bis 14.07. | #2443ARTatBerlin | Galerie Kremers präsentiert ab 3. Mai 2019 die Ausstellung The New Abstract – An Atlantic Bridge – USA – BERLIN mit Werken von Jonni Cheatwood, Taylor A. White, Robert Szot, Alan Neider, Taher Jaoui, Jenny Brosinski, Gregor Hiltner, Christian Achenbach Wer hätte vermutet, dass ausgerechnet soziale Medien tragbare Brücken bauen? Instagram macht es möglich. Über dieses Medium entdeckte der „Künstler-Kurator“ Gregor Hiltner eine Vielzahl neuer amerikanischer abstrakter Maler, die mit erfrischender kreativer Freiheit in Technik und Komposition die große Tradition der abstrakten amerikanischen Malerei weiterführen und ihr – jeder auf seine Art  – einen hochaktuellen Dreh geben. Dieser Gruppe korrespondiert eine Anzahl von in Berlin ansässigen Malern, die ähnliche Wege beschreiten. Es ist in diesen Zeiten nicht erstaunlich, dass diese Künstler schon lange in den sozialen Medien heimisch sind, sich kennen und schätzen. Das Schöpfen aus einem gemeinsamen Erfahrungsschatz, der sowohl in der Tradition als auch in der geteilten Erfahrung einer globalisierten Welt mit internationalen Märkten gefunden werden kann, ist der Anker, von dem aus die Künstler sich in verschiedene Richtungen auf den Weg machen. Robert Szot, to gather flowers constantly, 2019, 71 x 46 cm monotype collage crayon and gouache on paper Die künstlerischen Navigationsinstrumente […]

bis 22.06. | #2442ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi präsentiert ab 26. April 2019 die Ausstellung almost nothing mit weißen Werken aus Malerei und Skulptur. Galerie Pugliese Levi freut sich, anlässlich ihres zweiten Geburtstags und des offenen Galerien-Wochenendes in Berlin, die Ausstellung almost nothing zeigen zu dürfen, mit weißen Werken von: Mats Bergquist, Achim Bertenburg, Julian Birbrajer, Claudia Doderer, Jeffrey James, Marc Lambrechts, Birgitte Lund, Jakob Roepke, Rebecca Salter RA, Shawn Stipling, Tünde Újszászi, Maibritt Ulvedal Bjelke and Xiaohua. Die nahezu ausschließliche Verwendung der Farbe Weiß und die extreme Reduktion des Überflüssigen charakterisieren alle Arbeiten und sind der rote Faden dieser minimalistischen Ausstellung. Den allerkleinsten Details kommt so die allergrößte Bedeutung zu, obwohl sie doch nahezu nichts (almost nothing) sind. „Almost nothing. Zu Beginn, als ich die weiße Einladung erhielt, hatte ich keine Vorstellung davon, welchen Wagemut diese Ein-Farben-Herausforderung erfordern würde. Die Essenz meiner Malerei ist nichts als Farbe – Farben und Licht. Auf Weiß eingeschränkt zu werden, diese Minderung oder gar Verweigerung von Farbe erschien mir zuerst Sinn und Interpretation zuwider zu laufen. Einzig Weiß zu verwenden schien meine Arbeit zum Äußersten zu treiben. Und wie sehr ich mich auch bemühte, Weiß auf Weiß wollte einfach keinen Sinn ergeben und […]

bis 01.06. | #2437ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin präsentiert ab 26. April 2019 die Ausstellung Woven and Illuminated mit der Künstlerin Sinta Tantra und dem Künstler André Hemer.  Wie kann der Einfluss von Licht unsere Perspektiven oder gar Objekte selbst transformieren? Diese Frage vereint die komplexen und vielschichtigen künstlerischen Wege von Sinta Tantra und André Hemer. Für ihre erste gemeinsame Ausstellung in der Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin präsentieren die Künstler*innen unterschiedliche Arbeiten, welche die fluktuierenden Beziehungen zwischen Raum, Zeit und Materialität ergründen. Unter dem Titel „Woven and Illuminated“ vereint die Ausstellung eine Sammlung von Kunstwerken, die verschiedene Dimensionen miteinander verflechten und den Betrachter zu einer intimen Reise in kreative Prozesse einladen. Sinta Tantras vielseitige künstlerische Praxis umfasst alles, von Kunst im öffentlichen Raum, über Installationen und Skulpturen bis hin zu Malerei. In erster Linie sind ihre „Farbcollagen“ bekannt, in denen separate Elemente durch architektonische Linien und lebendige Farben vereint werden. In jüngster Zeit hat Tantra Begeisterung für das Handwerk des Webens entwickelt, sowohl in Bezug auf die alte physische Praxis, als auch auf das Konzept der Verbindung von Raum, Objekt und Zeit. Während diese Faszination wahrscheinlich am deutlichsten in Tantras Installationen wird, welche Betrachter*innen auffordern, sich um das dreidimensionale Kunstwerk […]

bis 24.05. | #2396ARTatBerlin | Galerie aKonzept zeigt ab 26. April 2019 die „Gebrüllte Ausstellung“ des Künstlers Guillaume Sebag (*1975). Diese Suite von 9 Werken, die in der Galerie aKonzept gezeigt werden, ist eine Demonstration für die Kohärenz des Künstlers und die Komplexität der Komposition seiner Bilder, die haarbreit vom Scheitern entfernt sind. Guillaume Sebag dehnt das Risiko bis aufs Äußerste, diese spektakuläre und einzigartige Homogenität seiner Werke an das Ganze zu verlieren. Wir spüren dieses Physische, Sinnliche der Malerei. Guillaume Sebag malt ohne Pinsel, indem er die Farben der Tuben mit den Fingern direkt auf der Leinwand mischt, die mit Klammern fest an die Wand gespannt und mit Caparol vorbereitet ist. Die Kohle zieht manchmal eine Kontur oder eine isolierte Linie oder zeichnet etwas annähernd Figürliches, das sich der Architektur einfügt. Manchmal werden die Reste von Kohle auf die Leinwand geklebt, die später auf einen Rahmen montiert wird.   Guillaume Sebag, 220 x 140 cm Guillaume Sebag, 160 x 105 cm Diese sich bewegenden, instabilen Werke erlauben kein genaues Hinsehen, bestehen sie doch aus mehreren Herzen, die zusammen schlagen, was Aufregung beim Zuschauer erzeugt. Die Augen wandern auf der Leinwand oder stoppen schnell bei einem verwirrenden Fragment, um schließlich […]

bis 08.06. | #2426ARTatBerlin | Galerie Born Berlin zeigt ab 26. April 2019 die Gruppenausstellung In The In-Between mit den Künstlern Han Klinkhamer, Marc Mulders und Reinoud van Vught.  Drei Künstler aus Holland, Han Klinkhamer, Marc Mulders und Reinoud van Vught, die in der Ausstellung „In The In-Between“ in der Galerie Born zusammenkommen, haben die kunsthistorische Tradition der niederländischen Landschaftsmalerei  verinnerlicht, eine heutige Form der Landschaftsmalerei ist für sie nicht denkbar ohne das Bewusstsein ihrer Entwicklung. So unterschiedlich die Herangehensweisen an dem Umgang mit Natur und das, was dabei entsteht, auch sind – alle drei begegnen sich in  einem Zwischenraum, zwischen Natur und Landschaft, Form und Fläche, Abstraktion und Figuration, Erinnerung und Konstruktion Marc Mulders ACHTUNG! Sonder-Öffnungszeiten zum Gallery Weekend: Freitag und Samstag, 26. + 27. April, 11:00 – 21:00 Uhr, Sonntag, 28. April, 11:00 – 18:00 Uhr Vernissage: Donnerstag, 21. April 2019, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 26. April – Samstag, 8. Juni 2019   Bildunterschrift: Courtesy Galerie Born Berlin – Marc Mulders Ausstellung In The In-Between – Galerie Born Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin      

bis 11.05. | #2420ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 6. April 2019 die Ausstellung POSITION RED mit Arbeiten von 15 verschiedenen Künstlerinnen und Künstlern.  Die Grundfarbe Rot ist eine Signalfarbe mit zahlreichen Konnotationen, auch quer durch die Kunstgeschichte. Die Galerie Z22 lädt folgende Künstlerinnen und Künstler ein, die Position beziehen zur Farbe Rot- POSITION RED: JONATHAN APELBAUM, ANDREA AUPERS, KATERINA BELKINA, HARDY BRACKMANN, GIULIANA DEL ZANNA, FRANCESCO FASOLATO, TOMASZ FUDALA, SIMON PELE GROß, VLADA HAUSER, ANDREY KEZZYN, JINRAN KIM, ERIC MASSHOLDER, DMYTRO MIROSHNICHENKO, IMMANUEL ROHRINGER, KONSTANTIN SCHNEIDER (Special Guest) Rot ist eine Signalfarbe und steht für Dynamik, Gefahr, Wärme, Temperament. Rot ist eine der Grundfarben und auch eine der ersten Farben, die in der Malerei verwendet wurden. Schon in der Jungsteinzeit wurde aus Ton die rote Farbe extrahiert, die durch das Mineral Hämatit die rote Färbung erhält. Die prähistorischen Wandmalereien in Spanien, Altamira um ca. 15.000 v. Chr. sind frühe Zeugnisse von Malerei mit rotem Ocker. Zinnober war bei den Ägyptern hoch im Kurs. Dieses hochgiftige Quecksilbersulfit wurde dann auch von den Römern und ab dem 12. Jahrhundert von den Chinesen verwendet. Es war begehrt, giftig und sehr teuer. Das Zinnoberrot in China wurde auch „Chinesisches Rot “ genannt und […]

bis 11.05. | #2417ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin präsentiert ab 6. April 2019 die Ausstellung VOM WAISENKIND ZUM GENIE mit Werken des Schweizer Künstlers Hans Krüsi. Galerie ART CRU Berlin und das Kunstmuseum Thurgau zeigen ca. 30 Werke von Hans Krüsi (1920-1995). Sie geben einen umfassenden Überblick über sein reiches Schaffen und kreisen um das Thema Selbstfindung und Selbstinszenierung. Neben nicht verkäuflichen Hauptwerken des Künstlers ist eine Reihe von weiteren, bis dahin noch nie gezeigten Arbeiten zu sehen. Improvisierter Verkaufswagen, um 1980 verschiedene Materialien, darunter Schweizer Militärtornister Copyright Nachlass Hans Krüsi, Kunstmuseum Thurgau Hans Krüsi undatiert, Gouache und Deckweiß auf Papier und Pappkarton mit Holzleiste gerahmt, Rahmen, H 89,5 B 59 T 4 Copyright Nachlass Hans Krüsi, Kunstmuseum Thurgau Hans Krüsi ist als Waisenkind im Kanton Appenzell aufgewachsen und bewegte sich immer am Rand der Gesellschaft. Der Autodidakt wäre als junger Mann gerne Gärtner geworden und verkaufte jahrelang auf der Bahnhofstraße Zürichs selbst gebundene Blumensträuße, bevor er Mitte der 70er Jahre sein Angebot um erste Kunstwerke wie Postkarten, Fotografien und kleine Bildformate erweiterte. Die vorerst auf Servietten, Karton und Packpapier gezeichneten Kompositionen zeigen Landschaften, Tiere und Menschen, die oft in scherenschnittartiger Symmetrie oder serieller Wiederholung angeordnet sind. Serviette mit […]

bis 17.05. | #2414ARTatBerlin | Die Rathaus-Galerie Reinickendorf zeigt ab 29. März 2019 die Gruppenausstellung Function.Anomy mit 27 internationalen Künstlerinnen und Künstlern des Künstlerkollektivs Intermission, die sich mit der Vielschichtigkeit des sozialen Raumes auseinandersetzen. Die Ausstellung „Function.Anomy“ des Künstlerkollektivs Intermission lädt ein, den sozialen Raum und die Institution Rathaus neu zu entdecken. Dazu zeigen 27 internationale Künstlerinnen und Künstler Arbeiten, die den Diskurs mit dem öffentlichen Raum sowie den Dialog mit den Protagonisten widerspiegeln. Vom 28. März bis 16. Mai 2019 sind diese besonderen Arbeiten in der Galerie des Rathaus Reinickendorf zu erleben. Begleitet wird die Ausstellung von Videokunst, Performance und Künstlergesprächen rund um das Thema „Function.Anomy“. Teilnehmende Künstler*innen: Agata Wieczorek, Angela Dwyer, Anne Marie Sampaio, Antti Pussinen, Assaf Hinden, Barbara Sanchez Barroso, Barbara Schober, Claudia Olendrowicz, Claudia Vitari, Daniela Delgado Viteri, Diana Pacelli, Doris Marten, FELL, Francesco Petruccelli, Ilka Raupach, Jennifer Oellerich, Jonas Büßecker, Jürgen Kellig, Katharina Bévand, Marc Oosting, Martin Sieron, Ori Jauch, Sarah Wohler, Swen Erik Scheuerling, Teresa Mayr, Thilo Droste, Yeongbin Lee Francesco Petruccelli -Aleksandr Zakharchenko (from the serie The Good and the Evil ) – courtesy of Francesco Petruccelli „Ich freue mich über die Kooperation mit diesem spannenden Kunst-Kollektiv. Das Rathaus als öffentlicher Ort und […]

bis 19.06. | #2411ARTatBerlin | Brutto Gusto Fine Arts zeigt ab 21. März 2019 die Ausstellung Spring in Berlin mit Glasarbeiten der Künstler Bernard Heesen, Massimo Micheluzzi und der Künstlerin Ritsue Mishima. Bernard Heesen Bernard Heesen (Leerdam, 1958) arbeitet seit Beginn seiner Karriere an einem Glaswerk, das seinen Ursprung in der Great Exhibition im Londoner Crystal Palace 1851 hat. Die Vielfalt der in dieser bahnbrechenden Ausstellung gezeigten Objekte hat Heesen zu einer Bildsprache inspiriert, die ihm einen einzigartigen Platz im Contemporary Glas verschafft hat. Seltsam und farbenfroh zugleich, rufen seine barocken Glasobjekte nach unserer Aufmerksamkeit, mal anziehend, mal abstoßend. Bernard Heesen ist einzigartig in seiner Fähigkeit, die unbesungenen Qualitäten der dekorativen Künste des 19. Jahrhunderts – lange bekannt als The Ugly Period – zu enthüllen und in einen ganz persönlichen Designstil umzusetzen. Bernard Heesen, Foto: Foto: def image – Francesco Barasciutti Massimo Micheluzzi Das facettenreiche Werk von Massimo Micheluzzi (Venedig, 1957) zeigt die Schönheit seines Heimatlandes Venedig in nicht geringem Maße. Seine legendären Murrina-Gefäße erinnern an die Reflexionen am Wasser der Stadt mit ihren vielfältigen Texturen, das Grau eines bewölkten Tages oder den Silberglanz der Lagunen. „Ich wollte ein Gefühl der Bewegung durch ein statisches Material vermitteln, wie ein Canaletto-Gemälde“, erklärt […]

bis 27.04. | #2408ARTatBerlin | SAVVY Contemporary zeigt ab 24. März 2019 die Ausstellung A UTOPIAN STAGE, eine Ausstellung über das Festival of Arts, Shiraz-Persepolis (1967–1977) kuratiert von Vali Mahlouji / Archaeology of the Final Decade, im Rahmen des MaerzMusik–Festivals für Zeitfragen. Wir laden Sie herzlich zu unserer nächsten Zusammenarbeit mit dem MaerzMusik – Festival für Zeitfragen ein. A Utopian Stage ist eine von Vali Mahlouji kuratierte Ausstellung über das Festival of Arts, ein radikales Kunst- und Kulturfestival für darstellende Kunst in Schiras und den antiken Ruinen von Persepolis, das alljährlich zwischen 1967 und 1977 jeden Sommer stattfand. Das Festival entwickelte Visionen heterogener Begegnungen zwischen künstlerischen Diskursen, lehnte die Idee einer einheitlichen globalen Kultur ab und schlug eine demokratische Sphäre für Beziehungen vor, die internationale, marginalisierte Gemeinschaften miteinbezog. Alle mit dem Festival verbundenen Materialien sind im Iran weiterhin verboten, weswegen die Auseinandersetzung mit den Festivalmaterialien heute eine wichtige Geste ist, um die transgressive Plattform, das Nachleben, sowie die kreativen Verbindungen sichtbar zu machen, die es über die Trennung zwischen globalem Süden und Norden hinweg geschaffen hat. Orghast (Teil I und II), geschrieben von Ted Hughes und Mahin Tajadod, Regie: Peter Brook, Arby Ovanessian, Geoffrey Reeves und Andrei Serban, International Center […]

bis 11.05. | #2405ARTatBerlin | Bermel von Luxburg Gallery präsentiert ab 28. März 2019 für das 1. Jahr Jubiläum der Galerie die Ausstellung „Abstract Writing“. Diese Sonderausstellung vereint renommierte Künstler Asiens und Europas: Julius Bissier, Fred Eerdekens, Karl Otto Götz, Yuichi Inoue und Shiryu Morita. Bermel von Luxburg Gallery freut sich für das erste Jahr Jubiläum der Galerie die Ausstellung „Abstract Writing“ vorzustellen. Diese Sonderausstellung vereint renommierte Künstler Asiens und Europas: Julius Bissier, Fred Eerdekens, Yuichi Inoue und Shiryu Morita. Alle Künstler nutzen die Schriftform, um skripturale Kunst zu produzieren. Yuichi Inoue YU-ICHI (1916-1985) gehört zu den bedeutendsten Künstlern Japans im 20. Jh., dessen Namen im gleichen Atemzug mit Franz Kline, Robert Motherwell, Pierre Alechinsky, Henri Michaux genannt wird. Der Kritiker Herbert Read erwähnt YU-ICHI in seinem Buch „A Concise History of Modern Painting“, in dem auch eines seiner Werke abgebildet ist. Robert Motherwell beschreibt ihn in seinen Notizen als einen der wenigen großen Künstler der zweiten Hälfte dieses Jahrhunderts. Obwohl die Teilnahme an der II. documenta 1959 in Kassel und Ausstellungsbeteiligungen 1963 im Stedelijk Museum Amsterdam, in der Kunsthalle Baden-Baden und 1965 in der Galerie Zwirner Köln YU-ICHI zur Popularität verhalfen, verzichtete er auf regelmäßige Ausstellungen und konzentrierte seine […]

bis 20.04. | #2402ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab 21. März 2019 die Einzelausstellung Album des Künstlers Uwe Kowski. Die Malerei als Erlebnis steht bei Uwe Kowski immer im Vordergrund, nicht das Abbilden eines Motivs. Seine Landschaften sind weniger Darstellungen von Räumen oder Perspektiven, sondern Versuche, Farbe auf der Leinwand zu ordnen, helle neben dunkle Flächen zu setzen und durch die Kombination verschiedener Farbtöne Empfindungen hervorzurufen. Kowski weiß genau um die Lichtspielereien der Malerei der Moderne, er setzt pointillistische Farbtupfen in durchdachter Kontrast-Komposition nebeneinander, um seine Bilder leuchten zu lassen. Er legt in jedes Bild vorab eine Idee, die er über etwas Gesehenes erfindet, und überlässt es dann den Betrachtern, sich einen Weg durch die Bilder zu bahnen, sich in ihren Strudel zu begeben und an anderer Stelle wiederaufzutauchen. Vielleicht stoßen sie in diesem Prozess auf die Idee, die jedem Bild zugrunde liegt, vielleicht entsteht eine neue. Dabei können die Titel als Impulse dienen, die eigene Erinnerungen aufflackern lassen und mit denen des Künstlers überlagern. Auszug aus einem Text von Leonie Pfennig Vernissage: Donnerstag, 21. März 2019, 17:00 – 20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 21. März – Samstag, 20. April 2019   Bildunterschrift: Uwe Kowski, Wäscheplatz, 2019, Öl auf […]

bis 20.04. | #2399ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 23. März 2019 die Einzelausstellung REBOUND mit Werken des Schweizer Künstlers Ivan Liovik Ebel im Rahmen des 10 jährigen Galerie-Jubiläums in 2019. Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art freut sich sehr, ab 22. März die Einzelausstellung REBOUNDS von Ivan Liovik Ebel zu präsentieren. Die Malerei-Serie REBOUNDS ist beim Experimentieren mit einem im Atelier vorgefundenen Basketball eher en passant entstanden. Wie darf man sich den Entstehungsprozess von Gemälden mit Basketball vorstellen? Vor allem wohl lautstark. Der Künstler spielt mit vollem Körpereinsatz die mit Ölfarbe bestrichenen Basketbälle auf die Leinwand, so dass die Oberflächenstruktur der Bälle ihre Spuren auf der Leinwand hinterlassen. REBOUNDS scheint auf den ersten Blick weniger konzeptuell als andere Werke des Künstlers zu sein. Doch auch diese in einem performativen Akt entstandenen Arbeiten folgen einer typisch Ebel´schen geometrischen Komposition und Grundordnung. Die Bewegung und die Geschwindigkeit, mit der der Künstler das Malmittel quasi sich selbst und dem Zufall überlässt, fusionieren mit der zuvor klar künstlerisch konstruierten Komposition von Raum. Ivan Liovik Ebel | REBOUND in der Galerie Gilla Lörcher  Bei näherer Betrachtung der REBOUNDS- Gemälde werden die zahlreichen, sich überlagernden und halbtransparenten Schichten sichtbar, die einen Raum schaffen, der […]

bis 06.04. | #2395ARTatBerlin | pavlov’s dog zeigt ab 15. März 2019 die Ausstellung Alle Menschen schmecken gleich des Künstlers Max Kersting. Tiere essen oder Tiere sein lassen? – Der Krieg um die richtige Ernährung findet in jedem halbwegs intelligenten Konsumenten-Gehirn statt und zeichnet sich durch Moralkonflikte, Widersprüche, Selbstberuhigungsplacebos und die Mobilisierung ungeheurer Verdrängungskräfte aus. Max Kersting Da unser Verhältnis zur Ernährung so kompliziert ist, ist sie auch eine von Max Kerstings Lieblingsthemen. Er selbst verzichtet seit vielen Jahren auf Fleisch, weil er über eine recht anschauliche Expertise verfügt, was die Materie betrifft. Nur gelegentliche Anflüge von menschlicher Schwäche lassen ihn gewisse lebensästhetische Jo-Jo-Effekte erleiden und den ein oder anderen Kompromiss eingehen. Als symptomatisch erweist sich etwa seine Angewohnheit, immer mal wieder die Eschenfelder Kornquetsche bei Ebay zu verramschen und den morgendlichen Frischkornbrei durch einen großzügig mit Butter und Nutella bestrichenen Toast zu ersetzen, nur um dann drei Monate später das Nutella-Toast zu verteufeln und sich eine neue Eschenfelder Kornquetsche zu kaufen. In der sehr erbaulichen Ausstellung „Alle Menschen schmecken gleich“ versammelt er nun all seine Fleisch-, Wurst- und vor allem Gemüseerfahrungen. Neben Menschen kommen Tiere zu Wort. Tim Turiak Max Kersting Max Kersting, *1983, mit Inlineskating und Zwangsstörungen in […]

bis 19.04. | #2392ARTatBerlin | Peres Projects zeigt ab 15. März 2019 die Ausstellung Lady Liberty Meets Her Match der Künstlerin Dorothy Iannone. Dorothy Iannone (geboren 1933, Boston) ist eine in Berlin lebende Künstlerin, deren Arbeiten sich auf Erotik und die weibliche Sexualerfahrung konzentrieren. In den letzten Jahren hatte Iannone eine Retrospektive in der Berlinischen Galerie, Berlin, kuratiert von Annelie Lütgens, sowie Einzelausstellungen im Migros Museum, Zürich, kuratiert von Heike Munder, dem Centre Culturel Suisse, Paris, dem Camden Arts Centre, London, und dem New Museum, New York, kuratiert von Jarrett Gregory. Im Jahr 2019 wird Iannone eine Einzelausstellung im Centre Pompidou, Paris, haben, und ihre Arbeit wird in der Museumsausstellung And Berlin Will Always Need You zu sehen sein, die von Julienne Lorz und Natasha Ginwala im Berliner Martin-Gropius-Bau kuratiert wird. Dorothy Iannone | Our Liberties, 2015 – Detail, 150 x 50 cm (59.1 x 19.7 in) | Painting – acrylic and felt pen on paper Für mehr Infos zum Ausstellungsinhalt wechseln Sie mit nur einem Klick zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. In der rechten oberen Ecke sehen Sie einen Sprachbutton – richtig, die kleine Flagge. Dort können Sie auf so gut wie jeder Seite von ART@Berlin zur englischsprachigen Version wechseln […]

bis 20.04. | #2389ARTatBerlin | ALEXANDER OCHS PRIVATE präsentiert ab 22. März 2019 die Ausstellung FORMS OF INNOCENCE mit Werken von Bianca Regl und Sofie Bird Møller. Die Autorin Amy Sillman zitiert in ihrem Artikel ‚On Color‘ den Philosophen Walter Benjamin mit ‚color is a powerful form of innocence that can subvert the logic of capitalism‘. Die Idee zu unserer Ausstellung folgt einer Initiative der in Peking lebenden, österreichischen Künstlerin Bianca Regl, die dort seit vielen Jahren ein großes Atelier betreibt, in dem sie mit internationalen Künstlerinnen und Künstlern Ausstellungsprojekte konzipiert. Auch Regl musste, wie viele andere, ihr Atelier schon zweimal augenblicklich räumen, greift hier doch die Logik eines ungezügelten globalisierten Kapitalismus, die Logik des Marktes: wo Immobilien gebaut werden, ist kein Platz für die Kunst. Bianca Regl, Innocent Forms (Tulips) / Azure, 2019, Öl auf Leinwand, 100 x 80 cm Bianca Regl in ihrer Wiener Wohnung. Die Künstlerin malt Bilder von Tulpen und prüft so die Frage, ob die ‚Farbe‘ wirklich eine mächtige Form von Unschuld darstellt, ob sie den Kapitalismus untergraben kann. Die Tulpenbilder von Regl rekurrieren sich aus der Kunstgeschichte wie auch aus der Geschichte des Kapitalismus. Im ‚Goldenen Zeitalter‘ der Kunst, im 17. Jahrhundert, wurden Tulpenzwiebeln in den Niederlanden zum Spekulationsobjekt und lösten […]

bis 20.04. | #2386ARTatBerlin | Galerie Born Berlin zeigt ab 8. März 2019 die Ausstellung Simple Present des Künstlers Frederico Pietrella.  Betrachtet man die Arbeiten von Federico Pietrella ist man im ersten Moment verwirrt. Wie sind sie gemacht, fragt man sich automatisch, die detailscharfen Portraits, Landschaften, urbanen Räume. Die Frage wie er zu seinen Motiven kommt erübrigt sich. Das tägliche Leben begegnet uns. Der Blick aus dem Fenster in den Wolkenhimmel, Wohnräume des Künstlers, der winterliche Tiergarten in Berlin und auf den Portraits häufig seine Frau und Tochter. Pietrellas Malerei hat einen starken fotorealistischen Charakter, aber von allen Künstlern diese Richtung unterscheidet er sich stark. Auf die Arbeit mit einem Malpinsel oder Malspachtel verzichtet er vollkommen. Federico Pietrella malt mit einen Gummistempel, einem Datumsstempel. Das setzt ein außergewöhnliche Beherrschung des Malraumes voraus. Denn vor dem aufsetzten des Stempels muss der kleinste Teil von diesem berücksichtigt werden. Bei der täglichen Arbeit wird immer das aktuelle Datum eingestellt, aus den Titeln seiner Arbeiten kann man den ersten und letzten Tag der Arbeit am jeweiligen Werk erkennen. Den Ausstellungstitel “Simple Present“ kann als Hinweis für diese Arbeit mit dem Datumsstempel stehen, als Fortschreiten der Zeit, die im wachsen der Bilder dokumentiert wird. Frederico Pietrella, Dal 14 al 20 Dicsembre 2016“, 2016, date stamps with oil on canvas, 80 x 50 […]

bis 21.07. | #2382ARTatBerlin | KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst zeigt ab 10. März 2019 die Soloausstellung Exhibit Model Four des Künstlers Jonathan Monk im Maschinenhaus M1. Parallel dazu wird im Maschinenhaus M2 die Gruppenausstellung Behind the Screens mit Werken von sieben Künstlerinnen und Künstlern gezeigt. Exhibit Model Four (Einzelausstellung im Maschinenhaus M1) Unter dem Titel Exhibit Model Four – plus invited guests setzt der britische Künstler Jonathan Monk seine Ausstellungsreihe fort, die seit 2016 an verschiedenen Orten in jeweils modifizierter Form gezeigt wurde, und die er nun für das KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst konzeptuell erweitert. Exhibit Model Four ist eine Installation aus wandfüllenden Fototapeten, die den Ausstellungsraum M1 im Maschinenhaus des KINDL vollständig auskleiden. Die größtenteils in Schwarzweiß gehaltenen Aufnahmen zeigen Arbeiten Monks aus den letzten 20 Jahren in unterschiedlichen Ausstellungskontexten und Raumsituationen. Durch die Verzahnung dieser Ausschnitte mit der gegebenen Architektur des M1 entwickelt der Künstler ein völlig neues, komplexes Raumgefüge. Die Installationsansichten wirken wie aneinandergefügtes Archivmaterial und verdichten sich zu einem Ort, der eine geschärfte Wahrnehmung und eine spezifische Orientierung einfordert. Im KINDL kombiniert Monk die auf Fotobahnen abgebildeten, eigenen Werke mit real installierten Kunstwerken anderer Künstlerinnen und Künstler. Diese von ihm ausgewählten Arbeiten […]

bis 18.04. | #2380ARTatBerlin | KLEMM’S zeigt ab 9. März 2019 die Ausstellung Kontinuum des Künstlers Bernard Piffaretti. Vernissage: Freitag, 8. März 2019, 18:00 – 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Samstag, 9. März– Donnerstag, 18. April 2019   Bildunterschrift: Courtesy of KLEMM’S, Bernard Piffaretti, Studio visit, 2018 Ausstellung Bernard Piffaretti – KLEMMS | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 12.04. | #2378ARTatBerlin | Migrant Bird Space präsentiert ab 9. März 2019 die Ausstellung On Nature and Insanity der Künstler Xia Peng, Yu Aijun und Yu Linhan. „On Nature and Insanity“ versammelt die Arbeiten von drei zeitgenössischen Künstlern aus China: Xia Peng und Yu Linhan, beide mit Sitz in Berlin, und Yu Aijun, der in Shenyang lebt und arbeitet. Jeder von ihnen befasst sich mit dem Problem der Wahrnehmung in einer Welt, die zunehmend von Technologie und virtueller Realität dominiert wird. Xia Peng “Nirgends”, Acryl on Canvas, 2019 © Xia Peng | Migrant Bird Space, Berlin “o.T. 01”, Acryl on Canvas, 2019 © Xia Peng | Migrant Bird Space, Berlin Yu Aijun “Fallen Trees”, Ink on Paper, 2019 © Yu Aijun | Migrant Bird Space, Berlin Yu Linhan Yu Linhan, “Leichte Obstruktion”, Silkscreen & Acryl on Paper, 150×200 cm, 2018 © Yu Linhan | Migrant Bird Space Die Galerie hat uns bisher nur eine englischsprachige Ausstellungsbeschreibung zur Verfügung gestellt. Für mehr Informationen wechseln Sie deshalb doch bitte zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. Das geht ganz einfach: Klicken Sie auf den Sprachbutton in der rechten oberen Ecke. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. See you in a second! […]

bis 30.03. | #2374ARTatBerlin | Der Verein zur Förderung von Kunst und Kultur am Rosa-Luxemburg-Platz zeigt ab 2. März 2019 die Ausstellung Law of the Instrument mit Arbeiten von Joannie Baumgärtner, Julius Bobke, Hannah-Sophie Dunkelberg, Clementine Edwards, Andi Fischer und Lukas Q. Hoffmann. „Ich glaube, es ist verlockend, wenn das einzige Werkzeug, das man hat, ein Hammer ist, alles zu behandeln, als ob es ein Nagel wäre.“ – A. Maslow, Die Psychologie der Wissenschaft, 1966 Law of the Instrument ist eine Gruppenausstellung die spezifische künstlerische Produktionsmethoden in Verhältnis zueinander setzt. Die gezeigten Positionen nähern sich dem auch als “Maslow’s Golden Hammer” bezeichneten Verhaltensmuster in unterschiedlicher Weise an. Instrumentelle Vorgehensweisen kontrastieren hochgradig eigenwillige Positionen, proprietäre Produktionsweisen werden neben performativen Objekten gezeigt. Während künstlerischer Erfolg oftmals in Relation zum Mythos von Originalität und Einzigartigkeit steht, stellt sich die Frage wie viel Kunstgeschichte mit dem Hammer geschrieben wurde und ob die Kunst als Verfahren nicht selbst schon diesem Gesetz unterliegt. Law of the Instrument möchte in diese Kerbe schlagen und mit den gezeigten Arbeiten eine andere Vorstellung unkonventioneller künstlerischer Produktion hervorheben. Vernissage: Freitag, 1. März 2019, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 2. März – Samstag, 30. März 2019, Mi – Fr 14:00 bis 18:00 […]

bis 21.03. | #2371ARTatBerlin | Galerie1214 zeigt ab 2. März 2019 Arbeiten des in Waldkraiburg und Berlin lebenden und arbeitenden Bertold Mathes (*1957). Mathes‘ Bilder und Zeichnungen umspielen Grundthemen, Grundformen und Grundfarben der Malerei in einer zugleich offenen und strikten Haltung. Die Farbigkeit der Bilder und der Metabolismus der zeichnerischen Form geben zu erkennen, wie der Künstler gleichsam an der Grammatik einer Sprache im Modus ihrer Entdeckung und Umschreibung arbeitet. Das ‚Geistige in der Kunst‘, von dem einst Kandinsky sprach, zeigt sich in der Bildbarkeit von Bedeutung, nicht in einem symbolisch befrachteten Vokabular. Der erstaunliche Freiheitsgrad formaler Gestaltung, der sich in Mathes‘ Werkausschnitt manifestiert, führt zugleich die Unkenrufe vom ‚Veralten der Malerei im digitalen Zeitalter‘ ad absurdum. Bertold Mathes In einem dichten Text, entstanden im Umfeld der Arbeit an Mathes‘ Katalog mit der Kienzle Art Foundation heisst es: „In den Bildern von Bertold Mathes geht es in vielgestaltiger malerischer Ausformung und mit maximal subjektiver Fragestellung um paradoxe Relationen wie Material und Imagination, Emotion und Reflexion oder Dekoration und geistige Erfahrung. Bertold Mathes, 2013 Die Anwendung von Bild-, Farb- und Arbeitssystemen, als auch deren Kritik und Quasi-Sabotage durch Überaffirmation in betont handwerklicher Ausführung oder durch gezielt inadäquate aber ernst gemeinte emotionale malerische […]

bis 09.03. | #2368ARTatBerlin | Galerie mehdi chouakri präsentiert ab 23. Februar 2019 die Einzelausstellung PIÈCE UNIQUE des Künstlers Mathieu Mercier in den Galerieräumen Mommsenstraße.   Vernissage: Samstag, 23. Februar 2019, 12:00 – 16:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 23. Februar – Samstag, 9. März 2018   Bildunterschrift: Untitled (Scan Pantone 25, M7), 2012 (Detail) Ausstellung Mathieu Mercier – Pièce Unique I | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 28.02. | #2365ARTatBerlin | Migrant Bird Space zeigt derzeit die Ausstellung Mount Meru & Mustard Seed des Künstlers Gao Yutao. Ein Netz von Mythen und Mikrokosmen spannend, dreht sich bei Gao Yutaos erster Einzelausstellung im Migrant Bird Space Berlin alles um das Thema „Stein“: den Stein als prominentes Thema in west- und ostasiatischen Mythologien, als Medium der Spiritualität und als Objekt des künstlerischen Verdienstes an und für sich. Der Titel der Ausstellung „Mount Meru & Mustard Seed „, geht zurück auf die buddhistische Kosmologie, wo der heilige Berg Meru als Zentrum aller physischen und spirituellen Universen gilt. Wie die Metapher besagt, dass der ganze Berg Meru mit seinen fünf Spitzen in ein winziges Senfkorn passt, bedeutet dies, das Potenzial selbst der kleinsten Dinge im Leben zu erkennen: beide sind Themen der Gedanken und als solche besetzen sie genau den gleichen Bereich im Kopf. Im ersten Teil der Ausstellung verwendet Gao Yutao gescannte Bilder von Steinstrukturen und Postkarten von Kunstwerken ostasiatischer und griechischer Mythologie, um surreale großformatige Drucke zu erstellen, die die Zusammenhänge von Mikro- und Makro- erkunden. Gao Yutao „Moon #2“, 2018, Skulptureninstallation mit Mondstein und Vinyl-Aufnahmen von Claude Debussys „Clair de lune“ und Ludwig van Beethovens „Mondscheinsonate“. Filmstill aus der […]

bis 01.06. | #2362ARTatBerlin | Salongalerie Die Möwe zeigt ab 7. März 2019 die Ausstellung Unentrinnbar. Der Bauhäusler Fritz Kuhr. Mit unserer Ausstellung zum Künstler Fritz Kuhr (1899-1975) erinnern wir an die Gründung des Staatlichen Bauhauses vor einhundert Jahren in Weimar. Als Wegbereiterin, Talentschmiede und Heimstatt der Moderne war das Bauhaus im jungen 20. Jahrhundert ein Ort der Innovation. An dieser einflussreichen Schule für Kunst und Gestaltung studierte und lehrte Fritz Kuhr von 1924 bis 1930. Sein künstlerisches Schaffen wurde insbesondere von seinem Lehrer Paul Klee geprägt. Fritz Kuhr, Studie des Kükens, 1953, Öl auf Presspappe, 36 x 45 cm Unsere Präsentation verweist auf den kreativen Geist des Bauhauses, der auch nach dem Zweiten Weltkrieg im Werk des Künstlers vielgestaltig weiterwirkte. Die Bilder vermitteln einen Eindruck von der bis heute unentrinnbaren künstlerischen Kraft Kuhrs, der Eigenständigkeit seines Œuvres und der Experimentierfreude des Malers. Fritz Kuhr   Leben und Schaffen Das künstlerische Werk von Fritz Kuhr (1899 -1975) wird entscheidend vom Bauhaus beeinflusst. Als junger Mann geht er 1924 ans Bauhaus nach Weimar und wird Schüler von Paul Klee, der ihn nachhaltig prägt. Dort trifft er auch László Moholy-Nagy, Wassily Kandinsky und weitere Meister, von denen er lernt. Neben der Malerei […]

bis 23.02. | #2359ARTatBerlin | Galerie Nordenhake Berlin zeigt derzeit eine Ausstellung mit Skulpturen des Künstlers Johannes Esper und Malerei des Künstlers Lucas Reiner. Die Ausstellung bringt die Arbeiten von zwei Künstlern zusammen, die in zwei verschiedenen Medien arbeiten: Malereien von Lucas Reiner und Skulpturen von Johannes Esper. Das Werk beider Künstler ist durch die tiefgehende Auseinandersetzung mit ihrem spezifischen Material geprägt. Beide verwenden eine reduzierte und gedämpfte Palette um zu rohen, aber subtil strukturierten Arbeiten von poetischer Qualität zu gelangen. Johannes Espers Arbeit konzentriert in den letzten Jahren auf handgeformte Skulpturen und Wandobjekte aus Steinzeug, einer spezifischen Tonart, die er auf hohen Temperaturen in einem industriellen Ofen brennen lässt. Die neuen Skulpturen in der Ausstellung zeichnen sich durch ihre elegante nüchterne Sachlichkeit und die Ökonomie der Mittel aus. Einige zeigen Bezüge zu Bruce Naumans frühen Skulpturen oder scheinen wie spielerische Versionen von Carl Andres Stapeln. Die bewusst unbetitelten Arbeiten basieren vornehmlich auf einem einfachen, unregelmäßig rechteckigen Stück Ton, welches Esper stapelt, aneinanderreiht, faltet, reißt oder schneidet, um zu einer komplexen Form zu gelangen. Durch Handabdrücke, Überreste von Sand sowie Farbveränderungen durch das Brennen erhalten die Oberflächen eine nuancierte und reiche Strukturierung. Esper arbeitet mit einem hoch aufgeladenen Medium, welches […]

bis 02.03. | #2356ARtatBerlin | KLEMM’S zeigt momentan die Ausstellung dreams der Künstlerin Fiona Mackay. „I was in the winter of my life, And the men that I met along the road were my only summer.” — Lana  Del Rey Für mehr Infos zur Ausstellung wechseln Sie mit nur einem Klick zur englischsprachigen Version von ART@Berlin, denn die Galerie hat uns bisher nur eine englische Ausstellungsbeschreibung zur Verfügung gestellt. In der rechten oberen Ecke sehen Sie einen Sprachbutton – richtig, die kleine Flagge. Dort können Sie auf so gut wie jeder Seite von ART@Berlin zur englischsprachigen Version wechseln – und wieder zurück. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. Sollten Sie ausnahmsweise mal auf der Startseite landen, existiert in dem Fall keine Übersetzung. See you in a second! Vernissage: Freitag, 18. Januar 2019, 18:00 – 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Samstag, 19. Januar – Samstag, 2. März 2019   Bildunterschrift: Fiona Mackay, dreams., 2018 Ausstellung Fiona Mackay – KLEMMS | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 31.05. | #2353ARTatBerlin | Galerie Brockstedt zeigt ab 21. März 2019 eine Einzelausstellung mit Bronzeskulpturen, Malerei, Zeichnung und Grafik des expressionistisch-kubistischen Künstlers William Wauer. Erneut gelang es der Galerie Brockstedt ein bedeutendes Konvolut der Klassischen Moderne aus einer Züricher Privatsammlung nach Berlin zu holen. Es handelt sich um 20 Skulpturen aus Bronze sowie 10 Bildern nebst diversen Zeichnungen und Grafiken aus der Zeit von 1916 bis 1930 des expressionistisch-kubistisch arbeitenden Künstlers William Wauer (1866–1962). Der „Tausendsassa“ William Wauer wurde 1866 als Sohn eines Hilfspredigers in Oberwiesenthal/Erzgebirge geboren. Sein weiterer Lebensweg führte ihn zum Studium der Kunst, Philosophie und der Kunstgeschichte nach Dresden, Berlin München und Leipzig. Er reiste in die Vereinigten Staaten, nach Wien, Zürich und Rom, arbeitete als Herausgeber, Feuilletonredakteur und Illustrator von Zeitschriften und als künstlerischer Sachverständiger für die Lingner-Werke in Dresden, wo er die Form der noch heute gebräuchlichen ODOL- Flasche entwickelte. 1905 ging er nach Berlin und wird von Max Reinhardt an das Deutsche Theater geholt. Er arbeitet beim Rundfunk und war seit 1911/12 ein Pionier des Stummfilmes. William Wauer widmete sich seit 1916 der bildenden Kunst und schuf großartige Plastiken, Zeichnungen, Gemälde, Aquarelle und Grafiken. Seine typischen kubo-expressionistischen Figuren (z.B. „Schlittschuhläufer“ (1916), „Läufer“ (1920), „Der […]

bis 09.03. | #2352ARTatBerlin | Galerie Eigenheim zeigt ab 15. Februar 2019 die Ausstellung GERMAN DREAM des Künstlers Marc Jung. Begleitend werden im neu geschaffenen Salon der Galerie Eigenheim Werke des Künstlers Lars Wild gezeigt. Marc Jung GERMAN DREAM Marc Jung (*1985 in Erfurt) ist bildender Künstler. Er lebt und arbeitet in Erfurt und Berlin. Er studierte Kunst an der Bauhaus-Universität in Weimar, an der Akademie der Bildenden Künste in Wien und absolvierte sein Meisterschülerstudium an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden. Die Arbeit von Marc Jung ist charakterisiert durch einen Kampf zwischen Regeln und Anarchie, zwischen Harmonie und Zerstörung. Seine bildnerische Agenda eines gesellschaftlichen Rundumschlags enthält Reminiszenzen an Grosz und Dix, sein direkt-naiver Stil katapultiert Basquiats Ausdruck ins Hier und Jetzt. Sein Bildaufbau dekonstruiert bis hin zur Unkenntlichkeit Bacon und Velasquez. So kombiniert er den Dreck der heutigen Straße mit den Heroen und konzeptionellen Theorien der etablierten Malerei und sprengt dabei spielend traditionelle Genregrenzen. Marc Jung, BACON AND EGGX, 2016, mixed media on canvas, 200 x 150 cm Jung ist ein totaler Realist, der den alltäglichen Wahnsinn zu seinem Thema gemacht hat und diesen auf eine sehr eigene sarkastische und ironische Art und Weise darstellt. Für ihn ist Kunst […]

bis 18.04. | #2349ARTatBerlin | GALERIE SPRINGER BERLIN präsentiert ab 12. Februar 2019 die Ausstellung ANTHROPOCENE – New Photographs des kanadischen Künstlers und Fotografen Edward Burtynsky. »Die Menschheit hat einen prekären Zeitpunkt in der Geschichte des von ihr bewohnten Planeten erreicht. Ihr Einfluss auf die Erde ist stärker als alle Naturkräfte zusammen!« Den Zustand, die Dynamik und die Zukunft der Erde unter dem Einfluss der von Menschen geschaffenen Veränderungen untersucht das umfassende Projekt »The Anthropocene« von Edward Burtynsky. Darin hat er eine multidisziplinäre Werkgruppe aus Fotografie, Film, Virtual Reality, Augmented Reality und wissenschaftlicher Arbeit geschaffen. In der Ausstellung zeigen wir eine hochrangige Auswahl von Fotografien aus der Serie. Zur Eröffnung der Ausstellung laden wir Sie und Ihre Freunde am Samstag, 9. Februar herzlich ein. Gleichzeitig laden wir Sie zum Künstlergespräch mit Edward Burtynsky am Donnerstag, 14.02.2019 um 19 Uhr in die Galerie ein. Außerdem möchten wir Sie auf die Filmpräsentation von »Anthropocene: The Human Epoch« im Rahmen der Berlinale hinweisen. Heide & Robert Springer Vernissage: Samstag, 9. Februar 2019, 13:00 – 18:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 12. Februar – Donnerstag, 18. April 2019 Filmfestspiele Berlinale: Anthropocene: The Human Epoch Film von Jennifer Baichwal, Nicholas de Pencier, Edward Burtynsky Mi 13.02.2019, 15.30 Uhr / 3.30pm, […]

bis 23.02. | #2346ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt seit 25. Januar 2019 die Einzelausstellung des Künstlers Peter Brüning mit Arbeiten von 1964 bis 1970. Die Galerie Michael Haas zeigt in dieser Ausstellung Werke aus der letzten Schaffensphase des Künstlers. Peter Brüning wurde am 21. November 1929 in Düsseldorf geboren und starb im Alter von nur 41 Jahren am 25. Dezember 1970 in Ratingen. Rhein Nr. 22/66, 1966, Öl auf Leinwand 140 x 200 cm Vernissage: Freitag, 25. Januar 2019, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 25. Januar – Samstag, 23. Februar 2019   Bildunterschrift: Rhein Nr. 22/66, 1966, Öl auf Leinwand 140 x 200 cm Ausstellung Peter Brüning – Galerie Michael Haas | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 24.02. | #2342ARTatBerlin | König Galerie (Chapel) zeigt derzeit die Ausstellung I´ve Lived For So Many Days Now,… des Künstlers Rinus Van de Velde. Rinus Van de Velde (Belgien, 1983) ist für seine großformatigen Kohlezeichnungen bekannt und ein einflussreicher Künstler dieses Mediums. Durch Geschwindigkeit, Direktheit und Fähigkeit zur Weltenerschaffung, ist Zeichnen nach wie vor der Motor seiner künstlerischen Praxis. Um ein Werk zu erschaffen, geht Van de Velde jedoch lange und aufwendige Umwege über andere Medien, darunter Installation, Skulptur und Video. Seine Arbeit entwickelte sich graduell aus einer Notwendigkeit heraus, fotografische Dokumente zu erschaffen und zu kontrollieren, die seit jeher als Quellenmaterialien für seine Zeichnungen dienen. Anfangs waren es noch bereits existierende Dokumente, entnommen aus Zeitschriften oder Archiven. Seit einigen Jahren produziert der Künstler nun seine eigenen Quellen, die Banalitäten und Fetische der zeitgenössischen Kunst, des Kinos sowie der kommerziellen und dokumentarischen Fotografie referieren und diese abstrahieren. Für Van de Velde ist der Akt des Zeichnens ein nie endender Produktionsprozess, in dem das Imaginäre als Ganzes in subjektive Bilder transformiert wird, die eine kohärente visuelle Sprache und Narration vereint. Im Zentrum dieses Narrativs steht das Alter Ego des Künstlers, das häufig in geschlossenen, studioähnlichen Umgebungen arbeitet. Ausstellungsansicht Rinus Van de […]

bis 17.02. | #2340ARTatBerlin | Galerie VEREIN BERLINER KÜNSTLER präsentiert ab 25. Januar 2019 die Ausstellung INITIATION | DIE NEUEN 2018, in der Werke der acht neuen Mitglieder*innen des VBK des Jahres 2018 gezeigt werden: Monika Funke Stern, Ute Deutz, Margret Holz, Joan Lazeanu, Astrid Roeken, Ruza Spak, Richard Stimmel und Karla Woisnitza (INGARTAN). Das Ausstellungsjahr 2019 beginnt in der Galerie VEREIN BERLINER KÜNSTLER mit der Präsentation von acht neuen Mitgliedern, die im Jahr 2018 in den Kreis der Künstlerinnen und Künstler des VBK aufgenommen wurden. Im Spannungsfeld medial-kommunikativer und unterschiedlicher Arbeitsweisen zeigen sie, in der Ausstellung: INITIATION Werkkomplexe mit Bezug zu ihren aktuellen Positionen. VIDEO – MALEREI – FOTOGRAFIE – SKULPTUR – ZEICHNUNG – DRUCK Monika Funke Stern „Mit poetischen Exkursionen durch die Welt der Bilder erkundet Monika Funke Stern unser merkwürdiges Dasein. Das weit gespannte Werk der Künstlerin umgreift dabei die vielfältigsten Medien – Film, Malerei, Fotografie, Zeichnung, raumgreifende Installationen.“ (Dorothée Willert) Als Medianautin interessieren mich die Übergänge und Mischformen. Es entstehen Interferenzen, Hybride. www.monika-funke-stern.de www.art-movie.de Ute Deutz Die Arbeiten von Ute Deutz entstehen in einem konzeptionellen Gefüge, dessen thematische Aspekte sie oftmals über mehrere Jahre begleiten. Hierbei beschäftigt sich die Künstlerin vordergründig mit menschlichen Emotionen und Aktionen. Oft sind es Fundstücke, […]

bis 10.04. | #2337ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi zeigt ab 16. Februar 2019 die Ausstellung Objects mit Installationen und Malerei der Künstlerin Tünde Újszászi. Galerie Pugliese Levi freut sich, Werke der ungarischen Künstlerin Tünde Újszászi erstmalig im Rahmen einer Einzelausstellung in Deutschland zeigen zu dürfen. Die Illusion des Ewigen und der immerwährende Wandel unserer Umgebung sind Themen, die Újszászi in ihren Arbeiten erkundet. Sie widmet sich diesen Themen in Installationen von großformatigen Geweben und Serien von Gemälden. Újszászis Inspiration sind in erster Linie das Material selber und die Möglichkeiten, die ihm innewohnen. Es ist der Formgebungsprozess und die Art, wie die Objekte den Raum einnehmen, welche sie faszinieren. „Ein Zustand der Leere ohne Verpflichtungen. In dieses Reich kann ich eintauchen, in ihm kann ich bedingungslose Freiheit erfahren. Es gibt mir Mut, meine inneren Visionen zu erkunden. Der Prozess und der Akt des Kreierens ist, was mich inspiriert. Wegen seiner strukturellen Beschaffenheit ist das Weben ein wichtiges Mittel meines Ausdrucks in meiner Arbeit. Ich kreiere Formen und Bilder, welchen ich mich in diesem leeren Raum nähern kann.“ Tünde Újszászi, 2019 Ihre Installationen drücken durch eine besondere Webtechnik und kleine, gefaltete Leinwandstücke ihre Sehnsucht aus, die Zeit zu konservieren und anzuhalten, um […]

bis 16.03. | #2334ARTatBerlin | Brutto Gusto Fine Arts präsentiert ab 18. Januar 2019 die Gruppenausstellung Winter in Berlin mit Werken der Künstler Guido Geelen, Morten Løbner Espersen und Martin Schlotz. Einladung zur Ausstellung Winter in Berlin 18.01.-16.03.2019 Ausstellungsansicht Morten Løbner Espersen im Jahr 2017 – Foto: def image Ausstellungsansicht Morten Løbner Espersen im Jahr 2017 – Foto: def image Martin Schlotz – Courtesy of Brutto Gusto Fine Arts   Ausstellungsdaten: Freitag, 18. Januar – Samstag, 16. März 2019   Bildunterschrift Titelbild: Ausstellungsansicht Morten Løbner Espersen 2017 – Foto: def image Ausstellung Winter in Berlin – Brutto Gusto Fine Arts | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 23.02. | #2331ARTatBerlin | PSM Gallery zeigt seit 12. Januar 2019 die Ausstellung THIS IS NOT A LOVE SONG mit Werken von Dave Allen, Christian Falsnaes, Nadira Husain, Shila Khatami, Almut Linde, Stefanie von Schroeter, Joulia Strauss und Silke Wagner. Die Ausstellung wird kuratiert von Raimar Stange. Die Galerie hat uns bisher nur eine englischsprachige Ausstellungsbeschreibung zur Verfügung gestellt. Für mehr Informationen wechseln Sie deshalb doch bitte zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. Das geht ganz einfach: Klicken Sie auf den Sprachbutton in der rechten oberen Ecke. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. See you in a second! Silke Wagner, 04.03.75, 2008. Courtesy of the artist and Galerie Wilma Tolksdorf Vernissage: Samstag, 12. Januar 2019, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellung: Samstag, 12. Januar – Samstag, 23. Februar 2019   Bildunterschrift: Silke Wagner, 04.03.75, 2008. Courtesy of the artist and Galerie Wilma Tolksdorf Ausstellung THIS IS NOT A LOVE SONG – PSM Gallery | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 08.03. | #2328ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher präsentiert ab 26. Januar 2019 die Einzelausstellung IMAGE MACHINE / MACHINE IMAGE mit Werken der Künstlerin Rosemary Lee. Die Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art freut sich sehr, die dritte Einzelausstellung von Rosemary Lee in der Galerie zu präsentieren. In IMAGE MACHINE / MACHINE IMAGE untersucht sie die Automatisierung von Bildprozessen und teilt die künstlerische Autorschaft mit Maschinen. Technologien wie die digitale Fotografie und das maschinelle Lernen haben die Ästhetik, aber auch die Möglichkeiten, was ein Bild sein kann und kann, neu gestaltet. Inspiriert von dem Zitat „The idea becomes a machine that makes the art“ von Sol Lewitt, untersucht dieses Projekt Parallelen zwischen Konzeptkunst und Kybernetik. Die frühen Kybernetiker stellten sich Biocomputer vor, die zur Automatisierung konzeptioneller Aufgaben eingesetzt werden könnten, in einer Idee, die, wenn auch in anderer Form, durch künstliche Intelligenz realisiert wurde. Die weitgehende Automatisierung der Bildproduktion durch maschinelles Lernen hat dazu geführt, dass algorithmische Prozesse in die Bildebene eingebettet und gleichzeitig aus der Sicht verdeckt wurden. Während der prozedurale Charakter digitaler Bilder alltäglich ist, bringt er eine unvermeidliche Opazität mit sich. Diese Themen werden in einer Reihe von Zeichnungen und einer Installation untersucht. Die Zeichnungen arbeiten mit […]

verlängert bis 16.03. | #2325ARTatBerlin | Galerie Bastian zeigt ab 19. Januar 2019 parallel zu THE TIMES THEY ARE A-CHANGIN‘ als letzte Ausstellung »FÜR SELINUNT« des Künstlers Ulrich Erben. Aeneas Bastian und die Mitarbeiter der Galerie freuen sich, den Beginn einer ersten Zusammenarbeit mit Ulrich Erben bekanntzugeben. Die Berliner Galerie zeigt vom 19. Januar bis 16. März 2019 eine Auswahl von Werken, die in den letzten Jahren entstanden sind. Es ist die erste umfangreiche Präsentation des Künstlers in Berlin. »Selinunt X« 2018 [170 X 250 cm] © Ulrich Erben, Courtesy BASTIAN Berlin Die Bilder von Ulrich Erben, die wir zeigen, haben im Bannkreis der Landschaft zerstörter Tempelanlagen von Selinunt ihre ästhetische Referenz erfahren. Wir lesen sie als kühle Metaphern der Anatomien einer alten Welt. In ihrer äußersten Reduktion scheinen die Bilder archetypische, sinnfreie Zeichen und doch sind sie von einem zutiefst inneren Bekenntnis getragen: dem Animismus einer Sprache poetischer Behauptungen, die in sich selbst ruhen. Die Ausstellung der Bilder von Ulrich Erben beschließt unsere Tätigkeit Am Kupfergraben. Das Haus wird im März diesen Jahres der Stiftung Preußischer Kulturbesitz zu Berlin übergeben. Wir werden für unsere zukünftige Arbeit ein neues Ausstellungs-Kulturhaus in Berlin bauen. Vernissage: Freitag, 18. Januar 2019, 18:00 – 20:00 Uhr Ausstellungsdaten: […]

bis 16.02. | #2321ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler zeigt ab 18. Januar 2019 die Einzelausstellung STERNE der Künstlerin Raphaela Simon in den Galerieräumen Bleibtreustraße. Raphaela Simon (* Villingen) lebt und arbeitet in Berlin. Simon studierte bei Peter Doig an der Kunstakademie Düsseldorf und in der Klasse von Günther Förg an der Akademie der Bildenden Künste München. Ihre Arbeiten waren unter anderem Teil von Einzel- und Gruppenausstellungen in der Victoria Miro Gallery (2018), TRAMPS/Michael Werner, New York (2017), Hannah Hoffman Gallery, Los Angeles (2016 und 2015) und TRAMPS, London (2014). Raphaela Simon, Lila Frau (detail), 2018 Preview: Freitag, 18. Januar 2019, 18.00 – 20.00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 18. Januar – Samstag, 16. Februar 2019 (in der Bleibtreustraße 45)   Bildunterschrift: Raphaela Simon, Lila Frau (detail), 2018 Ausstellung Raphaela Simon – Galerie Max Hetzler | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 30.03. | #2318ARTatBerlin | Galerie Berinson präsentiert ab 12. Januar 2019 die Ausstellung mit Skulpturen und Reliefs des Künstlers László Péri (1899-1967). Die Galerie Berinson zeigt Skulpturen und Reliefs des ungarisch-britischen Künstlers und Bildhauers László Péri, entstanden zwischen den Jahren 1933 bis 1950 in England. Die Werke stammen direkt aus dem Nachlass des Künstlers. László Péri (1899-1967), Sitzender, ca. 1950, pigmentierter Beton mit Maschendraht, 75 x 62 x 5 cm Péri erschloss als Wegbereiter den Werkstoff Beton für die bildnerische Kunst und spezialisierte sich auf architektonische Reliefs in farbigem Beton. Er entwickelte ein eigenes Rezept für das verwendete Material „Péricrete“, einer Mischung aus Beton mit Polyesterharz und Metallpulver. Vernissage: Samstag, 12. Januar 2019, 18-21 Uhr  Ausstellungsdaten: Samstag, 12. Januar – Samstag, 30. März 2019   Ausstellung László Péri (1899-1967) – Galerie Berinson | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 16.02. | #2315ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 12. Januar 2019 die Ausstellung Landscape mit Arbeiten von Skadi Engeln, Kathrin Rank und Manfred Fischer.  Skadi Engeln Seit Skadi Engeln 2001 den Jakobsweg gegangen ist und dort intensive Naturerfahrungen gemacht hat, befasst sie sich  intensiv mit Landschaften. Als Synonym für „Welt“ reflektiert sie dahinterliegende Wirklichkeiten. Sie löst die Natur  in Licht, Wasser und Wetter auf. Der Horizont als zentraler Ort in ihren Arbeiten verbindet das Oben und Unten, das Davor und Dahinter. Die serielle Aufteilung eines Motivs auf mehrere Untergründen spielt auf Fotoreihen an, die einen zurückgelegten Weg dokumentieren. Es geht um den menschlichen, beobachtenden Blick, seine Verarbeitung und seine Wechselwirkung mit dem Beobachteten, der Landschaft. In ihrer aktuellen Arbeitsweise erscheinen die Landschaften verdeckt durch einen Vorhang, gestört oder auch irritiert. Skadi Engeln malt die Natur in ihrer Schönheit. Und sie malt die Natur in ihrer Schönheit gestört. Sie eröffnet dem Betrachter damit einen realen Blick auf die Landschaft des 21. Jahrhunderts. Kathrin Rank In Ranks Bildern werden Figuren wie auch Elemente von der Natur, oft durch eine Gegenlichtsituation, zu Silhouetten. Sie werden zu Projektionsträgern und zu Symbolformen einer allseits präsenten, doch transparenten Wirklichkeit- und Möglichkeitswelt. Die Figuren in der Landschaft […]

bis 23.02. | #2312ARTatBerlin | Galerie Berlin zeigt ab 10. Januar 2019 Werke der Künstlers Klaus Zylla und Reinhardt Grimm. Klaus Zylla präsentiert seine Werke in einer Ausstellung mit dem Titel „30 mal 40 mal 30“: Klaus Zylla Reinhardt Grimm zeigt kinetische Skulpturen: Reinhardt Grimm   Vernissage: Donnerstag, 10. Januar 2019, ab 18 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 10. Januar – Samstag, 23. Februar 2019   Bildunterschrift: Courtesy of Galerie Berlin – Klaus Zylla Ausstellung Klaus Zylla + Reinhardt Grimm – Galerie Berlin | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst – ART at Berlin  

bis 09.02. | #2309ARTatBerlin | Esther Schipper zeigt ab 14. Dezember 2018 die Einzelausstellung Wonderland der Künstlerin Julia Scher. Exhibition view: Julia Scher, Wonderland, Andrea Rosen, New York, 1998 Photo © Julia Scher Julia Scher, Grace, 1997, C-print, 182 x 127 cm (detail) Photo © Julia Scher Die Galerie hat uns bisher nur eine englischsprachige Ausstellungsbeschreibung zur Verfügung gestellt. Für mehr Informationen wechseln Sie deshalb doch bitte zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. Das geht ganz einfach. Klicken Sie auf den Sprachbutton in der rechten oberen Ecke. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. See you in a second! Eröffnung: Freitag 14. Dezember 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 14. Dezember – Samstag, 9. Februar 2019   Bildunterschrift Titelbild: Julia Scher, Grace, 1997, C-print, 182 x 127 cm (detail) Photo © Julia Scher / Courtesy the artist; Esther Schipper, Berlin Ausstellung Julia Scher – Esther Schipper | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 19.01. | #2293ARTatBerlin | KOW zeigt derzeit die Ausstellung His Master’s Voice der Künstlerin Alice Creischer und parallel dazu zeitgleich die Ausstellung Crusoe des Künstlers Eugenio Dittborn.  Alice Creischer Alice Creischers dritte Ausstellung bei KOW ist ein Stück deutscher politischer Gegenwart. Und dabei auch ein Stück politischer und künstlerischer Kontinuität. Im Untergeschoss der Galerie stottern die Werke sich durch gesellschaftliche Entwicklungen während der letzten dreißig und mehr Jahre, die so häufig kritisch beschrieben wurden, dass man heute kaum noch weiß, wie man wieder, und weiter, und noch einmal darüber sprechen kann, während der scheinbar unaufhaltsame politische Klimawandel dem kritischen Denken immer wieder, und noch einmal, die Sprache verschlägt. Kann doch alles nicht wahr sein. Ist es aber. Und es zeigt sich ungeschminkt. Alice Creischer, Für Camille B., 2016 Creischers Ausstellung ist ein Kopfschütteln über die eigene deutsche Geschichte und wohl auch über das permanente Nachdenken darüber. Im Krieg gegen die Franzosen brachten sich die Deutschen endlich unter eine Krone. 1871 gründeten sie ihr Reich als Besatzungsmacht im okkupierten Versailles. Eine der ersten Heldentaten der jungen Nation war die Unterstützung der französischen Reaktionäre bei der Zerschlagung einer der fortschrittlichsten politischen Bewegungen des Jahrhunderts, der Pariser Commune. Sie fand ihr Ende mit preußischer […]

bis 02.02. | #2304ARTatBerlin | ChertLüdde zeigt derzeit die Ausstellung Being and your own Form der Künstlerin Zora Mann. ChertLüdde freut sich, Being and Your Own Form, die zweite Einzelausstellung von Zora Mann (geb. 1979, Amersham, UK) in der Galerie zu präsentieren. Mann zeigt ein neues Werk bestehend aus Gemälden, Skulpturen und einer Gemeinschaftsinstallation mit Øyvind Renberg. Das Sein und die eigene Form bringt das Psychische und das Geistige mit dem Physischen und Objektiven zusammen. Dabei erzeugt ein ganzheitliches Ganzes Gegensätze und Widersprüche ebenso wie Harmonie. Allgegenwart und die eigene Form befinden sich beide im Raum und bestimmen ihn. Zora Manns Arbeiten thematisieren den relationalen Anteil dieses Ganzen mit Fokus auf Raum, Körper und (formale) Sprache. Dadurch können vermeintlich getrennte Formen als verbindende Elemente des Seins dargestellt werden. “I contradict myself because I am big, I contradict myself because I contain all the opposites, because I am all.”(1) Die Holzschilde sind mit Acryl und/oder Öl in hellen, manchmal knalligen Farben bemalt. Sie erinnern an psychedelische Träume oder Pigmente, die in der Natur verwendet werden, um zu verführen oder zu warnen. Die Formen der Schilde haben sich von einer Struktur, die ursprünglich zum Schutz des Rumpfes oder des gesamten Körpers diente, […]

bis 31.01. | #2301ARTatBerlin | Galerie1214 zeigt von Dezember 2018 bis Ende Januar 2019 Positionen und Entwicklungen malerischer Motive von Künstlern der Galerie und aus der Sammlung. Britta Lumers «Dyade» (2017) ist ein vielperspektivisches Portrait in Tusche auf Papier und Leinwand, das den portraitierten Kopf aus rembrandtscher Schwärze holt. Britta Lumer, Dyade, 2017 Jessica Buhlmanns komplexe Bildanlage «Folded Space» (2016) offenbart die musikalische Imprägnierung der Malerin, ergänzt um das Objekt „Octett“. Jessica Buhlmann, Folded Space, 2016 Von Marie Irmgard zeigen wir Acrylarbeiten auf Papier, die da Vincis Fleckformen ins Fluide übersetzen. Marie Irmgard Isabel Borges ist mit konstruktivistischen BIldcollagen vertreten und einer kleinen, enigmatischen Komposition in Acryl. Isabelle Borges Isabelle Borges Isabelle Borges Aus der Sammlung zeigen wir drei Bildtafeln von Wolfgang Betke, ein (virtuelles) Triptychon von eindringlicher Energie, das die Zeichenhaftigkeit der Malerei mit einer raffinierten Gestaltung der Oberflächen kombiniert. Wolfgang Betke Wolfgang Betke Wolfgang Betke Aus Christina Michalis‚ Oeuvre greifen wir materialbestimmt Arbeiten mit Polyacryl und Sand von 2012 auf, kombiniert mit dem raffinierten Folienprint Avoid/Nobody, Homage und ironische Brechung zugleich. Christina Michalis Ausstellungsdaten: Samstag, 1. Dezember – Donnerstag, 31. Januar 2019   Bildunterschrift Titelbild: Wolfgang Betke, Nun kommt eine Beruhigung (detail), 2015-2017, oil, mixed media, collage on canvas […]

bis 15.01. | #2298ARTatBerlin | axmann kunstgalerie präsentiert ab 1. Dezember 2018 Malerei des französischen Künstlers Daniel Therasse und der italienischen Künstlerin Michela Crisotomi. Galerist Otto Axmann stellt beide Künstler kurz vor: „Daniel Therasse wurde 1955 in Frankreich geboren. Er erhielt diverse internationale Ausstellungen und Auszeichnungen – u. a. den Prix de l‘Assemblee. Der Kunstkritiker Luis Porquet (Une Vision Bouillonnante du Monde, 2013) vergleicht Daniel Therasse mit einem Sozialregisseur, der das tägliche Treiben der Menschen als großen, manchmal absurden Karneval in Szene setzt. Inspiration dort findet, wo das Leben sich ballt. Seien Sie neugierig, betrachten sie seine Kunstwerke. Wir laden dazu herzlich ein.“ Daniel Therasse „Aus unserer internationalen Kunstszene stellen wir Ihnen die Künstlerin Michela Crisostomi vor, geboren 1976 in Italien. Michela Crisotomi studierte an der Accademia Belle Arti in Florenz. Ihren Abschluss machte sie an der Kunsthochschule Orneore Metelli. 2011 erhielt sie die Auszeichnung in Gold des Kunstpreises International Festival of Contemporary Art der Stadt Sulmona. Diverse Veröffentlichungen u. a. im Stemperando. Kuratiert von Giovanna Bar-Bero in Kooperation Nationale d‘Arte Contemperanea. Michela Crisotomis Kunst ist weltweit in Ausstellungen zu sehen. Entdeckung ist ihr Schlüsselwort. Ikonen-Malerei zeitgenössisch zu interpretieren. Wir freuen uns auf Ihren Besuch.“ Michela Crisotomi   Ausstellungsdaten: Samstag, 1. […]

bis 26.01. | #2296ARTatBerlin | Blain|Southern Berlin präsentiert ab 1. Dezember 2018 die Einzelausstellung Kenny des Künstlers Henning Strassburger. In Kenny, Henning Strassburgers erster Ausstellung mit der Galerie, präsentiert der Künstler neue großformatige Gemälde und Papierarbeiten. Diese setzen die Bildzyklen Pool und Jane fort, indem sie einzelne Erkennungssymbole, die „Splashes“, das Raster und die subtile farbliche Betonung der Bildränder der Arbeiten aus diesen Zyklen wieder aufgreifen. Die „Splashes“ sind sowohl Gestus als auch Bedeutungsform. Das Raster ist für den Künstler zentrales Element des Bildes. Zum einen als Idee, dass seinen Bildern ein Raster zugrunde liegt, zum anderen als gestalterisches Mittel, als Motiv, das er immer wieder in seinen Arbeiten einsetzt. Die beiden Elemente, „Splashes“ und Raster, erscheinen in ganz unterschiedlicher Weise: versteckt, überhöht oder reduziert. In einigen in der Ausstellung gezeigten Arbeiten verwendet Henning Strassburger als Hintergrund ein betonfarbenes Grau welches keine übliche Leinwand- sondern die Bodenfarbe seines Atelierbodens ist. Dies ist eine Referenz auf die Arbeiten in Jane, in denen Henning Strassburger der Verknüpfung von Architektur und Popkultur nachspürte. Form und Farbe sind für den Künstler Träger von Bedeutung und Leitmotiv innerhalb seines bisherigen Werkes. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf ein wiederkehrendes Erlebnis des Künstlers bei Starbucks in […]

bis 28.12. | #2291ARTatBerlin | Galerie aKonzept präsentiert ab 1. Dezember 2018 die Gruppenausstellung TOTE AUSSTELLUNG. Eine fast erzählerische Ausstellung. Die Idee zu dieser Ausstellung entstand nach dem Lesen eines kurzen anonymen französischen Textes. Der Untertitel der Ausstellung “Eine fast erzählerische Ausstellung” wurde gewählt, weil die ausgestellten Werke den Text nicht direkt illustrieren und seine Geschichte nicht erzählen. Sie sind eine Ergänzung zum Inhalt. Text: db, der Enkel des berühmten mb und der Sohn des weniger berühmten jb, lebt im Haus seines Großvaters in einem Dorf weit von einer Stadt, von dem er nicht weg durfte und empfing uns, seinen Hund an der Leine haltend, zuerst für einen Café auf der Terrasse eines Restaurants in der Nähe des Bahnhofs, von dem wir kamen – ich glaube, er wollte wissen, ob wir ehrliche Menschen sind, bevor er uns in sein Haus ließ, früher das Haus seines berühmten Großvaters – wo er vor uns saß und ein Wurstsandwich und Apfelsaft bestellte, einen Kaffee und Apfelsaft für uns, ohne seine verspiegelte Sonnenbrille abzunehmen, und wir unsere auch nicht, wir sprachen über seinen Hund, Sie hatte ihren auch dabei, dann nahm er seine Brille ab, und ich sah eine blaue unter seinem rechten Auge, die […]

bis 12.01. | #2276ARTatBerlin | Galerie Barbara Weiss präsentiert seit 20. November 2018 die Ausstellung Diary des ukrainischen Fotografen Boris Mikhailov. Vernissage: Samstag, 17. November 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 20. November 2018 – Samstag, 12. Januar 2019   Bildunterschrift: Galerie Barbara Weiss – Boris Mikhailov Ausstellung Boris Mikhailov – Galerie Barbara Weiss | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 26.01. | #2285ARtatBerlin | Blain|Southern Berlin präsentiert ab 1. Dezember 2018 die Einzelausstellung The Grinders Cease des Künstlers Mat Collishaw, seine erste Ausstellung bei Blain|Southern in Berlin. In the day when the keepers of the house shall tremble, and the strong men shall bow themselves, and the grinders cease because they are few, and those that look out of the windows be darkened…’ (King James Bible, Ecclesiastes 12:3) The Grinders Cease ist Mat Collishaws erste Ausstellung bei Blain|Southern in Berlin. Sie zeigt den Umfang und die Fülle seiner künstlerischen Praxis und stellt neue Arbeiten, darunter Installationen, Skulpturen, Photographie und Gemälde, vor. Mat Collishaw zählt zu den Schlüsselfiguren einer besonderen Generation englischer Künstler, die 1988 mit der Gruppenausstellung Freeze bekannt wurden. Er setzt sich mit existenziellen Themen wie Tod, Zerstörung und Verfall auseinander. Bekannt für die kunsthistorischen Referenzen seiner Arbeiten, stellt er durch die Verwendung bestimmter Sujets einen zeitgenössischen Dialog mit den Alten Meistern her. The Grinders Cease zeigt Mat Collishaws Interesse an Vanitas-Motiven, die in der Bildsprache seit der Renaissance dazu eingesetzt werden, den Betrachter an die Vergänglichkeit weltlicher Vergnügen zu erinnern. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf einen Ausschnitt aus dem Buch Kohelet der englischen King James Bibel, aus […]

bis 19.01. | #2281ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab 7. Dezember 2018 die Einzelausstellung Quer durch den Garten mit Gemälden von Reinhard Pods (*1951). Reinhard Pods, der 1951 in Berlin geboren wurde, ist einer der Berliner Wilden um Bernd Koberling, Luciano Castelli, Rainer Fetting und anderen, die sich expressiv gegen die kargere Kunst der 70er Jahre stellten. Von 1971 bis 1977 studierte Pods an der Hochschule der Künste Berlin und war Meisterschüler bei Karl Horst Hödicke. Anschließend verbrachte er im Rahmen eines Stipendiums ein Jahr in New York. 1979 gründete er zusammen mit Frank Dornseif, Ter Hell, Elke Lixfeld, Rainer Mang und Gerd Rohling die Gruppe und Selbsthilfegalerie 1/61, benannt nach dem Kreuzberger Postzustellbezirk. Im Gegensatz zu den Berliner Wilden war 1/61 eher konzeptuell ausgerichtet. Die Gruppe veranstaltete eine Ausstellungsserie von 1979 bis 1980. In dieser Zeit wurde Pods der Villa Romana Preis verliehen, dank dem er ein Arbeitsstipendium in Florenz erhielt. 1988 erhielt er den Villa Massimo Preis und kehrte nach Italien zurück. Er wurde 1986 in Bonn mit der Auszeichnung des Kunstfonds geehrt und erhielt des Weiteren den Will Grohmann Preis (1994) und den Fred-Thieler-Preis der Berlinischen Galerie, Berlin (1996). Die Galerie Michael Haas stellte Pods bereits einmal im […]

bis 06.01. | #2279ARTatBerlin | König Galerie (Chapel) zeigt ab 24. November 2018 die Einzelausstellung TENGAM TENGAM der koreanischen Künstlerin Koo Jeong A. Koo Jeong A arbeitet mit Objekten, die fähig sind zur Transformation: Unbewegten und bewegten Bildern, Klängen und Düften. Diese disparaten Medien werden kombiniert mit Elementen wie Wind, Schwerkraft, ortsspezifischen Rekonfigurationen und Interventionen im architektonischen Raum. Dabei setzt Koo Jeong A alltägliche Materialien ein, um alternative Realitäten heraufzubeschwören und so einer spezifischen Poetik nachzuspüren, die in der Natur der Formen selbst liegt, welche das Universum durchdringen. Ihrem flüchtigen Ansatz, Kunst zu erschaffen, liegt ein Interesse an den kleinsten Details unserer irdischen Umgebungen und den kosmischen Konstellationen zugrunde, die diese gleichzeitig verbinden und erweitern. Koo Jeong A umspannt diese Details mit einer flexiblen,rationalen Bewegung, die stetig zwischen Ordnung und Unordnung, Wahrnehmung und Erinnerung, Schönheit und Nützlichkeit oszilliert. In der König Galerie präsentiert Koo Jeong A eine Auswahl ihrer jüngsten Magnet-Kunstwerke. Ihr Interesse an diesem Material ist dabei Teil einer zehnjährigen Erkundung magnetischer Eigenschaften und dessen potenziellen Verwendungsmöglichkeiten. Von einem architektonischen Gestaltungsmittel hinzu einem heilenden Objekt, ist die schlichte Form des Magneten eng verwoben mit einem umfassenden Spektrum von Möglichkeiten, die Koo Jeong A mit ihren subtilen skulpturalen Arbeiten aufgreift. In […]

verlängert bis 09.03. | #2277ARTatBerlin | Galerie Brockstedt präsentiert ab 23. November 2018 die Einzelausstellung Skulpturen von Hans Scheib. „Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar.“ Paul Klee Diese Worte von Paul Klee scheinen dem 1949 in Potsdam geborenen Bildhauer Hans Scheib wie auf den Leib geschrieben zu sein. „Solange ich zurückdenken kann, habe ich davon geträumt, Künstler zu werden“, sagt dieser große, vielfach geehrte Holzbildhauer von sich, der sich konsequent schon immer jeder modischen und auch politischen Strömung in seinem freien Denken verweigert hat. Hans Scheib, Die Welle Mit Kettensäge und Meißel – manchmal auch in Bronze – schafft er Figuren von frappierender Unmittelbarkeit, interpretiert er die Welt in einer ehrlichen, bescheidenen und humorvollen, ja unverkennbar persönlichen Sprache. Seine oft der Mythologie entlehnten zeitlosen Gestalten erzählen von Sehnsucht, Einsamkeit, Zerbrechlichkeit, von sexuellem Hunger, Humor und Tragik. Fern der Ästhetik des schönen Scheins gründet er auf die Tradition der expressiven Formensprache, die in der bewussten Reflexion der farbigen Holzskulptur der Brücke-Expressionisten wurzelt. Scheibs Wesen reflektieren das Allgemein-Menschliche. Lebensvoll und tiefgründig sprechen sie uns an, berühren uns mit ihren oft weit aufgerissenen Augen, verdrehten dünnen Beinen und kantigen Oberkörpern, robust und zerbrechlich zugleich. Neben seinen Skulpturen entstand auch ein großes […]

bis 12.01. | #2274ARTatBerlin | Brutto Gusto Fine Arts zeigt ab 9. November 2018 die Doppelausstellung mit Werken der niederländischen Keramikerinnen Wietske van Leeuwen und Carolein Smit. Wietske van Leeuwen – ‘Rocambolesk’ 2015, pot with lid, stoneware 2015  Carolin Smit – ‘Medusa’ ceramics 2016 Vernissage: Freitag, 9. November 2018 Ausstellungsdaten: Freitag, 9. November 2018 – Samstag, 12. Januar 2019   Bildunterschriften: Courtesy by Brutto Gusto Fine Arts – Wietske van Leeuwen – Carolin Smit Ausstellung Wietske van Leeuwen + Carolein Smit – Brutto Gusto Fine Arts | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 15.12. | #2268ARTatBerlin | H ART MANN GALLERY zeigt ab 10. November 2018 die Einzelausstellung GEORDNET – UNGEORDNET des Künstlers Karsten Kelsch. Zur nächsten und in diesem Jahr letzten Vernissage bei mir in der H ART MANN GALLERY möchte ich Sie herzlich einladen. Mit dem Titel GEORDNET – UNGEORDNET werde ich Ihnen neue Arbeiten von KARSTEN KELSCH präsentieren. Karsten Kelsch, Waldstück III, 2018, Papier mit dem Ausschlageisen gelocht, 200 x 70 cm (Detail) Der erste Punkt zeugt den nächsten; Häufungen, Trennungen, Abstände, Dichtungen – eben ein Raster. Der Punkt ist darin die kleinste grafische Einheit. Die Abstände zwischen den Punkten – ob offen oder verdichtet – erzeugen das visuelle Bild. Das Waldstück ist Darstellung bloßer denkbarer Abstraktion; Unsichtbares wird sichtbar mit Hilfe des Rasters. Zusätzliche Eindrücke vorab finden Sie unter www.karstenkelsch.de Zur Eröffnung sind Sie und Ihre Freundinnen und Freunde herzlich eingeladen. Vernissage: Freitag, 09. November 2018, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 10. November – Samstag, 15. Dezember 2018   Bildunterschrift: Karsten Kelsch Waldstück III 2018 Papier mit dem Ausschlageisen gelocht 200 x 70 cm (Detail) Ausstellung Karsten Kelsch – H ART MANN GALLERY | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 12.01. | #2261ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin zeigt ab 23. November 2018 die Ausstellung UNSCHULD mit Figurinen des Künstlers Rudi M. Bodmeier aus dem Atelier Augustinum in München. Oberschwester Eva-Maria Salat Steckrübe,  Farbstift/Fineliner auf Karton, 92 x 41 cm Elemente aus der Tier-, Pflanzen- und Dingwelt, kombiniert er mit drastischer Übertreibung zu skurrilen Mischwesen. Es sind dralle Frauenkörper, die Bodmeier in enganliegende Kostüme, Kleider oder Uniformen steckt. Weiblich konnotierte Attribute wie Brüste und Hüften werden überbetont oder im wahrsten Sinne des Wortes überspitzt dargestellt. In ihren kokettierend bis eleganten Posen erinnern sie an Mannequins und Modefotografie. Die Frauen werden quasi entpersonalisiert und mutieren zu fremdartigen, gefährlichen Wesen. Seine karikierenden Collagen können irritieren und verstören. Aber sie lassen uns auch unsere massenmedial geprägten Bilder von Weiblichkeit kritisch neu betrachten. Klaus Mecherlein, der als Leiter des Ateliers Augustinum seit Jahren mit dem Künstler arbeitet, spricht von einem „Rätsel von Verpuppung und Verwandlung, Verbannung und Fremdheit“, einer „Aura des Unerlösten“, die sie umgibt, diese „Mischwesen aus Frau und Tier, Frau und Pflanze, Frau und Gegenstand.“ Fräulein Dibbels Dackel, 2008, Farbstift/Fineliner auf Karton Seine meist 40–60 cm großen Figuren werden vom Künstler in einem sehr zeitaufwendigen Prozess geschaffen. Ausgehend von einer kleinen Skizze, einer […]

bis 01.12. | #2267ARTatBerlin | Esther Schipper präsentiert seit 26. Oktober 2018 die Einzelausstellung The Light Pours Out des Künstlers Martin Boyce. Esther Schipper freut sich, The Light Pours Out, die erste Einzelausstellung von Martin Boyce mit der Galerie anzukündigen. Martin Boyce hat den Galerieraum subtil verwandelt, indem er ein System von Leisten geschaffen hat, die die Wände bedecken und deren Oberfläche in skulpturale Settings und formale Rahmen für seine Skulpturen verwandeln. Mit der Präsentation neuer Werke aus seiner Serie von bemalten Paneelen aus perforiertem Stahl mit angebrachten Metallelementen, großen Screens und Werken aus seiner Serie von Jesmonit Platten setzt der Künstler seine Hybridisierung verschiedener Traditionen von Kunst, Architektur, Design und Urbanismus fort – sowohl westlicher als auch östlicher, modernistischer und historischer. Basierend auf Linien aus den kubistischen Betonbäumen von 1925 der Brüder Jan und Joël Martel, die seit 2005 als „Lexikon der Formen“ für den Künstler fungieren, verweisen die Leisten sowohl auf die Geschichte der architektonischen Ornamentik als auch auf die Vorliebe des 18. und 19. Jahrhunderts für Verzierungen. In diesem Kontext, beziehen sie sich insbesondere auf die Geschichte von Ausstellungen – das Muster der Rechtecke gibt dem Raum einen neuen Rhythmus, bildet buchstäblich Rahmen (traditionell für Gemälde verwendet) und repräsentiert […]

bis 17.11. | #2258ARTatBerlin | Philipp Haverkampf Galerie zeigt derzeit die Ausstellung SUPERMAN RETURNS WITH SWIMMERS der Malerin Katherine Bradford. Bradfords Wurzeln liegen in der abstrakten, gestischen Malerei. Erst nach und nach fanden Figurationen Einzug in ihre Werke. Neu ist auch die Größe der Dargestellten: Einst besiedelten kleinere Wesen ihre Leinwände, heute gestalten sie, prominent im Bildraum platziert und gerne im Anschnitt dargestellt, den Bildaufbau. Die Figuren selbst sind markante Farbfäche, die das Bild gliedern und in eine ausgewogene Einheit zusammenbringen: leuchtendes Magenta, schrilles Pink an nachthimmlischem, tiefem Blau, warmes, sattes Gelb an kräftigem Rot, fügen sich zu frischen und sphärischen Bildern. In der Tradition des Abstrakten Expressionismus und der Farbfeldmalerei stehend lassen Bradfords Bilder an mit Figuren bestückte und szenisch aufgebrochene Werke Mark Rothkos oder Barnett Newmans denken. Oder sie erinnern an auf die Leinwand gebrachte lichtdurchfutete Räume eines James Turrell, in welchen ihre Protagonisten die Bühne des Schauplatzes erobern und eigenwillige Choreographien aufführen. Von radikaler Selbstermächtigung und Superhero*ines, von Mitgefühl und Zusammenhalt erzählt Bradfords phantstische Welt. Doch auch von düsteren Prognosen, Isolation und Verlust handeln ihre schwärmerisch geheimnisvollen Erzählungen. Mit einer seltenen Lässigkeit schafft sie epische Werke von universaler Bedeutung und refektiert in einer erfrischenden Offenheit die großen Themen, […]

bis 29.11. | #2230ARTatBerlin | Galerie Schwind zeigt momentan eine Ausstellung mit neuen Bildern des Künstlers Markus Matthias Krüger. Zum Start in den Kunstherbst eröffnet die Galerie Schwind Berlin am 29. September 2018 um 15 Uhr eine Ausstellung mit neuen Arbeiten des Leipziger Künstlers Markus Matthias Krüger. Krüger hat sich vollständig der Landschaft verschrieben. Menschen tauchen auf seinen Gemälden nicht auf, sind in den übrig gebliebenen Zivilisationsrelikten, der verlassenen Architektur und der domestizierten Natur aber ständig präsent. Durch die Reduzierung der Bildelemente auf ihre rudimentären geometrischen Grundformen, die mathematisch streng konstruierten Perspektiven und die endlose Wiederholung von Motiven, wie Strohballen Bäumen oder Backsteinen, wird das Unendliche im Endlichen sichtbar gemacht. Immer mehr gewinnt der Betrachter den Eindruck, dass dem Künstler die Landschaft als intensives Experimentierfeld für die Auslotung von Form und Farbe dient, in dem er seine Bildformen sorgfältig anordnet und schon will die Einordnung in eine reine Landschaftsmalerei nicht mehr recht greifen. Im Spannungsverhältnis zwischen altmeisterlich-feinmalerischer Präzision und moderner Klarheit seiner Kompositionen begründet Krüger eine Neuinterpretation des Genres und seine Rolle als Erneuerer der zeitgenössischen Landschaftsmalerei. Markus Matthias Krüger, 35 Strohballen, 2018, Acryl und Öl auf Leinwand, 40 x 50 cm Markus Matthias Krüger, der 1981 in Gardelegen geboren wurde, studierte […]

bis 08.11. | #2223ARTatBerlin | H. M. Klosterfelde Edition zeigt momentan die Ausstellung LOVE PODIUM (travel version) von Dan Peterman. Die Travel Version von Dan Petermans Skulptur wird während der Ausstellungsdauer als Plattform für Konzerte, Lesungen, Gespräche und Performances dienen: Annika Kahrs THIS IS A LOVE SONG: 28. September 2018, on occasion of art berlin gallery night Kasia Fudakowski: 11. Oktober 2018 Mareike Begner & Eric Winkler: 17. Oktober 2018 The Performance Agency presents Realities: 7. November 2018 Courtesy of H.M. Klosterfelde Edition – Dan Peterman – Foto: dotgain.info  Vernissage: Samstag, 15. September 2018, 18:00 – 21:00 Uhr – mit einem Vortrag und einer Diashow von Wilhelm Klotzek um 19:30 Uhr Ausstellungsdaten: Sonntag, 16. September – Donnerstag, 8. November 2018   Bildunterschrift: Courtesy of H.M. Klosterfelde Edition – Dan Peterman – Foto: dotgain.info  Ausstellung Dan Peterman – H.M. Klosterfelde Edition | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

verlängert bis 29.11. | #2256ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 27. Oktober 2018 die Einzelausstellung Support mit neuen Arbeiten des chilenischen Künstlers Franzisco Roza. Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art freut sich, die neuen Arbeiten des chilenischen Künstlers Francisco Rozas (*1980) zu präsentieren. Francisco Rozas beschäftigt sich seit 2013 mit der Konstruktion von großen fragilen, geometrischen Objekten, die zwischen Flächigkeit und Dreidimensionalität oszillieren. Die Objekte verkörpern keine vagen Modelle eines individuellen Formexperiments, sondern vielmehr exemplarische Visualisierungen von mathematischen Abhängigkeiten. Geht der Betrachter zunächst bei dem Material der Skulpturen von Stein oder matt lackiertem Holz aus, erkennt er auf den zweiten Blick, dass er einer Täuschung aufgesessen ist. Die geheimnisvoll und massiv wirkenden Skulpturen erweisen sich als präzise gefertigte Gebilde aus Karton. Für Francisco Rozas ist SUPPORT die dritte Einzelausstellung bei Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art. In 2014 zeigte der Künstler hier die Installation „In planning“, bei der er den Prozess des planerischen Entwerfens sowie den Galerieraum als permanenten Ort der Konstruktion untersuchte. Bei der Ausstellung „Pretending“ in 2016 bei Galerie Gilla Lörcher zeigte Francisco Rozas eine Vielzahl seiner etwas mehr als 2 Meter hohen Objekte und platzierte sie wie Models auf einem Laufsteg – quer durch den Galerieraum. […]

bis 22.12. |#2250ARTatBerlin | Stella A. zeigt ab 19. Oktober 2018 die Ausstellung AMPLE FOOD FOR STUPID THOUGHT mit Werken von Joseph Beuys, George Brecht, Marcel Duchamp, Robert Filliou, Ludwig Gosewitz, Alison Knowles, Takako Saito, Tomas Schmit, Jiri Valoch u.a. AMPLE FOOD FOR STUPID THOUGHT[1] „Es war einmal …“,  so märchenhaft könnte ein Bericht über eine Kunstepoche beginnen, in der Künstler sich dem Unbedeutenden und Alltäglichen zuwandten. Gemeint ist die Zeit der Fluxus-Kunst. Wann Fluxus begann und wann Fluxus endete oder ob es überhaupt endete, ist umstritten. Man kann sich auch nicht darauf einigen, ob Fluxus eine Bewegung war oder ist, vergleichbar z. B. mit der DADA-Bewegung. Selbst welche Künstler/Innen zu Fluxus gehörten oder gehören ist unklar. „Maciunas war der Einzige, der eine konkrete Vorstellung von der Bedeutung von Fluxus hatte, aber ich bin sehr dafür es unbestimmt zu lassen. Mir ist es viel lieber, wenn jeder das tut, was er will. … keiner kann sagen, wer oder was Fluxus ist. Das finde ich sehr schön.“[2] Neben den spektakulären Aktionen, Konzerten und Performances der Fluxus-Akteure gab und gibt es auch eine leisere, leicht zu übersehende und zu überhörende Seite von FLUXUS. Seit über fünfzig Jahren haben Fluxus-Künstler und -Künstlerinnen Blätter, Zettel, Schachteln, kleine und […]

bis 17.11. | #2249ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab 18. Oktober 2018 die Einzelausstellung Malafonte des Künstlers Nicola Samorì. Malafonte, Nicola Samorìs erste Einzelausstellung in der Galerie EIGEN + ART Berlin, ist von einer Kunstepoche beeinflusst, in der der emotionale Ausdruck von Angst allgegenwärtig war. Zwischen 1520 und 1600 mussten die Künstler des Manierismus unmittelbar mit Tragödien wie dem Sacco di Roma umgehen, einer gewaltsamen Verwüstung der Stadt Rom. Werke wie Il serpente di bronzo des Florentiner Künstlers Agnolo Bronzino waren von dem Schmerz inspiriert, den er erfuhr. Angst war eine Vorbedingung des Manierismus. Samorì ist der Auffassung, dass wir wieder in manieristischen Zeiten leben. Der manieristische Einfluss in Malafonte beschränkt sich nicht auf einen Seelenzustand. Die Gewundenheit des menschlichen Körpers, ein Hauptmerkmal des Manierismus, ist ein durchgängiges Motiv der gezeigten Arbeiten: Auf Valle Umana (Malafonte), einem großformatigen Fresko, das die gesamte hintere Wand der Galerie bedeckt, wird es im Kampf zwischen der Schlange und dem menschlichen Körper visualisiert. Nicola Samorì, Valle Umana (Malafonte), Detail, 2018, Fresko, 515 x 380 cm, courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin Durch die Arbeit mit Materialien wie Stein, Sand, Kalk und Erde bricht Samorì mit der Maltradition, elastische, dickflüssige Ölfarbe für die Körperdarstellung zu verwenden. Aus der Entfernung […]

bis 24.11. | #2246ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab 12. Oktober 2018 die Ausstellung It’s not dark yet… des Künstlers Dittmar Danner aka Krüger. Dittmar Danner aka Krüger ist uns bisher als Dittmar Krüger bekannt: Der neue Name irritiert. Das ist Programm! Seine uns vertraute ’signature art‘ ist der Farbraumkubus, das Wandobjekt, das zugleich Malerei und Objekt vereint. Die Malerei spielt sich vornehmlich innerhalb der ‚aufgeschnittenen‘ Kuben ab. Die zumeist 12 cm tiefen Kästen sind vorwiegend hochrechteckig ausgerichtet. Seine Malerei in der Box hat in der Vergangenheit oft die Frage evoziert, ob eine künstliche Lichtquelle darin integriert sei. Nicht ohne Grund wurde sie gestellt. Der Künstler schafft durch die geschickte Wahl seiner Farbe (z.B. Kadmiumgelb in Verbindung mit Kadmiumorange oder Preußisch Blau mit Ultramarin) ein Seherlebnis. Verstärkt wird die Leuchtkraft der Farbe durch die vorgeblendete, mit tausenden von Schleifspuren versehene Plexiglasscheibe, also einem Gewirr von unzähligen ‚Lichtspurrillen‘. Wie beim Fiberglaskabel fungieren sie als Lichtsignalleiter und streuen den Farbraum nach innen und nach außen. Der Eindruck einer künstlichen Lichtquelle ist also nicht ganz von der Hand zu weisen, insbesondere dann, wenn der Künstler an den sichtbaren inneren Kanten oder Schmalseiten der Kästen z.B. vertikale ultramarine Streifen malt, die umgeben sind von einem dunklen, […]

bis 17.11. | #2243ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 24. Oktober 2018 die Einzelausstellung From Wood and Leather Boots von Samuel Bassett. Galerie Kornfeld freut sich sehr, From Wood and Leather Boots, die erste Ausstellung neuer und neuester Arbeiten des britischen Künstlers Samuel Bassett in Deutschland zu präsentieren. Der Künstler entwickelt seine unverkennbare Stimme, indem er sich kopfüber in seine Autobiographie stürzt; seine Arbeiten katalogisieren sein Alltagsleben aufrichtig, humorvoll und mit einer Prise Pathos. Dieser autobiographische Ansatz führt ihn dazu, figurativ zu malen – die Figuren in seinen Bildern sind Allegorien seines Lebens. Dazu kommen Boote und Fischer als Verweis auf die Traditionen seiner Heimatstadt St. Ives und seinen familiären Hintergrund, aber auch Motive zeitgenössischen Freizeitvergnügens. Dies führt ihn zwangsläufig zu Fragen dazu, wie unsere Welt sich verändert und wie sich jeder einzelne zwischen Vergangenheit und Zukunft positioniert. In Zentrum von Bassetts Malerei steht häufig eine Figur, die mit einer anderen Art von Materie interagiert – das mag Farbe sein, eine weitere Figur oder auch eine abstrakte Form. Diese Materie ist eine Verbindung zur Abstraktion und führt ein weiteres Sujet in diese Gemälde ein: die Farbe. Flächig gemalte Formen bestimmen die räumlichen Beziehungen der Bildmotive. Verschiedene Farbflächen lassen unterschiedliche Räume zwischen der Realität […]

bis 10.11. | #2236ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Gallery präsentiert ab 27. September 2018 die Ausstellung And He Built A Crooked House der Künstler Chris Agnew und Marcel Buehler. Neonlicht spiegelt sich in vernickelten CO2 -Zylindern, fein gravierte Linien kontrastieren schemenhaft in Öl festgehaltene Momente. Zur Berlin Art Week 2018 stellt die Galerie Kristin Hjellegjerde Werke des Berliner Künstlers Marcel Buehler und Gemälde des Briten Chris Agnew aus; beide Künstler vereint das Interesse an der Frage nach unserer wahren Identität unterhalb der Oberfläche. Der Ausstellungstitel And He Built A Crooked House bezieht sich auf die gleichnamige Science-FictionKurzgeschichte Robert A. Heinleins aus dem Jahr 1940. In dieser baut ein überambitionierter junger Architekt ein hypermodernes Haus in Form eines Tesserakts, angestachelt von der Idee, eine räumliche vierte Dimension (anstatt der Zeitachse als eigentlicher vierter Dimension) umzusetzen. Durch ein leichtes Erdbeben wird das Gebäude jedoch ungeplant tatsächlich zum vierdimensionalen Raum. Zimmer, eigentlich weit entfernt voneinander, sind plötzlich nah und gehen ineinander über. Fenster öffnen Aussichten in andere Städte und Galaxien. Das Verlassen des Gebäudes wird mit einem Mal unmöglich; am Ende gelingt nur durch ein weiteres Erdbeben das Entkommen, dabei verschwindet das Haus im Nirvana. Nun fast schon 80 Jahre alt, sind viele Elemente […]

bis 20.10. | #2032ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab zeigt momentan die Gruppenausstellung NOMADIC BODIES mit Werken von Adam Harvey, Annkathrin Kluss und Johanna Bruckner. Die Künstler*innen der Ausstellung Nomadic Bodies zeigen diskursive Perspektiven auf die menschliche Subjektivität sowie die derzeitige Beziehung zwischen dem Digitalen und dem menschlichen Körper. Ihre Arbeiten dokumentieren Formen des menschlichen Widerstandes, zwischen der totalen Ökonomisierung und der Präsenz des Internets. Johanna Bruckner zeigt in ihren Filmen, Videoinstallationen und Performances anhand von Darstellerer*innen und Tänzer*innen, dass wir in komplexen Kreisläufen aus Ökologie, Algorithmen, Technologie und vernetzter Realität gefangen sind. Annkathrin Kluss´ Arbeiten verhandeln Identitätskonstruktionen unter Einfluss von Digitalität, Technologie und Ökonomie sowie die daraus resultierende Selbstwahrnehmung und -darstellung. Adam Harvey untersucht die gesellschaftlichen Auswirkungen der vernetzten Datenanalyse mit Schwerpunkt auf Computer Vision, digitalen Bilderwelten und Gegenüberwachung. Künstler*innengespräch: in Kooperation mit field notes: 11. September 2018, 17:00 – 21:00 Uhr – Ein Gespräch zwischen Neo Hülcker und Andreas Dzialocha (Y-E-S-Kollektiv) und Annkathrin Kluss und Johanna Bruckner (Nomadic Bodies) im Rahmen des Monats der zeitgenössischen Musik, präsentiert von field notes und EIGEN + ART Lab. Vernissage: Freitag, 7. September 2018, 17 – 21 Uhr – Eröffnung + Performance Ausstellungsdaten: Freitag, 7. September – Samstag, 20. Oktober 2018    Bildunterschrift: Annkathrin Kluss, Neo-Chimeras Ausstellung Adam Harvey + Annkathrin Kluss + Johanna Bruckner – EIGEN + ART Lab | […]

bis 30.09. | #2153ARTatBerlin | Galerie oqbo zeigt derzeit die Gruppenausstellung paperfile #14 mit Arbeiten von acht Künstlerinnen und Künstlern. Diese Ausstellung zeigt Arbeiten von Marcus Bjernerup (Berlin), Markus Linnenbrink (New York City), Alice Musiol (Köln), Jochen Schneider (Berlin), Martin Schwenk (Düsseldorf), Sylvia Schwenk (Berlin), Jana Troschke (Berlin) und Heiko Wommelsdorf (Hamburg). Dieses Jahr geht paperfile in die 14. Runde. Das Herzstück der Produzentengalerie oqbo | raum für bild wort und ton bietet eine sorgfältig ausgewählte Mischung von Zeichnungen, Fotografien, digitale Prints, Collagen und viele weitere Ausdrucksformen auf Papier. paperfile #14 ergänzt 2018 das Zeichnungsarchiv in den Papierschränken der Galerie mit neuen, spannenden Positionen. paperfile #14 2018 Container Love | Andreas Schalhorn Ein Plan- oder Graphikschrank, also das, was im Englischen paperfile heißt, ist im Kunstbetrieb jenseits musealer Sammlungen von Zeichnungen und Druckgraphik durchaus keine Seltenheit. Planschränke finden sich etwa in den Verwaltungs- und Nebenräumen von Galerien, Artotheken oder Kunstvereinen. Doch ist die direkte Nutzung durch die Öffentlichkeit nur im Ausnahmefall möglich. Die eigentliche Musik spielt ohnehin in den Ausstellungsräumen, in denen dann großformatige Gemälde, Skulpturen oder (Video)Installationen gezeigt werden. In der Regel sind es – in den kommerziellen Galerien – gerade auch diese Arbeiten, die das mehr oder weniger große […]

bis 03.11. | #2224ARTatBerlin | White Square Gallery zeigt derzeit die Einzelausstellung „Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“ der kambodschanischen Künstlerin Sokuntevy Oeur. „Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“ ist die erste Einzelausstellung der jungen kambodschanischen Künstlerin Sokuntevy Oeur (*1983. Kambodscha) in Berlin. Sie präsentiert hier dreizehn farbintensive Ölgemälde, aufgeteilt in zwei Zyklen, die sie 2018 extra für diese Ausstellung schuf. Sokuntevy Oeur, Abendland, 2018, Öl auf Leinwand, 90 x 155 cm (Ausschnitt), © Sokuntevy Oeur Vernissage:  Freitag, 14. September 2018, 19 – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 15. September – Samstag, 3. November 2018   Bildbezeichnung: Sokuntevy Oeur, Abendland, 2018, Öl auf Leinwand, 90 x 155 cm (Ausschnitt), © Sokuntevy Oeur Ausstellung Sokuntevy Oeur – White Square Gallery | Zeitgenössische Kunst | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin | Kunst in Berlin | Galerien Berlin | ART at Berlin  

bis 20.12. | #2210ARTatBerlin | BQ Berlin zeigt ab 20. September 2018 die Ausstellung Kommunalka 55 von Irina Rastorgueva und Thomas Martin. Bevölkert von Generationen sozial unterschiedlich klassifizierter Bewohner stellt die Kommunalka eine Osmose von Ideologie und Lebensgewohnheiten dar. Wände, Tapeten, Möbel, Geschirr, Requisiten des täglichen Bedarfs sind von der Aura übermäßigen Gebrauchs durchtränkt. Sie atmen Geschichte, sie erzählen davon. Sie bilden in ihrer Gesamtheit ein Palimpsest des Privatlebens unter dem Druck der Verhältnisse in der Spirale der Zeit. Die Kommunalka ist die auf engstem Raum erlebte Zwangskollektivierung des Wohnens. Eine Reflektion nicht nur des Alltags und komprimierten Privatlebens, auch und vor allem ein Spiegel der Gesellschaft – nirgends mehr Mikrokosmos als hier. Kommunalka – Irina Rastorgueva + Thomas Martin Kommunale Wohnungen entwickelten sich als eine Reaktion auf die Wohnungskrise in urbanen Bereichen. Sie wurden von der Obrigkeit als ein Produkt der „neuen kollektiven Zukunftsvision“ dargestellt. Für gewöhnlich wohnten zwischen zwei und sieben Familien in einer gemeinsamen Wohneinheit. Jede Familie hatte ihren eigenen Raum, der oft als Wohnzimmer, Esszimmer und Schlafzimmer für die gesamte Familie diente. Alle Bewohner der gesamten Wohnung teilten sich den Flur, die Küche (auch Kommunalküche genannt), das Badezimmer und das Telefon (wenn existent). Die kommunale Wohnung wurde die […]

  bis 10.12. | #2227ARTatBerlin | August 35 Exhibition Space zeigt ab 4. Dezember 2018 die Einzelausstellung der Künstlerin Heidi Fosli mit besonderer Beteiligung der Künstlerin Josée van Schuppen. Heidi Fosli wird für den Zeitraum der Ausstellung in der Galerie anwesend sein. Die Ausstellung wird kuratiert von Gabriela Caranfil und Art Management Berlin. August 35 Exhibition Space findet statt in den Räumen der Auguststraße 35. Die Ausstellung präsentiert die zeitgenössische Künstlerin Heidi Fosli aus Norwegen in ihrer Einzelausstellung mit der außerordentlichen Teilnahme der zeitgenössischen Künstlerin aus Holland, Josée Van Schuppen; Künstlerinnen, die vorgestellt wurden im First Berliner Artbook© series. HEIDI FOSLI; Amor Fati, 100 x 120 cm, oil on canvas, 2015 JOSÉE VAN SCHUPPEN, Composition in Green and Yellow, (detail), 50 x 70 cm, mixed media, 2015 Mehr Informationen zur Ausstellung und zu den beiden Künstlerinnen in diesem Video:   Vernissage: Dienstag, 4. Dezember 2018, 17:00 – 20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 4. Dezember bis Montag, 10. Dezember 2018. Heidi Fosli wird für den Zeitraum der Ausstellung in der Galerie anwesend sein. Ausstellungsort: August 35 Exhibition Space, Auguststraße 35, 10119 Berlin-Mitte (in den Räumen von WHITECONCEPTS)   Bildunterschrift Cover: Heidi Fosli (links) & Josée van Schuppen (rechts) Ausstellung Heidi Fosli – 35 Exhibition Space | Contemporary Art – Kunst in […]

verlängert bis 02.03. | #2169ARTatBerlin | Salongalerie Die Möwe präsentiert ab 13. Oktober 2018 die Gruppenausstellung Radikal. Visionär. Unangepasst. 100 Jahre Novembergruppe. Seit Eröffnung der „Möwe“ bilden die Künstler der Berliner Novembergruppe einen Schwerpunkt der Ausstellungs- und Sammlungstätigkeit der Galerie. Die Präsentation „Radikal. Visionär. Unangepasst.“ würdigt die Gründung der Künstlervereinigung vor 100 Jahren mit Werken von rund 20 Künstlern. Vom 13. Oktober 2018 bis 9. Februar 2019 sind in der „Möwe“ nicht nur Arbeiten der Gründungsmitglieder Cesar Klein und Moriz Melzer zu sehen, sondern auch Bilder von Hans Brass, Herbert Behrens-Hangeler, Erwin Hahs, Gert H. Wollheim und Richard Ziegler. Bilder vieler weiterer Novembristen wie Rudolf Ausleger, Gottfried Graf, Paul Grunwaldt und Albert Mueller ergänzen die Präsentation. Die Laudatio zur Vernissage am 12. Oktober wird der Direktor des Bröhan-Museums Berlin, Dr. Tobias Hoffmann, halten. Albert Mueller, Erwachen, 1920er Jahre, Aquarell Moriz Melzer | o.T. | 1910er Jahre | Farbmonotypie Die Novembergruppe wurde – bis zu ihrer Streichung aus dem Vereinsregister durch die Nationalsozialisten 1935 – von einer demokratischen und liberalen Idee getragen: Sie wollte Kunst und Volk vereinen und war offen für alle Kunstgattungen und zeitgenössischen Ausdrucksformen. Aus dem weiten Feld der Stile und Motive zeigt „Die Möwe“ eindrucksvolle Beispiele. Rudolf Ausleger | Berliner mit […]

bis 30.11. | #2206ARTatBerlin | axmann kunstgalerie präsentiert ab 15. September 2018 Malerei des französischen Künstlers Alain Ponçon. Geboren in der Nähe von Paris, lebt und arbeitet Alain Ponçon in Saint Maur sur Loir –Nähe Chartes. Er ist international durch Ausstellungen in Nordamerika und Europa bekannt. Seine Kunstwerke haben eine starke künstlerische Ausdrucksweise. Alain Ponçon – Dame – Öl auf Leinwand – 55 x 46, 2003 Alain Ponçon – La Brasserie – Leinwand 60 x 60 Alain Ponçon – Le Zinc Seine künstlerischen Wurzeln kommen aus dem Realismus und Expressionismus. Er hat eine künstlerisch Kraft im Sinne der Art Brut. Jedoch sind seine Kunstwerke alles andere als „Art Singular“. Sie zeigen eine hintergründige Gesellschaftskritik und ebenso die Heiterkeit des  Alltages. Alain Ponçon – Chat au Fauteuil panneau Alain Ponçon – Sourires Sein klarer Blick auch für die Abgründe und Ambivalenzen machen seine Kunstwerke außergewöhnlich und sehr lebendig. Mit kräftigen Farben vorwiegend in Öl und Tempera zeigt er mit Augenzwinkern ein Spiegelbild der Gesellschaft. Alain Ponçon – Et Maintenant? Alain Ponçon – Casse à la Poussette- Leinwand 60 x 60 cm Begleitend zu Alain Ponçon finden Sie in der axmann kunstgalerie Werke weiterer Künstlerinnen und Künstler der Galerie aus den Bereichen Malerei, Skulptur […]

bis 07.11. | #2213ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 1. Oktober 2018 die Doppelausstellung PERSONAL THEATER mit Fotografien von Katerina Belkina, Simon Annand und Hardy Brackmann und UN CERTAIN REGARD mit Fotografien von Andreas A. Koch und Frank Massholder. PERSONAL THEATER lotet die Grenzen aus zwischen menschlicher Identität und Rollenspiel. Simon Annand fotografiert Schauspieler in ihrer Garderobe, einem physischen Raum für Konzentration und Privatheit. Er ist stiller Beobachter im Countdown der letzten 30 Minuten vor dem Auftritt. Er zeigt die Schauspieler als Menschen in ihrer Zerrissenheit zwischen sich selbst und der Rolle, in die sie noch nicht hundertprozentig geschlüpft sind. Simon Annand (*1955) lebt und arbeitet in London. Seit über 30 Jahren fotografiert Annand Schauspieler in ihrer Garderobe in den intimen 30 Minuten, bevor sich der Vorhang hebt. SIMOND ANNAND, DANIEL CRAIG, 1999, Hahnemühle FINEART, 30 x 20, 10 + 2 Katerina Belkina inszeniert sich selbst in zu Gemälden digital nachgearbeiteten Fotografien und verweist auf unterschiedliche „Psycho“-Typen der Frau in unserer Gesellschaft. Sie befreit ihre Tableaus von Details, um die Essenz des Individuums herauszufiltern. Ihre Kunst ist ihr eigenes persönliches Theater, mit der sie die Einsamkeit und Isoliertheit des in einer materialisierten Welt verlorenen Menschen messerscharf aufzeigt. Katerina Belkina (*1974) aus […]

bis 22.10. | #2212ARTatBerlin | Andreas Reinsch Project zeigt ab 22. September 2018 die Ausstellung abendland des Künstlers Günther Haußmann. Wer Abendland sagt hat auch Morgenland im Sinn, und Christentum und Islam.  Es ist ein Denken in Gegensätzen. Im Falle des Judentums musste erst die Katastrophe geschehen, um sagen zu können: Das Judentum gehört zu Deutschland. Die Frage, ob der Islam zu Deutschland gehört, wird nicht erst durch eine Katastrophe seine Antwort finden, sondern durch die Vernunft. Günther Haußmann – Abendmahl 2015 – Fotografie auf Alu-Dibond 200 x 100 cm Aber wir sind ungeduldig und berechnen alles auf den Geldwert und merken nicht, dass wir in viel zu kleiner Münze denken. Die Geschehnisse nach dem Herbst 2015, als in seiner Heimatstadt an der Ostsee etwa 50 meist muslimische Flüchtlinge eintrafen, haben etwas freigesetzt, das lange nicht abgerufen wurde in unserer satten Welt:  Mitgefühl, Hilfsbereitschaft und das gute Gefühl, das Richtige zu tun. Etwas, von dem er hoffte, dass es die Volksseele sei. Es sollte anders kommen. Vernissage: Samstag, 22. September 2018, 18:30 bis 20:30 Uhr. Es spricht Prof. Hans-Dieter Knapp Ausstellungsdaten: Samstag, 22. September – Montag, 22. Oktober 2018 Finissage: Samstag, 20. Oktober 2018, 19:00 – 21:30 Uhr. Es spricht Prof. Bazon Brock. […]

bis 21.12. | #2181ARTatBerlin | Galerie Hilaneh von Kories präsentiert ab 22. September 2018 die Ausstellung „Blende f/5.6 – Glückliche Momente“ des Filmemachers Bogdan Dziworski. Der Filmemacher und Fotograf Bogdan Dziworski zählt zu den wichtigsten Vertretern des Avantgarde- und Experimentalfilms im polnischen Kino. Obwohl er in seinem Heimatland zu den renommiertesten Bildgestaltern gehört, ist sein Werk in Deutschland eine Neuentdeckung. Die analogen Schwarzweißbilder zeigen den Lebensalltag in polnischen Städten aus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Seit den 60er Jahren hat Dziworski so ein einzigartiges Werk geschaffen, das ihm schon oft den vergleichenden Ehrentitel einbrachte, er sei „der Cartier-Bresson Polens“. Wie sein französischer Kollege, verfolgt Dziworski einen fotografischen Ansatz der momenthaften und humanistischen Ästhetik. Bogdan Dziworski, f5,6-001, Warszawa 1964, 30 x 22 cm „Meine Fotografien aus dieser Zeit sind nie inszeniert. Sie sind ‘erlaufen’. Tag für Tag waren es manchmal acht Stunden, in denen ich fotografierte. Du musst auf diesen einen bestimmten Moment warten, in dem die Realität die Bühne selbst bestimmt. Du musst Glück haben. Und ich hatte es.“ Bogdan Dziworski Bogdan Dziworski, Warzaw 1964, Lodz 1961 Vernissage: Freitag, 21. September 2018, 19:00 – 21:00 Uhr. Der Künstler ist anwesend. Zur Einführung spricht Rafal Lochowski, Leica 6×7 Gallery Warschau. Ausstellungsdaten: Samstag, 22. September – […]

bis 22.09. | #2167ARTatBerlin | pavlov’s dog zeigt derzeit die Ausstellung Last Paradise II mit Fotografien von Ekaterina Sevrouk. Es raschelt im grünen Dickicht des Urwaldes, knallrote Flamingoblumen ragen hervor, es riecht nach feuchter Wärme. Ein Leopard blickt hervor. Für den Bruchteil eines Augenblicks ist die Täuschung perfekt. Doch der Leopard bleibt still und unbewegt. Laut sind nur die Farben. Die Ambivalenz zwischen einst lebendiger Natur und neugeschaffenen Objekten wird sorgfältig inszeniert. In beinahe barocker Manier schmückt die Künstlerin Ekaterina Sevrouk Tierpräparate mit leuchtend bunten Blumen und kreiert ein opulentes Flora und Fauna – Ensemble. Ekaterina Sevrouk visualisiert die Spannung zwischen Natur und Ausrottung, Leben und Sterben auf ihre ganz eigene Art. Ekaterina Sevrouk, Westlicher Flachlandgorilla, 2017, 150 x 100 cm, C-Print, gerahmt Nerz, Gnu, Tiger, afrikanisches Wildschwein, Zebra, Puma, Kakadu – Ekaterinas Akteure faszinieren durch ihre exotische Schönheit und sind doch nicht mehr als Kulisse. Die Präparate stammen aus naturhistorischen Museen in Salzburg, Wien und Dublin und verweisen schweigend daraufhin, dass der Mensch leider vergisst, was ihn einst umgeben hat und wie man es bewahrt. In Thomas Manns „Zauberberg“ heißt es, dass die Blumen den nüchternen Zweck haben, den Tod zu beschönigen, in Vergessenheit zu bringen oder gar nicht […]

bis 27.10. | #2202ARTatBerlin | PSM Gallery zeigt ab 18. September 2018 eine Doppelausstellung mit Werken von Peggy Franck und Freek Wambacq, kuratiert von Sjoerd Kloosterhuis. Peggy Franck (1978, Niederlande) lebt und arbeitet in Amsterdam, Niederlande. Ihre farbenprächtigen Arbeiten bieten eine ungewöhnliche Kombination aus Malerei, Installation und Fotografie. Einzelausstellungen: Signer van Doesburg, Amsterdam (2018), Arcade, London (2018 und 2016), Luceber huis, Bergen aan Zee, Signer van Doesburg, Amsterdam (2014), Fons Welters, Amsterdam (2012) und Westfälischer Kunstverein, Münster (2009). Ihre Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen gezeigt: Hilversum Museum, Hilversum (2017), Martin van Zomeren, Amsterdam (2017), Manifesta Foundation, Amsterdam (2014), The Photographers Gallery, London (2013), Nieuwe Vide, Haarlem (2013) ), FOAM, Amsterdam (2011), Museum de Pont, Tilburg (2011), Sammlung Zabludowicz, London (2011) und Museum voor Moderne Kunst Arnheim (2009) Freek Wambacq (1978, Belgien) lebt und arbeitet in Amsterdam, Niederlande. In seiner Praxis bedient er sich einer Vielzahl von Materialien, die oft auf die Realität jenseits des Bildes anspielen. Einzelausstellungen seiner Arbeiten wurden in Witte de With, Rotterdam (2015), Objectif Exhibitions, Antwerpen (2013), Museum M, Leuven (2011), Kiosk, Gent (2008), Netwerk Zentrum für zeitgenössische Kunst, Aalst (2008) gezeigt ), SMAK, Gent (2005). Letztes Jahr präsentierte er eine Intervention in der Ausstellung Aufwärmen, Miquel-Angel Cardenas, in der […]

bis 27.10. | #2205ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin zeigt ab 14. September 2018 zum 10 jährigen Bestehen der Galerie Werke von Peter Pankow, Betty Feix, Christo Lufundiso Luanza und Melanie Edwards. Peter Pankow (*1968) arbeitet in der Thikwa Werkstatt für Theater und Kunst. Sein barocker malerischer Gestus hat auf den ersten Blick, dank Farbe und Format, eine wuchtige und imposante Wirkung. Beim näheren Hinsehen erschließen sich vielschichtige Beziehungen aus Figurativem und zartgeschichteter farblicher Erzählung. Seine Blätter sind seine gedanklichen Ablagerungen, die er mit Nadeln durchpflügt und wieder freilegt. Es sind präzise Notizen bzw. Protokolle über sich, als Überich, Unterich, Altich und Neuich. Worte und Beschreibungen seiner Suchen, die Pankow auch auf der Bühne verwendet, wenn er Auskunft über sich gibt. Der Künstler wurde vielfach ausgestellt, mit dem Lothar-Späth-Förderpreis und dem Europäischen Kunstpreis/EUCREA Preis ausgezeichnet sowie 2014 für den euward 7 nominiert. Peter Pankow, Bunter Regenwald der langsam abgeholzt wird, 2014 Die Kunst von Betty Feix (geb. 1990) entsteht in Büchern oder auf Leinwänden und handelt von ihren Träumen, in deren Mitte sich die Künstlerin häufig selbst hinein schreibt oder malt, von Hochzeiten, Reisen in die Südsee oder von skurrilen Begegnungen ihrer Figuren. Charakteristisch bei den Leinwandarbeiten ist fast immer ein leuchtend […]

bis 17.11. | #2176ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte zeigt ab 29. September 2018 Werke der Künstlerin Alice Aycock und des Künstlers Jonas Weichsel.  Alice Aycock – Early Works Jonas Weichsel – Echo Box Vernissage: Freitag, 28. September 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 29. September – Samstag, 17. November 2018   Bildunterschrift: Alice Aycock / Tropico de Cancer: Boundary Line 23 1/2 degrees North, Tamaulipas, Mexico. Left (side): Torrid Zone. Right (side): North Temperate Zone, 1973 / vintage photograph / Photo: Mark Segal / 17 × 25,4 cm | 6 ¾ × 10 in (Top) Ausstellung Alice Aycock + Jonas Weichsel – Galerie Thomas Schulte | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 06.10. | #2179ARTatBerlin | Galerie Franzkowiak präsentiert ab 11. September 2018 die Ausstellung In den Tropen fühlen sich die Haare anders an des Fotografen Jan Michalko und der Malerin Monika Michalko. Es ist heiß und laut und bunt und in den Tropen fühlen sich die Haare anders an. Fotograf Jan Michalko und Malerin Monika Michalko, Bruder und Schwester aus Berlin, lebten, arbeiteten, reisten und stritten sich gemeinsam in Sri Lanka sechs Monate lang. Sie erforschten die Realitäten und Fantasien des Alltags und der Kultur auf diesem einzigartig diversen und mysteriösen Inseluniversum. Das farbenfrohe Ergebnis ihrer künstlerischen Auseinandersetzung kann bald als Experiment in der Galerie Franzkowiak betrachtet werden. Vernissage: Samstag, 8. September 2018, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 11. September – Samstag, 6. Oktober 2018   Bildunterschrift: Preview: New Work Monika Michalko Ausstellung Jan Michalko + Monika Michalko – Galerie Franzkowiak | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 11.11. | #2166ARTatBerlin | SAVVY Contemporary zeigt ab 13. September 2018 die Gruppenausstellung GEOGRAPHIES OF IMAGINATION, ein Projekt im Rahmen von DIS-OTHERING: BEYOND AFROPOLITAN AND OTHER LABELS – eine Kooperation zwischen BOZAR – Centre for Fine Arts (Brüssel), Kulturen in Bewegung (Wien) und SAVVY Contemporary (Berlin). AUSSTELLUNG WITH Salwa Aleryani, Heba Y. Amin, American Artist, Rossella Biscotti, Chimurenga, Saddie Choua, Michele Ciacciofera, Anna Binta Diallo, Dimitri Fagbohoun, Mahir Jahmal, Jackie Karuti, Anna Líndal, Ibrahim Mahama, Tanja Muravskaja, Oscar Murillo, Daniela Ortiz and Sandra Schäfer. INVOCATIONS 14.09.–15.09.2018 WITH Salwa Aleryani, Heba Y. Amin, Rossella Biscotti, Michele Ciacciofera, Andrea Cusumano, Hamid Dabashi, Anna Binta Diallo, Discoteca Flaming Star, Drummers of Joy (feat. Ekow Alabi, Kofi Asamoah, Akinola Famson, Eric Sunday Owusu), Dimitri Fagbohoun, Nacira Guénif-Souilamas, Helon Habila, Hector Thami Manekehla, Wayne Modest, Musa Okwonga, Daniela Ortiz, Johannes Paul Raether, Sandra Schäfer, Jelena Vesić,  and many more GEOGRAPHIES OF IMAGINATION ist ein Projekt im Rahmen von  DIS-OTHERING: BEYOND AFROPOLITAN AND OTHER LABELS––eine Kooperation zwischen BOZAR–Centre for Fine Arts (Brüssel), Kulturen in Bewegung (Wien) und SAVVY Contemporary (Berlin) zur notwendigen Dekonstruktion von Praktiken des ‚Othering‘ in europäischen Kulturinstitutionen. Es besteht aus einer Ausstellung, Symposien, einem Festival, Vorträgen und Performances, einem Residenzprogramm, einer Mapping-Forschung und einer Website, die 2018 und 2019 […]

bis 27.10. | #2160ARTatBerlin | Sexauer Gallery zeigt ab 21. September 2018 die Einzelausstellung Inzision der Künstlerin Jeewi Lee. Seit einigen Jahren arbeitet Jeewi Lee an einem künstlerischen Zyklus von Arbeiten, die sich mit der Sichtbarkeit von Spuren beschäftigen. Es konzentriert sich sowohl auf menschliche Spuren aus unserem Alltag als auch auf historische Spuren, die sich in verschiedene Materialien einbrennen und so von der Geschichte zeugen. In ihrer Arbeit „Tracing the 38th Parallele of Korea“ (Arbeitstitel) verweist sie auf bestimmte historische Spuren der Geschichte ihres Heimatlandes Korea, die zugleich Zeugnis vom Alltagsleben der Menschen ablegen. Der 38. Breitengrad als zentraler Grenzmarker ist Ausdruck des komplexen Koreakonflikts. Courtesy of Sexauer Gallery and Jeewie Lee Mit einer alten asiatischen Technik fertigt sie Papierabzüge von koreanischen Bäumen an, die genau auf dem Breitengrad 38 verwurzelt sind. Das Alter der Bäume ist ein relevantes Kriterium, da sie nur Bäume auswählt, die bereits vor der Teilung des Landes 1945 ausgewachsen waren. Natürlich können Bäume ihre Heimat nicht alleine verlassen. Aus diesem Grund sind sie ein lebendiges Zeugnis, beispielhaft für die Teilung von 1945. Lee hat zehn gleichmäßig verteilte topografische Punkte entlang dieser Linie ausgewählt, von denen sich fünf aufgrund der Grenzpolitik in Südkorea und fünf in […]

bis 13.10. | #2174ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt derzeit die Einzelausstellung DEEP SLEEP der Künstlerin Birgit Brenner. Birgit Brenner erforscht in ihrer Kunst die digitalen Muster, mit denen wir leben. „Ich nenne es ‚hand poly’“, sagt die Künstlerin und bezieht sich auf ihre Bilder – „hand poly“ als Variation des „low poly“ aus den Anfängen der 3D-Animation. Low Poly besteht aus einer relativ kleinen Anzahl von Polygonen, die aus geraden Linien und Winkeln bestehen. „Low-Poly ist eher eine lausige Kulisse“, sagt Brenner, „eine grobe, schnelle Darstellung der Natur.“ Es ist eine Manipulation der Realität, eine Fiktion: „Kunst ist auch eine Fiktion. Ein Fragment der Realität. Künstlerische Realität. “ Die Sprache der virtuellen Realität inspiriert Brenners Arbeit. Wie „Deep Speech“, ein Ende-zu-Ende-Spracherkennungsnetzwerk. „Ende-zu-Ende“ ist, wenn Sie ein Spiel bis zum Ende spielen, ohne zurückzugehen. Oder „Permadeath“, ein Ausdruck, der sich auf eine Situation bezieht, in der ein Charakter nicht wieder erscheinen kann, nachdem er getötet wurde. „Du stirbst, genau wie im richtigen Leben“, erklärt Brenner, „ohne eine Chance zu haben, zu optimieren.“ In Zeiten der 3D-Kunst malt Birgit Brenner gerne 3D-Szenen: eine flache Skulptur, die dennoch wie ein Hologramm aussieht und eine Leinwand, die digitale Muster zeigt. Statt einer schönen Modellierung […]

bis 20.10. | #2190ARTatBerlin | H ART MANN GALLERY zeigt ab 15. September 2018 die Ausstellung Je suis Gustave der Künstlerin Zuzanna Skiba. Wer ist Gustave und warum der Titel? Zuzanna Skiba (1968) beschäftigt sich seit mehr als 3 Jahren als Hommage an Gustave Courbet (1819 – 1877) mit seiner Idee von Revolution und Gedanken des Individuums, mit der Direktheit, Bilder als Seelenträger und Sensibilität zu malen – innere wie äußere Landschaften. Die Ergebnisse sind aufgeladen, dunkel, erotisch und sinnlich und werden zum ersten Mal in der Gesamtheit in der H ART MANN GALLERY in Berlin-Mitte präsentiert. Je suis Gustave, 2017, Öl auf Leinwand | 90 x 135 cm | gerahmt Alles began im Mai 2015 mit dem Slogan: „Je suis Charlie“. Ein kurzer Satz, der unmittelbar nach dem furchtbaren Anschlag auf die französische Satirezeitschrift Charlie Hebdo am 7. Jan. 2015, d.h. vor 3 Jahren in Paris durch die Presse ging. Was auch heißt: „Ich bin Charlie“ oder „Ich folge Charlie“. Dieser kurzer Satz bringt unsere Solidarität mit den unschuldigen Toten zum Ausdruck. Er wurde seither in abgewandelter Form zu Solidaritätsbekundungen verwendet. Hier nun aber Gustave; also „Wer ist Gustave und warum der Titel ?“ : Durch diesen einfachen Satz verbindet man sich […]

bis 10.11. | #2184ARTatBerlin | KOW zeigt ab 8. September 2018 die Gruppenausstellung WAS EUCH AM LEBEN HÄLT, IST, WAS BEI UNS ZU ASCHE ZERFÄLLT mit Blick auf den Rechtsruck in Deutschland. Die Galerie und die KünstlerInnen möchten damit ein Zeichen setzen. Teilnehmende KünstlerInnen: Alice Creischer, Henrike Naumann, Mario Pfeifer, Andreas Siekmann, Michael E. Smith, Tobias Zielony Aus gegebenem Anlass ändert KOW kurzfristig sein Programm und schaut mit einer Ausstellung auf den Rechtsruck in Deutschland. Die Galerie und die KünstlerInnen möchten damit ein Zeichen setzen in einem Moment, in dem sich das Politische – und für immer mehr Menschen auch der Alltag – in einen Alptraum verwandeln. Wir möchten uns all denen anschließen, die sich dagegen wehren. In ihren klügeren Momenten kommt die öffentliche Diskussion um die neue Spitze des rechtsradikalen Eisbergs – Chemnitz, Sachsen – zu der Einsicht, dass der soziale Unfriede in seiner neonationalen Gesinnung zwar unerträglich, aber keineswegs unbegründet ist. Erstaunlich ist ja nicht so sehr, dass braune Menschenfänger in schwarzen Anzügen die Unzufriedenheit in der Bevölkerung einsammeln und reklamieren, für die Mehrheit, also das Volk, zu sprechen, und dabei wütende Affekte eines Mobs hinter sich und auf die Straße bringen. Erstaunlicher ist doch, wie lange diese Unzufriedenheit offiziell […]

bis 10.11. | #2168ARTatBerlin | EFREMIDIS GALLERY präsentiert ab 14. September 2018 die Ausstellung All of this and Nothing von Susanne Rottenbacher und Claus Rottenbacher. Die grenzenlose Inszenierungskraft der katholischen Kirchen Roms in Claus Rottenbachers Fotoserie prostratio und die monumentale Lichtskulptur Demontage von Susanne Rottenbacher bieten faszinierende Verbindungen. Das Zusammenspiel beider Positionen schafft einen inneren Raum, der nicht nur die rätselhafte Kraft der Kirchen Roms, sondern auch die Auflösung ihrer räumlichen und ideellen Grenzen verhandelt. Für mehr Infos zur Ausstellung wechseln Sie mit nur einem Klick zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. Das geht ganz einfach: In der rechten oberen Ecke sehen Sie einen Sprachbutton – genau, die kleine Flagge. Dort können Sie auf so gut wie jeder Seite von ART@Berlin zur englischsprachigen Version wechseln – und wieder zurück. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. Sollten Sie ausnahmsweise mal auf der Startseite landen, existiert in dem Fall keine Übersetzung. See you in a second! Vernissage: Freitag, 14. September, ab 18:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 14. September – Samstag, 10. November 2018 Künstlergespräch + Buchvorstellung: Dienstag, 6. November 2018, 19 Uhr (Details siehe Veranstaltungskalender)   Bildunterschrift: Courtesy of EFREMIDIS GALLERY – Susanne Rottenbacher – Claus Rottenbacher Ausstellung Susanne Rottenbacher + Claus Rottenbacher – EFREMIDIS GALLERY | Zeitgenössische […]

bis 13.10. | #2189ARTatBerlin | janinebeangallery zeigt ab 8. September 2018 die Ausstellung DU, VENUS UND ICH mit den Künstler*innen Anna Borowy, Peter Doherty, Beate Höing und Jonathan Meese. Die janinebeangallery setzt in der Ausstellung „Du, Venus und Ich“ Werke der Künstler Peter Doherty und Jonathan Meese mit denen der Künstlerinnen Anna Borowy und Beate Höing in Relation. Collagen, Zeichnung und Installation des britischen Künstlers, Musikers und Dichters Peter Doherty treffen auf die Gemälde der Berliner Künstlerin Anna Borowy, ungestüme Mixed Media Arbeiten von Jonathan Meese finden sich im Zusammenspiel mit den filigranen Keramiken von Beate Höing. Die Ausstellung bietet nicht nur die Möglichkeit, über die Gegensätze der künstlerischen Positionen ihre jeweiligen Eigenschaften im Vergleich neu und aus einer anderen Perspektive zu entdecken. Darüber hinaus offenbaren sich gemeinsame Merkmale in den zunächst eher komplementär wahrgenommenen Werken. Bei aller inhaltlichen Aufladung und emotionalen Widmung den Motiven lässt sich bei allen Künstlern der Ausstellung eine unprätentiöse Herangehensweise an die Sujets feststellen, sei es durch eine spürbar intuitive, unumwundene Technik oder durch die gelebte Authentizität ihrer direkt ansprechenden Inhalte und offenen Konzepte. Anna Borowy Summer Night With A Passenger 160 x 150 cm 2018 Anna Borowy, geboren 1985 in Uelzen, studierte Malerei bei Prof. […]

bis 10.11. | #2182ARTatBerlin | Robert Morat Galerie zeigt ab 8. September 2018 die Ausstellung „Manhattan Sunday “ mit Arbeiten des Fotografen Richard Renaldi. „Manhattan Sunday“ ist ein persönliches Tagebuch aus dem New Yorker Nachtleben und gleichzeitig eine Homage an New York als einen Ort der Selbstverwirklichung, als eine Leinwand, auf die die Menschen seit Generationen Ihre Wünsche, Träume und Vorstellungen projizieren. Die schwarz-weißen Großbild-Aufnahmen beschreiben eine Samstagnacht und einen Sonntagmorgen in Manhattan. Die Serie ist eine Sammlung von Portraits, urbanen Landschaften und Innenaufnahmen aus Bars und Clubs, sie erzählt vom pulsierenden Nachtleben und von dem Moment, an dem die Clubs Ihre Gäste in die Morgenstunden, in die Straßen der schlafenden Stadt entlassen. Richard Renaldi, „6:50″, New York, aus der Serie „Manhattan Sunday“ Richard Renaldi, „5:12″, New York, aus der Serie „Manhattan Sunday“ Richard Renaldi, „6:17″, New York, aus der Serie „Manhattan Sunday“ Richard Renaldi, „6:27″, New York, aus der Serie „Manhattan Sunday“ Richard Renaldi, geboren 1968, gilt als einer der einflussreichsten zeitgenössischen Portrait-Fotografen der USA. Er wurde vor allem durch seine Arbeit mit der Großbildkamera bekannt („Figure and Ground“, 2006 oder „Touching Strangers“, 2014). „Manhattan Sunday“ wurde 2015 mit einer Guggenheim Fellowship ausgezeichnet. Das Buch zur Serie wurde bei […]

bis 13.10. | #2161ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt seit 1. September 2018 die Ausstellung ZWEIHEIT von Erwin Bechtold und Matias Bechtold. Laura Mars Gallery freut sich, die erste gemeinsame Ausstellung von Erwin und Matias Bechtold zu präsentieren. Erwin Bechtold, Matias Bechtold photo copyright: Christine Bechtold Erwin Bechtold (geb. 1925) ist ein in Köln geborener und auf Ibiza lebender Maler und Zeichner, dessen Arbeiten sich durch eine charakteristische Farb- und Formsprache auszeichnen. Ein, wenn nicht das zentrale Grundmodell seiner im Kontext der informellen Malerei der Nachkriegszeit entwickelten Bilder ist das Ausbalancieren von geschlossenen geometrischen Gebilden und spontan wirkenden, zeichnerischen Elementen. Flächenwirkungen der Farbfeldmalerei treten in ein konstantes Spannungsverhältnis zu einem linearen, expressiven Duktus. Zum Beispiel werden die Bildfläche dominierende, blockhafte Rechtecke mit impulsiv-gestischen Formungen aufgesprengt und/oder erweitert. Inszeniert wird der immerwährende Antagonismus zwischen dem Exakten, klar Artikulierten und dem Diffusen und Indifferenten – eine Konstellation, aus der Erwin Bechtold ein vielschichtiges und umfangreiches Œuvre entwickelt hat. Erwin Bechtold – Zum Thema Incisión, 1996 Acryl auf Leinwand, 212 x 188 cm (vierteilig) copyright by the artist, courtesy Laura Mars Gallery Dem künstlerischen Ansatz des Vaters scheinen Matias Bechtolds (geb. 1955, lebt in Berlin) Arbeiten zunächst denkbar fern. Seine gebauten, plastisch-wuchernden, jedoch stets sich auf eine konkrete […]

bis 02.11. | #2172ARTatBerlin | Galerie Tanja Wagner zeigt ab dem 14. September 2018 die Ausstellung DAS RADIKALE EMPATHIACHAT mit einer neuen Videoarbeit der Künstlerin Anna Witt. Anna Witt begleitete eine Gruppe junger Leute in Leipzig bei der Entwicklung und Umsetzung eines Manifests einer möglichen Jugendbewegung. Im gemeinsamen Gespräch wurden gesellschaftliche Utopien und ihre eigenen Empfindungen innerhalb vorherrschender Systeme diskutiert. Die bestehenden Normen und Werte der Gesellschaft wurden hinterfragt und dekonstruiert, mit dem einer Jugendbewegung inhärenten Ziel, nach für sie als wahrhaft empfundener Bedeutung zu suchen. Das entstandene Manifest zeigt sich jedoch nicht wie herkömmlich in schriftlicher Form, sondern als performative Übersetzungen im öffentlichen Raum. Das Video entstand in Zusammenarbeit mit Maria Bujanov, Phillip Borchert, Anja Engelhardt, Belve Langniss, Blandia Langniss, Chiara Rauhut, Lena Schule und der Unterstützung der GFZK Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig. Vernissage: Freitag, 14. September 2018 Ausstellungsdaten: Freitag, 14. September – Freitag, 2. November 2018   Bildunterschrift: Anna Witt, DAS RADIKALE EMPATHIACHAT, 2018 Ausstellung Anna Witt – Galerie Tanja Wagner | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 06.10. | #2165ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab 7. September 2018 die Ausstellung artefact affairs des Künstlers Marc von der Hocht. Auf der positions berlin art fair (27.-30.09.18) zeigt Semjon Contemporary Werke von Ursula Sax und Marc von der Hocht. Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Freunde der Galerie, Sie sind herzlich eingeladen zur Ausstellungseröffnung von artefact affairs von Marc von der Hocht (Malerei, Collage, Lichtobjekt und Installation) am Freitag, den 7. September, von 19 – 21.30 Uhr. Der Künstler wird anwesend sein. Mit freundlichen Grüßen, Semjon H. N. Semjon Contura (Detail), 2018, 190 x 150 cm, Hochglanzlack auf Aluminium auf Holz Vernissage: Freitag, 7. September 2018, 19.00 – 21.30 Uhr – in Anwesenheit des Künstlers Ausstellungsdaten: Freitag, 7. September  – Samstag, 6. Oktober 2018 positions berlin art fair 2018: Donnerstag, 27. September – Sonntag, 30. September 2018 (Flughafen Tempelhof, Hangar 4). Semjon Contemporary zeigt Werke von Ursula Sax und Marc von der Hocht   Bildbezeichnung: Contura (Detail), 2018, 190 x 150 cm, Hochglanzlack auf Aluminium auf Holz Ausstellung Marc von der Hocht – Semjon Contemporary – Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 10.10. | #2122ARTatBerlin | galerie gerken zeigt derzeit die Solo-Ausstellung CANDY LAND mit Werken der Künstlerin Anja Fußbach. Parallel dazu zeigt galerie gerken im Cella Artis die Ausstellung A Remix of Aesthetic Forms and their Opposites der Künstler Jan Bernstein und Peter Wackernagel. Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Freunde, Wir laden Sie herzlich zu unseren kommenden Ausstellungen ein – die Einzelausstellung CANDY LAND von Anja Fußbach und die Doppelausstellung Ein Remix der ästhetischen Formen und ihre Gegensätze von Jan Bernstein und Peter Wackernagel werden am 24. August 2018 eröffnet. Auch in diesem Jahr nimmt die galerie gerken wieder an der POSITIONS Berlin Art Fair teil und präsentiert Werke von Jan Bernstein, Helga Gerken-Grieshaber, Peter Tomschiczek und Peter Wackernagel. Anja Fußbach, klean your soul, 2018, Mixed Media, 106 x 137 x 6 Anja Fußbach, Pig hater, 2018, Mixed Media, 31 x 31 x 4 Mit der Ausstellung Candy Land begeht Anja Fußbach ihr Berliner Solo-Debüt und präsentiert eine umfassende rauminstallative Werkschau. Unterschiedlichste Medien und Materialien kommen zum Einsatz, die durch den charakteristischen Umgang Fußbachs zusammengehalten werden, der sich der formalen Möglichkeiten freier Objektkombination bedient und diese mit ihrem handwerklichen Geschick verbindet. Der Titel CANDY LAND berichtet einerseits vom kuratorischen Gesamtkonzept, andererseits vermittelt er einen ersten Einstieg in […]

bis 13.10. | #2142ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung zeigt ab 31. August 2018 die Einzelausstellung backstage mit Objekten aus der Serie Objet Trouvé des Künstlers H. Frank Taffelt.  Ausgestellt werden für H. Frank Taffelt typische, mit schwarzem Kugelschreiber gezeichnete Rechtecke. Es sind Arbeiten aus seinem seit zirka 10 Jahren kontinuierlich immer wieder als Nebenspur aufgenommenen Projekt „Objet Trouvé“. Die Rhythmisierungen von Flächen bringt der Künstler neu für sich in diesen Zeichnungen auf vorgefundenen Papieren, Kartons und Pappen wohl durchdacht ins Spiel. Das dunkle Bildlicht breitet sich – metallisch glänzend – über die Geschichten der Gebrauchsspuren in stoischer Ruhe auf den gefundenen Materialien aus. O.T. Nr. 16, 2017, 2- teilig, je 13 x 62 cm, Kugelschreiber, Bleistift auf vorgefundenem Karton H. Frank Taffelt – Biografie 1955 geb. in Bautzen; 1974-80 Studium der Klinischen Psychologie an der Humboldt Universität zu Berlin; seit 1980 intensives Zeichnen; ab 1980 Tätigkeit als Psychotherapeut/ Psychoanalytiker; lebt und arbeitet in Berlin; Ausstellungen: 2017 Berlin, Galerie Inga Kondeyne, „Renotation“; Berlin, Galerie Inga Kondeyne/Wichtendahl Galerie, „Drawing Perfomance, Abstraction from Berlin and the United States“ ; Seward (Nebraska, USA), Marxhausen Gallery of Art, Concordia University Seward, „Drawing Performance: Abstraction from Berlin and the United States“; 2016 Lincoln […]

bis 19.10. | #2136ARTatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 8. September 2018 die Ausstellung Floaters der französischen Künstlerin Capucine Vandebrouck. Floater sind Trübungen verschiedener Größen und Konsistenzen im Glaskörper des Auges. Sie manifestieren sich als dunkle Flecken, schwarze Punkte, Kreise, Linien oder Filamente. Viele von uns haben diese Erfahrung bereits gemacht. Sie fallen besonders auf, wenn der Blick auf einen einfachen Hintergrund, einen klaren Himmel oder eine weiße Wand gerichtet ist. Die Floater, die wir sehen, sind nur Schatten ihrer eigenen Körper. Im Glaskörper (zentraler Teil des Auges) schwimmend, sind sie aufgrund des Schattens, den sie auf die Netzhaut projizieren, sichtbar und haben einen anderen Brechungsindex als der Glaskörper. Wenn wir unsere Augen bewegen, folgt der Schwimmer, und wenn wir versuchen, ihn zu reparieren, können wir ihn nicht sehen. Diese visuellen Interferenzen, die unser Sehen stören und die nur der Schatten ihrer selbst sind, führen uns dazu, die Vorstellungen von Aussehen, Wahrnehmung, Realität und Realität zu überdenken. Könnte dieser flüchtige und fliehende Körper, den wir auf der Oberfläche unserer Netzhaut sehen können, uns helfen zu verstehen, dass es keine objektive Realität gibt? Wird dies die Chance beinhalten, die Vision unseres täglichen Lebens neu zu gestalten und uns zu einem […]

bis 27.10. | #2135ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler zeigt ab 14. September 2018 den ersten Teil der Ausstellung True Stories – A Show Related to an Era – The Eighties, kuratiert von Peter Pakesch, in der Goethestraße. Albert Oehlen, Die wilden Jahre sind vorbei, mein Platz an der Theke ist jetzt frei, 1981 Ausstellung mit den folgenden Künstlerinnen und Künstlern: MIROSŁAW BAŁKA HERBERT BRANDL WERNER BÜTTNER CLEGG & GUTTMANN MATHIS ESTERHAZY GÜNTHER FÖRG ISA GENZKEN ROBERT GOBER FÉLIX GONZÁLEZ-TORRES GEORG HEROLD AXEL HÜTTE CRISTINA IGLESIAS MIKE KELLEY MARTIN KIPPENBERGER JEFF KOONS LIZ LARNER ZOE LEONARD INGE MAHN MEUSER REINHARD MUCHA CADY NOLAND ALBERT OEHLEN MARKUS OEHLEN RICHARD PRINCE DIDI SATTMANN JULIAN SCHNABEL WILHELM SCHÜRMANN CINDY SHERMAN MARIELLA SIMONI THOMAS STRUTH ROSEMARIE TROCKEL FRANZ WEST TERRY WINTERS CHRISTOPHER WOOL OTTO ZITKO HEIMO ZOBERNIG Preview: Freitag, 14. September 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 14. September – Samstag, 27. Oktober 2018 (in der Goethestraße 2/3)   Bildunterschrift: Albert Oehlen, Die wilden Jahre sind vorbei, mein Platz an der Theke ist jetzt frei, 1981 Ausstellung True Stories – Gruppenausstellung Teil I – Galerie Max Hetzler | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 03.11. | #2128ARTatBerlin | Brutto Gusto Fine Arts zeigt ab 21. September 2018 die Einzelausstellung Trial and Error mit Werken des Künstlers Johannes Nagel. Vom 27. bis 30. September wird Brutto Gusto den Künstler auch auf der Messe Art Berlin 2018 zeigen. Keramische Schutzhüllen, greifbare Gefäße, erfassbare Räume, verbeulte Behältnisse, unerklärliche Vorratsspeicher – die Formen sind immer sprechende Objekte, kenntlich als Vasen, Flaschen, Bottiche, Fässer, Schläuche. Nur der selbsterklärende Verwendungszweck wird nicht mitgeliefert. Das sind nicht einfach nur Aufbewahrungsobjekte aus Porzellan. Es sind Behälter mit offensichtlicher Individualität und in Maßen rätselhaft. Sie sind raus aus der Zeit. Die Gefäße assoziieren archaische Gerätschaften oder den Nestbau mit groben Wandverschmierungen in natürlichen Höhlungen. Sie erinnern an Naturformen, an sezierte und fest konservierte Organe oder große gepanzerte Früchte mit harten Schalen. Die porzellanen Ab- und Ausgüsse sind Umformungen des Lebendigen, der Bewegung, ein gestisches Umgreifen der Hohlform. Alles ist in scheinbarer Unwucht verschoben. Die Objekte sind mit kalkiger Haut ummantelt, die Glasuren von tiefen Krakele durchzogen. Die Oberflächen zeigen sich schrundig, rissig und stumpf. Farbnasen laufen über verwischte Bemalungen, selten schimmern fragmentarische Ornamente durch. Kein Beiwerk, nichts Dekoratives – diese Keramik ist lebendig und fordernd. Das sind Anmaßungen, nicht nur räumlich, auch […]

bis 20.10. | #2126ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 14. September 2018 eine Einzelausstellung mit Collagen des syrischen Künstlers Tammam Azzam. Die Galerie Kornfeld freut sich sehr, erstmals Werke des syrischen Künstlers Tammam Azzam zu präsentieren. Ausgestellt werden neue Collagen aus bis zu 50.000 Papierschnipseln und Gemälde. Tammam Azzam machte erstmals 2013 auf sich aufmerksam, als er sein Atelier in Syrien aufgeben musste und in seiner neuen Heimat Dubai begann, digitale Fotomontagen anzufertigen. Diese setzten sich direkt mit dem Krieg in seinem Heimatland auseinander. Eine dieser Arbeiten trägt den Titel „A Kiss for the Whole World“ und zeigt ein bombardiertes syrisches Gebäude, das mit einer Abbildung von Gustav Klimts „Der Kuss“ überlagert ist. Das Werk verbreitete sich kurz nach seiner Veröffentlichung viral in den sozialen Medien und zählt zu den bekannteste Motiven des Künstlers. Ausgehend von diesen Werken fand Tammam Azzam auf einer neuen Ebene zurück zur Malerei. Mit „Storeys“ (= Stockwerke), einer Reihe monumentaler Acrylgemälde, die das Ausmaß der Verwüstung in Syrien anhand expressionistischer Kompositionen zerstörter Stadtlandschaften zeigen, hielt der Künstler den gegenwärtigen Zustand des Landes mittels einer kathartischen Rekonstruktionsübung fest, Stockwerk um Stockwerk. In der Folge entwickelte sich sein malerisches Schaffen in Richtung dreidimensionales Objekt: neben die Acrylgemälde sind Objekte […]

bis 17.11. | #2125ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab 28. September 2018 anlässlich der Berlin Art Week Skulpturen des Niederländers Auke de Vries (*1937). Die Skulpturen im öffentlichen Raum von Auke de Vries in Städten wie Amsterdam, Barcelona, Hannover, Magdeburg, Ludwigsburg und Wakefield in Yorkshire sind zu Wahrzeichen geworden. Hierzu gehört beispielsweise das ›Maasbeeld‹, das sich über den Fluss Maas in der Stadt Rotterdam neigt. Seine autonomen Plastiken wurden in den vergangenen 40 Jahren in zahlreichen Einzelausstellungen in Museen, überwiegend in den Niederlanden und Deutschland, gezeigt. Anlässlich der Präsentation in Berlin entwirft der Künstler speziell für das Kunst-Lager Haas eine Außenskulptur. Hinzu kommt eine von Konstruktionszeichnungen begleitete Übersicht aus seinem plastischen Werk der letzten drei Jahrzehnte. Die Skulpturen aus Stahl bestehen oft aus einfachen elementaren Formen und reichen von kleineren Objekten auf einem Sockel, auf dem Boden, an der Wand bis hin zu meterhohen Installationen. Teils empfindsam und unkonkret wie zarte, linienhafte Zeichnungen im Raum, hier absurd und humorig wie Dada, dort erzählerisch und assoziativ. Die Materialien sind nicht besonders edel, eher einfach: meist Stahl, häufig Draht, einzelne Versatzstücke aus Karton, Blech oder Holz. Zum Teil ist der Stahl durch die Behandlung mit Säure korrodiert, die partielle bunte Bemalung ist grob, nachlässig, einige […]