluss? In der Gruppenausstellung Portrait Extended tragen die Künstlerinnen der Suche nach Identität, Bild und Herkunft Rechnung. Inwieweit sind wir selbst- bzw. fremdbestimmt? Wie viel Macht hat Vergangenheit für das heutige Leben? Der Inszenierung des Selbst stehen in der Ausstellung auf der anderen Seite Auseinandersetzungen mit gesellschaftlicher Prägung, aber auch mit Vergänglichkeit gegenüber. Soline Krug, Self-Dating, 2018, […]

bis 30.11. | #2254ARTatBerlin | galerie1214 zeigt ab 10. November 2018 die Einzelausstellung The Garden of Forking Paths der in Berlin lebenden brasilianischen Malerin Isabelle Borges. GALERIE1214 präsentiert im November 2018 die in Berlin lebende brasilianische Malerin Isabelle Borges in einer Einzelausstellung. Mit ihrer entschiedenen Positionsnahme für eine Abstraktion, die sich aus der Erfahrung der Lebenswelt speist, verfolgt sie bereits langjährig ein konsequentes Projekt künstlerischer Forschung. Aufgewachsen in der ‚Reissbrettstadt‘ Brasilia, wurde für Borges die Auseinandersetzung mit dem Raum, die Sensibilisierung durch eine rationalistisch-modernistische Stadtplanung und Architektur ein Grundmotiv ihrer Arbeit. Dieses erweiterte sich in die Erkundung  von allgemeinen Mustern räumlicher Organisation in der gesamten Natur. Borges sucht in ihren Arbeiten den Knotenpunkt zwischen dem Poetischen, Intuitiven und Analytischen und zeigt der geduldigen Betrachterin die metaphysischen Dimensionen der Wirklichkeit auf – die weder nur soziologisch (erzählend), noch nur mathematisch (konstruktiv) beschrieben werden können. Entsprechend entwickeln die Objekte, Wandarbeiten und malerischen Arbeiten von Borges immer wieder völlig überraschende Qualitäten: wenn zwei Farbflächen sich in feinsten Nuancen nähern und aus Einheit Vielfalt wird; wenn ein Objekt seinen Umraum mit leuchtend reflektierter Farbe zum Glühen bringt; wenn scheinbare Trennlinien zu vibrierenden Kanten einander durchdringender Räume werden. Mit dem Ausstellungstitel, der der Erzählung des Argentiniers […]

bis 08.12. | #2252ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens zeigt ab 20. Oktober 2018 die Ausstellung Temperature of Time der Künstlerin Tessa Verder und des Künstlers Ralf Peters. In dieser Doppelausstellung zeigen wir Arbeiten der Fotokünstler Tessa Verder und Ralf Peters. Verbindendes Element ist die Natur als Motiv, die allerdings einerseits vertraut, andererseits ungewohnt erscheint. Beide Künstler haben einen Bezug zur Kunst der Deutschen Romantik. Die Ruhe und Unnahbarkeit, die sich in den Arbeiten beider Künstler einstellt, scheint ambivalent in der heutigen Zeit, die geprägt ist durch Geschwindigkeit und Vernetzung. Die Motive beider Künstler bilden einen Ruhepol inmitten der Bilderflut, die uns im Alltag und online täglich umgibt. Einen Bezug zu der Deutschen Romantik kann man fast hautnah spüren und doch wirken die Bilder befremdlich irreal. Tessa Verder, Day 22, 85 x 118 cm, C-Print auf Aludibond, 2018 In der Beschäftigung mit der deutschen Romantik klingen bei beiden Künstlern auch Fragen nach Heimat und Identität an – Begriffe, die heute neue Aktualität erhalten haben und kontroverse Diskussionen auslösen. Bei Verder werden Fotos aus aller Welt (z.B. Island, Südamerika, Afrika oder Asien) mit Elementen aus Bildern von Caspar David Friedrich oder anderen Romantikern so verwoben, dass etwas Neues entsteht, das einerseits vertraut […]

bis 23.11. | #2226ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 19. Oktober 2018 die Ausstellung Idyll & Destruction des Künstlers Ulrich Baehr. Der 1938 in Bad Kösen / Saale geborene Berliner Maler Ulrich Baehr feiert in diesem Jahr seinen 80. Geburtstag. 1958-65 studierte Baehr an der Hochschule der Bildenden Künste Berlin (1958-65). Er war Mitbegründer der legendären Berliner Selbsthilfegalerie ‚Großgörschen 35‘. Es folgten Stipendien und Studienaufenthalte in Paris, New York, Levanto (Italien) und Los Angeles. Ulrich Baehr lehrte an der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste Braunschweig. Nach einer Gastprofessur an der Hochschule der Künste Berlin hatte er bis 2006 eine Professur für Malerei und Kunst im Öffentlichen Raum in Hannover inne. 2006 erhielt er den Deutschen Kritikerpreis. Das 20. Jahrhundert XVII | 2002, Öl / Leinwand, 160 x 200 cm „Ulrich Baehrs Historienbilder und die ‚Deutschen Toirsi‘, mit denen er in den 1960er und 1970er Jahren bekannt wurde, haben sich in die Kunstgeschichte eingeschrieben“, schreibt die Kuratorin Beatrice E. Stammer. Auslöser solcher Motive waren beispielsweise weltbewegende Schiffskatastrophen. In der Serie ‚Das 20. ‚Jahrhundert‘ wirken solche dramatischen Sujets wie „ein dunkles Resümee auf das 20. Jahrhundert“ (Simone Reber). Einige Arbeiten aus der Serie werden in der Ausstellung gezeigt. Roofensee im März | […]

bis 17.11. | #2242ARTatBerlin | 68 projects präsentiert ab 24. Oktober 2018 die Einzelausstellung Clocks Deep In Us der New Yorker Malerin Yevgeniya Baras. Die Welt der Fantasie dient häufig als Flucht vor der Realität und ihren zahlreichen sozialen, wirtschaftlichen und körperlichen Einschränkungen. Die Realität wiederum gilt inmitten der Illusionen der Fantasie oft als erstrebenswert. Allerdings lassen sich die beiden nicht immer strikt voneinander trennen. Die Gemälde von sind poröse Objekte, die die Grenze zwischen dem Fantastischen und dem Realen verwischen und die Schranken aller stabilen Bereiche aufweichen. In diesen Kunstwerken, angesiedelt zwischen Objekt und Bild, führt das Material ein Eigenleben. Jute, Wolle, Reifengummi, Stoff, Steine und Holz werden oft physisch an der Oberfläche des Gemäldes befestigt und gleichzeitig in diese integriert, wodurch sie zu einem Teil des Dargestellten werden. Baras’ Werke beziehen sich auf scheinbar altertümliche Codes, die ihre Narrative sowohl bestätigen als auch widerlegen. Sobald man meint ein Muster zu erkennen, wird es sofort durch Wiederholung und Transformation untergraben. Es wird nie wirklich an einem Symbol festgehalten, so dass man ihm eine feste Bedeutung zuschreiben könnte. Untitled, Öl auf Leinwand, 2018, 31 x 41 cm Indem sie sich der Verwendung klar definierter Symbole verweigern und diese ständig verändern, werden die Werke […]

bis 10.11. | #2235ARtatBerlin | Sprüth Magers Berlin präsentiert ab 29. September 2018 eine Einzelausstellung mit dreizehn hell gefärbten Skulpturen und drei großen Gemälden des Künstlers Gary Hume. Für mehr Infos zur Ausstellung wechseln Sie mit nur einem Klick zur englischsprachigen Version von ART@Berlin, denn die Galerie hat uns bisher nur eine englische Ausstellungsbeschreibung zur Verfügung gestellt. Das geht ganz einfach: In der rechten oberen Ecke sehen Sie einen Sprachbutton – richtig, die kleine Flagge. Dort können Sie auf so gut wie jeder Seite von ART@Berlin zur englischsprachigen Version wechseln – und wieder zurück. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. Sollten Sie ausnahmsweise mal auf der Startseite landen, existiert in dem Fall keine Übersetzung. See you in a second! The Wonky Wheel (Red), 2013 50 1/4 x 50 1/4 x 2 3/8 inches, 128 x 128 x 6 cm © Gary Hume / DACS, London, 2018 Courtesy the artist, Sprüth Magers and Matthew Marks Gallery Vernissage: Freitag, 28. September 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 29. September –  Samstag, 10. November 2018   Bildunterschrift: The Wonky Wheel (Red), 2013 – 50 1/4 x 50 1/4 x 2 3/8 inches, 128 x 128 x 6 cm © Gary Hume / DACS, […]

bis 10.11. | #2195ARTatBerlin | ChertLüdde präsentiert seit 22. September 2018 die Ausstellung Signs of Signs der Künstlerin Ruth Wolf-Rehfeldt. Ruth Wolf-Rehfeldt wurde 1932 in Wurzen geboren. 1950 zog sie nach Berlin – wo sie bis heute lebt – und besuchte die Arbeiter- und Bauernfakultät. 1954 traf sie Robert Rehfeldt; Sie heirateten ein Jahr später. Sie war bei der Ausstellungsabteilung der Akademie der Künste angestellt und zeichnete in ihrer Freizeit. Anfang der 1970er Jahre begann sie mit der Entwicklung ihrer Schreibmaschinenschrift (Typewritings) und nahm an den Mail Art-Projekten teil. Sie wurde 1978 Mitglied der Vereinigung bildender Künstler der DDR. Ruth Wolf-Rehfeldt, Figuration collagiert, 1980’s,  31.5 × 23 cm; Courtesy the Artist and ChertLüdde, Berlin Ausstellungsdaten: Samstag, 22. September – Samstag, 10. November 2018   Bildunterschrift: Ruth Wolf-Rehfeldt, Figuration collagiert, 1980’s, 31.5 × 23 cm; Courtesy the Artist and ChertLüdde, Berlin Ausstellung Ruth Wolf-Rehfeldt – ChertLüdde | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 10.11. | #2233ARTatBerlin | Galerie Fahnemann zeigt derzeit eine Ausstellung mit Werken der Künstler Günther Förg, Imi Knoebel, Raimund Gierke und Frank Stella. Von Frank Stella wird die Serie Shards gezeigt. „Bei Drucken muss ich genauso arbeiten wie beim Malen. Verschiedene Medien, verschiedene Eigenschaften, aber am Ende geht es um dasselbe Problem:  Es muss Kunst werden.“ Frank Stella Die Serie „Shards“, bestehend aus fünf Hauptblättern – jeweils Lithografie und Siebdruck – und vier Varianten, wurde mit bis zu 43 Farben von 49 Lithoplatten und 3 Sieben gedruckt. Sie gehört zu Stellas bedeutendsten grafischen Schöpfungen. Frank Stella – Shards I Variante A Frank Stella – Shards II Stella machte die Collagen als Studie für bemalte Reliefs, produzierte dann aber zuerst die Drucke. Danach zerschnitt er die Litho-Platten der „Shards“, um dreidimensionale Entwürfe für die Reliefs zu fertigen. Das Wort „Shards“ (Scherben) deutet hier auf Stellas Verwendung von vorgefundenen  Materialen anderer Arbeiten hin. Frank Stella – Shards III Besonders bemerkenswert ist auch, dass sich Stella hier, abweichend von seinen unregelmäßig begrenzten Arbeiten, auf die pure rechteckige Form besonnen hat. Er sagte zu den Beweggründen für die Serie, dass er darin „viel Platz zum Malen“ habe. Offensichtlich wird das an den weiten […]