Ausstellungen von Berliner Galerien

bis 05.03. | #3308ARTatBerlin | Crone Berlin zeigt ab 29. Januar 2022 (Vernissage: 28.01.) die Gruppenausstellung There Must Be Some Kind of Way Outta Here zeitgleich in Berlin und Wien. Die Gruppenausstellung „There Must Be Some Kind Of Way Outta Here“ untersucht die Sehnsucht nach der Flucht aus gesellschaftlichen Gegebenheiten und findet zeitgleich sowohl in der Berliner als auch Wiener Galerie statt. Der Titel der Ausstellung stammt aus einem Song, den Bob Dylan 1967 geschrieben hat und der in der Version von Jimi Hendrix zu einem Kulthit wurde. Mit einer Mischung aus Flehen und Trotz wird die Suche nach einem Ausweg aus einer scheinbar ausweglosen Situation beschworen, nach einer Tür oder einem Fenster aus Düsternis, Finsternis und Bedrängnis. An Kunst wird seit jeher der Anspruch gestellt, eine solche Tür oder ein solches Fenster zu sein. Unter dieser Prämisse knüpft die Ausstellung an den Dylan-Hendrix-Song an und stellt Fluchtstrategien von KünstlerInnen aus der jüngeren Kunstgeschichte in ihren Mittelpunkt. Diese können von Eskapismus, Exzessen, Politisierung und Weltflucht bis zu Verweigerungshaltung und innerer Emigration reichen. Andreas Slominski, Untitled, 1995. Courtesy Galerie Crone Berlin, Wien In Zeiten globaler Krisen wie Pandemie, Klimawandel, Vertreibung, Hunger, Armut, Ungleichheit, Krieg und Ent-Demokratisierung werden die Erwartungen an künstlerische […]

bis 05.03. | #3309ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert seit 21. Januar 2022 die Ausstellung benthos borborygmi des Künstlers Michael Kutschbach. Nach zweimaliger pandemiebedingter Verschiebung wird das jüngste Werk des Künstlers, der seit Jahren wieder in Adelaide/Australien lebt, in seiner Ausstellung »benthos boborygmi« in der Galerie semjon contemporary vorgestellt. »benthos borborygmi« sind Fantasie-Worte, die das Leben auf dem Meeresgrund und das Geräusch des Magenknurrens bedeuten. Hierin drückt sich (erneut) seine Wertschätzung gegenüber Lewis Carroll aus. 2021 hatte Michael Kutschbach im Auftrag des Guildhouse in Adelaide für dessen Collection Project ein Mehrkanal-Videoprojekt realisiert. Thema: die Zusammenarbeit und Auseinandersetzung mit dem Adelaide Symphony Orchestra als differenzierten Klangkörper und Organismus. Die Uraufführung des Drei-Kanal-Videos erfolgte in Adelaide im Öffentlichen Raum u.a. auf haushohen Videoscreens. Pandemiebedingt gab es keinen direkten Kontakt zum Orchester. Die Beobachtungen des Künstlers wurden digital durchgeführt, von den filmischen Live-Mitschnitten von Konzerten über Orchesterproben bis hin zur Kommunikation mit einzelnen Orchestermitgliedern. Die bildkünstlerische Umsetzung spricht eine biomorph abstrakte Sprache. Sie spiegelt gleichzeitig das Interesse des Künstlers an den Siphonophoren. Dabei handelt es sich um Staatsquallen, die sich als Organismus aus Einzelorganismen zusammensetzen, ein symbiotisches Leben führen und entsprechend vielgestaltig sind. Gleich dem dissonanten ‚Einstimmen‘ vor dem eigentlichen Konzert, dem Warmspielen aller […]

bis 05.03. | #3303ARTatBerlin | Galerie aKonzept und Raphael Lévy präsentieren ab 22. Januar 2022 die Ausstellung FRUSTRATION mit Arbeiten der Künstlerin Emmanuelle Rapin. Das unmögliche Bild und der Raum seiner Erzählung. Was versteckt sich hinter einem Bild? Welche Geschichte verliert sich in der Textur des Bildes? Diese Fragen können auch die Fragen des Betrachters sein, der das Werk betrachtet, das ihn beobachtet und schließlich in einer langsamen Bewegung des Schwindels hypnotisiert. Diese wesentliche Erfahrung des Betrachters, der in den Ort der Aufführung hineingezogen wird, bildet die Grundlage meiner künstlerischen Tätigkeit. Ich löse die Bilder aus ihrem malerischen Kontext und ziehe buchstäblich die Fäden aus der Leinwand, um eine Geschichte zu entfalten. Mein Faden verwebt persönliche Mythologien, Kunstgeschichte und kulturelle Darstellungen, wobei der Schaffensprozess selbst und die Bedingungen, unter denen ein Bild entsteht, den Hauptstrang bilden. Die Verwendung von Nadel und Faden ist ein wichtiger Bestandteil meiner Arbeit. Die Stickereien bilden instabile Texturen, deren Überleben vom Knoten abhängt. Die gestickten Bilder tragen somit die Möglichkeit ihres eigenen Verschwindens in sich. Knüpfen und Lösen, Machen und Trennen. Dieses Repertoire an Gesten und Techniken findet sich in den klassischen Darstellungen der Frau bei der Arbeit wieder: Sticken, Nähen, Stechen, Perforieren, Schneiden, Warten. […]

bis 26.02. | #3300ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 25. Januar 2022 (Vernissage: 21.01.) die Ausstellung Berlin Visionen des Künstlers Michael Köster mit einer Werkauswahl, in der Schwarz-Weiß-Fotos dominieren, und die durch suggestive Inszenierungen am Computer charakterisiert ist. Die Motive der Ausstellung – fast ausnahmslos handelt es sich um Ansichten von Berliner Architekturen – sind in präziser Lichtregie, scharfer Konturierung und in feinsten Hell-Dunkel-Nuancen effektvoll inszeniert. Die Dramaturgie von Licht und Schatten ist ein wesentliches Element zur Steigerung der Bildstimmung. Kösters Formensprache lässt ebenso Einflüsse der Fotografie der Neuen Sachlichkeit erkennen, wie die des Film Noir. Aber auch Assoziationen zur Malerei stellen sich ein beim Betrachten mancher Bildinszenierungen ein, die in ihrer Atmosphäre an die rätselhafte Stimmung von Unbelebtheit und Stille in PitturaMetafisica-Gemälden erinnern. Dass die Motive im Laufe des Bearbeitungsprozesses am Computer eine so eindringliche Präsenz entwickeln, liegt unter anderem daran, dass Michael Köster die Bauwerke, auf die er sich konzentriert, isoliert. Sie werden aus ihren realen urbanen Zusammenhängen, in denen sie normalerweise stehen, herausgelöst – den Gebäuden um sie herum zum Beispiel. Der damit einhergehende Verfremdungsprozess wird noch dadurch gesteigert, dass der Künstler seine Motive oft in eine fiktive dunkle bzw. abendliche oder nächtliche Umgebung versetzt. MONOLITH I […]

bis 12.02. | #3297ARTatBerlin | Galerie mehdi chouakri zeigt ab 15. Januar 2022 die Ausstellung „Die Aussage ist: Das Verhalten des Materials zur Häufigkeit seiner Wiederholung“ des Künstlers Peter Roehr. Peter Roehr (1944-1968) war ein deutscher Maler und Objektkünstler. Im Januar 1968 eröffnete er mit dem Galeristen und Sammler Paul Maenz in Frankfurt / Main das Ladengeschäft „Pudding-Explosion“, das laut der beiden Inhaber „Psychodelicatessen mit Hippie-Zubehör“ anbot. Es war das erste Geschäft in Deutschland, das von Räucherstäbchen bis zur Peking-Rundschau dergestalt vielfältig politische, spirituelle und ironische Artikel offerierte. Als der Künstler im August desselben Jahres mit nur 23 Jahren an Lymphdrüsenkrebs starb, hinterließ er mit über 600 Arbeiten ein ü ber die Maßen eindrucksvolles künstlerisches Œuvre. Das komplette Archiv mit Filmen, Notizen, Briefen, Manuskripten und dem Nachlassverzeichnis des Künstlers wurde 2011 von Paul Maenz dem Museum für Moderne Kunst (MMK) in Frankfurt / Main überlassen. Es ist online einsehbar. Ein Ordnungsgefüge, keine Komposition. Eine Fläche ist angefüllt mit gleichartigen Objekten, man kann sie nicht unterscheiden. Das Bild hat keinen Ereignisort, es ereignet sich überall. Peter Roehr, 1965 Die Ausstellung wird in den Galerieräumen in der Mommsenstraße gezeigt (Bleibtreustraße 41, Eingang Mommsenstr. 4). Vernissage: Samstag, 15. Januar 2022., 12:00 – 18:00 […]

bis 25.02. | #3294ARTatBerlin | DIEHL zeigt ab 14. Januar 2022 die Ausstellung A CAGE TO LIVE IN der Künstlerin Carmen Calvo.  Carmen Calvo Sáenz de Tejada (*1950 in Valencia, Spanien) ist eine spanische Konzeptkünstlerin, die für ihren Beitrag zur zeitgenössischen Kunst der valencianischen Region bekannt ist. Vernissage: Freitag, 14. Januar 2022, 12:00 – 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 14. Januar bis Freitag, 25. Februar 2022      Bildunterschrift: Carmen Calvo, A Cage to Live In, 1998, installation Ausstellung Carmen Calvo – DIEHL | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 12.02. | #3291ARTatBerlin | Galerie SCHMALFUSS BERLIN zeigt ab 15. Januar 2022 die Doppel-Ausstellung IN SIGHT mit Werken der Künstler Thomas Kitzinger und Hans Thomann. Präsentiert werden Ölmalerei auf Aluminium und Objekte. Die erste Vernissage der Galerie SCHMALFUSS BERLIN im Jahr 2022 gilt Thomas Kitzinger und Hans Thomann. Beide Künstler entrücken ihre Vorlagen in einen Kunstraum, der ganz eigenen Regeln unterliegt. Thomas Kitzinger (*1955) erschafft Gemälde, auf denen er Pflanzen- oder Vasen-Makroaufnahmen in Öl auf Aluminium bannt. Ganz nüchtern konzentriert er sich dabei auf die detaillierten Ansichten seines Modells, sodass seine Objekt-Malereien Porträts gleichen. Der Künstler ist bekannt für seine dynamisch realistischen Stillleben und Porträtdarstellungen. Er lebt und arbeitet in Freiburg, Deutschland. Thomas Kitzinger, A1-21, Öl / Aluminium, 38 x 60 cm, 2021 Thomas Kitzinger, A8-21, Öl/Aluminium, 70 x 120 cm, 2021 Hans Thomann (*1957) nutzt Gegenstände, die ihm in seinem Alltag begegnen, um daraus immersive Objekte zu konzipieren. Der Einsatz von spiegelnden und transparenten Oberflächen bezieht den Umraum und das Publikum immer direkt mit ein. Er lebt und arbeitet in St. Gallen, Schweiz. Hans Thomann, verschiedene Objekte, 2021 Vernissage: Samstag, 15. Januar 2022, 15:00 – 21:00 Uhr. Es gilt die 2G+ Regelung. Um Anmeldung wird gebeten. Ausstellungsdaten: Samstag, 15. […]

bis 19.03. | #3288ARTatBerlin | Galerie Schindler in Potsdam zeigt ab 28. Januar 2022 die Ausstellung CODE UNIQUE des Dresdner Künstlers Andreas Hildebrandt. Gezeigt werden die neuesten Druckgrafiken. Mit dem Titel code unique zeigt die Galerie Schindler im Januar 2022 neue Farblinolschnitte des etablierten Künstlers Andreas Hildebrandt. Die farbintensiven Drucke in unterschiedlichen Formaten untersuchen die Überlagerung unterschiedlicher Zeichensysteme. Andreas Hildebrandt, Raumschnitt Durch mehrere geschnittener Linol-Schablonen, die übereinandergelegt werden, ergeben sich neue, überraschende Perspektiven. Es entsteht ein codierter Kosmos, welcher alltägliche, uns umgebende Zeichen und Strukturen aus Technik und Kultur beleuchtet. Andreas Hildebrandt, Blende Ergänzt wird die besondere Ausstellung durch originalgrafische Kunstbücher und einer speziell für den Galerieraum entwickelten Wandarbeit. Andreas Hildebrandt, Fokus Marke I Andreas Hildebrandt wurde in Dresden geboren, studierte dort nach dem Studium der Landschaftsarchitektur, Malerei und Grafik an der HfBK in Dresden. Er lebt und arbeitet mit seiner Familie in Potsdam. Andreas Hildebrandt im Atelier, Foto via Galerie Schindler Vernissage: Donnerstag, 27. Januar 2022, ab 18:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 28. Januar bis Samstag, 19. März 2022 Finissage + Buchpräsentation: Freitag, 18. März 2022     Bildunterschrift Titelbild: Andreas Hildebrandt, Marke, Linoldruck auf Leinwand, 41 x 34 cm, 2021 Ausstellung Andreas Hildebrandt – Galerie Schindler | Zeitgenössische Kunst […]

bis 05.02. | #3285ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin zeigt ab 12. Januar 2022 (Vernissage: 11.01.) die Ausstellung PERIOD DRAMA des Künstlers Louis Bennett. Vertraute malerische Dorfszenen werden vor einem orangefarbenen Himmel surrealisiert, während überlebensgroße Figuren zwischen visuellen Schichten der Geschichte gefangen erscheinen. In seinem neuesten Werk erforscht, der in Lancashire geborene und in London lebende Künstler, Louis Bennett das Konzept der ländlichen Idylle sowohl als zeitgenössischen psychologischen Zustand als auch als eindrucksvolles Zeugnis einer komplexen Vergangenheit. Jedes Gemälde in Period Drama, der Einzelausstellung des Künstlers in der Kristin Hjellegjerde Berlin, ist in der für ihn charakteristischen sauren Farbpalette gehalten und enthält eine eigene Erzählung und Atmosphäre, während es gleichzeitig ein breiteres Gefühl von Verdrängung und Angst ausdrückt. Die fließenden Pinselstriche und Farbtropfen bewegen sich weg vom harten, grafischen Stil früherer Werke und zeigen eine selbstbewusstere, sowie dynamischere Ästhetik. Louis Bennett, Cold Poem, Oil on Calico, 130 x 180 cm Bennetts Arbeitsprozess beginnt in der Regel mit dem Sammeln gefundener Bilder aus alten Büchern und Magazinen. Während diese Materialien früher als visuelle oder atmosphärische Anregung dienten, hat der Künstler bei seinen neuesten Werken einen anderen Ansatz gewählt, indem er einen Projektor verwendet, um das Bild auf die Leinwand zu übertragen. Die […]

bis 05.02. | #3283ARTatBerlin | HazeGallery zeigt ab 14. Januar 2022 die Ausstellung Nonverbal Stories des Künstlers Lentov. Lentov ist das Pseudonym der Künstlerin Elena Fuks. Die Ausstellung wird kuratiert von Iren Russo. In dem Essay des Programmstrukturalismus von Roland Barthes, Der Tod des Autors, verwandelt ein philosophisches Forschungsphänomen die Ideen des Autors in den Köpfen des Lesers in etwas anderes. Wie passiert es? Wie beeinflusst unsere persönliche Erfahrung die Interpretation und das Verständnis unseres Textes? Warum ist die Idee des Autors nicht dasselbe wie die Interpretation des Lesers? Laut Barthes stirbt der Autor, wenn der Leser den Text sieht und anfängt, ihn zu lesen, ihn zu interpretieren, weil seine Idee sich wandelt und nie mehr dieselbe sein wird. Lentov, Diptych 01 Sence Trip, acrylic, graphic, canvas, 1950 x 1300 mm In der bildenden Kunst, wie auch in den Texten, findet der gleiche Prozess statt. Wir sehen ein Kunstwerk und unsere Vorstellungskraft, Lebenserfahrungen und Bildung helfen uns, visuelle Formen zu verstehen. Es ist ein einzigartiges, unwiederholbares Verständnis für jeden. In der Einzelausstellung des Künstlers Lentov Non-verbal Stories geht es um eine wesentliche Eigenschaft der Kunst – die Fähigkeit, den Betrachter fühlen und reflektieren zu lassen. Es ist das erste Mal, […]

bis 12.01. | #3288ARTatBerlin | Galerie Gilla Lörcher präsentiert ab 16. Dezember 2021 die Ausstellung Radiants extended der französischen Künstlerin Capucine Vandebrouck. Die Künstlerin experimentiert bei den Radiants mit Licht- und Farbwirkung von PVC-Folie. Das Farb- und Lichtspiel. das die Arbeiten im Raum entfalten, ist spektakulär. Marie Cozette über Capucines Werk: „1967 realisiert Robert Morris an der Western Washington University ein ikonisches Werk namens Steam Cloud, eine einfache Rauchwolke, die aus dem Boden aufsteigt. Er denkt über ein Werk als eine zufällige, sich verändernde und vergängliche Form nach. Er wird in einem 1968 veröffentlichten Text über Anti-Form sprechen – im Widerspruch zu den Kanonen des Minimalismus, die die amerikanische Kunstszene dominieren – von hier lassen sich sehr schnell Bezüge zu zahlreichen KünstlerInnen herstellen, bei deren Arbeiten Entropie, Zufall, fundamentale Ambiguität, Immaterialität, Verschwinden und Lockeffekt miteinander vermischt werden. In diesen Rahmen könnte die Arbeit von Capucine Vandebrouck eingeordnet werden, irgendwo zwischen Duchamps „Dust Breeding“ und den „Scribbles“ von Sol le Witt, zwischen den Befürwortern der arte povera und dem Asphalt Rundown von Smithson, zwischen der bitteren Eleganz von Eva Hesse und den visuellen Alchemien von Ann Veronica Janssens oder Edith Dekyndt.“ Capucine Vandebrouck (Jahrgang 1985) ist Bildhauerin mit Abschluss von der […]

bis 26.03. | #3266ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin zeigt derzeit eine Ausstellung mit Arbeiten des Künstlers Robert Irwin. Robert Irwin hat mehr als sechs Jahrzehnte damit verbracht, Kunst zu schaffen, die unsere Erfahrung des Sehens und der Bewegung in der Welt untersucht und das Bewusstsein der Betrachter für ihre Sinne und ihre Umgebung schärft. Seine Wandarbeiten, Skulpturen und ortsgebundenen Installationen, die regelmäßig Licht, Reflexion und Farben als primäre Materialien verwenden, beinhalten ein sorgfältiges Gleichgewicht von Präsenz und Abwesenheit, das mit einfachen, unaufdringlichen Mitteln anspruchsvolle visuelle und räumliche Effekte erzeugt. Monika Sprüth und Philomene Magers freuen sich, eine Ausstellung mit neuen Arbeiten des gefeierten amerikanischen Künstlers zu präsentieren. Gleichzeitig präsentiert der Light Art Space (LAS) Robert Irwins neue ortsbezogene Ausstellung Light and Space im Kraftwerk in Berlin, die am 5. Dezember eröffnet wird. Vernissage: Freitag, 3. Dezember 2021, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 4. Dezember 2021 – Samstag, 26. März 2022     Bildunterschrift: Robert Irwin, Sunday Morning, 2020 (detail) © Robert Irwin/ARS (Artists Rights Society), New York, Courtesy by the artist, Pace Gallery and Sprüth Magers. Photo: Pablo Mason Ausstellung Robert Irwin – Sprüth Magers Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Galerien Berlin | ART at Berlin

bis 10.12. | #3272ARTatBerlin | BARK Lab präsentiert am 10. Dezember 2021 eine Performance des Berlin Strippers Collective. Die Performance findet anlässlich der Eröffnung des neuen Kunstraums statt. Um das Programm des BARK Lab mit einem Paukenschlag zu starten, konnten die Kuratoren des BARK Lab das Berliner Strippers Collective gewinnen. Das selbstorganisierte, autonome, feministische Kollektiv setzt sich für die Entkriminalisierung von Sexarbeit weltweit ein. Die Performance der Künstlerinnen bewegt sich an dem Schnittpunkt von Kunst, Performance, Unterhaltung, Arbeit und Aktivismus. Das Berlin Strippers Collective verurteilt die geschlechts- und rassenspezifische Diskriminierung in der Sexindustrie und stellt unterdrückerische Strukturen in Frage. Im Kampf gegen Stigmatisierung und Fehlinformationen, versammeln sie sich als kreative und politische Gruppe, die ihr Publikum herausfordert, Körper, Nacktheit, Sexualität und Bewegung ohne Scham, sondern als Kunst an sich zu sehen. BARK Lab ist ein Ort für Erkundungen und interdisziplinäre Experimente. Durch die Nutzung des Raumes direkt neben der BARK BERLIN GALLERY sind die Kuratoren und eingeladenen Künstler, ob aufstrebend oder etabliert, ermutigt, neue Wege zu gehen. BARK Lab wird von den vier in Berlin ansässigen Kuratoren geleitet: Tristan Deschamps Nicola E. Petek Polina Piagin Daniel Seyde Vernissage: Freitag, 10. Dezember 2021, 19:30 & 20:00 Uhr (direkt neben der Bark […]

bis 17.12. | #3267ARTatBerlin | Michael Reid Berlin zeigt momentan die Gruppenausstellung Spirit Worlds – Contemporary Works from Maningrida, Northern Territory mit Arbeiten von Künstler:innen aus Maningrida. Die Arbeiten von Samuel Namunjdja, Paul Namarinjmak Nabulumo, Janet Marawarr, Carlos Namunjdja, Deborah Wurrkidj und Anniebell Marrngamarrnga Bindalbindal haben ihren Ursprung im Körperdesign, in der Felskunst und in kulturellen Praktiken wie Manikay (Gesang), Bunggul (Tanz), Doloppo Bim (Rindenmalerei), Skulpturen und Kun-Madj (Weben). Michael Reid Berlin hat die Ehre, unsere letzte Ausstellung des Jahres 2021 zu präsentieren: acht Werke aus dem renommierten Maningrida Arts & Culture Centre. Die Kunst, die in Maningrida entsteht, kommt aus einem großen Land. Die für diese Ausstellung gemalten und gewebten Geister sind sehr unterschiedlich und doch sind die Künstler, die sie geschaffen haben, seit 50 Jahren durch Maningrida Arts & Culture in ihrem Ausdruck vereint. Courtesy by Michael Reid – Spirit World Von Paul Namarinjmak Nabulumos Darstellung von Namarrkon, dem Blitzgeist, der Blitz und Donner erzeugt, indem er mit kurlbburru, den Steinäxten, die aus seinen Gelenken ragen, zuschlägt, bis zu Janet Marawarrs Namorrorddo, dem profanen Geist, der einen gefürchteten Kampfstab, den miyarrul, trägt und dessen unheimlicher Schrei nachts zu hören ist, stehen diese Geister für das Wissen und die […]

bis 08.01. | #3258ARTatBerlin | nüüd.berlin gallery zeigt derzeit die Ausstellung NEON mit Gemälden des deutsch-dänischen Künstlers Bo Larsen. Unter dem Titel NEON zeigt die nüüd.berlin abstrakte Werke, die eine expressive Farbigkeit aufweisen und durch den Einsatz von Neon-Pigmenten eine besondere Leuchtkraft entwickeln. Der Prozess des Malvorgangs umfasst bei Bo Larsen mehrere Vorgänge von der Aufteilung der Leinwand mit Tapes, dem Vorbereiten spezieller Farben, die durch Öle und Wachse individuelle und charakteristische Maleigenschaften erhalten, über den Auftrag des spannungsgeladenen Farbteigs auf der Malfläche bis hin zum Abriss der verklebten Flächen. Dabei entstehen Farbfelder von unterschiedlicher Transluzenz. In der Nachbearbeitung setzt Larsen sogenannte Rackel ein, die es ermöglichen, Ölfarbe pastos auf die Leinwand aufzutragen und es dem Zufall zu überlassen, welche Areale der Bildfläche frei und unberührt bleiben. Dieser Vorgang steht in einem konzeptionellen Kontrast gegenüber dem Abkleben der Leinwand, bei dem der Künstler festlegen kann, welche Flächen mit Farbe in Berührung kommen und welche nicht. Die ungewöhnliche Kombination dieser unterschiedlichen Maltechniken machen den Reiz dieser besonderer Farblandschaften aus, die sich zwischen Action Painting, Popart, Street Art und Abstraktion bewegen. Vernissage: Donnerstag, 18. November 2021, 18:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 19. November 2021 – Samstag, 8. Januar 2022     Bildunterschrift: Bo […]

bis 05.02. | #3257ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung zeigt ab 27. November 2021 die Winterausstellung mehrstimmig in Zusammenspiel mit der Galerie Wichtendahl.  Gezeigt werden Werke von Johannes Regin, Christian Schellenberger, Hanns Schimansky, Esther Glück, Annette Meincke-Nagy und Annette Schröter. Johannes Regin, o.T., 2021, Fineliner, Lack, Karton, 31,5 x 21,6 cm Hanns Schimansky, o.T., 2020, Faltung, Acryl, 45 x 52 cm Es gilt die 2G Regel. Ausstellungsdaten: Samstag, 27. November 2021 bis  Samstag, 5. Februar 2022 Bitte beachten Sie die veränderten Winteröffnungszeiten: Mittwoch bis Freitag 14:00 – 18:00 Uhr, Samstag 13:00 – 17:00 Uhr     Bildunterschrift Titelbild: Christian Schellenberger, Zugzeichnung (Berlin Beijing), 2017, Rohrfeder, Tusche, 42 x 59,4 cm Ausstellung mehrstimmig – Galerie Inga Kondeyne | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 20.01. | #3254ARTatBerlin | Galerie Kremers präsentiert ab 4. Dezember 2021 die Gruppenausstellung Finstere Aussichten mit Werken der Künstler Timur Celik, Jan Gemeinhardt, Gregor Hiltner, Vitaly Medvedovsky und Paul Schwietzke. Man könnte von einer Renaissance der Romantik sprechen. Dunkle Wälder, karge und verlassene Landschaften sind die Lieblingsmotive der Romantiker, ihre Schauplätze sind häufig Friedhöfe und Ruinen, die dargestellte Atmosphäre ist magisch, oft unheimlich. Die in dieser Gruppenausstellung versammelten Maler teilen viele dieser Vorlieben. Sie bringen die magische Wirkung des Mondlichts ins Bild wie Gregor Hiltner in „Nacht über Eivissa“, das Zwielicht der Morgendämmerung wie Jan Gemeinhardt in „Morgen“ oder die Verlassenheit einer Ruine wie Vitaly Medvedovsky in „Pole“. Das Gefühl des Unheimlichen wird zuweilen ausgelöst durch irritierende oder fremdartige Elemente, die die gewohnte Wahrnehmung der Umgebung stören, den Betrachter verunsichern. Vitaly Medvedovsky, Pole, 2021, Acryl auf Papier, 30 x 40 cm Besonders verstörend ist diese Irritation in den Eye-Witness- Arbeiten von Timur Celik: Ein Vulkanausbruch am Rande einer nordischen Kulturlandschaft oder auch verzweifelte Menschen, die ein Flugzeug stürmen, von uns vom Fernsehsessel aus beobachtet. War bei den Romantikern der ersten Stunde die Unsicherheit, die sich aus dem Mangel an Eindeutigkeit und Vorhersagbarkeit ergibt, noch von der Sehnsucht nach und […]

bis 05.02. | #3261ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte präsentiert ab 17. November 2021 die Ausstellung Noise Sphere der Künstlerin Franka Hörnschemeyer im Corner Space der Galerie sowie ab 27. November die Galerie-Ausstellung Oblivion der Künstlerin Iris Schomaker. Franka Hörnschemeyer ist in diesem Herbst zum zweiten Mal der Einladung der Galerie Thomas Schulte gefolgt, ihre Arbeit in der Galerie zu präsentieren. Ihre Ausstellung Noise Sphere unterteilt den Corner Space in zwei Sphären: Im unteren Bereich hat die Künstlerin eine Raumskulptur aus rostroten Eisengittern errichtet, während über ihr, unter der neun Meter hohen Decke, die Arbeit Transponder 1121 schwebt. Im angrenzenden Window Space steht die hoch aufragende Holzskulptur Rho. Zusammen bilden die drei eigenständigen Werke einen Dreiklang, indem sie miteinander resonieren und korrespondieren und die Raumatmosphäre verändern. Franka Hörnschemeyer, Transponder 121, installation at the Philara Foundation © 2021, VG Bild-Kunst, Foto: Kai Werner Schmidt  In der Ausstellung Oblivion zeigt die Künstlerin ihre neuesten Arbeiten. Ihre ungerahmten und oft großformatigen Malereien auf Papier zeigen Landschaften, Figuren und Tiere. Die Motive dienen der Wiedergabe atmosphärischer Inhalte, für die Schomaker eine eigene Formen- und Bildsprache entwickelt hat. Sie zeigt die Möglichkeiten der Malerei, einen emotionalen Zustand zu veranschaulichen und visuell wahrnehmbar zu machen. Die Bilder […]

bis 05.02. | #3238ARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin zeigt ab 3. Dezember 2021 die Ausstellung Malereien II des Künstlers Claude Viallat. Die Galerie kajetan freut sich, mit Malereien II die nunmehr zweite Einzelausstellung des Wegbereiters der französischen Avantgarde-Bewegung Supports/Surfaces* und Virtuosen der malerischen Selbstbezüglichkeit Claude Viallat präsentieren zu dürfen. Bereits in den 1960er-Jahren hinterfragte der aus Nîmes stammende und hier arbeitende Künstler das Medium der Malerei und seine Grenzen. So löste er die Leinwand von ihrem Keilrahmen, bemalte vorgefundene und mitunter gebrauchte Stoffe industrieller Herstellung, um sie am Ende mit einer eigenständigen, weder organischen noch geometrischen Form komplett zu überziehen – eine Form, die seine spannungsvollen Stoff-Malereien bis heute prägt. Die Galerie zeigt eine Auswahl seiner jüngsten Arbeiten. Claude Viallat | Malereien II | Ausstellungsansicht Galerie kajetan 2021 / 2022 Courtesy Claude Viallat, galerie Ceysson & Bénétière, Galerie kajetan | Photo: Marcus Schneider Nahezu verkleidet, in kaleidoskopischer Farb- und Formatfülle präsentieren sich uns die Galerieräume, die Claude Viallats ebenso komplexes wie formreduziertes malerisches Wirken dokumentieren. Ein Fundus an vielfältigsten, dem täglichen Gebrauch entzogenen Stoffen, die dem Künstler als Malgründe für das ihm typische Formenmuster dienen, welches bereits früh zu seiner Signatur wurde. Ob Tischdecken, gemusterte Bettlaken, Zeltplanen oder Filzbahnen – Viallat […]

bis 22.01. | #3253ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens präsentiert ab 27. November 2021 die Einzelausstellung Transition mit Zeichnungen der Künstlerin Bettina Krieg. Während der Lockdown-Phasen 2020 hat Bettina Krieg eine Serie von kleinen Tuschezeichnungen angefertigt, die sie Lockdown Diaries Serie genannt hat. In der langen Zeit der Isolation im Atelier war sie äußerst produktiv und hat jeden Tag eine kleine Zeichnung angefertigt. Dazu ist auch ein sehr schöner Katalog entstanden. Bettina Krieg, La Danse – A drawing a day – LOCKDOWN DIARIES, 60 x 42 cm, 2020 Zusätzlich hat sie einen umfassenden Katalog über ihr Werk veröffentlicht und hat in diesem Jahr eine ganz neue Werkgruppe von großen Zeichnungen entwickelt, in der sie mehrere Farben innerhalb einer Arbeit verwendet, was sie vorher nie getan hat. Die Farben die sie in früheren Werken immer nur monochrom auf einem Blatt verwendet hat, legt sie nun nebeneinander wodurch in der Gesamtwirkung eine eigene Farbigkeit entsteht. Bettina Krieg, Sequences, Acryl auf Papier, 100 x 70 cm, 2021 Die verdichteten Zeichnungen scheinen sich optisch zu bewegen und erinnern damit an Werke der Op-Art der 60er Jahre. Für einige Zeichnungen wird diese Bewegung nun tatsächlich in einer virtuellen Animation (augmented reality AR versions) in Bewegung versetzt. […]

bis 08.01. | #3250ARTatBerlin | Galerie aKonzept und Raphael Lévy zeigen ab 19. November 2021 die Ausstellung Innen Außen mit 14 Künstler:innen, 15 Werken und mit 10 weißen Kartons einer anonymen Person. «Als du zuletzt ausgingst, war der Boden verschneit. Nun auf dem Rücken im Dunkeln, stehst du an jenem Morgen auf der Schwelle der leise hinter dir geschlossenen Tür. Mit gesenktem Kopf an die Tür gelehnt, schickst du dich an loszugehen. Als du die Augen wieder öffnest, sind deine Füsse verschwunden und deine Mantelschösse ruhen auf dem Schnee.»* Anlass für diese Ausstellung war ein Briefumschlag, den die Galerie akonzept vor einigen Monaten aus Frankreich erhalten hat. Der Absender hat seinen Namen nicht genannt. Der Umschlag enthielt 10 weiße Kartons, auf denen die Vorderseite einiger Familienfotos mit doppelseitigem Klebeband befestigt waren, sowie einen kleinen Zettel mit folgendem Text: «Ich habe kein Talent für jegliche künstlerische Tätigkeit. Talent geht dem Bedürfnis, etwas zu schaffen, voraus. Ohne das gibt es keine Erfüllung. Alles, was ich begann, wurde abrupt durch das Mittelmass des Entwurfs gestoppt und sofort zerstört; wie eine Schublade, die sich nur von innen öffnen lässt. Kürzlich habe ich auf weißem Karton die Vorderseite einiger alter Familienfotos mit doppelseitigem Klebeband befestigt. […]

bis 26.02. | #3233ARTatBerlin | Stella A. präsentiert ab 12. November 2021 (Vernissage: 11.11.) die Ausstellung „Walter Benjamin – Orte einer Berliner Kindheit“ des Künstlers Eddie Bonesire. Blumes Hof? Nettelbeckstraße? Stettiner Bahnhof? Was ist aus den Orten geworden, die der Schriftsteller und Philosoph Walter Benjamin (Berlin 1892 – Portbou 1940) in Berliner Kindheit um neunzehnhundert beschreibt? Eddie Bonesire führt uns mit seiner Fotografie an Berliner Lebensorte von Benjamin zurück und lässt einige dieser Orte in der Vorstellung wieder aufleben, auch wenn ihr Erscheinungsbild sich zum Teil drastisch verändert hat. Bei der Spurensuche nach Walter Benjamin, der sich auf der Flucht vor den Nazis selbst tötete, entdeckt man eine Stadt, die in großen Teilen untergegangen ist. In Berlin trifft man bis heute überall auf Zeugnisse seiner wechselvollen Geschichte. Eddie Bonesire wurde 1956 in Gent (Belgien) geboren. Er studierte Übersetzung und Dolmetschen an der Université Catholique de Louvain und Fotografie an der Ostkreuzschule für Fotografie (Meisterklasse Prof. Ute Mahler und Ingo Taubhorn). Er lebt und arbeitet als freier Fotograf und Autor in Berlin und Brüssel. Zu seinen Interessensschwerpunkten gehören politische und soziale Geschichte, Stadt und Landschaft, sowie experimentelle Fotografie. Zu dieser Ausstellung erscheint unter dem gleichnamigen Titel ein Buch mit Fotografien von […]

bis 15.01. | #3246ARTatBerlin | Luisa Catucci Gallery präsentiert ab 18. November 2021 die Gruppenausstellung MTINDO USHAIRI mit Fotografie, Video, Textilkunst und Installation von Waridi Schrobsdorff und Daniele Tamagni / Manuela Toselli, mit dem Sondergast Sydney Emeka Nwakanma. Die Ausstellung MTINDO USHAIRI (Swahili für Poetische Bewegung) verbindet das Projekt MTINDO der afrikanischen Mode-Ikone und Aktivistin Waridi Schrobsdorff mit Fotos des verstorbenen preisgekrönten italienischen Fotografen Daniele Tamagni sowie den USHAIRI-Arbeiten von Manuela Toselli, einer italienischen Konzeptkünstlerin, die mit Seide arbeitet. Bereichert wird es durch den Beitrag des deutsch-afrikanischen Modedesigners Sydney Emeka Nwakanma. Sydney Emeka Nwakanma, via Luisa Catucci Gallery MTINDO ist das Suaheli-Wort für Stil. Es steht gleichbedeutend für die Art und Weise, wie man sich bewegt oder wie man sich präsentiert. USHAIRI ist das Suaheli-Wort für Gedicht und Poesie. Die Vibrationen der vielen leuchtenden Farben der Ausstellung drängen den Betrachter dazu, über seine begrenzte und vorurteilsbeladene Sichtweise hinauszugehen und MTINDO USHAIRI zu umarmen – eine poetische Bewegung, die aus dem Unbehagen heraus geboren wurde und in einem bunten Strauß sensibler Schönheit erblüht, die durch die Werke dieser Künstler/Geschichtenerzähler erzählt wird. Ausgehend von unterschiedlichen Voraussetzungen haben die Zwänge, die durch die Persönlichkeit, die physische Situation und den historischen Wettbewerb diktiert werden, […]

bis 29.01. | #3243ARTatBerlin | Galerie feinart berlin zeigt ab 18. November 2021 die Ausstellung Wunschmaschinen der Künstlerin Maria Wirth. In der Malerei von Maria Wirth geht es um Körperlichkeit, Identität und zwischenmenschliche Wirklichkeiten. Unter dem Titel „Wunschmaschinen“ werden die aktuellen Arbeiten aus 2021 ins Licht der psychologisch-strukturalistischen Kapitalismus- und Konsumkritik von Deleuze & Guattari gerückt. „Es atmet, wärmt, ißt. Es scheißt, es fickt. Das Es … Überall sind es Maschinen im wahrsten Sinne des Wortes: Maschinen von Maschinen, mit ihren Kupplungen und Schaltungen. Angeschlossen eine Organmaschine an eine Quellmaschine: Der Strom, von dieser hervorgebracht, wird von jener unterbrochen. Die Brust ist eine Maschine zur Herstellung von Milch, und mit ihr verkoppelt die Mundmaschine. Der Mund des Appetitlosen hält die Schwebe zwischen einer Eßmaschine, einer Analmaschine, einer Sprechmaschine, einer Atmungsmaschine (Asthma-Anfall). In diesem Sinne ist jeder Bastler; einem jeden seine kleinen Maschinen.“ (Deleuze/ Guattari, Anti-Ödipus: Kapitalismus und Schizophrenie I) Maria Wirth, „Imagination au fin du monde“, 130 x 130cm, Öl und Kohle auf Leinwand, 2021 © MW In der Malerei von Maria Wirth (*1987) geht es um Körperlichkeit, Identität und zwischenmenschliche Wirklichkeiten. Ihre farbintensiven abstrakten Bildräume behausen menschliche und tierische Körper, die sich, so prägnant sie auf den ersten Blick […]

bis 27.11. | #3240ARTatBerlin | aquabitArt Galerie präsentiert ab 5. November 2021 die Ausstellung UNMASEKD #1 #2 #3 mit Mini-Serien von neun Künstler:innen der Galerie. Die Ausstellung ist Teil der Ausstellungsreihe UNMASKED. Bis zum 27. November 2021 zeigt die Galerie aquabitArt kleinformatige Kunstwerke von Wilfried Habrich, Poren Huang, Margaret Hunter, Paula Klien, Peter Lindenberg, Janine Mackenroth, Annette Selle und Hugo Stuber. Wilfried Habrich, good vibrations, deus ex machina jell o, 2020 Bücher aus der Raritätensammlung der Galerie runden das Angebot ab. Anlässlich des druckfrischen Webshops › BUY ART können diese Kunstwerke online erworben und in der Galerie abgeholt werden. Als Sonderangebot bis zum 4. Advent, 19. Dezember 2021 gelten 5% Rabatt bei Online-Bestellung und Abholung Ihrer Lieblingskunstwerke in der Auguststraße 35, 10119 Berlin-Mitte. Margaret Hunter, Together One, 2021, Pastel on paper, 297 x 210 mm Hugo Stuber, Personalities Unmasked, 2021, Farbdruck auf Alu Dibond, 48 x 45 cm Peter Lindenberg, Blicke 1, 2015, 40 x 33 cm Paula Klien, Cloud 11 1, 2020 Janine Mackenroth, CHIPS, 2019, Nr 39 Zeitgleich zur Ausstellung eröffnet aquabitArt Galerie den neuen Webshop Buy Art, erreichbar über die Webseite der Galerie. Eröffnung: Freitag, 5. November 2021 Ausstellungsdaten: Freitag, 5. November bis Samstag, 27. November 2021, […]

bis 29.01. | #3231ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler zeigt ab 4. November 2021 in der Window Gallery der Goethestraße 2/3 eine Gruppenausstellung mit Arbeiten der Künstler:innen Albert Oehlen, Adam Pendleton, Pope.L und Amy Sillman. Diese Gruppenausstellung wird von einer Einzelausstellung von Adam Pendleton in der Galerie Max Hetzler, Paris, begleitet, welche die sich wiederholenden Verfahren von Schrift und Geste in den Zeichnungen des Künstlers untersucht. Oehlen, Pendleton, Pope.L, Sillman möchte anhand einer Auswahl von Gemälden und Zeichnungen von vier Künstlern deren Besonderheiten und Divergenzen herausarbeiten. Es handelt sich hierbei um Werke mit einer besonderen Verbindung zu den Herausforderungen der malerischen Geste und der Dynamik der Wiederholung. Bei allen hier gezeigten Arbeiten geht es nicht in erster Linie um den gestischen Ausdruck, sondern um einen Bereich, in dem die künstlerische Handschrift von einem Prozess, einer Performance, einer Technologie oder einer anderen Weiterentwicklung, die sie übersteigt, mitgerissen wird. Albert Oehlens Software-Presets und Computer/Malerei-Mimesis; Adam Pendletons verdoppelte Pinselführung, gesprayte Sprache und typografsche Fragmente; Pope.Ls maßstabsgetreue, ungegenständliche Bastarde auf Radiergummi; Amy Sillmans Raster aus nonfgurativen Animationskomponenten: alle sind Werke im Fluss, in einem Zustand ständiger Herstellung und Überarbeitung. Zwar präsentieren sich alle in gewisser Weise als Gemälde oder Zeichnungen, doch beziehen sie sich gleichzeitig […]

bis 11.12. | #3219ARTatBerlin | ARTCO Galerie Berlin präsentiert ab 2. November 2021 die Ausstellung „Spuren der Gewalt – Das Deutsche Kaiserreich im südlichen Afrika“ mit Arbeiten des argentinischen Künstlers Marcelo Brodsky und der namibianischen Künstlerin Hildegard Titus. Beide engagieren sich auch als Aktivisten. Der erste Völkermord des 20. Jahrhunderts wurde 1904 – 1908 vom Deutschen Reich in Südwestafrika, dem heutigen Namibia, begangen. Der Genozid richtete sich gegen die Volksgruppen der Nama und Ovaherero, die Ureinwohner dieser Region. Im Zuge der Teilung Afrikas durch die europäischen Mächte in der Berliner Konferenz von 1884/1885 erwarb das Kaiserreich das Recht, Südwestafrika zu kolonisieren. Die Kolonialpolitik beinhaltete die Vertreibung der lokalen Gemeinschaften von Nama und Ovaherero von ihrem fruchtbaren Land, damit sich deutsche Kolonisatoren und Farmer dort niederlassen konnten. Marcelo Brodsky, We made your women work for us Als Künstler und Menschenrechtsaktivist glaubt Marcelo Brodsky an die Bedeutung der Kunst in der gesellschaftlichen Debatte. An ihre Fähigkeit, den öffentlichen Meinungsbildungsprozess zu beeinflussen und die Aufmerksamkeit der Medien zu gewinnen. Marcelo Brodsky, We tested the showers Das Thema Menschenrechtsverletzung war und ist zentraler Bestandteil seiner Kunst. International bekannt wurde Brodsky mit seinem Werkzyklus „Buena Memoria“ (1997) über die Verschleppung einiger seiner Klassenkameraden und seines Bruders Fernando […]

bis 18.12. | #3231ARTatBerlin | oqbo – raum für bild wort ton präsentiert ab 6. November 2021 die Einzelausstellung ANWANDELN der Künstlerin Julia Ziegler. Der Titel lädt zu Gedankenspielen ein. Wer eine Anwandlung hat, wird eigentümlich ergriffen, handelt impulsiv und ungeplant, geleitet von der Intuition, die gerne Regeln außer Acht lässt. Verben mit der Endung „…eln“ beschreiben oft etwas Vages, das sich in Schlaufen bewegt und Spiel und Zufall beherbergt – tänzeln, kreiseln, kitzeln…. Im Titel sind die Worte „an, Wand und Wandel“ enthalten, die man zu einer zielgerichteten Tätigkeit bündeln kann. Julia Ziegler widmet diese Einzelausstellung bei oqbo keiner homogenen Werkgruppe, sondern installiert Papierarbeiten mit unterschiedlichen Motiven und Materialien. Durch flüchtige Blickmomente angestoßen, konzentrieren sie sich auf einen Aspekt, einzelne Augenblicke und Eindrücke stehen im Vordergrund. Gestützt auf ein Foto oder eine Erinnerung sind es Bilder, denen eine konkrete Situation zugrunde liegt. Der Ausstellungsraum ist malerisch verändert, behauptet neue Gegebenheiten, etwas größer zu sein oder einen Nebenraum zu besitzen. Die Bilder als Protagonisten spielen mit. Courtesy by Galerie oqbo – Photo © Julia Ziegler Die Installation im Untergeschoss bezieht sich auf die Performance „DIE LATERNEN DER MARLENE”, die als Hommage an Marlene Poelzig im September 2021 im Haus des Rundfunks stattfand anlässlich des KunstimBau-Festivals zum 90jährigen Bestehen des Hauses. Vernissage: Freitag 5. November 2021, ab 19:00 […]

bis 08.01. | #3228ARTatBerlin | Galerie Nordenhake Berlin präsentiert ab 30. Oktober 2021 die Ausstellung Tales from the Underworld des Künstlers Runo Lagomarsino. Es ist die erste Ausstellung des Künstlers mit der Galerie. Mit präzisen und poetischen Verschiebungen erzeugt Runo Lagomarsino Reibungsfelder zwischen Sprache, Materialität und historischen Erzählungen. Für seine erste Einzelausstellung in Deutschland „Tales from the Underworld“ versammelt er eine Gruppe neuer und aktueller Arbeiten, darunter das titelgebende Werk „Tales from the Underworld“, das sich auf das Insektenlabor des Ethnologischen Museums in Berlin bezieht, einer Spezialabteilung des Museums, die zu konservatorischen Zwecken Insektenarten aus der Sammlung züchtet und beobachtet. Das Werk „Mad Toy“, das seine eigene Familiengeschichte mit umfassenderen Fragen zu Sprache, Geschichtsschreibung, Migration und Exil verknüpft, bildet das Gravitationszentrum der Ausstellung. Lagomarsino hat diese Installation aus Stapeln von gedruckten Buchumschlägen für seine jüngste Ausstellung in der Lunds konsthall adaptiert und weiterentwickelt. Wie Alan Pauls in seinem Essay „Rearview“ über die Arbeit betont, der begleitend zur Ausstellung abgedruckt wird, entfaltet das unscheinbare Papier komplexe Geschichten und dient als nicht weniger als „ein alchemistisches Objekt, ein schwaches Wunder, eine Fata Morgana vielleicht: etwas, das eine Erinnerung reproduziert, während es das Rätsel seines Inhalts bewahrt.“ Tales from the Underworld, 2020, detail […]

bis 15.01. | #3215ARTatBerlin | drj art projects zeigt ab 31. Oktober 2021 die Ausstellung DUAL MANIFOLD – Geometrie in Skulptur und Malerei als Gegenüberstellung des spanischen Bildhauers Carles Valverde und der niederländischen Malerin José Heerkens. Geometrie erscheint uns als ein vertrautes und alltägliches Phänomen. Dabei hat man zumeist die Elementargeometrie im Sinn, die wir alle im Mathematikunterricht kennengelernt haben. Hier wurde sich ausgiebig mit Punkten, Geraden, Ebenen, Körpern, Abständen, Winkeln etc. beschäftigt. Interessanterweise war hierfür früher auch der Begriff »Raumlehre« verbreitet. Taucht man tiefer in die Materie ein, wird aber schnell klar, dass Geometrie in der Theorie und Praxis der Mathematik ein sehr komplexes und weit gefächertes Gebiet ist. Dadurch, dass sie auch Grundlage für viele technische und digitale Anwendungen ist, wirkt sie zudem sehr viel umfassender in unseren Alltag hinein, als es uns bewusst ist. drj art projects nähert sich diesem Terrain vor dem Hintergrund seines inhaltlichen Programms konzeptuell-minimaler Kunst: In DUAL MANIFOLD wird eine Gegenüberstellung von künstlerischen Positionen der Skulptur und Malerei unternommen, die den Aspekt der geometrischen Grundlagen auf diesem Feld beleuchtet. Exemplarisch ausgewählt wurden hierfür Arbeiten des spanisch-schweizerischen Bildhauers Carles Valverde [*1965, Terrassa, Barcelona/ES] und der niederländischen Malerin José Heerkens [*1950, Dinther/NL]. Es interessiert dabei […]

bis 24.02. | #3212ARTatBerlin | janinebeangallery zeigt ab 19. November 2021 im Salon der Galerie die Ausstellung Wunderliche Entdeckung der Künstlerin Petra Rintelen. Petra Rintelens Bilder sind ein konzentrierter Blick auf das Sein des Lebens und der Dinge. Anklänge an Mythisches enthalten manche Bilder, Traummomente, die in kühner Verschränkung von Bewegung und Stille die menschliche Existenz erzählerisch ausloten. Wunderliche Entdeckung, 2019, Öl auf Leinwand, 140 x 75 cm Okapi, 2021, Öl auf Leinwand, 210 x 120 cm Eine nicht weniger typische Handschrift zeigen Petra Rintelens Stilleben, die in durchdachter Farbkomposition Schatten und Licht, Dunkel und Helle austarieren, so dass die Gegenstände gleichermaßen Zärte und Kraft entfalten. Das scheinbar Zufällige verwandelt sich für den Betrachter zu einer Welt des festgehaltenen Augenblicks. Petra Rintelens Bilder erzählen den seelischen Reichtum der Stille. Text: Dr. Thomas Brückner Der Gepard, Öl auf Leinwand, 145 x 100 cm, 2021 Petra Rintelen wurde 1969 geboren und studierte von 1993 bis 1997 an der Kunstakademie in Enschede in den Niederlanden. Sie nahm bis 1998 an Ausstellungen in den Niederlanden teil, u.a. am Noorderzon Performing Arts Festival in Groningen. In den 2000er Jahren zeigte sie Ihre Arbeiten bei verschiedenen Ausstellungen und Projektteilnahmen im Köln-Bonner Raum, u.a. mit Circus Roncalli […]

bis 20.11. | #3208ARTatBerlin | Galerie mutare zeigt ab 23. Oktober 2021 eine Ausstellung mit Malerei und Objekten der Künstlerin Erika Stürmer-Alex als Teil des Galerieprojekts „Die neue Brücke – durch Chaos und Ordnung zur Freiheit“. Zur Ausstellung wird eine Broschüre erscheinen und ein aktueller Kurzfilm gezeigt. Erika Stürmer-Alex, Corona überall, 2021 Erika Stürmer-Alex (Signatur EST), 1938 in Wriezen/Oderbruch geboren, studierte von 1958 bis 1963 Malerei, Grafik und Kunst am Bau an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Dann zog sie nach Woltersdorf bei Erkner. Sie bereiste Staaten des Ostblocks sowie Paris und Venedig, nach der Wende Naxos, Brasilien, London und New York. Seit 1982 lebt sie bei Frankfurt/Oder, wo sie den Kunsthof Lietzen aufbaute. Hier setzte EST ihre Kunstkurse, die sie seit 1969 am Kulturhaus Rüdersdorf gab, fort. 1991 war sie Mitbegründerin des Künstlerinnenvereins „Endmoräne“. 1992 erhielt sie den Förderpreis des Landes Brandenburg. 1994 war sie Ehrengast der Villa Massimo Rom. 2015 wurde sie für ihr Lebenswerk mit dem Brandenburgischen Kunstpreis geehrt. Seit 1990 sind ihre Werke auch auf internationalen Ausstellungen präsent, ihr Werkverzeichnis erschien 2018. Die Galerie Mutare vertritt EST seit 2017. Aufgrund der aktuellen Situation wird jeder Gast die Ausstellung anschauen können, es darf sich aber weiterhin nur eine begrenzte […]

bis 19.11. | #3223ARTatBerlin | Peres Projects präsentiert derzeit die Einzelausstellung „Spectacle of a wreck“ der Künstlerin Pam Evelyn. Pam Evelyn malt wie eine Archäologin, sie gräbt, und (ver)kleidet ihre abstrakte Kunst auf die gleiche Weise, wie Wheeler’s Archäologen an ihre Wissenschaft herangehen. Mit einer Großzügigkeit für vergangene Paradigmen, aber motiviert durch den Geist der Entdeckung. Beide führen ihr Handwerk ohne jeden Vorsatz aus und verzichten auf jegliche Verpflichtung oder Belastung durch ein – physisches oder intellektuelles – Schema, abgesehen von dem, das ihnen das Rätsel der Erforschung und die Entschlossenheit der Enthüllung diktiert. Evelyns malerische Ausgrabung ist kein formales Anliegen, sondern wird vielmehr durch die Mechanik des Prozesses angetrieben. Sie gräbt nicht in den Pigmenten der Zeit, um nach Amuletten früherer Zivilisationen zu suchen; sie ermächtigt ihre Ausgrabung in einem solchen Ausmaß, dass sie sie nicht nur bestimmen lässt, was, sondern auch wie sie zu solchen ästhetischen Offenbarungen gelangt. Es geht ihr nicht darum, das Chaos der Vergangenheit zu katalogisieren, sondern es auf eine sehr physische, persönliche Art und Weise zu erfassen und festzuhalten. Sie will die Dramatik einer Ausgrabung von solcher Extravaganz spüren. Es ist genau diese Freiheit von jeglichen Darstellungsvorschriften, die Evelyn die Möglichkeit gibt, tief in […]

bis 13.11. | #3204ARTatBerlin | lorch + seidel contemporary zeigt derzeit im temporary showroom (Potsdamer Straße 93) eine Einzelausstellung mit Malerei der Künstlerin Andrea Lehnert.  Die Ausstellung „Malerei von Andrea Lehnert“ zeigt einen Ausschnitt unterschiedlicher Werkserien aus den Jahren 2018-2021. Kleine Plein-Air- sowie Mittelformate bis zu großen Diptychen im Format 300 x 300 cm, letztere zumeist auf roher, farblos grundierter Leinwand oder Jute. Malerei von Andrea Lehnert, Foto Eric Tschernow Die Themen reichen von Landschaft, floralen und Tier-Motiven bis zu figürlicher und Portrait-Malerei, immer jedoch verbunden mit dem Bestreben, Gegenständlichkeit aufzulösen in Abstraktion, Farbraum und Farbklang. Malerei von Andrea Lehnert, Foto Eric Tschernow Landschaft gerät plötzlich zu einem Vulkanausbruch, einem Orkan, einer Flut, einem Wolkennebel oder sphärischem Äther. Malerei von Andrea Lehnert, Foto Eric Tschernow Magnolienblüten leuchten vor monochromen Hintergründen in all ihrer zarten, vergänglichen und betörenden Schönheit. Andrea Lehnert, Magnolias, 105 x 140 cm, Diptychon, Öl auf Jute, 2019 Portraits der US-amerikanischen Jazz-Sängerin Billie Holiday spiegeln die Innerlichkeit der Interpretin bei der Suche nach der Melodie. Andrea Lehnert, Billie Holiday, 41 x 30 cm, Öl auf Leinwand, 2018 Einsame „Tabledancer“ wirken wie letzte malerische Momentaufnahmen, bevor die Tänzer im Farbraum entschwinden. Andrea Lehnert, Tabledance, 41 x 37 cm, Öl auf […]

bis 20.11. | #3220ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung präsentiert ab 16. Oktober 2021 eine Einzelausstellung mit Arbeiten der Künstlerin Marlies Appel. Von Blatt zu Blatt erweitert Marlies Appel mit Neugier ihre neue Zeichnungsserie aus den letzten Jahren. Unter dem Titel ‚fold and snow, the Jungfrau‘ ist sie in dieser Ausstellung zu sehen. Erste Zeichnungen dieser Phase entstanden bereits um 2016, als innere Bilder vom frühen Schnee auf dem Schweizer Berg ‚Jungfrau Joch‘ die Künstlerin nicht mehr losließen. Beim Betrachten des spaltenreichen Bergmassivs überwältigten sie der unterschiedliche Lichteinfall und die dominant werdenden Schattenfurchen. Aber die seit langem eingeprägten Erinnerungen an die Faltenwürfe des Gewandes der ‚Madonna im Gemach‘ von Jan van Eyck waren der eigentliche Anstoß für sie, sich dem Bergmassiv zuzuwenden. Bewusst erarbeitete freie Farbfelder, geprägt von diesem für sie bedeutsamen Natureindruck, gehen in ihren Zeichnungen jetzt eine Verbindung mit einfach strukturierten Liniennetzwerken ein. Betrachter erspüren das dahinterliegende, von der Künstlerin aufgesogene Naturerlebnis. Die Schneemassen auf dem Berg, die in Formationen fliegenden Vögel, das Wolkenspiel, alles ist miteinander lyrisch im Zeichenfluss verbunden. Marlies Appel (Dongen, *1945) lebt und arbeitet in Overveen (NL); studierte an der Rietveld Akademie; sie lehrte von 1979-1996 an der AKI, Enschede The […]

bis 13.11. | #3210ARTatBerlin | Luisa Catucci Gallery zeigt ab 21. Oktober 2021 die Einzelausstellung DAS THEATER DER WIRKLICHKEIT des norwegischen Künstlers Kenneth Blom. Der international renommierte norwegische Maler Kenneth Blom nähert sich seinen Kompositionen mit der Haltung eines Theaterregisseurs: Auf konstruierten Hintergründen treten Figuren/Schauspieler auf, die das Theater der Realität verkörpern. Die Kombination aus diagonalen Linien, horizontalen Fugen und minimalistischen geometrischen Formen – die an die Strenge und den Charme der Gebäude aus der Zeit der Entstehung der modernen Architektur erinnern – lenkt den Blick des Betrachters auf das menschliche Drama, das sich auf dem Bild abspielt. . Bloms Sinn für Theatralik hat ein offensichtliches psychologisches Fundament: Die Figuren seiner Malerei und ihr Gemütszustand, der sich in ihren Handlungen widerspiegelt – ob sie stehen, springen, rennen oder fallen – sind unbestreitbare Archetypen des menschlichen Seelenzustands und existentieller Obsessionen. Kenneth Blom, Conpound, 100 x 120 cm Die latente Sensibilität der Kompositionen wird außerdem durch den geschickten Wechsel von abstrakter und figurativer Malerei unterstrichen, bei der sich wilde und kontrollierte Striche abwechseln, was dazu beiträgt, das Geheimnis, die Unruhe und das Narrativ eines jeden Bildes aufzubauen. Darüber hinaus vermitteln die szenografischen Hintergründe mit endlosem Himmel, leuchtenden Farben und geometrischen Elementen das […]

bis 30.10. | #3199ARTatBerlin | Esther Schipper präsentiert derzeit die Einzelausstellung „It Would Have Taught Me Wisdom“ der Künstlerin Cemile Sahin. Es ist die erste Ausstellung der Künstlerin mit der Galerie. Sahins neue Installation schafft eine Umgebung, in der Text und Bild miteinander verwoben sind: Sie besteht aus farbigen Plexiglasplatten mit Digitaldrucken, die eine skulpturale Struktur bilden, vor einer Tapete, die die Unterzeichnungszeremonie des Vertrags von Sèvres darstellt. Sowohl in der Bildsprache als auch in der zugrundeliegenden Erzählung stützt sich das neue Werk auf die Recherchen des Künstlers zu den Verträgen von Sèvres (1920) und Lausanne (1923) und deren anhaltende Wirkung ein Jahrhundert später. Ein Hauptmotiv ist ein digital rekonstruiertes 3D-Modell einer Porzellanstatue der Göttin Minerva, die im Mittelpunkt des Tisches stand, auf dem der Vertrag von Sèvres unterzeichnet wurde. Die künstlerische Praxis von Cemile Sahin bewegt sich zwischen Film, Fotografie, Skulptur und Literatur. Indem sie verschiedene Medien frei einsetzt, ohne das eine oder andere zu bevorzugen, verkörpert ihr Werk die heutige Synchronizität von bild- und textbasierter Kommunikation. Indem sie Bilder in ihre Bücher und Text in ihre Bildwelt integriert, bewegt sich Sahin mit außergewöhnlicher Beweglichkeit zwischen Wort und Bild, zwischen Stand- und Bewegtbild, zwischen Text als Form, Zeichen und […]

bis 11.11. | #3187ARTatBerlin | Galerie feinart berlin präsentiert ab 14. Oktober 2021 die Ausstellung „Shades of Water“ des Künstlers Ebrahim Ehrari. Die Ausstellung bringt die meisterlichen Radierungen aus Ehraris Frühwerk mit den farbintensiven abstrakten Öl- und Acrylbildern seines Spätwerkes zusammen. Ebrahim Ehrari, O. T. , 1998 © Ebrahim Ehrari Ab 1957 arbeitete Ebrahim Ehrari, geboren 1938 in Urmia, Iran (Provinz West-Aserbaidschan), für zwei Jahre als Pipelineschweißer auf der Insel Kharg im Persischen Golf. Zum Teil wurde ohne Taucherausrüstung in eine Tiefe von bis zu 40 Metern getaucht. Dieses eindringliche Erlebnis des Meeres, seiner Macht und stillen Tiefe sowie seiner Formvielfalt haben das Werk des Künstlers lebenslang geprägt. Unter dem Titel „Shades of Water“ treffen jetzt Arbeiten aus dem Früh- und dem Spätwerk Ehraris in einer Ausstellung zusammen. Im Zentrum steht das Motiv des Wassers: das Wasser als Element des Lebens, als Symbol für Reinigung, Zeit und Wissen, aber auch als Repräsentant des Schicksals, des Unbewussten und der Sehnsüchte sowie als Urgewalt und Mahnung. Ebrahim Ehrari, Versuch zu atmen, 1998 © Ebrahim Ehrari Ebrahim Ehraris Frühwerk ist bestimmt durch meisterliche Radierungen, die Michael Nungesser 1982 treffend als metaphorisch verschlüsselte Bildwelten zwischen Realistik und symbolischer Überhöhung beschreibt: „naturalistisch in der Form, […]

bis 23.10.| #3197ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt derzeit  die Gruppenausstellung Jubilee Jubilee anlässlich des 20-jährigen Galeriebestehens. Die Laura Mars Gallery wird dieses Jahr 20 Jahre jung und feiert ihr Bestehen mit einer festlichen Gruppenausstellung. Zu sehen sind Arbeiten zahlreicher Künstlerinnen und Künstler, von denen die meisten die Galerie seit langem begleiten und vice versa. Bei den künstlerischen Positionen, die bei Laura Mars präsentiert werden, spielen werkimmanente Logiken und ästhetische Konzepte eine Rolle, die für eine gewisse Unabhängigkeit stehen. Vielleicht wirken deshalb die Gruppenausstellungen, die Gundula Schmitz seit 2001, gelegentlich auch in Kooperation mit anderen, zusammenstellt, immer stimmig – trotz der unterschiedlichsten Kunstwerke, die da manchmal versammelt sind. Begleitet werden die Gruppen- oder Einzelausstellungen nationaler und internationaler KünstlerInnen oftmals mit einem Rahmenprogramm aus Vorträgen, Filmpräsentationen, Diskussionen, Konzerten und anderem. Zudem erscheinen im angeschlossenen Fantôme Verlag begleitende Kataloge und Künstlerbücher. Sichtbarstes Highlight der glamourösen Geburtstagsausstellung Jubilee Jubilee wird eine Installation der Künstlerin Bettina Allamoda sein, die sie eigens für diesen Anlass entwickelt hat. Ein im Raum verspannter Paillettenstoff fungiert als ´Trägermaterial´, als eine spezifische ´Einfassung´ der heterogenen Exponate. Ausstellungsdaten: Samstag, 18. September bis Samstag, 23. Oktober 2021     Bildunterschrift: Courtesy of Laura Mars Gallery Ausstellung Jubilee Jubilee – Laura Mars […]

bis 30.10. | #3193ARTatBerlin | Galerie Kewenig Berlin / Warehouse präsentiert derzeit die Einzelausstellung „365 Days: 1938/2017“ der Künstlerin Jamie Diamond. KEWENIG freut sich, die erste Ausstellung von Jamie Diamond im Warehouse in Berlin zu präsentieren Moabit, mit einer Serie von Fotografien. Durch Performance und Fotografie erforscht Diamond Konzepte von Identität, Erinnerung und Intimität, die den Kern von ‚365 Days: 1938/2017‘ bilden. Ausgangspunkt dieser Serie ist ein Familienalbum, das Diamond bei einem Besuch in Berlin auf einem Flohmarkt bei einem Besuch 2015. Die Fotografien aus dem Jahr 1938 halten das erste Lebensjahr eines kleinen Kindes fest, wobei jede Seite  das Alter des Kindes in Tagen anzeigt. Ein Jahr später, nachdem die US-Präsidentschaftswahlen einen Schatten auf die kommenden Jahre geworfen hatten, erinnerte sich die schwangere Diamond an die Fotos und begann, sich mit der Mutter des Kindes zu identifizieren und sich ihre Geschichte zu Beginn des Zweiten Weltkriegs vorzustellen. Diamond spielte die Szenen aus den Bildern von 1938 nach, wobei sie ähnliche Orte, Möbel und Posen verwendete und passte dabei den Zeitrahmen des Albums an. Anschließend fügte sie beide Fotos zu einer Komposition zusammen und betonte die Transparenz der beiden Bilder. Die Diskrepanzen zwischen den überlagerten Bildern offenbaren die Spannungen und […]

bis 20.11. | #3184ARTatBerlin | Galerie Sievi zeigt ab 1. Oktober 2021 die Ausstellung Réminiscence mit Skulpturen des belgischen Künstlers Martin Hollebecq. Zwischen Ying und Yang, zwischen Sturm und Überfluss, zwischen industriellen und organischen Materialien bieten die Werke von Martin Hollebecq den ganzen Reichtum einer menschlichen Reflexion über die Umwelt und die Poesie der lebendigen Welt. Still und lebendig, mit tausend und einem Schrei, je nach den Erschütterungen oder den ruhigeren Bereichen, erwacht das Material zum Leben und springt aus seinen Adern, um das Herz des Menschen zu bewässern … Rift, 59 x 35 x 12 cm, Blauer Stein, Polychrom Geheimnisvoll und betörend zugleich versucht Martin Hollebecq, die intimen Sphären eines Ortes einzufangen, um ihm seine ganze Bedeutung zu geben, ja ihn sogar zu transzendieren. Seine Kunst ist eine raffinierte Mischung aus Zen und Ökologie: Er lehrt uns, unsere Erde wiederzuentdecken und zu lieben, während er darauf besteht, ihre kostbare Gegenwart zu respektieren. Ein Glaubensbekenntnis … humanistisch. Wenn es einen Weg gibt, der von der Emotion zur Abstraktion führt, dann ist es sicherlich der, den Martin Hollebecq (Comines, 1962) seit über fünfzehn Jahren mit Freude beschreitet. Er erweckt seine Steinwelten zur Poesie des Sichtbaren und tätowiert sie mit tausend Herzschlägen […]

bis 02.01. | #3190ARTatBerlin | Schinkel Pavillon zeigt derzeit eine Ausstellung mit den Künstler:innen HR Giger & Mire Lee. Der Schinkel-Pavillon bringt die Welten des verstorbenen Schweizer Visionärs HR Giger (1940-2014) und der südkoreanischen Künstlerin Mire Lee (geb. 1988) zusammen und verwandelt sich in einen Ort der Erkundung der dunkelsten Gänge des menschlichen Körpers und der Psyche. Dieses ebenso verführerische wie dystopische Szenario ist die erste institutionelle Ausstellung von Gigers Werk in Deutschland und die erste große Präsentation von Lees Arbeit hierzulande. HR Giger war ein Maler, Bildhauer und Designer, der als „Vater“ des Xenomorph bekannt ist – dem Protagonisten des Monsters in Ridley Scotts Film „Alien“ von 1979. Die Ausstellung im Schinkel Pavillon zeigt nicht nur die ikonischen Werke des Künstlers, die zur Erschaffung des Alien-Protagonisten führten, sondern positioniert Giger auch als späten Surrealisten. Sie präsentiert das einflussreiche Gesamtkunstwerk des Künstlers – seine frühen surrealistischen Ölgemälde, Tuschezeichnungen, Skulpturen sowie bisher nicht gezeigte private Tagebücher – und hebt den alterslosen Freud’schen Horror und die gesellschaftlichen Ängste hervor, die so tief in seinem Werk verankert sind. Gigers Universum wird mit dem von Mire Lee gepaart, die in letzter Zeit durch ihre kinetischen Skulpturen und quasi-alchemischen Installationen bekannt geworden ist. Die neu […]

bis 26.02. | #3180ARTatBerlin | Galerie Brockstedt zeigt ab 1. Oktober 2021 eine Einzelausstellung mit Gemälden und Zeichnungen der Künstlerin Isabel Quintanilla (1938-2017). Es gelten die 3 G-Regelungen. Isabel Quintanilla, Sierra de Guaderrama, 1990/91, 79,5 x 100,5 cm, Öl/Holz Isabel Quintanilla Malerin und Zeichnerin des Spanischen Realismus 1938 geboren in Madrid 2017 gestorben in Madrid Isabel Quintanilla, Luisa Diaz, 1987, 74 x 58 cm, Pastell, Papier Isabel Quintanilla, El muelle (Hafenmole), 1972, 33 x 40,5 cm, Öl/Holz 1949-52 Teilnahme am Zeichen- und Malunterricht in der Werkstatt der Malerin Trinidad de la Torre in Madrid; außerdem Unterricht bei Gutiérrez Navas und Maruxia Valero 1952-53 Besuch des Abendunterrichtes an der Kunst- und Gewerbeschule in Madrid; Auszeichnung mit dem ausserordentlichen Preis des Zentralrates; in ihrer Freizeit malt sie im Museum für Kunstreproduktionen Gipsmodelle von klassischen Skulpturen, um sich auf die Zulassungsprüfung für die Kunstakademie vorzubereiten 1954-59 Studium an der Escuela Superior de Bellas Artes, Madrid, 1959 erste Ausstellungsteilnahme in Granada, Stiftung Rodriguez-Acosta 1960 Arbeit als Zeichenlehrerin; Heirat mit Francisco López, der in diesem Jahr durch öffentlichen Wettbewerb den Grossen Kunstpreis der spanischen Akademie in Rom gewinnt 1961-64 mit Francisco López in Rom, sie lernen dort den Dichter Giorgio Agamben und den Musiker Marcello […]

bis 20.11. | #3178ARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin präsentiert im Rahmen der Einweihung der neuen Galerieräume in Charlottenburg ab 17. September 2021 die Ausstellung Erich has just left the building, eine Gruppenausstellung in Erinnerung an den Künstler Erich Reusch. Gezeigt werden Arbeiten der folgenden Künstler:innen: Monika Brandmeier, Marc Goroncy, Werner Haypeter, Ingrid Lønningdal, Norbert Kricke, Erich Reusch, Günter Umberg, Elisabeth Vary, Jan Wawrzyniak In diesem Jahr wäre der deutsche Bildhauer und „Pionier des dezentralen Raums“ Erich Reusch 96 Jahre alt geworden. Aus diesem Anlass präsentiert kajetan Berlin in ihren neuen Räumlichkeiten in der Grolmanstraße 58 eine Gruppenausstellung von neun Positionen unterschiedlicher Generationen und Gattungen – Arbeiten von Reuschs Wegbegleitern, Freunden, Schülern und Kollegen, die als direkte und teils überraschende Kommentare seines künstlerischen Erbes lesbar sind. 2019 richtete die Galerie unter Reuschs Begleitung seine zu Lebzeiten letzte Einzelausstellung aus. Gemeinsam mit den teilnehmenden Künstlern und Künstlerinnen wird im Sinne des Medienexperimenteurs Reusch der Raum als das eigentliche Ereignis zu vermitteln gesucht. Jan Wawrzyniak | Erich Reusch | Monika Brandmeier | Norbert Kricke | Werner Haypeter | Erich Reusch | Ausstellungsansicht | Erich has just left the building | In Erinnerung an Erich Reusch | Galerie kajetan 2021 | Photo: Marcus Schneider […]

bis 30.10. | #3175ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin zeigt ab 17. September 2021 die Ausstellung It Seems Like That mit neuen Arbeiten des Künstlers Andro Wekua. Sprüth Magers freut sich, eine Einzelausstellung mit neuen Malereien von Andro Wekua anzukündigen. Wekuas Werke erzeugen durch ihre eindringliche Wirkung, die zwischen Verführung und Distanz oszilliert, eine Rätselhaftigkeit und Spannung, welche den Betrachter unmittelbar fesselt. Ausstellungsdaten: Freitag, 17. September – Samstag, 30. Oktober 2021     Bildunterschrift: Andro Wekua, june berlin, 2021 (Detail) © Andro Wekua, Courtesy the artist, Sprüth Magers, and Gladstone Gallery Ausstellung Andro Wekua – Sprüth Magers Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Galerien Berlin | ART at Berlin

bis 30.10. | #3172ARTatBerlin | aquabitArt Galerie zeigt ab 17. September 2021 die Ausstellung UNMASEKD #3, die dritte Ausstellung aus der Reihe UNMASKED, mit Gemälden und Zeichnungen der Künstler Wilfried Habrich und Peter Lindenberg. Die Tatsache, dass die Ausstellung in einer für unsere Gesellschaft sehr markanten Zeit stattfindet, spiegelt sich in den Namen wider. UNMASKED kann mit vielem assoziiert werden – die Maske fallen lassen, das wahre Gesicht zeigen, sich offenbaren, aber auch mit dem Überschreiten von Grenzen und dem Entdecken des Gefühls der Befreiung. Peter Lindenberg, Blicke 1, 40 x 33 cm, 2015 Während der Dauer der Ausstellung finden Künstpräsentationen ONLINE statt und in der Reihe “2 minutes for ART” wird ein kurzer Einblick in die Arbeiten der einzelnen Künstler gegeben. Peter Lindenberg, Blicke 4, 50 x 40 cm, 2015 Peter Lindenberg, Gerade so, 120 x 100 cm, 2020 “Wilfried Habrich und Peter Lindenberg teilen sich bei „UNMASKED #3“ Wand und Raum, ohne einander die Stirn zu bieten oder den Parcours streitig zu machen. Auf vergleichbare und doch ganz andere Weise waren sie in der aquabitArt Galerie schon im Herbst 2020 in einen Dialog getreten. Abermals lehnen sich beide, wie es sich für Leute ihres Berufsstands gehört, weit aus […]

bis 30.10. | #3167ARTatBerlin | Buchmann Galerie präsentiert ab 10. September 2021 die Einzelausstellung „Directions“ mit neuen Arbeiten der Künstlerin Bettina Pousttchi zum Gallery Weekend Berlin. Nach ihrer Ausstellung In Recent Years 2019/2020 in der Berlinischen Galerie, die einen umfassenden Überblick zum skulpturalen und fotografischen Werk der Künstlerin gab, der Installation Panorama im Kesselhaus des KINDL 2019/2020 und der großen Fotoinstallation Amplifier diesen Sommer auf der Hauptfassade vom Konzerthaus Berlin, fokussiert sich die Ausstellung in der Galerie auf neue Skulpturen, Wandreliefs und Fotoarbeiten. Bettina Pousttchi setzt sich in den neuen Arbeiten mit Objekten und Zeichensystemen des sich permanent verändernden Stadtraums als Lebensraum auseinander. Directions ist der Titel einer neuen Werkgruppe der Künstlerin, die im Zentrum der Ausstellung steht. Dabei handelt es sich um eine Serie von Wandreliefs aus geschnittenem und farbig beschichtetem Stahl, deren Form sich von Straßenpfeilen herleitet. Diese Zeichensysteme des urbanen Raums, die oftmals nur unbewusst wahrgenommen werden, wirken wie aus ihrem Umfeld herausgeschnitten und in einen neuen Bedeutungszusammenhang gestellt. Mit leichtem Abstand zur Wand montiert, scheinen die Cut-out Objekte zu schweben. Die scharfkantige Form lässt sie oszillieren zwischen einer Art Piktogramm und einem Graffiti. Die regulative Funktion dieser Zeichen und ihr Einfluss auf die Bewegungsmöglichkeiten des Körpers […]

bis 23.10. | #3170ARTatBerlin | Crone Side Berlin präsentiert ab 15. September 2021 (Vernissage: 14.09.) die erste Einzelausstellung Swipe up der Künstlerin Ruscha Voormann im Berliner Projektraum der Galerie Crone. Die Ausstellung findet im Rahmen des neuen Kunstevents Gallery Weekend *Discoveries statt, das sich zum Ziel gesetzt hat, junge, aufstrebende Künstler*innen zum ersten Mal einer breiteren Öffentlichkeit vorzustellen. Unter dem Titel „Swipe Up“ zeigt Voormann eine Werkserie von großformatigen, abstrakten Bildkompositionen aus Acryl, Acrylglas und Plexiglas. Ruscha Voormann, Cast from Black and White, 2020 Acryl auf Leinwand, 200 x 150 cm RVO/M 20-001, Photo: Ruscha Voormann, Courtesy: Galerie Crone, Berlin Wien Der Titel „Swipe Up“ wird aus der Gestik des Farbauftrags hergeleitet, bei dem sich die Künstlerin mit dem reaktiven Verhalten von Acrylfarbe zwischen einer Plexiglasplatte und dem eigentlichen Malgrund, der Leinwand, befasst. Dabei kommt die Plexiglasplatte zumeist in Form einer runden Scheibe zum Einsatz. Durch gezielte, rotierende Bewegungen hinterlässt sie Farbspuren zwischen sich und der Leinwand. So entsteht ein Zusammenspiel aus Kontrolle und Kontrollverlust. Ruscha Voormann, Ousia VII, 2021 Acryl auf Leinwand, 120 x 100 cm RVO/M 21-011, Photo: Ruscha Voormann, Courtesy: Galerie Crone, Berlin Wien Die Plexi- und Acrylglasplatten geben den Bildern ihre originäre, genuine Motivik und bleiben […]

bis 23.10. | #3159ARTatBerlin | Kuckei + Kuckei präsentiert ab 14. September 2021 die Ausstellung NACHTSTÜCKE des Künstlers Gerhard Winkler. Der Begriff des Nachtstücks findet kulturhistorisch sowohl in der Malerei, als auch in der Literatur und in der Musik Anwendung. Beschreibt er in der Literatur Werke eher düsteren, unheimlichen Charakters (bei E.T.A. Hoffmann und anderen Vertretern der »Schwarzen Romantik«), so steht er in der Musik in Form des Nocturnes (bzw. Notturnos) in erster Linie für getragene, »träumerische« Klavierstücke (Frédéric Chopin, John Field). Auf dem Gebiet der Malerei erfuhr das Sujet der Nachtstücke, das sich zwischen dem 15. und 17. Jhdt. großer Beliebtheit erfreute (Rembrandt, Bosch), in der Epoche der Romantik eine Renaissance, die mit einer inhaltlichen Neu-Orientierung verbunden war: Die Künstler (hier denkt man natürlich in erster Linie an Caspar David Friedrich und seine Schule) schufen nun nächtliche Landschaften mit oft geheimnisvollen Lichtverhältnissen, die als existentielle „Seelen-Landschaften“ gelesen werden konnten. Das beginnende 20. Jahrhundert sah das Nachtstück dann vor allem in Gestalt von Postkarten mit Mondscheinmotiven, allenfalls Magrittes „Reich der Lichter“ mag einem noch in den Sinn kommen. Wie zahlreiche andere Sujets der Malerei (Blumen, Seestücke etc.) fiel es einem zwar undeutlichen, doch umso nachdrücklicheren Modernitäts-Verdikt zum Opfer, galt (und […]

bis 30.10. | #3149ARTatBerlin | Galerie Buchholz präsentiert ab 15. September 2021 eine Einzelausstellung mit Werken des Künstlers Peter Fischli. Planet People Profit Es ist so eine Art Mnemosyne-Atlas einer unterbeobachteten visuellen Kultur, den Peter Fischli mit seinem neuen Projekt “Planet People Profit“ entwickelt, auch wenn es nicht um Symbole und Gesten auf Bildern geht, sondern um Texte/Titel und deren Beiwerk. Verschiedene Ordnungsschemata und Subkategorien überlagern sich dabei. Zum einen handeln alle Bücher vom Geldverdienen und dessen Optimierung, sehr viele fallen außerdem in die Kategorie der Ratgeber oder How-to-Bücher, doch einige stammen von seriösen Verlagen wie Routledge und sind, wenn auch mit ein wenig Vorsicht, wissenschaftlich zu nennen. Die meisten sind physikalisch vorhandene Bücher, einige existieren aber nur als E-Book und werden lediglich so präsentiert als wären sie physisch vorhanden. Manche wurden in Regalen einschlägiger Buchhandlungen an Londons Business-Flughafen, dem so genannten “City Airport“ fotografiert, andere im Internet gefunden. Einige sind obskur, einige sind sehr erfolgreich, einige sind Zusammenfassungen anderer, längerer erfolgreicher Bücher. Allen gemeinsam ist, dass sie den Leser_innen helfen wollen, Geld zu verdienen. In unterschiedlichen Maße haben sie dabei ein schlechtes Gewissen; manche haben keine Skrupel oder auch ostentativ keine Skrupel (David W. Leppanen, “The Art of Business […]

bis 02.10. | #3155ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts präsentiert derzeit die Einzelausstellung „Margaritas at the Mall“ des Künstlers Nick Goss. Es ist reiner Zufall, dass Nick Goss und ich so viele gemeinsame Erinnerungen an die Shopping Mall* haben und dass ich eingeladen wurde, über seine neuen Bilder zu schreiben, die von diesen bekannten Orten inspiriert sind: eine Rauferei im Suff in der Palace Bowl; Menschengruppen, die auf genau diesen Rolltreppen abhängen; eine Bahn der Bakerloo Line, die auf den Bahnsteig bei Elephant & Castle einfährt, der, fast leer, Raum für ein überraschendes Beispiel von freundlichem Kameradschaftsgeist bietet. Es ist bei den Bildern nicht so wichtig zu wissen, um genau welchen Zug und welches Einkaufszentrum es sich handelt. Aber das, was mit diesem Verkehrskreisel, diesen Straßen geschehen ist, eignet sich hervorragend, um von unserer Zeit und ihren Menschen zu sprechen: von der Stadt als dem Platzhalter für Verlust und Erinnerungen; von Bildern als Todesmasken und tragenden Strukturen. An diesem Verkehrsknotenpunkt werden wir optisch und akustisch mit dem Ende des schamlosen Idealismus der Moderne konfrontiert und mit der neoliberalen Flutwelle, die in den letzten Jahrzehnten Großbritannien kontinuierlich überflutet und auf den Straßen einen zombiehaften Zustand hinterlassen hat – wohl der Grund dafür, […]

bis 13.11. | #3162ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 11. September 2021 die Solo-Ausstellung BEYOND THE IMAGINARY LINE mit Arbeiten der Fotografin Stephanie Cornfield. Lesen Sie dazu das Interview mit der Künstlerin auf DEEDS. „Geh auf die wilde Seite des Lebens und fühl die Geräusche des Unterwegseins. Transkribiere diese Emotion in unsterbliche Bilder, kreiere einen Moment der Unsterblichkeit. Während der nächtlichen Spaziergänge in den Camps der Saddhus, an. Lebe die Brände an den Ghats bis zum Limit, geh darüber hinaus und entwickele filmische und traumhafte Bilder. Ein zentrales Bild von einer Beerdigung in Varanesi kann kontrovers aufgenommen werden, da einige Menschen das Fotografieren der Toten als respektlos empfinden. Für mich vermittelt das Bild ein friedvolles Gefühl, da der Tod ein Teil unseres Lebens ist. In der hinduistischen Religion ist das Leben die Einleitung zum Tod, der als Befreiung der Seele wahrgenommen wird. Hier trifft das Leben auf den Tod. An diesem Ghat wird der Tod gefeiert, ein friedvolles ungewöhnliches Ritual des Glücks mit bewegendem Gesang. Reumütige Melodien, die den Toten zum Tor des Himmels führen. Wenn man in Varanesi stirbt, erhält man Moksha (Erlösung), Samsara (Wiedergeburt) und ewigen Frieden. Die Befreiung von Leben und Tod. Varanasi, 2020 © Stephanie Cornfield […]

bis 29.10. | #3145ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin präsentiert ab 9. September 2021 eine Einzelausstellung mit Werken der Künstlerin Helga Goetze. Die Künstlerin hat seit Beginn der achtziger Jahre ein gewaltiges, faszinierendes Universum von gemalten Bildern, gestickten Teppichen sowie tagtäglicher schriftlicher Aufzeichnungen geschaffen. Bekannt-berüchtigt war Helga Sophia Goetze für ihre „Mahnwache“ an der Berliner Gedächtniskirche. Dort stand sie über 20 Jahre täglich eine Stunde, um ihre Botschaft zu verkünden: „Ficken macht friedlich“ – „Ficken ist Frieden“. Ein Aufenthalt bei der AAO Kommune des Aktionskünstlers Otto Mühl auf dem Friedrichshof in Österreich hat sie zum Malen gebracht. Von 1978 bis in die Mitte der 1980er Jahre entstanden ca. 500-1000 mit Ölkreide auf Papier gezeichnete, sowie mit Gouache gemalte Bilder: „Selbstdarstellungen“. Ihre Themen: Krieg, Frieden, Religion, Esoterik, Psychologie, Politik, Sex, Familie brachte sie anfangs in gemalten Bildern, später als Stickereien in die Welt. Sie erschuf ein kunsthistorisch bedeutendes umfangreiches Oeuvre, bestehend aus Bildern, Stickereien, Gedichten und Literatur. 1983 begann sie mit ihren Stickarbeiten: Die erste Stickerei war eine „Friedensfahne“. Sie sah es als ihre Aufgabe, die Symbole der Friedensbewegung, Kinder, Natur, sich selbst an der Gedächtniskirche sitzend, Mahnwache haltend, mit Nadel und Garn festzuhalten. Ein alter Bettbezug diente als Grundlage. Von […]

bis 22.12. | #3152ARTatBerlin | Semjon Contemporary zeigt ab 4. September 2021 (Vernissage: 03.09.) anlässlich des 10. Galeriegeburtstags die Gruppenausstellung X x X und legt zu diesem Anlass eine Editionsbox in einer exklusiven Auflage von nur 10 (+3) Stück auf. Versammelt sind darin Werke von Colin Ardley, Edward L. Buchanan, Takayuki Daikoku, Ute Essig, Experimental Setup (Kata Hinterlechner und Bosko Gastager), Katja Flint, Dave Grossmann, Renate Hampke, Nataly Hocke, Susanne Knaack, Harald Kohlmetz, Katja Kollowa, Dittmar Danner aka Krüger, Michael Kutschbach, Henrik Urs Müller, Susanne Pomrehn, Thomas Prochnow, Dirk Rathke, Ursula Sax, Gerda Schütte, Gil Shachar, Li Silberberg, Karina Spechter, Klaus Steinmann, Stefan Thiel, Marc von der Hocht, Hitomi Uchikura, Royden Watson, Bettina Weiß, und zusätzlich auch ein Werk von Semjon H.N. Semjon. Vorzugspreis während der Ausstellung: 4.500,00 EUR. Das erste Exemplar ist schon verkauft. Vernissage: Freitag, 3. September 2021, 19 :00 – 21:30 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 4. September bis Mittwoch, 22. Dezember 2021      Bildunterschrift: Jürgen Baumann, Lukas Heibges,  Marc von der Hocht, Michael Kutschbach, Thomas Prochnow, Dave Grossmann, Antonio von Strachwitz, Rainer Elstermann, Semjon H. N. Semjon Ausstellung X Jahre Semjon Contemporary – Semjon Contemporary | Zeitgenössische Kunst – Contemporary Art – Ausstellungen Berlin Galerien – ART […]

bis 13.11. | #3143ARTatBerlin | Bermel von Luxburg Gallery zeigt ab 16. September 2021 die zweite Einzelausstellung des deutschen Künstlers Peter Herrmann und stellt das Buch „Peters Tisch“ vor. Darüber hinaus präsentiert BvL in Zusammenarbeit mit Luisa Catucci Gallery die beiden Serien „BREAKING THROUGH“ und „INJECTIONS“ des Künstlers Omar Hassan. Bermel von Luxburg Gallery freut sich, im Rahmen der Ausstellung die Neuerscheinung des Buches PETERS TISCH von Aleksandra von Luxburg zu veröffentlichen. Darin wurden über 40 Stunden an Gesprächen zwischen Peter Herrmann und seinen Freunden Hans-Hendrik Grimmling, Arnd Kaestner und Nikolai Makarov gesammelt und in einem illustrierten Hardcover zusammengefasst. Die Galerie bedankt sich auch bei der STIFTUNG KUNSTFONDS für die großzügige Unterstützung, da die Ausstellung im Rahmen des Programms NEUSTART KULTUR stattfindet. Darüber hinaus haben die Berliner Galerien Bermel von Luxburg und Luisa Catucci Gallery beschlossen, ihre Kräfte zu vereinen, um die erste Einzelausstellung des international renommierten italienisch-ägyptischen Künstlers Omar Hassan in Berlin zu präsentieren und zu feiern. Zwei Galerien in zwei sehr unterschiedlichen Stadtteilen – Neukölln und Charlottenburg – wissen, wie wichtig die Zusammenarbeit ist, um den Aufschwung der Kultur- und Kunstszene nach dieser langen Zeit der Herausforderungen voranzutreiben. Der Anlass einer solch starken Ausstellung schien die perfekte Gelegenheit dafür […]

bis 06.11. | #3140ARTatBerlin | Galerie Kremers zeigt ab 7. September 2021 die Gruppenausstellung „Hokuspokus – Künstler:innen als Schamanen“. Präsentierte Künstler:innen: Joseph Beuys, Adébayo Bolaji, Uwe Bremer, Jude Griebel, Peter Hammer, Gregor Hiltner, Karl Kunz, Juan Logan, Natascha Mann, Alan Neider, Christian Rösner, Adolfo Schlosser, Paul Schwietzke, Taylor A. White, Reiner Zitta Diese Ausstellung ist eine Fortsetzung der VOODOO – Ausstellung, die vor zwei Jahren in der Galerie stattgefunden hat. Sie begibt sich auf die Spur des Schamanen im Künstler oder der Künstlerin. Ob sie magische Objekte geschaffen haben, ob sie Rituale und Zeremonien praktizieren, ob sie sich als Mittler zwischen den Welten verstehen, und ob sie – mehr oder weniger freiwillig – eine gesellschaftliche Sonderrolle für sich in Anspruch nehmen, ob sie das Verhältnis des Menschen zur Natur oder zu den Tieren und nicht zuletzt zu sich selber kritisch in Betracht nehmen: die hier vertretenen KünstlerInnen sind allesamt Universalisten, einschließlich des Kurators Gregor Hiltner, der sich schon seit Beginn seiner künstlerischen Laufbahn mit dem Phänomen des Glaubens bzw. Aberglaubens beschäftigt hat. Adébayo Bolaji, Woli Prophet, 2020, Constructed with found materials, steel, gold leaf, wood, tire, wire and tambourine cymbals, 105 x 150 x 53 cm Die Referenz zu Joseph […]

bis 30.09. | #3132ARTatBerlin | Sexauer Gallery präsentiert derzeit die Solo-Ausstellung „Matter & Mind“ der Künstlerin Isabelle Graeff. Isabelle Graeff reflektiert in ihrer Einzelausstellung mit Keramiken, großformatigen Fotografien, einer Leuchtschrift und einer Videoinstallation das Verhältnis von Geist und Materie. Antworten auf die diesbezüglichen Fragen suchen Menschen seit jeher im Mythos, der Religion und der Wissenschaft. Graeff verbindet in ihren Arbeiten Wissenschaft mit Spiritualität und kontrastiert eine Weltsicht, die allein auf das Materielle und das Prinzip der Dualität ausgerichtet ist Courtesy by Sexauer Gallery, Isabelle Graeff, Foto: Marcus Schneider In ihrer zweiten Einzelausstellung bei SEXAUER geht Isabelle Graeff mit  Fotografien, Keramiken und einer Videoinstallation der Frage nach, wie es denn nun sei mit Materie und Geist, Leib und Seele, Atom und Emotion. Auf diese Fragen suchen Menschen seit jeher Antworten. Im Mythos, in der Religion, der Wissenschaft – eine Suche mit Intellekt, Geistestechniken und Spiritualität. Dabei interessiert sich die Künstlerin insbesondere für das Spannungsverhältnis von Materie und Bewusstsein. In der Videoarbeit Quantum rezitieren drei nackte schwangere Frauen einen Vortrag, den Max Planck 1944 über den Urgrund der Materie hielt. Planck postuliert, es gebe keine Materie an sich, nur eine Schwingung von Teilchen, hinter denen ein intelligenter Geist stehe. Courtesy by Sexauer Gallery, Isabelle […]

bis 25.09. | #3129ARTatBerlin | galerie weisser elefant präsentiert seit 21. August 2021 die Ausstellung RAUM ERMESSEN des Künstlers Pascal Brateau.  Pascal Brateau versucht das schier Unmögliche: den Raum zu falten; etwas Unsichtbares. Es geht ihm nicht um Objekte, die sich im Raum befinden, sondern solche, mit denen der Raum selbst fühlbar wird, berührbar. Dazu sagt er: Man kann den Raum nur verstehen, wenn man sich an ihm misst; wobei „se mesurer“ auf Französisch zwar messen bedeutet, aber zugleich konfrontieren, begegnen, im Sinne von entgegentreten, trotzen…Ein schöner Gedanke: dem Raum zu trotzen, ihm das als Künstler abzutrotzen, was man zu sagen hat. Das bedeutet nichts weniger als sich behaupten, in einem Raum, der immer auch sozial determiniert ist, als Freiraum, Eigenraum, Spielraum, öffentlich wie privat. Der Raum, könnten wir mit dem großen Sun Ra sagen, der bekanntlich selbst große Räume überwunden hat, weil er vom Saturn stammt, ist überhaupt DAS große Ding: Space is the Place. Pascal geht viel pragmatischer vor, nutzt daher auch die naheliegenden Elemente: Hell und Dunkel, Innen und Außen, Fülle (Form) und Leere. – Lukas Feireiss, Autor und Kurator, betont so einfach wie bedeutsam, dass die Begriffe Raum und Ort verschiedene Konzepte repräsentieren, zwischen denen eine […]

bis 30.10. | #3134ARTatBerlin | 68 projects präsentiert ab 15. September 2021 die Ausstellung Metaphor mit Arbeiten des chinesischen Künstlers You Jin. In seinen Werken kreiert der Künstler ein eigenes Universum, um über die Komplexität des menschlichen Wesens wie auch über gesellschaftliche Dilemmata zu reflektieren. Selbst leidenschaftlich an der digitalen Welt interessiert, arbeitet You Jin in einem Land, das einen enormen wirtschaftlichen und technologischen Aufschwung erlebt hat und seitdem mit der Vergangenheit brechen will. Heute gehört You Jin einer neuen Generation chinesischer Künstler*innen an, die die zeitgenössische Szene verändern. In seinen Werken verfolgt You Jin eine Methode der Beobachtung, die philosophische Theorien sowohl östlichen als auch westlichen Denkens miteinander verschmilzt. So will er die perspektivische Beziehung zwischen chinesischer und westlicher Malerei als Mittel des Dialogs und des Verständnisses universeller Energien zusammenführen. Seine dynamischen Bilder reflektieren somit über unsere zeitgenössischen Leben, beeinflusst von ständig wechselnden Umständen, Idealen und Situationen, die oft ein systematisches Update von Selbstreflektion und Ausdruck erfordern. Dabei wendet er Elemente aus der traditionellen chinesischen Kultur und Ikonographie an, von den Sieben Weisen vom Bambushain bis hin zum Taoismus und der symbolischen Bedeutung von Bambus und Wasser. So wie die traditionellen chinesischen Landschaftsmaler hat auch You Jin eine realistische […]

bis 30.10. | #3127ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab 19. August 2021 die Ausstellung „Metrics“ des Künstlers Karl-Heinz Adler. Mit „Metrics“ präsentiert die Galerie EIGEN + ART Berlin die erste große Einzelausstellung des Künstlers Karl-Heinz Adler, seit er im Jahr 2018 verstorben ist. Zu sehen sind ausgewählte Arbeiten aus der Zeit von 1957 bis 2010, die einen intensiven Einblick in das Werk eines der bedeutendsten Vertreter der konstruktiv-konkreten Kunst bieten. Als einzelgängerischer Künstler, der in seiner Praxis das Bauhaus-Erbe mit der ästhetischen Weltsprache der konkreten Kunst unter schwierigen kulturpolitischen Bedingungen in der DDR zu verbinden wusste, kommt Karl-Heinz Adler in der neueren Kunstgeschichte eine Ausnahmestellung zu, auch wenn sich sein Œuvre mit dem der Zeitgenossen Sol LeWitt oder Max Bill assoziieren lässt. Adlers Kunst ist beseelt vom kompromisslosen Formwillen und der Durchsetzungskraft der Avantgarde. Das Spielerische und das Strenge, Praxis und Theorie, Schwere und Leichtigkeit werden in eine faszinierende Balance gebracht. Als „produzierende Systeme“ ist ihnen Erneuerung und Variabilität in den künstlerischen Quellcode eingeschrieben. Daraus ziehen sie ihre Aktualität und unheimliche Präsenz. Auszug aus dem Text von Kito Nedo Karl-Heinz Adler, „Spiegelung“, Gestaltung mit zwei unterschiedlichen Elementen, 1971-74, Buchdruck/Collage, Karton, 53 x 53 cm, Foto: Uwe Walter, Berlin  […]

bis 30.10. | #3128ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi präsentiert seit 14. August 2021 die erste Einzelausstellung „Shapes and Shadows“ mit aktuellen Papierarbeiten der Künstlerin und Szenografin Claudia Doderer. “Das Grundmaterial bleibt zwar die Modellpappe von einst, leicht eingefärbt, in den verschiedensten Weißtönen geschichtet. Es ist das Wenige, das Claudia Doderer nun interessiert, das Pure, die Konturen, der Schatten, das verhalten Sperrige, die schweigenden Widerstände.” (Gertrud Leutenegger, 2020) „Die Arbeiten von Claudia Doderer entstehen aus ihrem tiefen musikalischen Verständnis heraus. Dann werden Winkel und Proportionen so wichtig wie Tonarten und Klangfarben. Knicke und Schnitte erzeugen räumliche Wirkung und schaffen damit tatsächlich Räume für eine erweiterte Wahrnehmung. Die Vertiefung in das Material schöpft es aus, statt ständig nach etwas Neuem zu greifen. Auf diese Weise bringt ihre Kunst neue Feinheiten hervor, die uns herausfordern und überraschen. Und die uns dann, wenn wir uns Zeit für das Hinsehen gelassen haben, beglücken.“ (Dr. Bernd Feuchtner, 2020) Claudia Doderer wurde in Wiesbaden geboren und lebt in Berlin. Sie hat an der Hochschule für Bildende Künste Berlin in der Meisterklasse bei Achim Freyer Bühnenbild studiert, sowie experimentelle Komposition bei Dieter Schnebel. Inszenierungen und Bühnenbildarbeiten für klassische Werke des Repertoires sowie der Realisation von Uraufführungen aus der […]

bis 11.09. | #3121ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin präsentiert ab 9. August 2021 die Ausstellung Funny Games mit Werken des Künstlers Yassine Balbzioui. Inmitten einer grünen tropischen Landschaft sitzt ein Mann auf einem aufblasbaren rosa Flamingo, als würde er sich in einem Swimmingpool befinden, doch weit und breit ist kein Wasser in Sicht. Geheimnis, Täuschung und Spiel stehen im Mittelpunkt der surreal gemalten Szenen des in Marokko lebenden Künstlers Yassine Balbzioui. In seiner neuesten Ausstellung Funny Games in der Kristin Hjellegjerde Galerie in Berlin präsentiert er ein beeindruckendes neues Werk, das den eigentümlichen Grenzbereich zwischen Humor und Gefahr, Realität und Traum erkundet. Der Titel der Ausstellung ist dem Psychothriller des österreichischen Drehbuchautors und Filmemachers Michael Haneke von 1997 entlehnt, der ähnlich wie in Balbziouis Gemälden die Grenzen zwischen Realität und Fiktion verwischt. In Hanekes Film entführen zwei junge Männer eine Familie und quälen sie mit sadistischen Spielen in ihrem Ferienhaus, wobei sie häufig die vierte Wand durchbrechen, indem sie sich direkt zur Kamera wenden, sodass der Zuschauer zum Zeugen wird. Obwohl Balbzioui weder Horror noch Gewalt darstellt, interessiert er sich dafür, wie die Unruhe der Folterer mit einer gewissen Nostalgie verbunden ist, da ihre „Spiele“ ein merkwürdig kindliches Verhalten nachahmen. […]

bis 13.11. | #3118ARTatBerlin | RASCHE RIPKEN präsentiert ab 3. September 2021 die Einzelausstellung Mustersiedlung mit neuen Objekten des Berliner Künstlers Hein Spellmann. Ausgehend von fotografischen Ansichten großstädtischer Architekturen fertigt Hein Spellmann Fassadenobjekte, die er als Einzelstücke oder in kleinen Gruppen auf der Wand anordnet. Und waren es ursprünglich Plattenbauten, die im Mittelpunkt seines Interesses standen, so hat sich sein motivisches Repertoire inzwischen erweitert, so zum Beispiel um Treppenhäuser, Hotels, Bürogebäude oder Ladenlokale, die das Erscheinungsbild urbaner Räume allerorten bestimmen. Grundlage seiner Arbeit sind dabei fotografische Stadterkundungen in verschiedenen Ländern Europas, wobei er zuletzt eine Reihe Berliner Architekturen aufgegriffen hat, darunter auch bekannte Bauwerke der Nachkriegsmoderne, so zum Beispiel aus dem Hansaviertel. Haus IV, 2020, Holz, Schaumstoff, CLC-Print, Silikon, 38 x 77 x 9 cm Die weitere Verarbeitung im Atelier folgt indessen stets demselben manuellen Verfahren und basiert auf der Kombination ganz verschiedener Materialien. Basis seiner Objekte bildet jeweils ein Rahmengerüst aus Holz, das mit Schaumstoff überspannt wird. Darauf wird der farbige Fotoprint aufgebracht, der seinerseits mit einer transparenten Silikonschicht überzogen ist. Kleines Bikini, 2020, Holz, Schaumstoff, CLC-Print, Silikon, 48 x 95 x 9 cm Insgesamt verlieht der Künstler seinen Arbeiten somit eine plastische, kissenähnliche Gestalt, geprägt nicht nur von […]

bis 06.11. | #3115ARTatBerlin | janinebeangallery präsentiert ab 20. August 2021 die Ausstellung Corporeal and Incorporeal Structures mit Assemblagen des mexikanischen Künstlers Rogelio Manzo. Für Rogelio Manzo bedeutet die Schaffung eines Porträts mehr als die bloße Wiedergabe von Ähnlichkeit. Seine düster anziehenden Bilder der menschlichen Gestalt spiegeln eine Mischung kultureller Einflüsse ebenso wider wie eine unterschwellige Betroffenheit von der Fragilität des Lebens. Rogelio Manzo, Daniela X, 2019, 16 x 16 cm, Öl und Mixed Media auf Epoxidharz Rogelio Manzo studierte anfänglich Architektur und beschäftigte sich gleichzeitig mit Malerei. Architektur jedoch empfand er für sich als „zu strikt“. In den folgenden Jahren setzte er seine Leidenschaft zur Malerei in Verbindung mit den im Architekturstudium erworbenen zeichnerischen Fähigkeiten um und begann, sich beruflich vollständig und erfolgreich der Kunst zu widmen. Rogelio Manzo, Mika IV, 2018, 102 x 102 cm, Öl und Mixed Media auf Epoxidharz Platte Manzos Erfahrungen während des Architekturstudiums brachten es unter anderem mit sich, dass er für einen Teil seiner Werke ungewöhnliche Materialien wie Gipsplatten verwendet. Diese Platten modifiziert er, sie werden geschliffen und vorbereitet für den Auftrag von Farben und Lagen von Stoffen wie Seide und anderen Textilien. Manzo experimentierte mit einer Vielfalt von Materialien, um schließlich eine […]

bis 12.09. | #3112ARTatBerlin | Galerie Sievi präsentiert derzeit die Gruppenausstellung Vitality & Silence. In „Vitality & Silence“ werden Arbeiten der Künstler:innen Darko Lesjak, Olivier Messas und Berit-Kristina Weiss gezeigt. Olivier Messas Gerade die Malerei stellt für Olivier Messas ein perfektes Gleichgewicht zwischen Spiritualität und Realismus dar. Sie ist ein Mittel, um seine Emotionen, sein kulturelles Erbe, aber auch sein Bedürfnis nach Flucht in Farben, Formen und Motiven auszudrücken. Inspiration findet er auf seinen zahlreichen Reisen und Begegnungen mit verschiedenen Kulturen. Im Laufe der Jahre hat Olivier Messas seinen Stil verfeinert, der heute durch leuchtende Farben und klare Linien gekennzeichnet ist. Darko Lesjak Darko Lesjaks Malerei ist inspiriert von der Kraft und Ästhetik der Natur, die sich in seinen dynamischen und farbenfrohen Bildkompositionen widerspiegelt. In seiner neuen Serie „Eisbach“ überrascht er jedoch mit reduzierten Farbtönen und kraftvollen figurativen Elementen, die einen nachdenklichen, fast mystischen Eindruck hinterlassen.   Berit-Kristina Weiss Berit-Kristina Weiss beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit Landschaftsmalerei im weiteren Sinne und ästhetischen Positionen, die der Kunst gemeinhin zugrunde liegen. Sie interessiert sich besonders für den Bereich jenseits des Zenits von Schönheit und Perfektion. Berit-Kristina Weiss wurde in Berlin geboren und absolvierte dort ihr Kunst- und Geisteswissenschaftliches Studium. Sie lebt […]

bis 14.08. | #3109ARTatBerlin | GALERIE SCHMALFUSS BERLIN zeigt derzeit die Gruppenausstellung „RUW!“ mit Werken von Katharina Arndt, Hanna Becher, Thomas Hillig, Jakob Kirchheim, Petra Lottje, Paula Muhr, Kathrin Rank, Susanne Roewer, Eva Schwab, Poul R. Weile & Marian Wijnvoord. Wer RUW! noch nicht kennt: Hinter diesem Namen verbirgt sich ein Zusammenschluss von Berliner Künstlerinnen und Künstlern, die seit 2013 im do it yourself-Verfahren unterschiedliche, selbst gestellte Themen in einem jährlichen Kunstmagazin bearbeiten. Dabei bleibt die Zusammensetzung der Gruppe immer fließend, manche sind seit Beginn dabei, andere kamen später dazu. Thomas Hillig, ICC_Parkhaus_20170326-155 | Inkjetdruck auf Fotopapier / Aludibond, 40 x 60 cm, 2017 Das RUW!-Magazin umfasst ausgewählte Originalarbeiten und wird in einer Auflage von 50 Exemplaren herausgeben. Bei den jährlichen Pop-up-Ausstellungen werden, begleitend zum Magazin, je ein kleines Werk pro Teilnehmerin und Teilnehmer gezeigt. Susanne Roewer, Gulliver, 2017, Bronze / Palladium beschichtet (mit Stahlgerüst), 170 x 30 x 40 cm In den großzügigen Räumlichkeiten der Galerie Schmalfuss wird dieses Konzept umgedreht und sprengt den gewohnten Rahmen. Der Titel RUW! bleibt bestehen, doch bekommen die Künstlerinnen und Künstler die Möglichkeit, nun auch gemeinsam ihre großen Formate und plastischen Werke zu zeigen. Begleitung ist das Magazin. Hannah Becher, Station, 2021, Acryl […]

bis 02.09. | #3106ARTatBerlin | Luisa Catucci Gallery zeigt ab 9. August 2021 die von Isorropia Homegallery kuratierte Ausstellung GEHEIMKABINETT mit Arbeiten von fünf Künstler:innen. Präsentiert werden Werke von Silvia Argiolas, Piero Figura, Andrea Gallo, Nico Mingozzi und Silvia Paci. Der Titel der Ausstellung ist eine Hommage an das „Gabinetto Segreto“ (Geheimes Kabinett), eine Abteilung des Archäologischen Nationalmuseums von Neapel, in der ausschließlich erotische und sexuelle Exponate der griechischen und römischen Kunst ausgestellt sind. Im Laufe der Zeit wurde das Kabinett einer Zensur unterworfen, die die öffentliche Ausstellung der darin enthaltenen Werke verbot und sogar mit deren Vernichtung drohte. Der sexuelle Akt, der von den antiken Künstlern in einer expliziten und natürlichen Weise dargestellt wurde, wurde von den Zeitgenossen als ein Symbol der Verderbtheit, Obszönität und Sünde angesehen. Piero Figura Dies verdeutlicht das schwierige Verhältnis der Öffentlichkeit zur erotischen Kunst, die seit jeher umstritten und Gegenstand von Skandalen ist. Die Arbeiten der fünf Künstler stehen in dieser Tradition und untersuchen mit unterschiedlichen Sprachen die vielen Facetten der Sexualität und laden zu einer reflektierenden Auseinandersetzung ein, ausgehend von der Idee, dass eine inklusive Kultur für das kollektive Wohlbefinden unerlässlich ist. Nico Mingozzi, 1358, 2021, Old photography, 15 x 9 cm Der […]

bis 04.09. | #3103ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte zeigt derzeit die Einzelausstellung Listen to me, little pig! der Künstlerin Maria Loboda. Maria Lobodas Ausstellung Listen to me, little pig! in der Galerie Thomas Schulte ist den Fehlschlägen, Doppeldeutungen und Fehlinterpretationen in der Kommunikation zwischen Mensch und Natur gewidmet. Mit charakteristischem Witz und Ironie verwandelt die Künstlerin den Raum: Eine Serie von Drucken pastoraler Landschaftsgemälde trägt von Hand eingeprägte Titel unerwarteter Ambient Soundtracks. Die Drucke bilden den panoramaartigen Hintergrund für Lobodas fragmentierte Gartenlandschaft. Zwischen Obstbäumen, die aus brutalistischen Skulpturen herauswachsen, und kerzenförmigen überwucherten Metallspalieren pflanzt die Künstlerin manipulierte Zitate aus Literatur, Musik und Kunstgeschichte, zwischen die sich die Besucher mischen, um verführt zu werden. Im Cornerspace der Galerie wird zeitgleich der Künstler Lawrence Weiner mit der Ausstellung Vertrocknete Erde & Gestreute Asche Oder Vertrocknete Erde & Vergrabenes Gold Oder präsentiert. Die Galerie freut sich, dass Lawrence Weiner die Einladung angenommen hat, diesen Sommer eine Arbeit in dem Corner Space der Galerie zu zeigen. Weiner definiert seine Arbeit als Skulptur. Die Skulptur besteht aus der Sprache und dem Material, auf das sie sich bezieht. Dabei ist die Sprache die primäre Form in der das Werk existiert. Wenn die Installation der Arbeit, die […]

bis 28.08. | #3100ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung präsentiert ab 24. Juli 2021 eine Einzelausstellung mit Arbeiten des Künstlers Sam Szembek.  In diesem Jahr können wir wieder die Spannung zwischen 4 oder 5 konzentriert gesetzten, schwarzen Linien auf dem Weiß der Papiere von Sam Szembek in einer Ausstellung in der Galerie wahrnehmen. Über Jahrzehnte hinweg ist das Material für seine Arbeit unverändert geblieben: Papier, Kohle und Radiergummi. Das Weiß der Papiere im Atelier fordert ihn als Gegenüber permanent wieder und wieder heraus. Konzentriert überführt die angestaute Erfahrung die Linien durch die Hand, bis er überzeugt ist, so und nicht anders müssen diese tiefschwarzen Linien im Zueinander auf dem weißen Blatt stehen. Zwischen den unendlichen Möglichkeiten, die ihm die senkrechten, waagerechten und diagonalen Linienverläufe bieten, kristallisieren sich wiederkehrend Zeichnungsmuster heraus, die gleichsam im Feld ihrer eigenen Tradition stehen. Auf dem von Sam Szembek bevorzugten Format 78 x 98 cm kann er körperausgreifend arbeiten. Die Zeichnungen verdeutlichen aufs Neue, wie der Künstler versucht, mit Zeichen Areale durch Linien in der Unendlichkeit von Weiß abzustecken. Sam Szembek, o.T., 2020, Kohle auf Papier, 78 x 98 cm   Sam Szembek (*1953) lebt in Kirchheim/Teck; 1979, 1981 Oberschwäbischer Kunstpreis; 1994 Paris, Stipendium […]

bis 11.09. | #3097ARTatBerlin | ARTES Berlin präsentiert ab 17. Juli 2021 die Gruppenausstellung ZERO+ mit Unikaten, Editionen und Sammlerstücken der Väter der ZEROBewegung in Gegenüberstellung mit ausgewählten Werken zeitgenössischer konzeptueller Künstler.  Zero ist die Stille. Zero ist der Anfang. Zero ist rund. Zero dreht sich. Zero ist der Mond – die Schau vereint mehr als 30 Arbeiten, darunter Unikate, Editionen und Sammlerstücke der Väter der ZEROBewegung Heinz Mack, Otto Piene und Günther Uecker und deren Umfeld, u.a. Adolf Luther, Hermann Goepfert, Herbert Zangs, Lucio Fontana und Bernard Aubertin. Die Ausstellung ZERO+ erweitert die Positionen mit Werken zeitgenössischer Künstler, u.a. Wolfgang Flad, Fabian Gatermann und Thomas Röthel, die vergleichbar konzeptuell und stilistisch arbeiten und die Idee mit neuen Techniken und Medien in die Gegenwart tragen. Adolf Luther, Hänge-Linse, 1980 Fabian Gatermann, Mobile, 2021 Den gezeigten Objekten wohnt die Gemeinsamkeit einer klaren und reduzierten Bildsprache inne. Eine ästhetische und gestalterische Diversität, die vom Linsenobjekt, koloriertem Keramikfeld, Nagelbaum und –druck, über Lithografie und Serigrafie, Mobile, Mixed Media und Installation bis zur Assemblage und Collage reicht. In ihrer Gesamtheit beleuchten die monochromen und mitunter auch polychromen Objekte eine mehrheitlich deutsche Kunstproduktion der letzten 60 Jahre und scheinen so eine Evolution, eine Ab- und […]

bis 09.09. | #3094ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 7. August 2021 in Zusammenarbeit mit der Frankfurter Galerie Anita Beckers die Ausstellung Reverberations des spanisch-amerikanischen Künstlers Daniel Canogar. Von unseren Wohnungen bis zu unseren Arbeitsplätzen treiben Daten unsere heutige Welt an und schleichen sich langsam in jeden Aspekt unseres Selbstverständnisses und Lebens ein. Es ist daher wenig überraschend, dass die Arbeiten von Daniel Conagar eine für unsere Zeit sehr wichtige Frage aufwerfen: Ist diese Entwicklung zur datengesteuerten Gesellschaft gut oder schlecht? Unsere Ausstellung zeigt mehrere aktuelle Projekte des Künstlers und erkundet die vielen Seiten dieser virtuellen Währung. Konfrontiert mit den beweglichen Farbfeldern von Canogars Skulpturen und Bildschirmen gerät die physische Welt, in der wir leben, leicht für eine Weile aus dem Blick. Welche Welt ist es, die so tief in unsere Gesellschaft eingedrungen ist – ist es eine Welt, die ich berühren und fühlen kann? Oder ist es die andere Welt, die in einem komplexen virtuellen Raum existiert? Es ist in der Tat diese taktile Beziehung zwischen dem Realen und dem Virtuellen, die im Mittelpunkt von Conagars Interesse steht. Sein Werk zeigt, wie wir mit Technologie interagieren und wie die Technologie umgekehrt unsere Wahrnehmung der Welt, unsere Kommunikation und unsere sozialen Verbindungen […]

bis 06.08. | #3091ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin zeigt ab 10. Juli 2021 die Ausstellung Your Gaze Makes Me mit Werken des Künstlers Wendimagegn Belete. Stolze Figuren mit schwarz verschleierten Gesichtern erscheinen in aufwendigen, traditionellen Kostümen vor bearbeitetem Hintergrund: Für seine neueste Werkreihe hat sich der äthiopische Künstler Wendimagegn Belete ethnografischer Schwarz-Weiß-Bilder angenommen, die er vergrößert, digital bearbeitet und druckt, um anschließend ergänzende Details von Hand zu kolorieren. So entstehen lebendige, strukturierte Porträts, die nicht nur die Taktilität von Bildern untersuchen, sondern auch ihre Beziehung zu Zeit und Geschichte. Your Gaze Makes Me, seine erste Soloausstellung in der Berliner Dependance der Kristin Hjellegjerde Gallery, bietet eine fesselnde Erkundung der Frage, wie erlernte Wahrnehmungsgewohnheiten unser Verständnis von Bild und Geschichte einschränken können – und wie die Kunst neue Wege des Sehens freisetzen kann. Beletes Praxis beschäftigt sich insbesondere mit kulturellem Erbe und Identität in Bezug auf historische Erzählungen und das Konzept der epigenetischen Vererbung, von Erinnerungen, die sich über Generationen hinweg übertragen und unsere Gegenwart durchdringen. Im Laufe der Zeit hat er eine Vielzahl von Quellenmaterialien gesammelt – Fotografien, Briefe, aufgezeichnete Gespräche, Landkarten und Textilien -, welche er zu vielschichtigen visuellen Erzählungen verwebt, die sich in der Zeit vor- und zurückbewegen. […]

bis 24.07.| #3088ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt derzeit die Installation BAR der Künstlerin und Professorin Ina Weber. The Third Place (ein Ausdruck, der von dem amerikanischen Soziologen Ray Oldenburg geprägt wurde) bezeichnet Orte, die separat von Heim und Arbeitsplatz öffentliche, zugängliche Orte von Begegnung sind, wie Parks, Bibliotheken und Cafés. Hier wird aus der Privatperson eine öffentliche, im Austausch mit anderen. Ina Webers Installation BAR zeigt einen solchen Ort, after hours, in der gekrümmten Zeit um die Sperrstunde, an dem Besucher*innen dem Echo von Gesprächen, Ideen und Vorkommnissen nachspüren können. Begleitet wird die Installation durch Musik, die Joe Baiza und Michael Lembach zusammen eingespielt haben. Ina Weber (*1964) lebt und arbeitet in Berlin. 1989 – 94 Studium Universität Kassel u.a. bei Harry Kramer und Martin Kippenberger; seit 2016 Professur für Bildhauerei an der UdK Universität der Künste, Berlin. Foto: © Florian Raidt Ausstellungen in Vorbereitung 2021: Caretakers Lounge, Einzelausstellung in der Deutschen Oper Berlin anlässlich des 60. Jubiläums des Bornemann-Baus, ab 18. September; Die Kant, Gruppenausstellung im Museum Charlottenburg / Wilmers-dorf, kuratiert von Annett Gröschner und Ina Weber, ab 5. November; In Situ, urbanes Symposium und Ausstellung im öffentlichen Raum in Nürnberg, ab Oktober Einzelausstellungen (Auswahl): 2020 Künstlerhaus Palais […]

bis 22.08. | #3085ARTatBerlin | PSM Gallery zeigt ab 6. Juli 2021 die Ausstellung Destined to Protect the Productive der Künstlerin Sophie Erlund sowie das Office of Erbulian Strategies: The 37th Session mit Shannon Bool und Sophie Erlund. Die dänische Künstlerin Sophie Erlund beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Praxis mit einem sich ständig erweiternden Cluster von Themen und Fragen, aufgeworfen von Philosophen wie Hannah Arendt, Timothy Morton und Shoshana Zuboff. So sind Erlunds Skulpturen, Installationen, Film- und Soundarbeiten von ihren Gedanken über das sogenannte symbiotische Reale und eine mehr-als-menschliche Perspektive in der Zeit der zweiten Moderne des Individuums und deren Implikationen auf die Psychologie des digitalen Zeitalters geprägt. Neben neuen Skulpturen und Assemblagen für ihre fünfte Ausstellung im PSM wird Sophie Erlund das Office of Erbulian Strategies installieren: The 37th Session, ein gemeinschaftliches Projekt mit der Künstlerin Shannon Bool, das eine eine Installation von Möbelobjekten in einem post-freudianischen Setting inszeniert. Vernissage: Sonntag, 4. Juli 2021, 12:00 – 18:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 6. Juli – Sonntag, 22. August 2021     Bildunterschrift: Sophie Erlund, Gentle interdependence 2, 2021, wood, glass, ceramic, concrete, clay, metal, electro-boards, moss, mushrooms, foam, 115 x 115 x 15 cm / 45 1/4 x 45 1/4 x […]

bis 09.10. | #3082ARTatBerlin | Salongalerie Die Möwe präsentiert ab 3. Juli 2021 in der Ausstellung KLASSISCH MODERN sowohl historische als auch zeitgenössische Werke von Künstlerinnen. Die neue Ausstellung „KLASSISCH MODERN“ knüpft an die Präsentation „Das weibliche Statement“ an, in der Salongalerie Die Möwe 2019/2020 einen Einblick in das schöpferische Potenzial von Künstlerinnen der Klassischen Moderne gaben. KLASSISCH MODERN spannt nun einen zeitlichen Bogen von der Weimarer Republik über die Nachkriegszeit bis in die unmittelbare Gegenwart. „Die Möwe“ lenkt mit dieser Ausstellung einmal mehr den Fokus auf die Frauen in der Kunst, die in der Kunstgeschichtsschreibung häufig benachteiligt wurden und bis heute immer wieder um Ihre Anerkennung auf dem Kunstmarkt kämpfen müssen. Die Ausstellung führt Gegenwartskunst von Ines Doleschal, Ute Hausfeld, Christine Jackob-Marks, Holle Vollbrecht und Caroline Wagner mit Arbeiten von Vertreterinnen der Klassischen Moderne wie Else Hertzer, Katja Meirowsky und Erna Schmidt-Caroll zusammen. Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Druckgrafiken und Plastiken dieser Künstlerinnen verdeutlichen in der Vielfalt der Sujets und Stilrichtungen eine bewundernswerte Dichte und Kontinuität weiblicher Kreativität. Ines Doleschal | bauhaus, weiblich (für Anni Albers #1 u. #2) | 2019 | Acryl auf Papier (Collage) | je 32 x 24 cm Für Ines Doleschal (*1972) ist die Klassische Moderne, insbesondere das Bauhaus, […]

bis 22.08. | #3079ARTatBerlin | Esther Schipper präsentiert ab 3. Juli 2021 die Einzelausstellung Inexistence des Künstlers Etienne Chambaud. Es ist die erste Ausstellung des Künstlers mit der Galerie. Zu den ausgestellten Werken gehören eine olfaktorische und eine akustische Installation, eine skulpturale Arbeit, die einen bestimmten Temperaturverlauf erzeugt, drei Lichtinstallationen, Glasarbeiten, Bronzeskulpturen und modifizierte Tafelbilder. Die erste Arbeit, der die Besucher begegnen, ist Multiplex, eine Installation, die den Geruchssinn anspricht, und somit vertraute Räume in Erinnerung ruft, aber auch als subtile Störung wirkt. Sie nutzt die chemischen Verbindungen, die sowohl in den Markierungen von Tieren als auch in der menschlichen Umgebung vorkommen, um eine molekulare Verbindung zwischen dem Lebensraum des Tigers und dem Filmtheater herzustellen. Die Arbeit greift das Prinzip der unwillkürlichen Erinnerung auf: die oft unbewusste Assoziation eines Ortes oder einer Erfahrung mit einem Geruch. Die einzige Lichtquelle im Ausstellungsraum stellen die drei Arbeiten aus Chambauds Serie Models for Afar dar. Zwischen einer Videoleinwand, einem Leuchtkasten und einer von der Decke hängenden Lampe strahlt jede Arbeit aus der Serie sanft modulierte Lichtformationen aus, da sie so programmiert ist, dass sie die atmosphärischen und meteorologischen Lichtverhältnisse des Himmels zu einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort simuliert. In ein […]

bis 20.08. | #3076ARTatBerlin | Crone Berlin präsentiert ab 26. Juni 2021 die Einzelausstellung The Ecstatic Static des österreichischen Künstlers Robert Muntean. Gezeigt werden 22 meist großformatige Malereien, in denen der Künstler eine Verdichtung seiner bisherigen Arbeiten unternimmt und den Körper als äußere Hülle bzw. Chiffre von Emotion begreift. Robert Muntean wurde 1982 in Leoben, Österreich, geboren und lebt seit 2008 in Berlin. Seit seinem Studium an der Akademie der bildenden Künste in Wien und Leipzig entwickelte er eine eigenwillige malerische Handschrift, die zwischen Abstraktion und Figuration oszilliert. Sowohl seine Leinwand- als auch seine Papierarbeiten erwecken auf den ersten Blick den Eindruck einer rein abstrakten, gestischen Malerei. Erst bei genauer Betrachtung entdeckt man darunter figurative Elemente, zumeist Körper und Personen, die häufig Fotografien von Popstars oder Kultfiguren entnommen sind. In Munteans neuer Ausstellung „The Ecstatic Static“ treten nun erstmals die Figuren selbst in den Vordergrund. Sie werden zum bestimmenden, sofort erkennbaren Element der Bilder. Der abstrakte, gestische Malduktus ist nach wie vor sichtbar, dient jetzt aber dazu, die Figuren und Körper zu konturieren und zur Geltung zu bringen. Ihre Haltung – ihr Gebeugt-Sein, ihr Aufrecht-Stehen, ihr Sich-Winden – wird zum wesentlichen Ausdrucksmittel, in dem sich Emotion, Angst, Hoffnung, Zuversicht oder […]

bis 23.07. | #3073ARTatBerlin | Luisa Catucci Gallery präsentiert ab 23. Juni 2021 die Ausstellung WIDE ANGLE mit Arbeiten der Bildhauerin Nadia Galbati und des Fotografen Enrico Pietracci. Ausarbeitungen von urbanen Fotografien und skulpturale Extrapolationen von architektonischen Räumen sind die Protagonisten der Ausstellung WIDE ANGLE der italienischen Künstler Nadia Galbiati und Enrico Pietracci, die in den Ausstellungsräumen der Galerie Luisa Catucci in Berlin Schillerkiez-Neukölln zu sehen ist. Nadia Galbiati, Bildhauerin aus Mailand, stützt ihre Forschung auf die Untersuchung von Winkeln in der zeitgenössischen Architektur und deren fundamentale Rolle bei der Definition eines physischen Raumes, wobei sie die Beziehung zwischen leerem Raum und Material als Grundlage nimmt.  Ihre Skulpturen sind das synthetische Ergebnis der analytischen Beobachtung dieser Winkel, in Bezug auf die Volumen und Linien in städtischen Räumen und Architekturen – mit einer Vorliebe für die rationale Architektur der 1930er Jahre. Indem Galbiati die urbane Landschaft und die Makrostrukturen der Gebäude in Skulpturen und gravierte Metallplatten von relativ kleinen Dimensionen umdeutet, schafft sie einen neuen Typus von Raum – der ein wenig an El Lissitzky und die Bauhaus- und konstruktivistischen Bewegungen erinnert -, in dem dem Betrachter plötzlich die taoistische Balance zwischen voll und leer, fest und luftig bewusst wird. Nadia […]

bis 07.06. | #3068ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin präsentiert ab 10. Juni 2021 die Ausstellung „ENCORE!“ mit den Künstler:innen Maja Behrmann, Birgit Brenner und Raul Walch. ENCORE! Zugabe! Im Januar haben wir das Jahr 2021 mit drei wichtigen Ausstellungen in unseren Galerien in Leipzig und Berlin und dem EIGEN + ART Lab eingeleitet: den jeweils ersten Einzelausstellungen von Maja Behrmann und Raul Walch und der Premiere von Birgit Brenners Filmarbeit „Final Call“, die während ihres Aufenthalts in der Villa Massimo in Rom im vorangegangenen Jahr entstanden ist.  Durch die bekannten Umstände waren alle drei Ausstellungen fast ausschließlich digital zugänglich. Viele haben die Filme gesehen, die wir dazu produziert haben. Nun, da das öffentliche Leben wieder mehr in Schwung kommt, ist es an der Zeit, die drei Künstler:innen mit ihren Arbeiten endlich auch physisch in der Galerie erleben zu können! Die Leipziger Künstlerin Maja Behrmann zeigt neue Skulpturen, Strickbilder und erstmals auch Fotografien. Ihre Arbeiten sind immer graphisch und immer farbintensiv – mal freigestellte Reduktionen, mal überlagernde Verdichtungen. Maja Behrmann erschafft für ihre Arbeiten eine Probebühne, auf der die Möglichkeiten der jeweiligen Beziehungen auf Zugehörigkeiten und Abgrenzungen, Nähen und Distanzen abgetastet werden. Aktuell studiert Maja Behrmann in der Klasse […]

bis 30.06. | #3067ARTatBerlin | KLEINERVONWIESE präsentiert derzeit die Einzelausstellung IST HIER EIN NASHORN IM RAUM? mit Werken der Künstlerin FRANEK. Es ist die vierte Ausstellung am neuen Zufluchtsort der Galerie im sogenannten „Triangel“ am Checkpoint Charlie in Berlin-Mitte. Seit Anbruch des über alle überraschend hereingebrochenen Corona-Zeitalters mit diversen privaten und gesellschaftlichen Zerreißproben aller Art ist die weitere Tätigkeit der Galerie in der Friedrichstrasse 204 nur durch das großzügige Angebot dieses Schutzraumes möglich. FRANEK ist Malerin, Zeichnerin, Grafikerin. Plastiken, Fotos, Filme und Aufzeichnungen ergänzen ihr Werk. „Sie ist eine der einfallreichsten und eigenwilligsten bildenden Künstlerinnen der Gegenwart.“ L. Zerull Die Einzelausstellung anlässlich des Berliner Gallery Weekends 2021 zeigt u.a. Arbeiten aus dem Corona-Tagebuch der Künstlerin. Ganz nonchalant stellt FRANEK hier und überhaupt die alte Kontroverse nach Sichtbarkeit und Wahrnehmung auf die Probe: Wenn man Bilder anschaut, sieht man Dinge, die sichtbar sind und doch nirgendwo sonst existieren. Jedes Bild trägt das Paradox  einer anschaulichen Abwesenheit aus. Jedes Bild ist ein Störfall, eine Unterminierung der Normalität. … Tiere, Elfenwesen, Kojoten spielen und erspielen ihre Geschichten, mit offenem Ausgang. Nie verfestigen sich die Bildchiffren zu einsinniger Sicht – wie bei Wittgenstein bleibt die Frage wichtiger als die Antwort. Immer aber findet die Phantasie, die Imaginationskraft […]

bis 10.07. | #3064ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung zeigt ab 5. Juni 2021 eine Duo-Ausstellung mit Arbeiten der Künstlerin Christiane Schlosser und des Künstlers Peter Riek.   CHRISTIANE SCHLOSSER Ein farbiger Sound bestimmt in der Ausstellung von Christiane Schlosser den Galerieraum. Ein ‚Farbmeer‘ in Blauviolett bedeckt die längste Wand. 90 Einzelblätter (34 x 24 cm, 2020) hat sie Zeile für Zeile in meditativer Gelassenheit erzeichnet. In jeder Zeile trifft sie eine Entscheidung für eine Pause, bevor sie neu konzentriert den Pinsel ansetzt. Phasenweise will Christiane Schlosser Farbe einsetzen, bleibt dabei aber immer verortet in ihrer eigenwilligen Zeichenarbeit. Diese offenbart sich deutlich beim genauen Betrachten weiterer Zeichnungen in der Ausstellung. Arbeiten, bei denen oft nur aus der Nähe zu erkennen ist, dass sie das Papier mit dem Stift großflächig regelmäßig, konzentriert berührt hat. Im nachgehenden Beobachten ihrer Kürzel, oft sind es Variationen zu geometrischen Grundformen, löst sich Spannung in Ruhe. Ihre erzeichneten Ebenen ziehen sich, Zeit aufnehmend, weiter fort. Christiane Schlosser Christiane Schlosser, 1960 geboren in Viernheim, aufgewachsen in Mannheim; 1980-82 Studium an der HfbK Hamburg; 1983-86 Studium an der HdK Berlin; 1989 Stipendium des Landes Rheinland-Pfalz im Künstlerhaus Edenkoben; 1990 Stipendium an der Akademie Schloß Solitude, Stuttgart; […]

bis 28.08. | #3061ARTatBerlin | Galerie Brockstedt präsentiert ab 10. Juni 2021 in der Ausstellung „Szenario“ Gemälde und Zeichnungen des Künstlers Rocco Hettwer. „Unser Leben – Dramatische Momentaufnahmen eines Films“  Wer die Bildschöpfungen des nun zum wiederholten Male in der Galerie Brockstedt gezeigten, 1964 im sächsischen Wurzen geborenen Malers Rocco Hettwer einmal gesehen hat, weiß, dass es ihm um die spannungsvolle Inszenierung von Figur im Raum geht. Immer wieder lässt er seine Figuren auf einem mit Licht und Schatten dramatisierten Bühnenraum agieren und steigert damit ihre Ausdruckskraft. Rocco Hettwer, Der Zopf, 2021, 52 x 42 cm, Öl auf Leinwand Damit steht er in der Tradition eines nicht zuletzt durch seine Jahre in der Kunsthochschule Weißensee geprägten Realismus, dem es jedoch nicht – wie einst in der Renaissance – um einen Wettlauf mit der Wirklichkeit geht, sondern um ein persönlich geprägtes heutiges Psychogramm des Individuums, um seine Befindlichkeiten, seine Nöte. Und wir, die Betrachter, entfalten in der Begegnung mit seinen Arbeiten durch unsere jeweils verschiedenen Geschichten und Prägungen wiederum individuelle Gedanken. Rocco Hettwer, Lilli im blauen Kleid, 2020, 120 x 80 cm, Öl auf Leinwand Der Künstler selbst über sein Ziel: „Glücklich, wenn das Ergebnis eine die Einbildungskraft stimulierende Reizwelt, einen […]

bis 12.08. | #3058ARTatBerlin | drj art projects präsentiert ab 19. Mai 2021 die Gruppenausstellung UPSPACE mit Werken in Auflagen und Reihen von 20 internationalen Künstler:innen. Die Ausstellung UPSPACE sendet ein starkes Signal der Vitalität und Kraft konzeptueller + minimaler Kunst in anhaltend schwierigen Zeiten. Arbeiten von 20 internationalen Künstler:innen zeigen ein breites Spektrum von neuen und etablierten Ansätzen im Programm der edition ROTE INSEL. Dementsprechend sind die in dieser Präsentation versammelten Kunstwerke durchweg als Auflagenwerke oder in Reihen von Unikaten eines spezifischen künstlerischen Konzepts angelegt. Dabei reicht die Bandbreite von Druckgrafik und Malerei, über eine Vielzahl von Arbeiten auf und mit dem Werkstoff Papier, bis zu dreidimensionalen Licht-Objekten oder skulpturalen Werken in Keramik oder Draht. Ausstellungsansicht UPSPACE drj art projects, Foto: via drj art projects Gemeinsam, als Ausstellungskomposition, wie auch als einzelne Werke unterstreichen sie nachdrücklich die Kraft des kleinen Formats, in dem künstlerische Ideen in verdichteter Form eine sehr große Präsenz entwickeln. Zugleich sind die ausgewählten Arbeiten – wie es dem Ansatz einer Editionsausstellung entspricht – in attraktiven Preisdimensionen angelegt. Alle diese Aspekte sind von drj art projects sehr bewusst gewählt und formulieren wichtige Ziele der Ausstellung: Sie lädt sowohl zur Rückkehr des unmittelbaren Erlebens von Kunst als […]

bis 26.06. | #3054ARTatBerlin | Galerie mutare zeigt ab 19. Mai 2021 Malerei der Künstlerin Ruthi Helbitz Cohen in der Ausstellungsreihe Platons Höhle | Plato‘s Cave | La Caverne de Platon | La Caverna de Platón, ein Galerieprojekt mit mehreren Künstler*innen der Galerie. Im Rahmen der Ausstellung findet am 29. Mai 2021 von 12:00 bis 17:00 Uhr eine Portraitaktion mit Ruthi Helbitz Cohen statt, in der die Künstlerin weibliche Portraits malt – aufgrund der aktuellen Situation in Israel per Videoschaltung in die Galerie. Bei Interesse fordern Sie gern das Exposé der Galerie mutare zu dieser Aktion an. Die Hälfte der Verkaufserlöse im Rahmen dieser Porträtaktion spenden Galerie und Künstlerin dem „Lebenskultur-Verein für Teilhabe e.V.“, die älteren Menschen mit geringem Einkommen Besuche von kulturellen Veranstaltungen ermöglicht. Ruthi Helbitz Cohen, Beispielportrait Ruthi Helbitz Cohen, geboren 1969 in Israel, studierte von 1989 bis 1991 Kunst und Psychologie an der Universität von Haifa. Ihre künstlerische Ausbildung erfolgte von 1992 bis 1998 an der Hamidrasha Kunstschule des Beit Berl College in Kfar Saba und an der Bezalel Akademie für Kunst- und Kunstgewerbe in Jerusalem. Von 2008 bis 2010 studierte sie an der Oranim Hochschule in Tiw‘on mit dem Abschluss Master of Arts. Seit 1994 sind […]

bis 19.06. | #3051ARTatBerlin | Kuckei + Kuckei zeigt aktuell die Ausstellung ARTIFACTS FROM THE AGE OF ACCELERATION mit Werken der Künstlerin Lilly Lulay. Das Smartphone hat unseren Alltag in den letzten Jahren radikal verändert. Immer in griffbereiter Nähe, um uns mit der Welt zu verbinden hat es unsere Kommunikationskultur und unsere Vorstellung des Hier und Jetzt neu definiert. Die neuen Arbeiten Lilly Lulays werfen einen Blick auf das, was sich hinter den Kulissen unserer Touchscreens abspielt und blicken dazu sowohl geografisch als auch zeitlich weit zurück. Ein Foto um die Welt zu schicken ist heute eine Angelegenheit von  Sekunden und wenigen Klicks. „At Your Fingertips, Uncovering Histories of Information Transmission“ ist ein wachsendes Archiv, in dem Lulay Abbildungen von Personen, Kulturtechniken und Rohstoffen versammelt, die an der Bildübertragung per Smartphone beteiligt sind bzw. waren. In ihrem Archiv treffen Datencenter auf Abakusse, Hieroglyphen auf Emojis und Blaupausen zur fotografischen Erfassung biometrischer Daten von 1840 auf KI gesteuerte Gesichtserkennungssoftware von heute. Präsentiert wird diese Bilderflut auf schmalen Aluminiumrohren, die wie futuristische Versionen jener Staffeln und Schriftrollen anmuten, die in frühen Kulturen verwendet wurden, um Informationen von A nach B zu überliefern. Über metallische Strukturen deren Formen an Puzzleteile oder Schriftzeichen erinnern, […]

bis 10.07. | #3046ARTatBerlin | Galerie Judin präsentiert seit 1. Mai 2021 die Ausstellung We Had Everything Before Us mit neuen Werken des Künstlers Adrian Ghenie. Mit dieser Ausstellung können Adrian Ghenie und sein Galerist Juerg Judin auf 15 Jahre der Zusammenarbeit zurückblicken. Sie begann 2006 mit der inzwischen legendären Gruppenausstellung The Cluj Connection, gefolgt von einer Einzelausstellung bereits im Jahr darauf – der erste Auftritt Ghenies auf internationaler Bühne. Seither hat er sich zu einem der erfolgreichsten Maler seiner Generation gemausert – der ersten Generation, die mit dem Internet aufwuchs. Ghenies Antwort auf diese noch nie dagewesene Informations- und Bilderflut und das technische „anything goes“ war und bleibt die Konzentration auf das traditionelle, nahezu reaktionäre Medium der Malerei. Was ihn von anderen, gegenständlich malenden Künstlern seiner Generation unterscheidet, sind sein tiefes Verständnis für die Geschichte der Malerei, das sich nie in deren bloßer Zitierung erschöpft – und sein zunehmend virtuoses Spiel mit unterschiedlichen Stadien der Wiedererkennbarkeit. Vieldiskutiert ist Ghenies künstlerische Auseinandersetzung mit den Berühmten und Berüchtigten der Geschichte, die entweder die Umwälzungen des 20. Jahrhunderts vorbereitet (Charles Darwin, Vincent Van Gogh) oder aber seine großen Katastrophen zu verantworten haben (Hitler, Lenin). Regelmäßig überlagern sich in brillanten Selbstportraits deren ikonografische […]

bis 20.06. | #3043ARTatBerlin | Crone Berlin präsentiert ab 28. April 2021 anlässlich des Gallery Weekends die Ausstellung Currencies of De*Capital Delirium des/der Künstlers:in Ashley Hans Scheirl, die gemeinsam mit ihrem/ihrer Partner:in Jakob Lena Knebl den österreichischen Pavillon bei der Venedig Biennale 2022 bespielen wird. Malereien, Skulpturen und Zeichnungen verschmelzen in den Galerieräumen zu einer raumfüllenden Installation. Sie führen den Besucher in eine überbordende, wahnwitzig anmutende Traumwelt. Konsum und Sinnsuche, Restriktion und Freiheit, Gier und Entsagung, Exzess und Vereinsamung, Aufbegehren und Resignation, Identität und Transformation, Geschlecht und Hierarchie, individueller Lebensentwurf und globale Verwerfungsökonomie – all das trifft hier krachend aufeinander und mündet im digital-anarchistisch neugeordnet-gesteuerten Urknall, oder zumindest in einer neuen Weltwährung, die der Ausstellung den Titel gibt: „Currencies of De*Capital Delirium“. Ausstellungsansicht Ashley Hans Scheirl, Currencies of De*Capital Delirium, Crone Berlin, 2021, Courtesy Crone Berlin Ausstellungsansicht Ashley Hans Scheirl, Currencies of De*Capital Delirium, Crone Berlin, 2021, Courtesy Crone Berlin Links: Ashley Hans Scheirl, Synapse Trading, 2021, Acryl auf Leinwand, 125 x 175 cm (AHS/M 21-004) Rechts: Ashley Hans Scheirl, Fluffy Sucker, 2021, Acryl auf Leinwand, 125 x 175 cm (AHS/M 21-005) Angela, Angela Scheirl, Angela Hans, Angel Hans, Zeze Hans, Ah, A A A A, Hans Scheirl, Hans, Hansi, […]

bis 05.06. | #3040ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab 28. April 2021 die Ausstellung „Vie imaginaire, chapitre II: Ensemble“ mit Malerei des Künstlers Tim Eitel. „Die Kunst widerstrebt den Allgemeinbegriffen, sie stellt nur Einzelwesen dar, will nur das Einmalige. Sie reiht nicht ein; sie reiht aus.“ Marcel Schwob, Imaginäre Lebensläufe, 1896 Manche Themen und Motive finden wir in den Gemälden Tim Eitels immer wieder: die Einsamkeit der Figuren und ihr Schweigen, die ins Bild eingeschriebene, beunruhigende Illusion, das Nebeneinander von gegenständlichen Sujets und abstrakten Flächen, die den Bildraum öffnen und ihm seine Autonomie verleihen. Im Vorgang des Betrachtens scheint die Wirklichkeit allmählich zu schwinden, ein Phänomen, das man mit den Filmen Michelangelo Antonionis vergleichen könnte. Die auftretende Leere ist malerischer Ausdruck der Introspektion, innere Spannungen lösen sich im Angesicht des Nichts. In diesem zweiten Kapitel imaginärer Lebensläufe, das der Künstler drei Jahre nach dem ersten Teil in denselben Galerieräumen eröffnet, treffen nun die Protagonisten aufeinander, vielleicht eher im Stile Éric Rohmers. Die neuen Bilder handeln von Berührungen, von der gespannten Aufmerksamkeit für das Gegenüber. Ein Bart wird gestutzt, eine private Physiotherapiesitzung auf einem Bett abgehalten, ein benachbartes Ehepaar sieht uns über den Treppenabsatz an. Die Szenen sind […]

bis 29.05. | #3037ARTatBerlin | Galerie Eigenheim zeigt ab 30. April 2021 anlässlich des Gallery Weekends die Solo Show „the truth of fragile“ der Künstlerin Anna Bittersohl. Parallel dazu wird im Salon die Ausstellung „Die Konferenz der Tiere“ der Künstlerin Gökcen Dilek Acay präsentiert. Anna Bittersohl – the truth of fragile Anna Bittersohls Malerei ist von einer verrätselten Poesie durchdrungen, ihr expressiv gestischer Pinselduktus ist geprägt von Überlagerungen und Durchbrüchen, fragmentarisch liegen figurative Elemente dicht neben abstrakten Andeutungen von Landschaften oder floralen Elementen. Dabei ist diese Malweise für die Künstlerin eine Metapher für Erinnerungen und deren Beständigkeit. Diese sind oft nur bruchstückhaft in Auszügen zugegen, werden überlagert von neuen Geschehnissen. Die Protagonisten sind dementsprechend in einer unklaren Handlung eingebunden oder von phlegmatischer Abwesenheit geprägt. Anna Bittersohl, Titel ausstehend / Öl, Acryl, Gouache auf Papier / ca. 292 x 327 cm / 2021, courtesy by EIGENHEIM Weimar/Berlin Der Ausstellungstitel „the truce of fragile“ (Waffenstillstand der Zerbrechlichkeit) ist eine ebensolche poetische Annäherung an einen dialektischen Zustand zwischen Stillstand und der andauernden Wandlung der gegebenen Umstände. Universelle Fragen unserer Gegenwart kommen auf: Warum sind wir hier? Was tun wir hier überhaupt? Wer wollen wir gewesen sein? Warum sind wir in gegebenen Strukturen so […]

bis 18.06. | #3034ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin präsentiert ab 29. April 2021 eine Solo Show mit Arbeiten des Künstlers Robert Fischer. Im Jahr 2007 wurde ihm der Anerkennungspreis beim internationalen Kunstwettbewerb Euward verliehen. Der Reichtum an Wissen, an Erzähl- und bildlicher Beschreibkunst lässt seine Werke förmlich wie aufgeladen wirken. Jedes Bild scheint Wahrheiten zu beinhalten, die von Fischer gedeutet, beschrieben und vermittelt werden. In seinen Arbeiten überlagern sich mehrere Ebenen des Gestaltens und Berichtens. Zunächst bringt der Künstler in einem ersten Schritt ein wucherndes und miteinander verbundenes Zeichen- und Bildsystem aufs Papier. Instinktiv versucht man beim Betrachten (vergeblich) die langen Zeichenreihen, die an (uns bekannte) Buchstaben und Zahlen erinnern, und zum Teil wie „spiegelverkehrt“ erscheinen, zu entziffern. Fischer kombiniert diese Reihungen mit minimalistischen Zeichnungen: Kreuze, oder Kombinationen aus kurzen Linien oder Kreisen, die einen manchmal an Gesichter denken lassen. Oft werden diese Zeichen und Formen zu Gruppen organisiert und durch umrahmende Linien zusammengefügt. Nachdem so der Großteil des Blattes mit der ersten Ebene codiert und bebildert wurde – dies geschieht mal luftig mit vielen Freiflächen, mal dicht an dicht, als würde Fischer ein wahres Netz an Informationen auf dem begrenzten Platz des Bildgrundes ausbreiten wollen – beginnt er […]

bis 17.07. | #3031ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens zeigt ab 28. April 2021 die Gruppenausstellung Art Figurativa mit Arbeiten von Robert Bosisio, Peter Demetz, Domenico Grenci und Bruno Walpoth. Die Ausstellung mit vier Künstlern (zwei Malern und zwei Bildhauern) gibt einen Einblick in das äußerst lebendige künstlerische Schaffen im Bereich der figurativen Kunst in Südtirol und Oberitalien. Die über  400-jährige Tradition der Bildschnitzerei im Grödnertal, die sich im Bereich der sakralen und profanen Holzkunst einen großen Namen gemacht hat, hat in den letzten 20 Jahren eine Gruppe von Bildhauern hervorgebracht, die auf höchstem technischen Niveau die figurative zeitgenössische Skulptur zu neuer Größe gebracht haben und weltweit erfolgreich sind. Wir stellen hier zwei von Ihnen Peter Demetz und Bruno Walpoth vor. Im Bereich der Malerei zeigen wir neue Werke von Robert Bosisio, der sich ebenfalls in den letzten Jahren stark mit dem Bild des Menschen beschäftigt hat und 2020 zum Künstler des Jahres in Südtirol gewählt wurde. Hinzu kommt mit Domenico Grenci ein Maler und Zeichner aus Bologna, der sich ebenfalls fast ausschließlich mit der menschlichen Figur und noch spezieller dem Portrait beschäftigt. Robert Bosisio (*1963) erarbeitet sich seine Bilder über sehr lange Zeiträume, indem er immer neue Farbschichten (bis zu […]

bis 30.07. | #3028ARTatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 30. April 2021 anlässlich des Gallery Weekends eine Einzelausstellung If you lived here, you’d be disappointed mit Objekten des chilenischen Künstlers Francisco Rozas.  Die Galerie Gilla Loercher freut sich sehr, die vierte Einzelausstellung des chilenischen Künstlers Francisco Rozas zu präsentieren. Der Künstler konstruiert große, fragile, geometrische Objekte, die zwischen Flächigkeit und Dreidimensionalität oszillieren. Seine Objekte verkörpern exemplarische Visualisierungen von mathematischen Abhängigkeiten. Erst auf den zweiten Blick erkennt der Betrachter, dass Rozas‘ Objekte aus leichten Materialien, wie Pappe oder Papier, bestehen. Installation view Francisco Rozas at Galerie Gilla Loercher. Foto: CHROMA Francisco Rozas, geboren 1980 in Temuco, Chile. Lebt und arbeitet in Berlin. Der Künstler studierte an der ARCIS Universität Santiago de Chile, an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Rita McBride und an der Universität der Künste UdK Berlin bei Prof. Gregor Schneider und Art in Context (Masterabschluss). Er erhielt das DAAD (Deutscher Akademischer Austausch-Dienst) Stipendium und den CONICYT (Nationale Kommission für wissenschaftliche und technologische Forschung) Preis. Installation view Francisco Rozas at Galerie Gilla Loercher. Foto: CHROMA Seine Arbeiten wurden in vielen Institutionen und Galerien gezeigt: Kunsthalle Bremerhaven; Al Riwaq Art Space (Manama, Bahrain); SAVVY Contemporary, Berlin; Projektraum Berger Straße, Frankfurt […]

bis 26.06. | #3026ARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin präsentiert ab 30. April 2021 anlässlich des Gallery Weekends die dialogische Ausstellung „abhanden“ der Künstlerinnen Marta Guisande und Bea Otto. Der Titel der Ausstellung steht exemplarisch für das, was uns ganz aktuell und fundamental in einem Jahr pandemischer Bedrohung abhanden gekommen ist: Gewissheiten, die wir bisher für gewöhnlich oder ganz und gar selbstverständlich gehalten haben. Diese Thematik, die unser gesamtes bisheriges Galerieprogramm mal mehr, mal weniger durchzieht, zeichnet sich auch in den ganz unterschiedlichen Werken von Marta Guisande und Bea Otto ab. Marta Guisande | Bea Otto | abhanden | Ausstellungsansicht 2021 | Courtesy the artists & kajetan Berlin | Photo: Marcus Schneider Die in Sevilla geborene und in Köln lebende Künstlerin Marta Guisande ist eine Malerin, die das von ihr verwendete Farbmaterial – wie Eitempera, Kasein oder Acryl – zügig und spontan auf die ungrundierte Leinwand aufträgt. Marta Guisande | Ohne Titel | 2020 | Mischtechnik auf Baumwolle | 60 x 40 cm Courtesy Marta Guisande & kajetan Berlin | Photo: Marcus Schneider Bis zur gültigen Bilderstellung schließt der Arbeitsverlauf Marta Guisandes aber auch Momente des Beobachtens, des Bedenkens und den Zweifel am Entstehenden oder des zuvor Entstandenen ein: Ihre sich häufig […]

bis 29.05.| #3023ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt ab 17. April 2021 eine Duo-Ausstellung mit den Präsentationen „Museum Müm“ des Künstlers Matias Bechtold und „European Park“ der Künstlerin Louise Bristow. Die gemeinsame Ausstellung von Louise Bristow und Matias Bechtold bietet eine Zusammenschau der jeweiligen Miniaturwelten, mit deren Ausformulierung sich beide Künstler seit Langem beschäftigen. Louise Bristow komponiert auf Basis selbst gefertigter Modelle sowie unterschiedlicher bildlicher Vorlagen querformatige Ölgemälde. In Trompe-l’œil-artigen Tisch- bzw. Bühnensituationen gibt sich heterogenes bildliches ´Personal´ ein Stelldichein: Fotografien und Reproduktionen, die quasi als Bühnenbilder im Hintergrund fungieren, gemusterte Drucke sowie Architekturmodelle und phantasievoll gestaltete stereometrische Körper. Häufig erkennt man szenische Details von Kinderspielplätzen, wobei der Beschwörung der Sphäre des unbekümmerten Spiels motivisch oft die Arbeitswelt der Erwachsenen gegenübergestellt ist. Hinzu treten überkommene Artefakte aus der Kultur: das Spektrum reicht von prähistorischen Faustkeilen über folkloristisch Anmutendes bis hin zum Design der Nachkriegszeit, zu sowjetischer Monumentalplastik und zu modernistischer Architektur. Louise Bristow, European Park, 2020, oil on wood panel, 40 x 80 cm Malerisch nüchtern protokollierte Erbstücke vergangener Epochen sind auch in dem 2020 entstandenen Bild European Park anzutreffen – ein Titel, mit dem Bristow ihre gesamte Präsentation überschrieben hat. Auf dem Bild finden sich neben drei gemalten, als […]

bis Juni | #3021ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler präsentiert ab April 2021 in der Galerie Bleibtreustraße 45 und in der Window Gallery der Goethestraße 2/3 eine Solo Show mit Arbeiten von Raymond Hains. Die Ausstellung ist durch die Fensterfront sichtbar oder nach Anmeldung zu besuchen. Als eine zentrale Figur der französischen Nachkriegskunst entwickelte Raymond Hains ein komplexes künstlerisches Universum, das spielerisch Elemente der realen Welt aufgreift und die visuellen und metaphorischen Möglichkeiten sprachlicher Systeme auslotet. Ende der 1940er Jahre vor allem durch seine Arbeiten mit Plakatabrissen, den „Affiches lacérées“ und später den „Palissades“ bekannt geworden, spielt Hains in seinem Werk mit verbalen und visuellen Assoziationen, dem Verweis auf historische Momente und reflektiert zentrale Elemente der aufkommenden Konsumgesellschaft seiner Zeit. Zusammen mit Künstlern wie Yves Klein, Jean Tinguely und Jean Villeglé gehörte Hains zu den Gründungsmitgliedern des Nouveau Réalisme, dem 1960 entstandenen französischen Pendant zur Pop Art, welcher danach strebte, die Beziehung zwischen Kunst und Leben neu zu gestalten. Trotz der Kurzlebigkeit dieser Gruppe, welche in einer früheren Phase Hains‘ künstlerischer Laufbahn entstand, begleitete der Dualismus zwischen künstlerischer Tradition und Populärkultur ihn durch den Lauf seines Schaffens. In der aktuellen Ausstellung des Künstlers präsentiert die Galerie Max Hetzler Werke aus Hains‘ […]

bis 20.08. | #3017ARTatBerlin | Galerie Z22 zeigt ab 24. April 2021 die Duo-Show ALL THE BEAUTIFUL BEINGS mit Arbeiten der Künstlerinnen Carolina Amaya und Danielle Benvenuto. In „All the Beautiful Beings“ tun sich Carolina Amaya und Danielle Benvenuto zusammen, um das Leben zu feiern. Mit verschiedenen Medien wie Malerei, Fotografie, Skulptur und Installationen erforschen sie die Natur des Seins und wie wir durch die gefühlte Erfahrung Kontakt mit unserer Lebenskraft aufnehmen: das Sinnliche, das Erotische und das Alltägliche. Es ist eine Hommage an all die schönen Wesen auf diesem Planeten und an unsere Körper, die uns erlauben, zu navigieren und uns tiefer in unser Inneres zu bewegen. Danielle Benvenuto Carolina Amaya Carolina Amaya Vernissage: Samstag, 24. April 2021, 12:00 – 21:00 Uhr (Soft Opening, Zeitfensterbuchung unter info@galerie-z22.com) Ausstellungsdaten: Samstag, 24. April – Freitag, 20. August 2021 (Besuche vom 29. Juni bis 16. August nur nach Vereinbarung) HINWEIS: Bei einer Inzidenz über 100 ist neben der Luca App ein negativer Covid 19 Test vom selben Tag obligatorisch.     Bildunterschrift: via Galerie Z22, Carolina Amaya + Danielle Benvenuto Ausstellung Carolina Amaya + Danielle Benvenuto – Galerie Z22 | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 15.05. | #3014ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab präsentiert ab 15. April 2021 die Ausstellung Investment des Künstlers Malte Bartsch. Früher war zwar nicht unbedingt mehr Lametta, aber früher war mehr Krach und mehr Feuer. Autos brummten, Zigaretten glühten, Feuerwerke explodierten. Das mag nicht besonders klug, gesund oder nachhaltig gewesen sein und früher war nicht alles besser. So viel steht fest. Dennoch ist diese Art des Krachmachens und Herumlärmens auch immer eine Art seine Freude über die bloße Tatsache, dass man unerklärlicherweise am Leben ist, auszudrücken. Was passiert, wenn nichts mehr glüht, weil die E-Zigarette (neuerdings: “Tabakerhitzer”) mit Heidelbeergeschmack nichts mehr knisternd verbrennt, sondern nur noch moderat erhitzt, wenn der Tesla lautlos durch eine kühle Welt gleitet und wenn das Feuerwerk digital über einen Bildschirm konsumiert wird, anstatt mit ordentlich Kawumms und Schwefelgeruch in die Luft zu gehen? Dass diese Dinge in Zukunft eingeschränkt sein werden, ist erfreulich. Weil es vernünftig ist und weil das eine saubere und gesündere Zukunft sichern wird. Eine, die eine bessere Welt für nachfolgende Generationen hinterlässt. Doch die Stille, in die sich die Gegenwart langsam zu hüllen beginnt, verschleiert auch ihre Funktionsweisen. Sie verliert sich in Leerspekulationen und Waren, die von ihrem tatsächlichen Wert […]

bis 08.06. | #3011ARTatBerlin | Haus am Waldsee zeigt ab 7. April 2021 die digitale Einzelausstellung des Künstlerduos Fischer & el Sani. In Fortsetzung unseres erfolgreichen Lockdown-Videokunst-Programms in Kooperation mit Videoart at Midnight von Anfang Februar bis Ende März 2021, freuen wir uns für April bis Juni 2021 die erste digitale Einzelausstellung des Hauses am Waldsee im Netz ankündigen zu können. Im wöchentlichen Wechsel werden auf unserer Website immer mittwochs neue Videos des Künstlerduos Fischer & el Sani gezeigt. Programm: 7.4.    Appropriation takes you on a weird ride, 2020 14.4.    Freedom of Movement, 2019 21.4.    Der Dreisatz der Identität, 2015 28.4.    Contaminated Home, 2021 5.5.    Spelling Dystopia, 2008 12.5.    The Rise, 2007 19.5.    Toute la mémoire du monde – Alles Wissen der Welt, 2006 26.5.    Klub 2000, Rom – Paris – Marzahn, 1998 2.6.    Be supernatural, 1995 Anhand von neun Projekten ergibt sich ein spannender Überblick über 25 Jahre gemeinsame Arbeit. Stipendien haben Fischer & el Sani für längere Zeit nach Amsterdam, Rom, Tokio und Sapporo gebracht. So stellt nicht nur die Transformation der Metropole Berlin seit der Wiedervereinigung ein kontinuierliches Thema ihrer Arbeit dar, sondern vor allem auch andere historische Räume, an denen sie sich verändernde Identitäten aufspüren und unter der veränderten Sicht der Gegenwart kritisch neu […]

bis 23.04. | #3008ARTatBerlin | Galerie aKonzept und Raphael Lévy zeigen momentan die Ausstellung „Ein Inventar“, eine Gruppenausstellung mit Arbeiten verschiedenen Künstler:innen der Galerie. Mit Werken von Alighiero Boetti, Alberto Burri, Henri Chopin, Carlfriedrich Claus, František Kyncl, Natalia LL, Franz Mon, Jiří Valoch, Wolf Vostell und Ryszard Wasko. Wolf Vostell Frantisek Kyncl Alberto Burri Ausstellungsdaten: Dienstag, 30. März bis Freitag, 23. April 2021     Ausstellung Ein Inventar – An Inventory – Galerie aKonzept + Raphael Lévy | Zeitgenössische Kunst | Contemporary Art | Ausstellungen Galerien Berlin | ART at Berlin  

bis 24.04. | #3005ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin präsentiert derzeit die Ausstellung Myths des Künstlers Kelechi Nwaneri. Schwarze Figuren mit markanten, weiß auf die Haut gemalten Motiven erscheinen vor brennend blauem Himmel und stilisierten Kulissen. Diese Menschen sind die Gottheiten und Charaktere aus der Igbo-Mythologie, die der nigerianische Künstler Kelechi Nwaneri lebendig neu interpretiert hat. Die Geschichte des Igbo-Volkes im Südosten Nigerias reicht bis ins 9. Jahrhundert zurück, doch ihre indigene Lebensweise verblasst zusehends im Angesicht der dominierenden westlichen Kultur. Die erste Einzelausstellung des Künstlers mit dem Titel Myths in den Berliner Räumen der Galerie Kristin Hjellegjerde präsentiert eine neue Serie von Mixed-Media-Arbeiten, die nicht nur visuell fesselnd sind, sondern auch als wichtige künstlerische Dokumentation einer Kultur dienen, die Gefahr läuft, aus dem öffentlichen Bewusstsein gelöscht zu werden. Nwaneri verwendet Motive, die hauptsächlich aus drei indigenen Sprachen stammen – Adinkra aus Ghana, Uli und Nsbidi aus Südnigeria -, um die Haut seiner Figuren zu verzieren, wobei er oft präzise Symbole auswählt, um die Persönlichkeit des Individuums auszudrücken oder um zur weiteren Erzählung der Werkgeschichte beizutragen. Obwohl diese Motive von spezifischen, alten Schriftsystemen abgeleitet sind, ist ein Großteil der Bildsprache wiedererkennbar und kann auf einer grundlegenden Ebene interpretiert werden. Diese sorgfältige […]