Kunstausstellungen von Berliner Galerien

bis 24.10. | #5170ARTatBerlin | Galerie Esther Schipper präsentiert ab Donnerstag, 10. September 2026 die Ausstellung „Fire Sermon“ des Künstlers Tuan Andrew Nguyen. Tuan Andrew Nguyens künstlerische Praxis untersucht die entscheidende Bedeutung des Geschichtenerzählens in verschiedenen Medien, darunter Video, Skulptur und Installation. Auf der Grundlage eines kontinuierlichen Engagements in der Gemeinschaft und umfangreicher Recherchen setzt sich sein Werk mit mündlicher Überlieferung, materieller Geschichte, kontinentübergreifenden Genealogien und den anhaltenden Auswirkungen kolonialer Politik auseinander. Nguyens filmische Arbeiten zeigen Geschichten über biografische, geografische und zeitliche Verflechtungen, in denen sich Fakten und Fiktion vermischen. Die skulpturalen Arbeiten des Künstlers sind eng mit seinem filmischen Œuvre verwoben. Tuan Andrew Nguyen, Fire Sermon, Esther Schipper, 2026. Photo © Andrea Rossetti Die fünf in „Fire Sermon“ ausgestellten Mobiles bestehen aus in Vietnam geborgenen Artilleriegeschossen. Sie sind direkt von Nguyens Film „The Unburied Sounds of a Troubled Horizon“ aus dem Jahr 2022 inspiriert, in dem eine junge Schrottsammlerin von ihrer Mutter verstoßen wird, die glaubt, ihre Tochter sei besessen, weil sie eine seltsame Besessenheit dafür entwickelt hat, aus Bombenmaterial kinetische Skulpturen zu schaffen. In dem Film, der zwar fiktional ist, aber wahre Geschichten von Menschen verwebt, die von UXO (Unexploded Ordnance, nicht explodierte Kampfmittel) betroffen sind, wird deutlich, dass […]

bis 24.10. | #5137ARTatBerlin | KLEMM’S zeigt ab Donnerstag, 10. September 2026 die Ausstellung „tracks, taps“ der Künstlerinnen Mia Gap & Freja Sofie Kirk. „Tracks, taps“ untersucht die Verflechtung von Begehren und Erschöpfung in einer von Bildern übersättigten Welt. Die Ausstellung zeichnet zwei unterschiedliche, sich jedoch ergänzende Ansätze der Bildgestaltung nach: Während Gaps Tafeln digital konzipierte Welten als physische Objekte materialisieren, nutzt Kirk das Virtuelle, um die Wahrnehmung durch sensorische und filmische Strategien neu zu gestalten und Bilder über die Grenzen des zweidimensionalen Rahmens hinaus zu verzerren. „tracks, taps“ entfaltet sich durch diese Spannung und positioniert das Bild als einen Ort, an dem Verführung, Materialität und Simulation nebeneinander existieren, anstatt sich aufzulösen. Vernissage: Donnerstag, 10. September 2026, 18 bis 22 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 10. September bis Samstag, 24. Oktober 2026 Künstlergespräch mit Julia Wachtel: Samstag, 12 September 2026, am 16:00 Uhr (Bitte melden Sie sich unter invite@klemms-berlin.com an.) Öffnungszeiten während der Berlin Art Week: Fritag bis Sonntag, 10 bis 13 September 2026: 12:00-18:00     Bildunterschrift Title: Freja Sofie Kirk, Leisure, 2026. Still. Single-channel video-installation, 07:02 min. Ausstellung Mia Gap & Freja Sofie Kirk – KLEMMS | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART […]

bis 07.11. | #5164ARTatBerlin | Galerie Friese präsentiert ab Freitag, 11. September 2026 (Vernissage: 10.09.) die Ausstellung URFORM der Künstlerin Claire de Santa Coloma. Die Galerie Friese präsentiert im Rahmen der Berlin Art Week 2026 die dritte Einzelausstellung von Claire de Santa Coloma in der Galerie Friese. In der Ausstellung „Urform“ zeigt die argentinische Bildhauerin eine Installation ihrer Holzskulpturen, die sich über mehrere Räume erstreckt. Claire de Santa Colomas (*1983 in Buenos Aires) Praxis kreist um Materialität, Raum und Wahrnehmung. Ausgangspunkt ist das gefundene Stück Holz, das die Künstlerin mit so wenig Eingriffen wie möglich von Hand bearbeitet. Jedes Stück erzählt etwas über seine Herkunft und das Verhältnis des Menschen zu seiner Umgebung. De Santa Colomas Skulpturen erinnern an vom Wasser glatt geschliffene Steine, an Organe oder Eier – archaische „Urformen“, so vertraut, als wären sie immer schon dagewesen. Formen, die dem Menschen vorauszugehen scheinen und ihn doch brauchen, um zu erscheinen. Zugleich stehen sie in der Tradition der Klassischen Moderne, insbesondere Brâncușis ikonischer abstrakter Formensprache, an dessen wegbereitende, raumgreifende Setzungen Claire de Santa Coloma auch installativ anknüpft. „Urform“ versammelt die Skulpturen als raumbezogene, berührbare Installation. Die eigens für die Ausstellung konzipierten, an Arbeitstische erinnernden Sockel führen durch die Räume […]

bis 24.10. | #5161ARTatBerlin | Galerie Deschler präsentiert ab Donnerstag, 10. September 2026 die Ausstellung HANDMADE BY—Part II der Künstler*innen Georg Haberler, Seet van Hout, Bouthayna Al Muftah, Sergio Roger, Magda Sayeg, Yukiko Terada, Joana Vasconcelos und Gerhard Kehl. Am Anfang steht der Faden. Aus einer einzelnen, biegsamen Faser entsteht durch Drehen, Verknüpfen, Verschlingen und Verdichten eine Struktur, die Ordnung schafft, ohne das Ungeordnete gänzlich aufzulösen. Der Faden verbindet, hält zusammen, markiert Verläufe und eröffnet zugleich die Möglichkeit, sich zu verfangen. In unserer Sprache finden sich dafür zahlreiche Bilder: Gedanken werden weitergesponnen, Zusammenhänge geknüpft, Geschichten entwirrt, man verliert den Faden oder verstrickt sich in Widersprüche. Neun Jahre nach der ersten Ausstellung mit dem Titel Handmade by widmet sich die Galerie Deschler erneut der vielfältigen Beziehung von Kunst und textilen Verfahren. Handmade by—Part II, kuratiert von der Häkelkünstlerin Patricia Waller, versammelt internationale Positionen von Georg Haberler, Seet van Hout, Bouthayna Al Muftah, Sergio Roger, Magda Sayeg, Yukiko Terada und Joana Vasconcelos, deren Arbeiten die Grenzen zwischen Textilkunst, Skulptur, Installation und Malerei auf unterschiedliche Weise ausloten und die Auseinandersetzung mit dem schöpferischen Potenzial des Handgemachten mit neuen künstlerischen Ansätzen weiterführen. Neben den textilen Werken werden in der Ausstellung Holzskulpturen des vor zwei Jahren verstorbenen Künstlers Gerhard Kehl zu sehen sein, […]

bis 24.10. | #5158ARTatBerlin | Ab Freitag, 11. September 2026 (Vernissage: 10.09.), präsentiert die Galerie Nordenhake an ihrem neuen Standort in der Goethestraße die Gruppenausstellung „SYMPTOMS“. Ein Symptom wird wahrnehmbar, wenn das Vertraute seine Eindeutigkeit verliert. Als Anzeichen eines körperlichen Zustandes weist es auf eine Veränderung hin, ohne sie direkt greifbar zu machen. Im semiotischen Sinne ist das Symptom kein Abbild, sondern eine Spur: ein Zeichen, das durch einen kausalen Zusammenhang auf etwas verweist, was selbst nicht unmittelbar sichtbar ist. In Symptoms werden fragmentierte Körper, instabile Bildräume und hybride Materialien zu Ausdrucksformen solcher Zustände. Die Ausstellung bringt Arbeiten von Künstler*innen unterschiedlichen Generationen zusammen, darunter Mamma Andersson, Mirosław Bałka, John Coplans, Ann Edholm, Ayan Farah, George Grosz, Valentina Kozinets, Alex Müller, Edvard Munch, Francis Offman, Benjamin Orlow, Frida Orupabo, Naufus Ramírez-Figueroa, Sophie Reinhold, Michael Schmidt und Not Vital, die diesem Irritierenden in Malerei, Skulptur, Fotografie und Collage eine Gestalt geben. Mit „Symptoms“ weiht Nordenhake seine neuen Galerieräume in Berlin-Charlottenburg ein. Frida Orupabo, Daughter, 2026, collage: pigment print on acid-free cotton paper, 95 x 208 cm, Photo Matthias Lindner Benjamin Orlows antiheroische Skulpturen verbinden klassische Bildhauerei mit Mythologie und zeigen den menschlichen Körper als Ort fortwährender Transformation. Seine mehrteilige Skulptur Ritual City […]

bis 24.10. | #5154ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin präsentiert ab Freitag, 11. September 2026 (Vernissage: 10.09.) die Ausstellung „La città“ des Künstlers Salvo. In seinem einzigartigen Landschaftswerk kehrt Salvo immer wieder zu denselben archetypischen Orten zurück, die alle eine universelle Vertrautheit ausstrahlen. Durch diese Geste der Wiederholung und Verfeinerung lösen sich die spezifischen Geografien dieser wiederkehrenden Motive auf, werden bis zu einem Punkt „maximaler Spannung“ getrieben, bis sie sich schließlich lösen. Die Präsentation im „Window“-Raum der Berliner Galerie, der von der Straße aus einsehbar ist, zeigt Gemälde, die sich mit der Stadt auseinandersetzen und sich wie eine Reise von den trostlosen Außenbezirken bis zum pulsierenden Stadtzentrum entfalten. Vernissage: Donnerstag, 10. September 2026, 18:00 – 22:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Freitag, 11. September – Samstag, 24. Oktober 2026     Bildunterschrift: Salvo, La città, 2013, Oil on canvas. Courtesy of the Gallery. Ausstellung Salvo – Sprüth Magers Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Galerien Berlin | ART at Berlin

bis 31.10. | #5152ARTatBerlin | Galerie Isabella Bortolozzi präsentiert ab Donnerstag, 10. September 2026 die Ausstellung Μέτοικε der Künstlerin Wu Tsang. Die Galerie Isabella Bortolozzi präsentiert Wu Tsangs dritte Einzelausstellung in der Galerie, in der die beiden Installationen mit bewegten Bildern und Mehrkanal-Ton „On our way to the general strike“ (2026) und „La gran mentira de la muerte“ [Die große Lüge des Todes] (2024) vereint werden. Gemeinsam bilden die Werke den Höhepunkt einer mehrjährigen Auseinandersetzung mit dem erweiterten Mythos der Carmen – einer problematischen Figur, die einst durch Georges Bizets Oper von 1875 populär wurde und seit über einem Jahrhundert Musik, Bühne und Kino prägt. Dieses Werk reflektiert Tsangs iterative, umfassende Praxis, immer wieder auf Geschichten zurückzukommen, die unsere Zeit und Geografie überschreiten. Vernissage: Donnerstag, 10. September 2026, 18:00–22:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 10. September bis Samstag, 31. Oktober 2026     Bildunterschrift: Courtesy Wu Tsang, Isabella Bortolozzi Berlin Art Week Ausstellung Wu Tsang – Galerie Isabella Bortolozzi | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 16.10. | #5148ARTatBerlin | Galerie Volker Diehl zeigt ab Samstag 12. September 2026 (Vernissage: 11.09.) die Ausstellung „Werk und Wirken“ der Künstlerin Hal Busse. Anlässlich des 100. Geburtstags von Hal Busse im Jahr 2026 hat das Hal-Busse-Archiv in Hamburg eine umfassende Biografie veröffentlicht, begleitet von einer gleichnamigen Ausstellung. Hal Busse, courtesy of Galerie Volker Diehl. Vernissage + Buchvorstellung: Freitag, 11. September 2026, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 12. September bis Freitag, 16. Oktober 2026      Bildunterschrift: Hal Busse, Trinité (Alleen), 1973, wood, emulsion paint and plastic, 179 x 90 x 90 cm, dimensions variable, © Hal Busse Archiv, photo by Marcus Schneider Ausstellung Hal Busse – Galerie Volker Diehl | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 23.10. | #5146ARTatBerlin | Galerie Haas präsentiert ab Donnerstag, 10. September 2026 die Ausstellung PARADE des Künstlers Strawalde. Strawalde (*1931) ist gleich in zwei visuellen Ausdrucksformen begabt: Unter seinem Pseudonym ist er als Maler bekannt, als Jürgen Böttcher ist er Regisseur und Dokumentarfilmer. Seine Malerei wird in der DDR als formalistisch eingestuft, er wird aus dem Verband Bildender Künstler ausgeschlossen und in der Folge kaum öffentlich ausgestellt. Erst nach der Wiedervereinigung ist er frei in seinem künstlerischen Schaffen. Strawalde zählt zu den wichtigsten Positionen der deutschen Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts. Seine Werke sind in bedeutenden Museen und Sammlungen vertreten. Strawalde, Fremde, Mai/Juni 1998, oil and pearl blossom on canvas, 151 x 180 cm Strawalde verbindet einen pastosen, mehrschichtigen Farbauftrag, der seinen Gemälden eine besondere Stofflichkeit verleiht, mit einer ausdrucksstarken Linienführung. Formen tauchen als figurative Möglichkeit auf, die in intensivem Austausch miteinander stehen. Seine Bilder sind das Ergebnis eines direkten und intuitiven Prozesses, der in einem lang studierten Tanz seiner Hände ausgeführt wird. Erfahrungen und Erinnerungen, Stimmungen und Gefühle fließen in expressiven Gesten unmittelbar auf den Bildgrund. Strawalde, August 2004 (für Dobsi), 2004, Oil on canvas, 89.8 x 70.3 cm „Und ich behaupte, wenn mir ein Bild gelungen ist, daß es aus allen […]

bis 31.10. | #5144ARTatBerlin | ChertLüdde zeigt ab Freitag, 11. September 2026 (Vernissage: 10.09.) die Ausstellung Un orlo a giorno per il mio diario der Künstlerin Clemen Parrocchetti. ChertLüdde präsentiert „Un orlo a giorno per il mio diario“ (Ein Hohlsaum pro Tag für mein Tagebuch), die zweite Ausstellung von Clemen Parrocchetti (Mailand 1923–2016) in der Galerie in Berlin. Als rebellische und nonkonformistische Künstlerin war Parrocchettis künstlerisches Schaffen in der radikalen italienischen Frauenbewegung verwurzelt, die in den 1960er Jahren entstand. Unter Verwendung von Techniken, die traditionell mit Hausarbeit in Verbindung gebracht werden, wie zum Beispiel Hohlsaumstickerei und Stickerei, setzt sie sich in ihren Arbeiten mit Stoffen und anderen Medien mit Fragen der Unterordnung von Frauen auseinander, darunter reproduktive Rechte, Scheidung, häusliche Gewalt und sexuelle Befreiung. Dies hinterließ ein tiefgreifendes Vermächtnis, das bis heute nachhallt und in verschiedenen Institutionen mit neuer Aufmerksamkeit Beachtung findet. Vernissage: Donnerstag, 10. September 2026, 18 – 22 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 11. September bis Samstag, 31. Oktober 2026 Sonderöffnungszeiten zur Berlin Art Week: Donnerstag, 10. September 2026 / 18:00 – 22:00 Uhr (Gallery Night) Sonntag, 13. September 2026 / 12:00 – 18:00 Uhr     Bildunterschrift Titel: Clemen Parrocchetti, Telaio infranto (Il cuore della vita) / Broken Frame (The […]

bis 24.12. | #5141ARTatBerlin | Galerie Barbara Wien präsentiert ab Freitag 11. September 2026 (Vernissage: 10.09.) die Ausstellung Horizontal Fold des Künstlers Andreas Eriksson. Barbara Wien freut sich, „Horizontal Fold“ zu präsentieren, Andreas Erikssons erste Ausstellung in der Galerie, die in Zusammenarbeit mit neugerriemschneider, Berlin, realisiert wurde. Gleichzeitig wird bei neugerriemschneider die Ausstellung „painting the path“ eröffnet, ein Dialog zwischen dem schwedischen Künstler Andreas Eriksson und dem koreanischen Künstler Kim Chong Hak. „Horizontal Fold“ ist eine umfassende Präsentation von Erikssons Schaffen, die aktuelle und neu entstandene Arbeiten aus den Bereichen Malerei, Fotografie, Weberei und Skulptur sowie Publikationen des Künstlers aus mehr als zwei Jahrzehnten vereint. Vernissage: Donnerstag, 10. September 2026, 18–22 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 11. September bis Donnerstag, 24. Dezember 2026     Bildunterschrift Titel: Andreas Eriksson, Halla, 2026. © Andreas Eriksson / VG Bild-Kunst, Bonn. Mixed Media auf Leinwand. 5 Gemälde. Gesamt: 50×208 cm. Photo: Studio Andreas Eriksson Ausstellung Andreas Eriksson – Galerie Barbara Wien | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 16.10. | #5138ARTatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab Freitag, 11. September 2026 (Vernissage:10.09) die Ausstellung „Embodying space“ der Künstler Quentin Lefranc und Rainer Splitt. „Die Werke von Rainer Splitt folgen eigenen Gesetzmäßigkeiten. Radikale Klarheit, materielle Präsenz und substanzielle Offenheit zeichnen seine kraftvollen wie poetischen Boden- und Wandarbeiten aus. Konsequent entwickelt der Künstler seit den 1990er-Jahren Werkserien, die ihn als Grenzgänger konkreter Konzepte und minimalistischer Tendenzen zeigen, mit größter Selbstverständlichkeit und faszinierender Logik zu bildnerischen wie räumlichen Ereignissen führen und mit sanft fließenden Übergängen von Farb- und Formzusammenhängen überraschen.“ (Text von Kunsthistorikerin Birgit Möckel, erschienen 2026 im Katalog Rainer Splitt „pouring on boards“.) Als Studienort konzipiert, dient die Architektur als Rahmen, Territorium und Spielfeld für die Werke des Künstlers Quentin Lefranc. Stets stellt er einen Dialog her zwischen dem Ort und dem, was er dort zeigt. Seine Werke, die an der Schnittstelle verschiedener Praktiken angesiedelt sind, funktionieren wie offene Klammern im Raum. Durch Zusammenfügen oder Nebeneinanderstellen hinterfragt er, woraus dieser Raum besteht. Er experimentiert mit den Durchlässigkeiten, den Hierarchien und seiner Geschichte. Auch wenn eine skulpturale Dimension dominiert, begünstigen seine Vorschläge eher ein Aktionsfeld als eine Praxis, die dazu einlädt, sich über unser Da-Sein und das Ort-Machen Gedanken zu machen. Vernissage: […]

bis 31.10. | #5133ARTatBerlin | Buchmann Galerie zeigt ab Freitag, 11. September 2026 die Ausstellung The New England Paintings des Künstlers Jim Butler. Anlässlich der Berlin Art Week 2026 freut sich die Buchmann Galerie, eine Ausstellung mit Werken des US-amerikanischen Malers Jim Butler zu präsentieren. Die Ausstellung zeigt ein Dutzend Gemälde, die der Künstler in den letzten fünf Jahren in seiner Heimat im Norden Neuenglands „en plein air“ geschaffen hat. Jim Butlers Schaffen verbindet präzise Naturbeobachtung mit Erinnerung und persönlicher Erfahrung. Feinste Nuancen von Licht, Atmosphäre und Farbe verleihen den Gemälden eine außergewöhnliche Unmittelbarkeit. Landschaften mit Bäumen, Flüssen und Booten beziehen ihre Kraft aus der stillen Intensität des Alltäglichen. Der Künstler macht die Schönheit seiner unmittelbaren Umgebung sichtbar und schafft zugleich Raum für persönliche Erinnerungen und Assoziationen. Seine Gemälde sind von unbestreitbarer Schönheit – voller Licht und subtiler Texturen ziehen sie den Betrachter in ihren stillen Bann und lassen uns eine Welt in zartem Gleichgewicht erleben. In der konzentrierten Darstellung des Vertrauten liegt die universelle Kraft von Butlers Gemälden. Seine Bilder erzählen von Zeit, Wandel und der tiefen Verbindung zwischen Mensch und Natur und laden die Betrachter dazu ein, die Welt mit neuer Aufmerksamkeit wahrzunehmen. Vernissage: Freitag, 11. September 2026, […]

bis 07.11. | #5130ARTatBerlin | neugerriemschneider (Linienstrasse) zeigt ab Freitag 11. September 2026 (Vernissage: 10.09.) die Ausstellung „billy childish and the children of the sect“ der Künstler*innen Billy Childish, Huddie Hamper und Scout Hamper. In billy childish and the children of the sect bei neugerriemschneider vertieft Billy Childish seine fortwährende Auseinandersetzung mit Familie und Kunstgeschichte und stellt erstmals zusammen mit seinen Kindern Huddie und Scout Hamper aus, die ebenfalls malerisch und musikalisch tätig sind. Die Bilder der Kabinettpräsentation, darunter gegenseitige Porträts und Motive geteilter Interessen, sind größtenteils im gemeinsamen Atelier entstanden und überwinden klassische, durch historische Beispiele von Künstlerdynastien, Mentorschaft und Wettstreit geprägte Vorstellungen von Generation, Einfluss und kreativer Freiheit. Verbundenheit wird so zur Quelle für unvorhergesehene Findungen sowohl auf kompositorischer als auch auf persönlicher Ebene, die sich in der Ausstellung zu einem gemalten Eintrag in einer gemeinsamen Chronik vereinen. Die drei Künstler*innen teilen eine intuitive Praxis, die durch die bildnerische Übersetzung weltlicher Erscheinungen und Phänomene subjektive Gefühle ausdrückt. Sie begreifen Malerei als Entdeckung, in die sie Spontanität und Kontinuität einbringen, während ihre Arbeiten aus sich selbst heraus entstehen und ihre Bedeutung nicht vorgeben. Trotz oder gerade wegen dieser Eigenständigkeit und Offenheit des Werks wird es zum Mittel des Austauschs […]

bis 26.09. | #5127ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 03. September 2026 die Ausstellung „Retrospektive“des Künstlers Kurt Woldmann. „Stellen Sie sich vor, Sie könnten alle verschiedenen Augenblicke so betrachten, wie Sie z.B. die Gebirgszüge der Rocky Mountains betrachten können. Sie könnten sehen wie Augenblicke fortdauern. Vielleicht ist es ja nichts weiter als eine Illusion, zu glauben, daß ein Augenblick dem anderen folgt wie Perlen auf einer Schnur, und daß, wenn ein Augenblick vorbei ist, er für immer vorbei ist.“ (Kurt Vonnegut/Slaughterhouse Five)In den zwischen 2000 und 2003 entstandenen Bildern des Künstlers Kurt Woldmann ist die Oberfläche der Leinwand in Bewegung geraten. Woldmann bewegt sich malerisch zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit, Objekte und Figuren sind ahnbar, Form und Gestalt grenzen sich jedoch nicht eindeutig von der Umgebung ab, beides durchdringt sich, löst sich ineinander auf wie auf einer bewegten Wasseroberfläche, als stünde alles zu jedem Zeitpunkt miteinander in Beziehung, als sei Form nichts feststehendes, sondern relativ, und vielmehr eine Frage des momentanen Farbanteils.Die Acrylmaltechnik ermöglicht dem Künstler ein schnelles, spontanes Arbeiten, durch das Übereinanderlegen von Farbschichten wird räumliche Tiefe erzeugt, die im Kontrast zur zweidimensionalen Rhythmik der Farbe auf der Leinwand steht. Gestus und Duktus sind expressiv und machen die Oberflächentextur immer […]

bis 31.10. | #5124ARTatBerlin | Barbara Thumm präsentiert ab Samstag, 12. September 2026 (Vernissage: 11.09.) eine Einzelausstellung der Künstlerin Carrie Mae Weems. Im Laufe ihrer mehr als vier Jahrzehnte umfassenden Karriere hat die amerikanische Künstlerin Carrie Mae Weems ein komplexes und facettenreiches Œuvre geschaffen, das Fotografie, Film, Installationen und andere Medien umfasst und sich gleichzeitig mit den sozialen und politischen Themen der Gegenwart auseinandersetzt, die unsere Welt bis heute prägen. In der Serie „Seaside“ greift Weems ihre mittlerweile ikonische Strategie des Selbstporträts als Zeugin wieder auf. Von hinten an einem einzigen Strand fotografiert, erscheint die Künstlerin in Momenten stiller Träumerei, während sie auf den Horizont des Ozeans blickt. An einer Staffelei sitzend versucht sie, die unermessliche und unergründliche Weite des Atlantiks wiederzugeben. Im Verlauf der Bilderserie – sitzend, stehend und schließlich unfähig, die Unermesslichkeit vor ihr zu erfassen – werden Seiten aus ihrem Skizzenbuch von Windböen erfasst, was die Grenzen der Darstellung angesichts von Geschichten von Vertreibung und Trauma unterstreicht. „The Law of Diminishing Returns“ besteht aus fünf oval gerahmten Fotografien, die in Miniaturform die Überquerung des Ozeans durch menschliche Körper nachbilden. Durch ihren intimen Maßstab knüpfen die Arbeiten an die frühe Porträtfotografie an und regen zum Nachdenken über das […]

bis 09.10. | #5122ARTatBerlin | WENTRUP zeigt ab Donnerstag, 10. September 2026 die Ausstellung „Park by POCO“ des Künstlers Gregor Hildebrandt. Hildebrandt, der dafür bekannt ist, veraltete analoge Medien wie Kassetten und Schallplatten auf innovative Weise in visuell fesselnde und konzeptionell anspruchsvolle Kunstwerke zu verwandeln, wird die Architektur des Raums mit einem transparenten „Raum im Raum“ umgestalten, dessen Mittelpunkt eine monumentale Tafel bildet. Zudem wird die erste Sammlerbar des Künstlers enthüllt, die in eine Wand aus Schallplatten eingebettet ist. Portrait of Gregor Hildebrandt. Photo: Ana Santl. Gregor Hildebrandt (geb. 1974 in Bad Homburg, Deutschland; lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland) ist Professor für Malerei an der Akademie der Bildenden Künste in München. Hildebrandt ist bekannt für seinen innovativen Einsatz analoger Speichermedien, insbesondere von Kassetten und Schallplatten, bei der Schaffung visuell fesselnder und konzeptionell vielschichtiger Kunstwerke. Er verwandelt diese veralteten Technologien in faszinierende Werke, die sich mit den Themen Erinnerung, Zeit und der Körperlichkeit von Klang auseinandersetzen. Ausgehend von der Geschichte der Literatur, des Kinos und der Popkultur erforscht Hildebrandt sowohl das individuelle als auch das kollektive Gedächtnis. Vernissage: Donnerstag, 10. September 2026, 18:00–22:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 10. September bis Freitag, 09. Oktober 2026     Bildunterschrift Titel: Gregor Hildebrandt, 2026, […]

bis 31.10. | #5118ARTatBerlin | Galerie Crone zeigt ab Donnerstag, 10. September 2026 die Ausstellung „Sediments“ des Künstlers Clemens Krauss. Clemens Krauss ist für seine pastosen Malereien bekannt, in denen er sich mit dem Verhältnis des menschlichen Individuums zur großen, breiten Masse auseinandersetzt. In seiner neuen Werkserie „Sediments“ treten nun Gebäude, Flächen und Gegenstände als Träger von Zeitlichkeit, Geschichte und Erinnerung an die Stelle der humanen Figur. So verschiebt sich der Fokus von zwischenmenschlichen Beziehungen auf die Körperlichkeit der Dinge, zugleich wird eine Distanz zum anthropozentrischen Blick formuliert. Der charakteristische dicke, massive Farbauftrag bleibt dabei zentral. Schicht für Schicht bringt Krauss Ölfarbe auf die Leinwand auf und erzeugt reliefartige Oberflächen, die an geologische Sedimente erinnern. Wie natürliche Ablagerungen speichern sie Zeit, Bewegung und Material. Der Malprozess gleicht einem psychoanalytischen Freilegen verborgener Ebenen, in dem Bedeutung erst allmählich aus den übereinanderliegenden Schichten hervortritt. Ausgangspunkt der neuen Werkserie sind Beobachtungen urbaner Räume. Architektur erscheint als sedimentierter Speicher kultureller und materieller Prozesse; Kalk, Lehm oder Ziegel werden zu Referenzen für eine Materialität, die gleichermaßen gebaut wie organisch gewachsen wirkt. So führt „Sediments“ Krauss‘ Interesse an verborgenen Strukturen konsequent weiter und verlagert den Blick von der menschlichen Figur auf das Körperhafte der Dinge. Vernissage: […]

bis 18.09. | #5115ARTatBerlin | Verena Kerfin Gallery zeigt ab Freitag, 7. August 2026 die Ausstellung „Oh God, Teeth in the Dark!“ des Künstlers Kofi Boamah. Mit Oh God, Teeth in the Dark! präsentiert die Verena Kerfin Gallery die erste Einzelausstellung des in London geborenen und lebenden Malers Kofi Boamah in Berlin. Boamah besuchte zunächst die Open School East und absolvierte anschließend das Off-Site Programme der Turps Art School. In seinen Gemälden untersucht er, was er als die „inneren Mechanismen der menschlichen Existenz“ beschreibt: Angst, Begehren, Abhängigkeit, Aggression und die oftmals absurden Arten, auf die Menschen sich selbst wahrnehmen. Dabei sucht er nach einer von ihm so bezeichneten „violent serenity“ – einem Zustand, in dem Unruhe und Gelassenheit, Bedrohung und Humor gleichzeitig bestehen können. Die Ausstellung vereint kleinformatige Arbeiten auf Papier und Karton mit bis zu zwei Meter großen Leinwänden. Boamah arbeitet mit Ölfarbe, Acryl, Ölpastell, Wachsmalstift und Tusche. Übermalungen, Farbnasen, Kratzer und sichtbare Korrekturen bleiben als Bestandteile des abgeschlossenen Werks erhalten. Weit aufgerissene Münder, markante Zahnreihen, überzeichnete Augen, entblößte Körper und geisterhafte Umrissfiguren kehren immer wieder. Sie scheinen zu lachen, zu schreien, zu drohen oder hilflos zu wirken – und häufig all das zugleich. Diese Figuren sind keine willkürlichen […]

bis (folgt) | #5112ARTatBerlin | Galerie Judin zeigt ab Donnerstag, 10. September 2026 die Ausstellung „Pull the Rug“ des Künstlers Michael Sailstorfer. Eine der prägenden Erfahrungen unserer Zeit ist der Verlust von Gewissheit. Politische Strukturen, wirtschaftliche Beziehungen, technologische Entwicklungen und ökologische Systeme erscheinen nicht mehr als verlässliche Konstanten, sondern als Kräfte, die sich in einem Zustand ständiger Veränderung befinden. Es sind nicht mehr vereinzelte Krisen, die unsere Wahrnehmung der Gegenwart prägen; vielmehr leben wir mittlerweile in einer Realität, in der sich der Boden unter unseren Füßen jeden Moment zu verschieben scheint. Nur wenige Künstler setzen diese Erfahrung mit der Präzision und Intensität von Michael Sailstorfer in eine räumliche und sinnliche Begegnung um. Seit vielen Jahren erweitert er den Begriff der Skulptur um Phänomene wie Bewegung, Dauer, Klang, Geruch und Verschwinden. Anstatt die Welt lediglich darzustellen, schaffen Sailstorfers Werke experimentelle Settings, in denen ihre zugrunde liegenden Bedingungen unmittelbar wahrnehmbar werden. „Pull the Rug“ treibt diesen Ansatz mit kompromissloser Strenge voran. Hier wird den Besuchern – im wahrsten Sinne des Wortes – der Boden unter den Füßen weggezogen. In regelmäßigen Abständen entfernt ein Galeriemitarbeiter einen der Pflastersteine, aus denen der Boden des ersten Ausstellungsraums besteht, und schiebt ihn durch einen schmalen Spalt […]

bis 01.08. | #5109ARTatBerlin | Galerie oqbo präsentiert ab Samstag 25. Juli 2026 (Eröffnung: 24.07.) die Gruppenausstellung „So dreams are a defense against darkness“. Künstler*innen Lisa Mayr, Liva Voigt, Luki Haak, Okezi Iteire, Max Grund, Leif Klinger, Mimo Rapp, Nadine Aber, Toto Wolsky, Sarah Letalik, Raga Rahman, Susanna Cutini, Aurore Plassais, Genesis Kahveci, Dimitrios Mavroudis, Florence Kallenborn, Carla Maruscha Fellenz, Jonna Sophie Baumann Die Gruppenausstellung versammelt künstlerische Positionen aus der Klasse Anna Ehrenstein der HGB Leipzig, die aus queeren, dekolonialen und machtkritischen Perspektiven arbeiten und sich explizit mit der Produktion, Verweigerung und Verschiebung von Sichtbarkeit auseinandersetzen. Ausgangspunkt ist die Annahme, dass Anerkennung innerhalb hegemonialer kultureller Systeme nicht neutral, sondern an normative Erwartungen von Lesbarkeit, Identität und Repräsentation gebunden ist. Die Ausstellung verknüpft die verschiedenen Positionen der Klasse von Fotografie, Performance über Videoinstallation und Skulpturen. Einer neuen Theorie der Neurowissenschaftler David Eagleman und Don Vaughn zufolge spielen Träume eine entscheidende Rolle bei der Aufrechterhaltung der Gehirnfunktion während des Schlafs. Dieser biologische Abwehrmechanismus soll daher auch für die Erhaltung der menschlichen Sehkraft eine entscheidende Rolle spielen. Träume bieten somit Raum für Neukontextualisierung, Verschmelzung und Umwertung. Die spekulativen Elemente der gezeigten Arbeiten hinterfragen stabile Zuschreibungen, indem sie fragmentieren: Das Spiel mit Mehrdeutigkeit und situativer Interpretierbarkeit eröffnet Ebenen für […]

bis 01.08. | #5105ARTatBerlin | BBA Gallery zeigt derzeit die Ausstellung „While the Shadows Dream Upright“ des Künstlers Pierre-Yves Cruaud. Die Ausstellung vereint zwei Fotoserien, die die Nacht als Raum der Erinnerung, des Fremden und der Offenbarung thematisieren. Diese Bilder versuchen, genau jene Momente einzufangen, in denen sich die Realität zurückzieht, um Platz für Traumfragmente zu schaffen. Jede Komposition ist im Geiste eines minimalistischen Gemäldes konzipiert; die „Figuren“, die diese „Räume“ bewohnen, wirken wie Geiseln ihrer eigenen Geschichte und ihrer Spuren. In „While the Shadows Dream Upright“ erkundet Cruaud die Nacht nicht bloß als Abwesenheit von Licht, sondern als fruchtbaren psychologischen Raum, in dem Erinnerung und Realität ineinanderfließen. Formal von der minimalistischen Malerei inspiriert, isolieren Cruauds äußerst präzise Kompositionen Fragmente der Welt, während das Tageslicht schwindet, und fangen so den Übergang ein, in dem das Vertraute fremd und poetisch wird. Der Titel der Ausstellung ist eine Hommage an die surrealistische Philosophie von René Magritte, die durch gezielte kognitive Verschiebungen die gewohnte Lesart eines Bildes durch den Betrachter hinterfragt. In seinen Arbeiten in der Dunkelkammer und im digitalen Bereich behandelt Cruaud die fotografische Oberfläche als rätselhafte Schwelle, die zwischen Dokumentation und Traumzustand oszilliert. Indem er unnötige Umgebungskontexte ausblendet, wirken seine Werke […]

bis 04.09 | #5100ARTatBerlin | ARTES Berlin zeigt ab Samstag, 18. Juli 2026, die Ausstellung BERLIN BERLIN des Künstlers Moritz Götze. Mit der Ausstellung BERLIN BERLIN kehrt Moritz Götze, einer der bedeutendsten Vertreter der deutschen Pop Art, anlässlich seines 40-jährigen Schaffensjubiläums in die Hauptstadt zurück. Die Ausstellung bei ARTES Berlin widmet sich einer Stadt, die den Künstler seit Jahrzehnten begleitet und inspiriert, als historischer Ort, kulturelles Zentrum und Projektionsfläche deutscher Identität. Mit Berlin verbindet Moritz Götze nicht nur die deutsche Geschichte, sondern auch eine Reihe bedeutender Projekte im öffentlichen Raum. So realisierte er unter anderem eine großformatige Emaille-Wandgestaltung für das damalige Bundesministerium für Wirtschaft. Darüber hinaus war die Stadt wiederholt Schauplatz seiner Ausstellungen und bildet bis heute einen zentralen Referenzraum innerhalb seines künstlerischen Kosmos. „Die ewig junge Stadt und Perle an der Spree“, so besang bereits Hildegard Knef Berlin als Ort der Sehnsüchte. Auch für Moritz Götze ist Berlin ein Ort der Erinnerung, der Geschichten und der kulturellen Verflechtungen. Aufgewachsen in einem Künstlerhaushalt, geprägt von Punk, Opposition und den gesellschaftlichen Umbrüchen seiner Generation, entwickelte er über Musik und Siebdruck seinen unverwechselbaren Weg zur Malerei. Seine Werke verbinden kunsthistorische Bezüge mit Elementen der Populärkultur und schaffen vielschichtige Bildwelten zwischen Vergangenheit und […]

bis 22.08. | #5119ARTatBerlin | Galerie mutare zeigt ab Freitag, 10. Juli 2026 die Ausstellung a slow observation der Künstlerin Kui Soon Park. Kui Soon Park wurde 1983 in Südkorea geboren. Von 2003 bis 2005 studierte sie Fine Art an der Kaywon School of Art & Design in Südkorea. Von 2007 bis 2012 studierte sie Malerei bei Hanns Schimansky an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee und schloss ihr Studium mit dem Diplom ab. In den Jahren 2012 bis 2013 war sie Meisterschülerin von Hanns Schimansky. Die Galerie mutare vertritt Kui Soon Park seit 2017. Nachtrag: Anlässlich der aktuellen Ausstellung a slow observation erschien eine Rezension im Tagesspiegel. Vernissage: Freitag, 10. Juli 2026, 17 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 10. Juli bis Samstag, 22. August 2026     Bildunterschrift Titel: Kui Soon Park, a slow observation, 2026, 42 x 50 cm, Courtesy of Galerie mutare Ausstellung Kui Soon Park – Galerie Mutare | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 31.07. | #5108ARTatBerlin | Luisa Catucci Contemporary zeigt ab Samstag, 27. Juni 2026 (Vernissage: 26.06.) die Ausstellung Zwischen Atemzügen – il mio canto libero der Künstlerin Luisella Traversi Guerra. Die erste Reaktion ist körperlich. Ein tiefer Atemzug. Jener Atemzug, der instinktiv kommt vor einer offenen Landschaft, in der Gegenwart von etwas Lebendigem, etwas, das die Lungen klärt und zugleich etwas weniger Greifbares berührt. Der Brustraum öffnet sich, der Rhythmus verlangsamt sich, die Wahrnehmung schärft sich. Das Werk von Luisella Traversi Guerra beginnt genau dort. Es verlangt nicht, gelesen zu werden. Es verlangt, geatmet zu werden. Ihre Malerei konstruiert keine Bilder. Sie lässt sie entstehen. Sie beschreibt die Welt nicht, sondern tritt in sie ein und löst die Distanz zwischen Betrachterin oder Betrachter und Phänomen auf. Was auf der Leinwand erscheint, ist niemals statisch: ein Feld in Bewegung, in dem Farbe, Materie und Geste in fortwährender Transformation bleiben. Natur ist hier nicht Motiv. Sie ist Zustand. Blüten, Zweige, Felder in voller Blüte werden nicht als solche dargestellt. Sie dehnen sich aus, lösen sich auf, formieren sich neu, bis sie etwas anderes werden: Schwingung, Dichte, Rhythmus. Das Sichtbare ist nur die erste Schicht. Was sich dahinter öffnet, geht über das Wiedererkennen […]

bis 31.07. | #5095ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab Donnerstag, 9. Juli 2026 die Ausstellung Towards Childhood des Künstlers Phelan O’Hara. Seit über 15 Jahren malt der britische Künstler Phelan O’Hara (*1940) Kinderbilder. Die naiven, mit unbeholfenem Strich auf kleinen Zetteln und dünnem Papier eher beiläufig, als reine Beschäftigung von Kindern gefertigten Zeichnungen üben eine Faszination auf ihn aus, der er mit der Fragestellung begegnet: Was passiert, wenn man eine Kinderzeichnung in ein größeres Format überträgt? Bei der Werkserie, die unter dem Titel Towards Childhood erstmals ausgestellt wird, handelt es sich jedoch nicht um einfache Kopien von bestehenden Zeichnungen. Vielmehr sind O’Haras Bilder eigene Kompositionen aus für Kinderzeichnungen übliche, stereotype Formen und Anordnungen: Der stilisierte Baum unter einer gelb-runden Sonne, Menschen und Tiere mit ihren Strichbeinen, die den unteren Rand des Formats, der den Boden symbolisiert, bevölkern und in Häusern mit dreieckigen Dächern leben. All das kommt ohne perspektivisch realistische Darstellung aus und wird auf die nötigsten Elemente und Farben reduziert. Die fast primitive Einfachheit der Darstellung in der kunsthistorischen Tradition der Art brut ist das von O’Hara angestrebte (doch bisher noch unerreichte) Ziel. Phelan O’Hara imitiert die prä-alphabetische Bild-Sprache, in der Kinder Gesehenes und Erlebtes festhalten, und ergänzt […]

bis 15.08. | #5091ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte (Charlottenstraße) zeigt ab Freitag, 03. Juli 2026 die Ausstellung „Just Looking“ des Künstlers Richard Deacon. „Just Looking“, eine Einzelausstellung mit Werken von Richard Deacon, umfasst neue Druckgrafiken und großformatige Keramikskulpturen, die hier erstmals gezeigt werden. Die hier präsentierten vielfältigen Serien unterstreichen Deacons Variationsreichtum, seine sich weiterentwickelnden Konstruktionsmethoden und seinen systematischen Umgang mit dem Material. In glasierter Keramik, als Digitaldrucke auf Polyester und aus lackiertem Stahl durchlaufen Oberflächen eine Verwandlung und entwickeln einen ganz eigenen Charakter: mit unterschiedlichen Graden an Mattheit und Glanz, abwechselnd glatt und rau, offen oder geschlossen, scheinbar flach oder ausgesprochen voluminös. Während tief liegende Keramikskulpturen auf wackeligen Beinen zu balancieren scheinen, stehen andere hoch und fest verankert da. Inmitten ihrer nebulösen Formen und vagen Assoziationen scheint Deacon uns eine Frage zu stellen, auch wenn es vielleicht gar keine Frage ist – eine Aussage, die in der Luft hängt, entschlossen in ihrer Bereitschaft, auf eine Auflösung zu verzichten. Vernissage: Freitag, 03. Juli 2026, 19:00–21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 03. Juli bis Samstag, 15. August 2026     Bildunterschrift Titel: Richard Deacon, „I Know What You Are Thinking #7“, 2023, Glazed ceramic, 23 x 61 x 57 cm, Photo: Mareike Tocha Ausstellung […]

bis 03.07. | #5088ARTatBerlin | OFFICE IMPART zeigt derzeit die Ausstellung „Mechanical Drawings„ des Künstlers Jeff Davis. „Jeff Davis hat drei Jahrzehnte lang eine Odyssee unternommen, eine Suche danach, die Hand aus seiner künstlerischen Praxis zu verbannen. ‚Mechanical Drawings‘ markiert die Wende dieser Reise zurück nach Hause, weg von der rein digitalen Perfektion und hin zur Unvollkommenheit der Materialität. (…) Jeff Davis, Mechanical Drawings, 2026. Courtesy of the artist and OFFICE IMPART Ein Buntstift verhält sich nicht wie ein ungebundenes Pixel. Er zieht sich, er bleibt hängen, die Spitzen werden breiter, wenn sie stumpf werden. Wie viel davon nimmt das Auge wahr? Inwiefern reagiert das Auge auf Bleistift und Papier anders als auf einen Bildschirm? Was kann unser Auge nicht vorhersagen? (…)“ Ausstellungsdaten: Dienstag, 09. Juni bis Freitag, 03. Juli 2026     Bildunterschrift Titelbild: Jeff Davis, Mechanical Drawings, 2026. Courtesy of the artist and OFFICE IMPART Ausstellung Jeff Davis – Galerie OFFICE IMPART | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

Eine Wohnung verrutscht in ihrem architektonischen Gefüge. Nach und nach sackt sie Stockwerk um Stockwerk ab, bis ihr droht, in der Kanalisation zu versinken. Die mysteriöse Veränderung wird von den Bewohner*innen des Hauses kollektiv ignoriert. Die Erzählerin in Ilse Aichingers Kurzgeschichte hofft indes bis zuletzt darauf, dass jemand das Schweigen bricht: „Verzeihen Sie, aber wohnten Sie nicht gestern noch einen Stock höher?“ Was für Ordnungen prägen die Orte, in denen wir wohnen? Welche Spuren der Nutzung schreiben sich in sie ein und wirken über sie hinaus fort? Aichingers Wo ich wohne ist nicht nur titelgebend für die Ausstellung, mit der das Haus am Waldsee im Sommer 2026 sein 80-jähriges Bestehen reflektiert, sondern verweist zugleich auf die Verbindungen zwischen gesellschaftlichen Verhältnissen und … Lies weiter auf DEEDS.NEWS Abb. oben: Villa Knobloch, heute Haus am Waldsee, Grundriss 1923, Modifizierung durch Richard Venlet, 2026, Courtesy der Künstler

bis 11.07. | #5083ARTatBerlin | Galerie Schindler präsentiert ab Donnerstag , 4. Juni 2026 die Ausstellung PAPILLON des Künstlers Richard Drews. Richard Drews (*1997 in Leipzig) ist ein zeitgenössischer deutscher Maler, dessen eindringliche, leuchtende Ölarbeiten die feinen Schnittstellen von menschlicher Emotion, Vergänglichkeit und Transformation erforschen. Durch eine von häufigen Umzügen geprägte Kindheit entwickelte Drews schon früh ein feines Gespür für das Flüchtige von Umgebungen, Erinnerungen und Identitäten. Diese prägende, nomadische Erfahrung führte ihn später zu einer globalen Erkundung von Raum und Kultur: Er lebte und arbeitete in internationalen Metropolen wie Tokio, London und Paris, bevor er vor über zehn Jahren sein festes Atelier in Berlin bezog. Richard Drews, Der Morgen, 50×60 cm, Öl auf Leinwand, 2026 Als Autodidakt ist Drews’ künstlerische Praxis frei von den starren Zwängen akademischer Institutionen. Seit sieben Jahren widmet er sich intensiv dem Erlernen der komplexen Chemie und der historischen Faszination der Ölmalerei auf Leinwand. Seine Position als Quereinsteiger erweist sich dabei als tiefgreifende Stärke: Sie erlaubt ihm einen unbefangenen, intuitiven Umgang mit dem Material, bei dem er traditionelles Handwerk mit einer zutiefst modernen, existenziellen künstlerischen Stimme verbindet. Nach seiner viel beachteten Teilnahme an der Winter-Gruppenausstellung DIVERSE der Galerie Schindler gehört Drews zu den spannendsten neuen […]

bis 25.07. | #5081ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne präsentiert ab Freitag, 05. June 2026 eine Einzelausstellung der Künstlerin Jana Troschke. „In meinen Zeichnungen erschaffe ich ein Gefüge mit häufig gegensätzlichen Formen, Fundstücken und Fragmenten. Diese bilden eine Art Konglomerat, in dem alles im Bezug zueinander steht. Es ist nicht statisch, sondern eine Momentaufnahme einer größeren Bewegung. Die Bewegung der Einbeziehung. Gerade beschäftigt mich die Beziehung von Form zur Abwesenheit der Form. Die Form reduzieren zu Gunsten des Raums. Doch verblüfft stelle ich fest: Der Gedanke, dass alles Form ist, hilft mir, diese Dualität zu überbrücken. Wenn ich alles Form sein lasse, auch den Leerraum, kann eine Verschränkung passieren, die mich berührt. Viele meiner Arbeiten sind aus einer Bewegung heraus entstanden und häufig sehr schnell. Nun finden sich Zeichnungen, die nach Verlangsamung fragen. Sie wollen wachsen, wie ein Apfel wächst. Sie brauchen die Pause, das Herantasten und Verwerfen – am allermeisten aber das Vertrauen. Vernissage: Freitag, 05. Juni 2026, 17:00–20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 05. Juni – Samstag, 25. Juli 2026     Bildunterschrift Titel: Jana Troschke, 2024, 126 x 125 cm, Bleistift, Buntstift, Tusche, Acryl auf Papier Ausstellung Jana Troschke – Galerie Inga Kondeyne | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art […]

bis 26.07. | #5077ARTatBerlin | Galerie Tammen zeigt ab Freitag, 5. Juni 2026 die Ausstellung „Mommy, why does everybody have a Bomb?“ die Künstler Johannes Hepp – Skulptur und Lars Theuerkauff – Malerei. Der Titel der Ausstellung zitiert die finalen Zeilen aus dem Prince-Hit „1999“: „Mommy, why does everybody have a Bomb?“ Wie gegenwärtig diese Frage heute wieder ist – in dieser Zeit voll von Spannungen, Widersprüchen und Krisen – und dies sicher nicht nur aus einer kindlichen Perspektive. Der Künstler als Seismograph seiner Zeit und Lebenswelt – in diesem gemeinsamen Anspruch begegnen sich der Bildhauer Johannes Hepp und der Maler Lars Theuerkauff. JOHANNES HEPP Johannes Hepp ist ein Flaneur, der über die Menschen und das Mensch-Sein nachdenkt. Auf seinen Wegen inspirieren ihn Fundstücke zu poetischen Figuren-Konstellationen. Er sägt und schnitzt Skulpturen aus Holzblöcken heraus – verspielt mit leisem Humor und doch dem Abgrund nicht fern. Hepps Figuren – zugleich vertraut und fremd – wie Fabelwesen aus Träumen seiner Kinder, oder wie die Nachbarn, die wir seit Jahren grüßen und doch nicht wirklich kennen. Johannes Hepp, „o. N.“, 2026, Lindenholz bemalt, Glühbirne, Keramikfassung, 10 × 10 × 14 cm LARS THEUERKAUFF Lars Theuerkauff pipettiert seine gewichtigen Motive aus dem Bilderstrom […]

bis 12.07. | #5075ARTatBerlin | Jarmuschek + Partner präsentiert ab Samstag, 30. Mai 2026 (Vernissage: 29.05) die Gruppenausstellung „To be“ der Künstler*innen Kater D. Lunita-July Dorn, Sophie Heukemes, Nellie Jonsson, Doris Kolpa, Gabriele Münter, Julie Peter, Floor Sabelis, Emma Sarpaniemi, Malwine Stauss und Lara Weiler. „Ein Kind schläft seelenruhig auf dem Sofa, die Haarspange, die den Tag über noch Spannung hielt, ist zur Seite gelegt. Ob zwischen roten Klippen oder in einer Wiese liegend, die Protagonist:innen halten inne, nicht im Ereignis, sondern im Dazwischen.“ Mit to be schafft Lena Rheinbay einen Raum der unbeschwerten Existenz, eine temporäre Utopie. Die elf künstlerischen Positionen der kuratierten Gruppenausstellung geben die Aussicht auf einen Zustand frei, in dem Sorgen, Ängste und Wut für einen Moment keine Rolle spielen. In ihrer Wertschätzung des vermeintlich Altäglichen beschreiben sie ein positives Lebensziel und spenden zugleich Freude und Trost. Vernissage: Freitag, 29. Mai 2026, 19 – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 30. Mai bis Sonntag, 12. Juli 2026      Bildunterschrift Titel: Courtesy of Jarmuschek + Partner Ausstellung To be – Jarmuschek + Partner | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 20.06. | #5072ARTatBerlin | Galerie Schindler präsentiert ab Samstag , 9. Mai 2026 die Ausstellung it is on us des Künstlers Janosch Weiss. Janosch Weiss ist ein in Berlin ansässiger Künstler und Fotograf, dessen Arbeit sich auf die Dynamik zwischen Mensch und Natur sowie auf Themen wie Wahrnehmung, Erinnerung und Identität konzentriert. Seine Werke hinterfragen die klassische Beziehung zwischen Figur und Hintergrund, indem sie diese verschmelzen lassen. In der Spannung zwischen dem Menschen als Teil der Natur und gleichzeitig als deren Gestalter oder Zerstörer streben seine Bilder eine versöhnliche Position an. Essence, 2025, Fotografie, Fine Art Print, 30 x 42 cm, Ed. 1/5 Im kreativen Prozess verschwimmen die Grenzen zwischen Mensch, Natur und Technologie in einer Symbiose. Durch Bewegung und das Eintauchen in natürliche Texturen verbinden sich die Körper zu neuen Formen. Seine Projekte wie „HUMAN·NATURE“ und „ephemeral“ betonen die vergängliche, traumhafte Natur aller Dinge, wobei Farben, Texturen und organische Kompositionen im Vordergrund stehen. Pondera, 2025, Fotografie, Fine Art Print, gerahmt, 45 x 30 cm Seine Ausstellungen, darunter „RECONVERGENCE“, „NATIVE“, „essere insita“ und „ephemeral / HUMAN·NATURE“, wurden international in Deutschland, Brasilien und Italien gezeigt. Die Ausstellung „IT IS ON US“ thematisiert das dringliche Wiederzusammenwachsen der Menschen untereinander sowie die […]

bis 06.06. | #5069ARTatBerlin | Haverkampf Leistenschneider präsentiert ab Freitag, 1. Mai 2026 die Ausstellung ALLTAG der Künstlerin Katherine Bradford. Anlässlich des diesjährigen Berlin Gallery Weekend freut sich Haverkampf Leistenschneider, neue Werke von Katherine Bradford (geb. 1942, New York) zu präsentieren. Die Künstlerin wird zur Ausstellungseröffnung anwesend sein. Wie Träume haben Bradfords Gemälde die Fähigkeit, das „Alltägliche“ völlig fremd und leuchtend erscheinen zu lassen. Die US-amerikanische Künstlerin ist weltweit bekannt für ihre leuchtenden Farbfeldkompositionen, die von rätselhaften Figuren bevölkert sind, und dafür, dass sie uns dazu einlädt, in kleinen, aus dem Zusammenhang gerissenen Details metaphysische Bedeutung zu finden. Diese Auswahl neuer Werke zeugt von dem langjährigen Interesse der Künstlerin an den Spannungen zwischen Intimität, Isolation, Empathie und Abhängigkeit, die ein Leben inmitten anderer Menschen ausmachen. Die hier gezeigten Gruppenszenen sind warm, vertraut und von Bradfords charakteristischem Humor durchdrungen, doch selten ohne Andeutungen von Reibung oder Nuancen von Ambivalenz. Wir sehen Figuren, die sich vor einem Gemälde zusammenkauern, doch die Aufmerksamkeit wird durch einen Bildschirm geteilt, der das Bild verdoppelt. Zuschauer umringen einen steif auf dem Rücken liegenden Körper; ihre stoische, gesichtslose Passivität hat etwas Unheimliches an sich. Die Köpfe der Gäste sinken schwer auf ihre Teller und tauschen das Gesellige […]

bis 28.06. | #5065ARTatBerlin | EBENSPERGER BERLIN zeigt ab Samstag, 2. Mai 2026 (Vernissage: 01.05.) die Ausstellung Remains der Künstlerin Göksu Kunak. Inspiriert von Yves Kleins „Anthropométries“ wird Göksu Kunaks „REMAINS“ eine Live-Performance sein, bei der ein BMW sowohl zur Bühne als auch zur Leinwand wird. Ein Bodybuilder und ein CrossFit-Athlet, vollständig mit blauem Pigment überzogen, prägen ihre Bewegungen in das Fahrzeug ein – und verwandeln körperliche Anstrengung in ein lebendiges Gemälde. Kunak verbindet Action Painting mit Matthew Barneys Fokus auf körperliche Ausdauer und behandelt Muskeln in seinem Werk als skulpturales Material – eine Verschmelzung von Kraft, Oberfläche und Gestik. Eine spekulative Erzählung, geschrieben und live vorgetragen von Kunak, entfaltet sich parallel zur Handlung und führt das Stück durch einen hyperrealen fiktionalen Rahmen. Als Ikone der zeitgenössischen Kultur und urbanen Form wird der BMW selbst zum aktiven Darsteller: ein skulpturaler Körper, der die Erzählung aufnimmt, reflektiert und vorantreibt. Vernissage: Freitag, 1. Mai 2026, 18:00–22:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 2. Mai – Sonntag, 28. Juni 2026     Titelbildunterschrift: Göksu Kunak, REMAINS, 2026, AI genareted simulation Ausstellung Göksu Kunak – EBENSPERGER BERLIN | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 27.06. | #5060ARTatBerlin | Barbara Thumm präsentiert ab Samstag, 02. Mai 2026 die Ausstellung der Künstlerin Gülbin Ünlü. Während Uranus im April seinen Transit in die Zwillinge abschließt und damit das Ende eines achtjährigen Zyklus des Umbruchs sowie den Beginn neuer Entwicklungen markiert, bereitet sich die in München ansässige Künstlerin Gülbin Ünlü auf ihr Berliner Debüt in der Galerie Barbara Thumm vor. Derzeit Stipendiatin der Villa Romana in Florenz, kommt die Künstlerin mit türkischen Wurzeln in die deutsche Kulturhauptstadt, um einen sorgfältig kuratierten Dialog zwischen ihrer institutionellen Ausstellungsgeschichte und ihren neuesten experimentellen Ansätzen zu präsentieren. Ihr Titel entwirft einen kognitiven Raum der Selbsterkennung; fast ein Eisbrecher-Motto zur Selbstvorstellung – ein cleveres Wortspiel, wenn man die Bedeutung ihres Nachnamens im Türkischen bedenkt: „berühmt, bekannt, angesehen…“ Ünlüs komplexe und einzigartige Praxis ist durch eine charakteristische „Mash-up“-Philosophie geprägt: ein nahtloser Dialog zwischen Malerei, Zeichnung, Fotografie und Klang. Anstatt sich an ein einzelnes Medium zu binden, nutzt sie eine vielschichtige Hybridtechnik, die Druckgrafik und Malerei zu fragmentierten Dimensionen und Strukturen verbindet. Dieser offene Ansatz fungiert als eine Form von Autonomie, indem er „Sampling“ und „Remixing“ einsetzt, um etablierte Sichtbarkeitsregime herauszufordern und verborgene, affektive sowie tiefere Erzählungen zu erforschen. Ihre Fähigkeit, klassische Techniken mit […]

bis 30.05. | #5059ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler (Bleibtreustraße 45) präsentiert ab 30. April 2026 die Ausstellung Between the Lines des Künstlers Darren Almond. Die Galerie Max Hetzler, Berlin, freut sich, mit Between the Lines eine Einzelausstellung neuer Arbeiten von Darren Almond zu präsentieren. Im ersten Ausstellungsraum fungiert das großformatige Gemälde Monolith als programmatischer Ausgangspunkt. Aus einem von Baumstrukturen durchzogenen Bildraum tritt eine prägnante Null hervor – eine Form, die sich als vielschichtiges Zeichen lesen lässt: als Symbol der Unendlichkeit, als Fluchtpunkt perspektivischer Ordnung oder als Verweis auf buddhistische Vorstellungen des Nichts. Die Null als Figur kann sowohl Anfang als auch Endpunkt sein, in dem Leben und Gegenwärtigkeit zwischen eingefassten Ewigkeiten liegen – ein kurzes, leuchtendes Intervall zwischen Geburt und Tod. Mit den kahlen, schwebenden Zweigen einer winterlichen Weide verschränkt, evoziert sie die Perspektive eines Blicks aus ihrem Inneren heraus auf einen unbestimmten Horizont. Die Verwendung stark verdünnter Pigmente über die Leinwand hinweg erinnert an die Weise, wie Wasser die Zweige einer Weide während eines Regenschauers umspielt: Der Akt des Malens spiegelt das physische Verhalten von Regenwasser wider, das unter dem Einfluss der Schwerkraft herabfließt, und vollendet so den Wasserkreislauf und den Kreislauf des Lebens. Die Weide – ein Baum, der untrennbar mit Wasser verbunden ist – […]

bis 27.06. | #5057ARTatBerlin | Barbara Thumm präsentiert ab Samstag, 02. Mai 2026 die Ausstellung der Künstlerin Farkhondeh Shahroudi. Galerie Barbara Thumm präsentiert „Widerruf“, die erste Einzelausstellung der deutsch-iranischen Künstlerin und Lyrikerin Farkhondeh Shahroudi, in der Galerie. Wie der Titel andeutet, reagiert die Ausstellung auf eine unsichere Zeit, in der alles jederzeit widerrufen werden kann – von Waffenstillständen über soziale Infrastrukturen bis hin zu Menschen- und Völkerrecht. Zugleich eröffnet der Widerruf alter Ideen oder Ideologien Raum für neues Denken. Shahroudi, die 1962 in Teheran geboren wurde und dort Malerei studierte, beteiligte sich als junge Frau an der Revolution gegen den Schah und floh 1990 mit ihrem Sohn ins deutsche Exil. In Dortmund studierte sie Design und Kunst. In über 30 Jahren entwickelte sie ein komplexes Werk, das sich zunehmend von der Malerei entfernte und sich an den Grenzen von bildender Kunst, Poesie, Theater und Aktivismus bewegt. Ihre Arbeiten umfassen Zeichnungen sowie geflochtene, gewebte, ausgestopfte und bestickte Skulpturen, außerdem Banner, Flaggen, Decken, Installationen, Performances, Prozessionen und Fotografie. Während Shahroudis Werke und Performances eng mit Formen von Protest, Aktivismus oder Ritual verbunden sind, fokussiert sich „Widerruf“ auf die lyrische, dekonstruierte Grammatik, die ihr Werk seit Jahren durchzieht, sich immer weiter verfeinert und dabei roher, […]

bis 27.06. | #5055ARTatBerlin | Taubert Contemporary zeigt ab Freitag, 1. Mai 2026 die Ausstellung kristalline des Künstlers ALBERT WEIS. Adjektivisch benutzt verweist das Wort kristalline auf geordnete, dreidimensional periodische Zustandsformen oder Strukturen. Der Aufbau jener Gebilde beruht auf einem Gitter und bestimmt im Wesentlichen die physikalische Eigenschaft eines Materials. Ihre gegenteilige Form ist amorph. Die profunde Beschäftigung mit Ordnungssystemen und ihren Formen kennzeichnet das Werk des in Berlin ansässigen Künstlers Albert Weis auf vielfältige Weise. In der aktuellen Ausstellung, die den Titel kristalline trägt, kulminieren jeneAuseinandersetzungen und deren künstlerische Reflexionsformen. Dabei bezieht sich Weis unter anderem auf utopische Entwürfe aus Architektur und Stadtplanung des frühen 20. Jahrhunderts sowie der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. Architekt*innen, wie Eileen Gray, Carlo Mollino, Hans Scharoun, Bruno Taut u.a. nutzten kristalline Formen für ihre Entwürfe von gesellschaftlichen Räumen jenseits von Krieg. Die Ausstellung kristalline zeigt Werke, die unmittelbare Bezugnahmen auf jene ästhetischen und gesellschaftlichen Utopien der Moderne sind. Dabei stehen nicht nur die Einzelwerke im Fokus: Auch die gesamte räumliche Inszenierung der Ausstellung ist als Verweis auf visionäre Konzepte von Raumgestaltung gedacht. Die vier Ausstellungsräume im vorderen Bereich der Galerie wurden eigens für die Ausstellung mit unterschiedlich farbigem Teppichboden gestaltet: Violett, Schwarz, Rot […]

bis 13.06. | #5051ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab Samstag, 02. Mai 2026 (Vernissage: 01.05.) die Ausstellung THE MESSAGE ACCORDING TO SANSOVINO6: weaving resilience des Künstlers Edward L. Buchanan. Edward L. Buchanan, 1970 in Cleveland, Ohio, geboren und seit Anfang der 1990er Jahre in Mailand lebend, war bereits 2012 bei Semjon Contemporary mit seinem in Mailand ansässigen, gender-fluid Stricklabel Sansovino 6 vertreten und verwandelte den Raum in einen Indigo-Pop-upStore, in dem seine Erfindung der gestrickten Jeans als räumliche Collage präsentiert wurde (übrigens kopierten zahlreiche Modehäuser seine Strickjeans bereits kurz nach ihrer Markteinführung). Die Pandemie und die außenpolitischen Turbulenzen der letzten Jahre haben ihn immer wieder dazu gezwungen, seine zweite Ausstellung zu verschieben, doch nun ist es endlich soweit. Zwar waren seine einzigartigen Modeillustrationen und Collagen bereits mehrfach in Gruppenausstellungen zu sehen, doch dies wird seine zweite Einzelausstellung überhaupt sein. Als Afroamerikaner in Italien – seit seinem ersten Job im Jahr 1994 als Kreativdirektor für die Konfektionskollektionen von Bottega Veneta, zu dem er unmittelbar nach seinem Abschluss an der Parsons School of Design in New York eingestellt wurde – ist er längst „italianisiert“ und bezeichnet sich oft selbst als Afro-Italiener, doch er erlebt weiterhin die bedauerliche rassistische Seite des Alltags in […]

bis 27.06. | #5048ARTatBerlin | Galerie Société präsentiert ab Freitag, 01. Mai 2026 (Vernissage: 30.04.) die Ausstellung Chrysalizing des Künstlers Edi Rama. Der Titel der Ausstellung beschwört einen schwebenden, schöpferischen Moment der Verwandlung herauf. Dieses Gefühl der Bewegung zieht sich wie ein roter Faden durch Ramas Schaffen: im Übergang von der Zeichnung zur Skulptur, in den biomorphen Formen, die seine neuen Werke annehmen, und im weiteren Verlauf eines Lebens, das an der Schwelle zwischen künstlerischer und politischer Identität verbracht wurde. Rama, der an der Akademie der Bildenden Künste in Tirana eine Ausbildung zum Maler absolvierte und dort später als Professor lehrte, hat seine künstlerische Tätigkeit parallel zu einer fast drei Jahrzehnte umspannenden politischen Karriere ausgeübt – zunächst als Kulturminister, dann von 2000 bis 2011 als Bürgermeister von Tirana und seit 2013 als Ministerpräsident. Diese beiden Tätigkeitsbereiche haben sich stets gegenseitig beeinflusst: Als Bürgermeister verwandelte Rama die verfallenden Gebäude aus der kommunistischen Ära in Tirana durch ein ehrgeiziges Programm mit farbenfrohen geometrischen Fassaden und demonstrierte damit auf stadtweiter Ebene, dass Ästhetik und Politik ein und dasselbe sein können. Durch diesen Prozess entstand seine zeichnerische Praxis: Er druckte die Fassaden auf A4-Blätter und begann, mit Filzstiften zu experimentieren, um zu bestimmen, in […]

bis 29.05. | #5046ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab Freitag, 1. Mai 2026 die Ausstellung „Jean Dubuffet“ des Künstlers Jean Dubuffet. Jean Dubuffet (1901-1985) war einer der radikalsten Künstler nach 1945. Im Verlauf seiner künstlerischen Karriere schafft er klar voneinander getrennte Werkzyklen, die immer Ausdruck einer neuen Herausforderung und Fragestellung sind und beendet werden, sobald ihre Möglichkeiten ausgeschöpft scheinen. Sein Einfluss auf seine sowie die nachfolgenden Generationen kann kaum überschätzt werden. Galerie Michael Haas präsentiert eine Auswahl von Gemälden und Zeichnungen aus den Jahren 1942 bis 1961. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Texten von Dr. Margrit Brehm und Prof. Axel Heil. Ort: Niebuhrstraße 5, Berlin-Charlottenburg Vernissage: Freitag, 01. Mai 2026, 18:00–20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 01. Mai – Freitag, 29. Mai 2026     Bildunterschrift Titel: Courtesy by Galerie Michael Haas Ausstellung Jean Dubuffet – Galerie Michael Haas | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 20.05. | #5044ARTatBerlin | Galerie Dittmar präsentiert ab Freitag, 1. Mai 2026 die Ausstellung „Beyond Photography“ der Künstlerin Katja Liebmann. Katja Liebmann, 1965 in Halle an der Saale geboren, Kunststudium an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg, der Kunsthochschule Berlin und am Royal College of Art London. Mitte der neunziger Jahre machte sie erstmals mit der Serie Gotham City auf sich aufmerksam, die 1998 von der Saatchi Collection angekauft wurde. Im selben Jahr Nominierung für den „Citibank Photography Prize“ (“Deutsche Börse Photography Prize“). Während ihres Studiums am Royal College of Art 1997-98, Studien- und Lehraufenthalt an der State University New York. Anschließend bis 2000 Lehrtätigkeit am London College of Printing und Camberwell College of Art. 2000 Stipendium der Hasselblad Foundation Göteborg mit Ausstellung. Im gleichen Jahr Umzug nach Berlin, Fortführung der schon 1997 entwickelten Bildfolgen „Gang über eine Brücke“, die filmische und fotografische Verfahren verbinden. 2001 Ausstellung im Goethe-Institut London mit den „Berlin Ornaments“, eine Weiterführung der „London Ornaments“. 2002 Teilnahme an der Ausstellung „Landscapes“ in der Saatchi Gallery London, unter anderem mit Caroll Dunham, Tracy Emin und David Salle. Seit 2003 Dozentin für Künstlerische Druckgrafik an der Universität Oldenburg. Ab 2007 entstehen die Fahrtbilder, bis 2010 die […]

bis 14.06. | #5039ARTatBerlin | Loock Galerie präsentiert ab Freitag, 1. Mai 2026 die Ausstellung Face (the joys were greater) der Künstlerin Rei Naito. Im Dialog mit dem Galerieraum präsentiert die Künstlerin drei Kompositionen aus je vier Skulpturen sowie zwei weitere skulpturale Werkgruppen. Jede „Face“-Arbeit bildet ein Ensemble mit einer einzelnen „Grace“-Arbeit aus Stoff mit Blumenmuster und einer winzigen Glasperle, die von der Decke hängt. „Return the secret to the world“ wird als Ensemble mit den Arbeiten „1 – 3“ präsentiert. Ein unendlicher Lichtraum, der durch auf dem Boden und an der Decke platzierte Spiegel entsteht. Wiederkehrende Titel, Motive und Materialien im Œuvre von Rei Naito sprechen das Unterbewusstsein des Betrachters in einem feinen Gleichgewicht aus Anspannung und Entspannung an und erweitern und vertiefen so die Interpretation der Werke. Naito beschreibt ihre Arbeiten oft als Zirkulation zwischen dem „Inneren des Lebens“ und dem „Äußeren des Lebens“. 1 Face (the joys were greater), 2024 Face (the joys were greater) entstand vor mehr als dreißig Jahren durch Zufall. Eines Tages war Naito aufgebracht und wollte gerade einige an der Wand befestigte Drucksachen wegwerfen. Als sie bemerkte, dass es sich um eine Person handelte, beschloss sie, sie wieder anzubringen. Die Künstlerin spürte eine […]

bis 01.08. | #5035ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin präsentiert ab Samstag, 2. Mai 2026 die Einzelausstellung des Künstlers Thomas Demand. Thomas Demand ist bekannt für seine Fotografien akribischer Papiermodelle, die Szenen von historischer, politischer und kultureller Bedeutung sowie Alltagsmomente rekonstruieren. Anlässlich des Gallery Weekend Berlin freuen sich Monika Sprüth und Philomene Magers, eine Einzelausstellung mit neuen Arbeiten von Demand zu präsentieren. Seit 2025 arbeitet Demand mit einer neuen Technik und fertigt kleinformatige, auf Kupfer gedruckte Bilder an. Das Material hat tiefe Wurzeln in der Kunstgeschichte: In der Renaissance als Leinwand verwendet, diente es später als Träger für einige der frühesten Fotografien auf versilberten Kupferplatten und erweiterte so seine Bedeutung in der Geschichte der Fotografie. Die neuen Arbeiten reichen von detailreichen Naturaufnahmen bis hin zu Abstraktionen KI-generierter Bilder. Mit seinen konstruierten Welten hinterfragt der Künstler die Paradoxien der Wahrnehmung und erforscht, wie wir unsere Umgebung wahrnehmen, wie wir sie erinnern und wie wir beeinflusst und manipuliert werden. Ob es nun um die zufälligen Anordnungen der Natur oder die dystopischen Visionen der KI geht, Demands Werk bewegt sich gekonnt im Spannungsfeld zwischen Skulptur und Fotografie, Illusion und Bild, Realität und Interpretation. Vernissage: Samstag, 2. Mai 2026, 18:00 – 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Samstag, […]

bis 27.06. | #5033ARTatBerlin | Galerie Martin Mertens zeigt ab Samstag, 25. April 2026 die „Je rêve un jardin“ der Künstlerin Katrin Bremermann. Die neue Ausstellung der Berliner Künstlerin Katrin Bremermann verbindet wieder verschiedene Werkgruppen innerhalb ihres Kunstkosmos. Der französische Titel (Katrin hat lange in Paris gelebt und hat auch jetzt wieder ihren Zweitwohnsitz in Frankreich) „Ich träume einen Garten“ läßt sich vielleicht in dem Sinne auf ihr Werk beziehen, dass sich ihre sehr eigenständige Formensprache in ihren Objekten, Collagen und Bildern im Laufe der Jahre fast organisch weiterentwickelt hat. Sie wächst immer weiter, baut auf älteren Formen auf und bildet immer wieder berauschend schöne neue Blüten.  Eine dieser neueren Entwicklungen sind die Collagen in Stahlrahmen, in die Bremerman zum Teil Formen einbindet, die sie zuvor als Schablonen für ihre Lackbilder oder als Druckstöcke für ihre Handdrucke verwendet hat. Sie zeigt aber auch große Leinwandobjekte, die in der Nachfolge der „shaped canvas“- Künstler der 60er und 70er Jahre wie z. B. Frank Stella, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland oder Morris Louis stehen. Diese Künstler bilden aber nur eine Teil des Nährbodens aus dem weiten Feld der geometrischen Abstraktion aus dem Katrins Werk erwächst. Viele andere Entwicklungen aus dem Bereich des Konstruktivismus oder […]

bis 15.08. | #5029ARTatBerlin | neugerriemschneider (Linienstrasse) zeigt ab 2. Mai 2026 die Ausstellung der Künstler*innen Shilpa Gupta, Senata Lucas, Haegue Yang. Wahrnehmungsräume – geschnitten, gespalten, geschichtet – sind Merkmale der Arbeiten von Shilpa Gupta, Renata Lucas und Haegue Yang, die gängige Realitätsnarrative anhand historischer, politischer und subjektiver Präzedenzfälle dekonstruieren. Indem sie Geometrie unterwandern, das Alltägliche fragmentieren und Klang durch Form lenken, regen die drei Künstlerinnen zu neuen Seh- und Bewegungsweisen an, die den Betrachter in Zeit und Raum verankern. Gemeinsam gestalten sie eindringliche Begegnungen, die die Welt in neuem Licht erscheinen lassen. In ihrer interdisziplinären Praxis erforscht Shilpa Gupta Machtstrukturen, soziale Schichtung und gemeinsame Geschichte und untersucht, wie diese Kräfte Nationen, Kulturen, Identitäten und das Verständnis von Selbstbestimmung prägen. Mit „100 Handgezeichnete Karten von Deutschland“ (2007–2025) präsentiert die Künstlerin die ungefähre Umrisslinie Deutschlands, gezeichnet aus der Erinnerung von 100 Einwohnern. Die erinnerten Konturen, gesammelt in einem Skizzenbuch, liegen einem oszillierenden Tischventilator gegenüber. Dessen gebundene Seiten wehen im Wind und blättern zufällig um – eine Geste, die die Willkür von Grenzen und deren Einfluss auf das kollektive Bewusstsein einer Bevölkerung verdeutlicht. In ihrem Werk „Ohne Titel“ (2012) zeigt die Künstlerin ein fragmentiertes Messer, das entlang einer Kurve zerteilt und wieder […]

bis 20.06. | #5027ARTatBerlin | Galerie Esther Schipper präsentiert ab Freitag, 1. Mai 2026 die Ausstellung Hyperarousal der Künstlerin Celeste Rapone. Esther Schipper Berlin freut sich, „Hyperarousal“ anzukündigen, Celeste Rapones erste Ausstellung in der Galerie. Rapone präsentiert drei Gemälde, die in erzählerisch dichten Kompositionen die spannungsgeladene Schnittstelle zwischen sinnlicher Stimulation und nervöser Reizung erforschen. Mit ihren flachen und kompakten Körpern versinnbildlichen die weiblichen Protagonistinnen der ausgestellten Gemälde den gespannten Glamour der Millennial-Angst und die libidinösen Energien, die sie antreiben. Intuitive Liebe zum Detail und ein witziger Sinn für Ironie ermöglichen es Rapone, die ihrer Generation eigene ängstliche Stimmung in mehrdeutigen, verdrehten und fast schon peinlichen Szenen darzustellen. Gefangen zwischen Unruhe und Lähmung, leben die nervösen Millennials, denen wir in ihrem Werk begegnen, in einer gewissermaßen zarten Verletzlichkeit. Hier trifft die theatralische Vorahnung des Untergangs auf die genussvolle Aussetzung seines Eintreffens. Weibliche Wachsamkeit scheint gefangen zwischen der Angst und dem Genuss potenzieller Gefahr. Rapone malt alla prima, ohne Vorzeichnungen. Sie legt formale Vorgaben fest, indem sie eine Farbe wählt; die figurativen Elemente jeder Komposition unterliegen dabei dem Farbton. Während „Waiting“ (2025) von einer eisblauen Farbpalette durchzogen ist, greift „Loner“ (2025) auf Moos-, Oliven- und Waldgrüntöne zurück, die im Kontrast zum scharlachroten Haar […]

bis 23.05. | #5023ARTatBerlin | Galerie Tammen zeigt ab Freitag, 10. April 2026 eine Gruppenausstellung der Künstler*innen Michael Wismar, Eleonora Paradiese, Helga Raimondi und Völker März. Helga Raimondi, Sightlines Through a Fragmented World 2025, Papier, Goldfaden, schwarzer Samt, 30 x 24 cm, gerahmt Michael Wismar + Eleonora Paradise, HAIKU XVI 2024, Plakatabrisse auf Sperrholzplatte und Dammarharz, 112 x 81 x 4,5 cm Michael Wismar, HAIKU I 2024 | Plakatabrisse auf MDF-Platte und Holzrahmen mit Leim und Dammarharz, 120 x 75 x 6 cm Vernissage: Freitag, 10. April 2026, 19:00–22:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Freitag, 10. April– Samstag, 23. Mai 2026     Bildunterschrift Titelbild: Volker März „Wahrheitssammler“ 2025 / gebrannter Ton, bemalt, Höhe ca. 30 cm, 3-teilig Ausstellung Wismar, Paradiese, Raimondi + März – Galerie Tammen | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 09.05. | #5024ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt ab 11. April 2026 die Ausstellung Parallelen sind nie daneben des Künstlers Joshua Zielinski. Sind das Lämpchen im Retrodesign, die sich zur Siegerehrung auf dem Podium versammelt haben? Für die Serie Lakope hat Joshua Zielinski ausrangierte Sporttrophäen zerlegt und neu zusammengesetzt. Die kleinen Marmorsockel blieben erhalten, doch die Pokale selbst, in ihrer Talmi-Ästhetik, erinnern mal an Kuchenformen, mal an schillernde Schirmlinge, von denen einer seinen Hut mit dünnen Ärmchen festzuhalten versucht. Der trapezförmige, zartgelbe Sockel bringt die Objekte auf Augenhöhe der Betrachter und fasst sie zu einer skulpturalen Einheit. Auch die Skulptur Twin ist das Ergebnis einer Umformung: Ursprünglich sollte der Sandstein in einem anderen Kontext als Sockel dienen, doch wurde nie eine Skulptur darauf installiert. Allerdings sind Spuren von Bearbeitung (Bohrungen) und Lagerung (Verfärbungen und Abbrüche) bewusst erhalten geblieben. Zielinski hat aus dem vorhandenen Material eine Stele geschlagen, deren Form dem gespiegelten Profil einer Sockelleiste des Typs „Berlin” entspricht. Diese historisierende Form aus der Gründerzeit, eine Art „Raumsockel”, ist ein funktionales Gestaltungselement, das sich in den Altbauten vieler deutscher Großstädte findet (vgl. Hamburger/Frankfurter Profil). Im großen Ausstellungsraum dominieren zwei Museumsvitrinen die Szene. Displays, die für gewöhnlich wertvolle Objekte vor Staub […]

bis 09.05. | #5018ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte (Charlottenstraße) zeigt ab Freitag, 1. Mai 2026 die Ausstellung der Künstler Jonathan Lasker und Walid Raad. Vernissage: Freitag, 1. Mai 2026, 19:00–21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 1. Mai bis Samstag, 9. Mai 2026     Bildunterschrift Titel: JONATHAN LASKER, RETURN THE FAVOR, 1986, OIL ON CANVAS, 152.4 X 177.8 X 3.81 CM, 60 X 70 X 1 1/2 IN Ausstellung Jonathan Lasker + Walid Raad – Galerie Thomas Schulte | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 20.06. | #5015ARTatBerlin | Galerie Tanya Leighton präsentiert ab 1. Mai 2026 die Ausstellung „SUN“ des Künstlers Antonio Ballester Moreno. Vernissage: Freitag, 1. Mai 2026, 18 – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 1. Mai – Samstag, 20. Juni 2026   Bildunterschrift Titelbild: Placeholder ART at Berlin (Abbildung folgt) Ausstellung Antonio Ballester Moreno – Galerie Tanya Leighton | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 08.05. | #5012ARTatBerlin | Galerie Volker Diehl zeigt ab 11. April 2026 (Vernissage: 10.04.) die Ausstellung Risse im Eis der Künstler Nikita Alexejew, Sven Gundlach, Eduard Steinberg, Wladimir Jakowlew, Anatoli Slepyshev und Andrej Reuter.  Vernissage: Freitag, 10. April 2026, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 11. April bis Freitag, 8. Mai 2026      Bildunterschrift: Nikita Alexeev, God, Forgive the Commies!, 1988, mixed media on waxed tablecloth, 138 x 200 cm Ausstellung Risse im Eis – Galerie Volker Diehl | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 12.04. | #5008ARTatBerlin | Galerie Creative Game zeigt ab Freitag, 27. März 2026 die Ausstellung – Szenen aus Intarsiën – der Künstler*innen Ida Clay und Mo Faqeeh. Die Szenen der Bilder entstehen aus Holzfurnieren in der Technik der Marketerie, einer furnierbasierten Form der Intarsie. Die gewachsene Struktur des Materials trifft auf grafische Komposition und erzeugt eine Spannung zwischen Konstruktion und Materialität. Die Arbeiten untersuchen das Verhältnis von Figur und Raum. Architektur und Landschaft dominieren die Bildflächen; die dargestellten Personen erscheinen als reduzierte Silhouetten, eingebunden in klare räumliche Konstellationen. Nähe, Distanz und Isolation entstehen nicht durch Handlung, sondern durch Position und Verhältnis. Ida Clay + Mo Faqeeh, Stufen, 2023, 63 x 40 cm  Zentrales Element ist das Material selbst. Die Bilder entstehen aus dünnem Holzfurnier, das geschnitten, gefügt und zu einer geschlossenen Fläche gepresst wird – in einem Verfahren, das an Intarsie erinnert. Unterschiedliche Maserungen, Dichten und Farbtöne strukturieren den Raum. Seine gewachsene Struktur bleibt sichtbar und widersetzt sich vollständiger Kontrolle. Unregelmäßigkeiten erzeugen eine eigene Bewegung innerhalb der Fläche. Ida Clay + Mo Faqeeh, Bucht, 2024, 108 x 83 cm So entsteht eine Spannung zwischen präziser, grafischer Form und organischer Materialität. Die dargestellten Szenen sind von einem lebendigen Material durchzogen, das […]

bis 11.04. | #5005ARTatBerlin | Galerie Georg Nothelfer zeigt derzeit eine Ausstellung der der Künstler*innen Pierre Alechinsky, Peter Brüning, Michael Buthe, Eduardo Chillida, Christo & Jeanne-Claude, K.F. Dahmen, Damien Daufresne, Galli, K.O. Götz, Thomas Hartmann, Delia Jürgens, Markus Lüpertz, Robert Motherwell, Max Neumann, A.R. Penck,  Markus Prachensky, Robert Rauschenberg, Emil Schumacher, Carolin Seeliger, Richard Serra, Kazuo Shiraga, K.R.H. Sonderborg, Walter Stöhrer, Antoni Tàpies, Fred Thieler, Wolfgang Troschke, Emilio Vedova und Jan Voss. Die Galerie Nothelfer präsentiert eine Ausstellung mit Druckgrafiken von 28 Künstler:innen. Gezeigt werden sowohl historische Positionen der Nachkriegszeit als auch zeitgenössische Arbeiten, die Einblick in die Vielfalt und Möglichkeiten des Mediums geben. In der Moderne etablierte sich die Druckgrafik als der Malerei und Zeichnung gleichwertiges künstlerisches Medium. Für viele KünstlerInnen war sie ein zentrales Experimentierfeld für formale Innovationen, serielle Verfahren, Verbindung von handwerklicher Technik und künstlerischer Konzeption. Nicht selten verlagerte sich der künstlerische Schwerpunkt zeitweise oder dauerhaft von der Malerei in die Druckgrafik, etwa bei Toulouse-Lautrecs Lithografien oder Andy Warhols Siebdrucken. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts spielte die Druckgrafik eine zentrale Rolle in der Demokratisierung der Kunst. Insbesondere in den 1960er Jahren wurde sie im Kontext gesellschaftlicher und politischer Umbrüche bewusst als Alternative zum exklusiven Kunstmarkt […]

bis 07.05. | #4999ARTatBerlin | Galerie feinart berlin zeigt ab Samstag, 28. März 2026 die Ausstellung „Millesfleur“ der Künstlerin Christine Jackob-Marks. Christine Jackob-Marks, deren Werk zuletzt von Samuelis Baumgarte in der Dialogausstellung „KOSMOS“ mit Otto Pine in Bielefeld gewürdigt wurde, beschäftigt sich in ihrem gesamten Künstlerinnenleben mit der Natur und der Frage nach  der Wahrheit, die hinter dem Offenbar- Sichtbaren verborgen liegt. In ihren Landschaftsgemälden wird die Natur zu Quelle und Spiegel von menschlichen Gefühlsräumen und existenziellen Fragen. Immer wieder setzt sie sich jedoch auch mit den Spuren der Verletzung auseinander, die der Mensch seiner natürlichen Heimat zuteil werden lässt. Christine Jackob-Marks, Geburtstagsstrauß, 2005, Mischtechnik auf Leinwand, 130 x 100 cm © feinartberlin Diese Bivalenz der Natur findet in Christine Jackob-Marks Blumenbildern eine weitere Differenzierung, der die Ausstellung durch den Blick auf drei verschiedene Schaffensphasen nachgeht. Zwischen den Arbeiten der späten Studienzeit Anfang der 1960er Jahre und heute liegen Welten wie sie zwischen Bettina von Arnims Satz „Blumen sind Liebesgedanken der Natur“ und Charles Baudelaires „Fleurs du Mal“ stehen. Auf der einen Seite liegt Schönheit und Harmonie, auf der anderen Vergänglichkeit und Verführbarkeit. Das Bild der Blume, beides verbindend, beweist, dass in beiden Welten eine Art von Schönheit denkbar ist, […]

bis 18.04. | #4996ARTatBerlin | Galerie Friese zeigt derzeit eine Ausstellung der Künstler Norbert Kricke und Dieter Krieg. Norbert Kricke (1922–1984) zählt zu den zentralen Protagonisten der deutschen Nachkriegskunst. Sein Werk der Raumplastiken und Zeichnungen umspannt etwas mehr als drei Jahrzehnte und widmet sich konsequent der Erforschung der Linie im Raum.   Die Ausstellung zeigt Werke der 1950er und 1970er Jahre in Zusammenarbeit mit dem Nachlass des Künstlers. Ein besonderer Fokus liegt auf einer Gruppe großformatiger, äußerst reduzierter Zeichnungen von 1976: Schwarze Tuschelinien durchziehen fast theatral die Zeichenfläche und aktivieren diese zum Bildraum.  Im Kontext der Nachkriegsmoderne kann Krickes Werk als ein auf Neuanfang gestimmter Befreiungsakt gelesen werden, der weitreichende Konsequenzen für nachfolgende Generationen sowie für die Definition der Gattungen Plastik/Skulptur und Zeichnung hatte.   Norbert Kricke, Raumplastik Rot-Weiß, 1953-54, gestrichener Stahl, 33 x 41 x 34 Ø 0,4 cm Norbert Kricke war von 1972 bis 1981 Rektor der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf. In dieser Funktion berief er 1978 Dieter Krieg als Professor an die Akademie, dessen Arbeiten in den ersten beiden Räumen der Galerie gezeigt werden. Die Präsentation von Dieter Krieg (1937–2005) widmet sich dem wenig bekannten Frühwerk des Künstlers mit Werken aus den Jahren 1970 bis 1972. In diesen vielfach […]

bis 08.05. | #5000ARTatBerlin | Migrant Bird Space zeigt ab Samstag, 28. März 2026 die Ausstellung „UNSORTED CHAPTERS“ des Künstlers Xia Peng. Am 28. März 2026 eröffnet „Migrant Bird Space“ die Einzelausstellung „Unsorted Chapters“ von Xia Peng, in der neue Acrylgemälde, darunter auch Arbeiten auf Fundstücken, zu sehen sind. Die in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler konzipierte Ausstellung vereint großformatige, mythologische Leinwandbilder mit intimen Werken, die auf flachgedrückte Kartons, Einbände gebrauchter Bücher und Plattenhüllen gemalt sind – Oberflächen, die die Last anderer Leben und anderer Verwendungszwecke in sich tragen. Xia Peng, der an der Zentralakademie der Schönen Künste in Peking in Tuschemalerei ausgebildet wurde, bevor er in Kassel studierte, hat über ein Jahrzehnt in Berlin verbracht und arbeitet dort zwischen zwei bildnerischen Traditionen, die Raum, Zeit und Unvollständigkeit auf grundlegend unterschiedliche Weise verstehen. Diese Ausstellung ist seine bislang experimentellste. Die Werke lösen ihre Widersprüche nicht auf. Figuren tauchen durch Farbschichten auf und treten wieder in den Hintergrund, bevor das Auge sie erfassen kann. Mythologische Sujets werden benannt und dann wieder zurückgehalten. Fundstücke durchbrechen das Bild von unten. Über all dem zieht sich eine einzige Frage: Was bedeutet es, in Formen weiterzuarbeiten, die sich still und leise verschoben haben und auf […]

bis 27.06. | #4992ARTatBerlin | Galerie Brockstedt präsentiert ab Freitag, 24. April 2026 die Ausstellung Malerei und Collagen des Künstlers Tino Geiss. Die menschenleeren Interieure, Gärten und Landschaften des Leipziger Malers Tino Geiss atmen Stille: Sie laden uns ein, sie zu betreten, sie mit Inhalt zu füllen, sie zu gestalten – mit unseren eigenen Assoziationen. Nicht zufällig wählte der in der Galerie Brockstedt schon mehrfach gezeigte Künstler für diese Ausstellung seiner jüngsten Bilder den Titel „Hortus“, was schon bei den alten Römern „umfriedeter Garten“ bedeutete und seither in der christlichen Kunst vom Mittelalter bis zur Gegenwart einen heiligen geschützten Garten beschreibt, den undurchdringliche Mauern umgeben. „Die Form von Erinnerung, die nicht direkt greifbar ist, aber die Qualität des gegenwärtigen Zustands mitbestimmt, interessiert mich“, sagt er selbst, „die Frage nach Authentizität von Erinnerungsbildern und die Konstruktion, die wir um diese errichten, finde ich spannend“. Tino Geiss, Thüringer Herbst, 2026, 40 x 30 cm, Acryl auf Leinwand Tino Geiss ist mit seinen Arbeiten, die im Kontext des Magischen Realismus zu sehen sind, ein echter Vertreter der Neuen Leipziger Schule. Der Verzicht auf Figürliches und auf den surreal-narrativen Charakter eines Neo Rauchs, hat ihn schnell zu einer absolut eigenständigen Künstlerpersönlichkeit gemacht. Seine, zum […]

bis 06.06. | #4990ARTatBerlin | CAMERA WORK präsentiert ab Samstag, 28. März 2026 die Ausstellung Peel Off der Künstler*innen Peter Beard, Michel Comte, Sebastian Copeland, Patrick Demarchelier, Victor Demarchelier, Arthur Elgort, Esther Haase, Olaf Heine, Jean-Baptiste Huynh, Russell James, Helmut Newton, Rankin, Eugenio Recuenco, Martin Schoeller, Ruud van Empel und Albert Watson. Die Galerie CAMERA WORK präsentiert vom 28. März bis zum 6. Juni 2026 die Gruppenausstellung Peel Off. Diese widmet sich mit über 100 Unikaten von sechzehn namhaften Künstlern der Geschichte des legendären Sofortbildes. Unter den Arbeiten aus den frühen 1970er Jahren bis heute, die vielfach an den Sets berühmter Fotoshootings entstanden, sind zudem seltene großformatige Werke von Peter Beard, Michel Comte und Olaf Heine. Das Sofortbild wurde maßgeblich durch Herbert Erwin Land und die Firma Polaroid geprägt. Land stellte das erste unmittelbar entwickelbare Fotopapiersystem 1947 erstmals vor und machte es später mit der Firma Polaroid weltweit bekannt. Das patentierte Entwicklungsverfahren etablierte sich in der professionellen Fotografie als wichtiges kreatives Werkzeug und war etwa zur Licht- und Kompositionsprüfung am Set entscheidend. Die sichtbare Entwicklungszeit des Bildes, die durch die Peel Off-Trennung der Entwicklungsbögen manuell abgeschlossen wurde, verstärkte die Wahrnehmung des fotografischen Prozesses und dessen performativen Charakter. Jedes Sofortbild ist […]

bis 24.04. | #4987ARTatBerlin | Galerie Nordenhake zeigt ab Freitag, 20. März 2026 die Ausstellung „Concrete Head“ der Künstlerin Sofia Hultén. Sofia Hultén präsentiert in ihrer fünften Einzelausstellung in der Galerie Nordenhake neue kinetische Skulpturen, eine Serie von Papierarbeiten sowie zwei Werkgruppen neuer Skulpturen. Der Titel geht auf einen Ausdruck aus ihrem Heimatort Birmingham zurück: Während der Begriff üblicherweise für eine Person mit einer sturen oder gedanklich starren Haltung steht, kennt die Künstlerin ihn aus ihrer Jugend, in der er umgangssprachlich eine Person bezeichnete, die Drogen ohne erkennbare körperliche Folgen konsumieren konnte. In ihrer Arbeitsweise kollidieren sprachliche Mehrdeutigkeiten und materielle Narrationen, aus deren Widerspruch neue Bedeutungen entstehen […] United Fuckers of Contingency in Stasis, 2026, Aluminiumstange, Jeans, Münzen, Motor, Edelstahl Sofia Hultén wurde 1972 in Stockholm, Schweden geboren. Sie wuchs in Birmingham, UK auf und studierte Bildhauerei an der Sheffield Hallam University. Seit 1998 lebt und arbeitet sie in Berlin. Seit 2023 ist sie Professorin an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart. Zu den jüngsten Einzelausstellungen ihrer Arbeit gehören Ausstellungen im KINDL Zentrum für Zeitgenössische Kunst, Berlin, und im Museum Tinguely, Basel in Zusammenarbeit mit der Ikon Gallery Birmingham (alle 2018). Außerdem zeigte sie Einzelausstellungen in Espai13, Fundació […]

bis 25.04. | #4982ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts präsentiert ab Freitag, 13. März 2026 die Ausstellung „OOO LA LA“ der Künstlerinnen Maggi Hambling + Sarah Lucas. Hambling und Lucas lernten sich vor 25 Jahren, am 23. Oktober 2000, ihrem gemeinsamen Geburtstag, im Colony Room Club in Soho kennen. Seitdem verbindet sie eine Freundschaft, die von Bewunderung und Vertrauen geprägt ist. Sie lachen viel zusammen. Außerdem sind sie Nachbarinnen im ländlichen Suffolk, was ihre Verbindung im Alltag festigt und durch Gespräche aufrechterhält. Diese langjährige Nähe steht im Mittelpunkt der Ausstellung und zeigt, wie zwei unterschiedliche Praktiken miteinander kommunizieren können. OOO LA LA untersucht die Gemeinsamkeiten ihrer Herangehensweisen, vor allem ihre Wachsamkeit gegenüber der Koexistenz von Sex und Tod. Diese Themen gehören zum gleichen Lebensbereich und werden mit Offenheit und Mut behandelt. Die Ausstellung ist nicht das Ergebnis eines gemeinsamen Atelierprozesses. Die Werke wurden parallel entwickelt, und die Verbindung wird deutlich, wenn sie zusammengebracht werden. Mit ihren Worten: „Das Außergewöhnliche ist, dass es in der Ausstellung so aussieht, als hätten wir an entgegengesetzten Enden desselben Ateliers gearbeitet.“ Die Ausstellung nimmt dieses Gefühl ernst. Malerei und Skulptur stehen dicht beieinander, als klare Paare oder in offenen Konstellationen, sodass sich Echos über Material, Rhythmus […]

bis 25.04. | #4979ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab Donnerstag, 12. März 2026 die Ausstellung Seasons des Künstlers Ryan Mosley. Die Jahreszeiten werden nicht nur wahrgenommen, sondern durchlebt. Sie verändern subtil, wie sich Körper und Geist bewegen und fühlen, noch bevor wir es bemerken. In Mosleys Gemälden verschmelzen Figur und Landschaft zu einem Ganzen. Die Figuren spiegeln die Konturen des Geländes wider oder scheinen aus ihm emporzusteigen; sie sind Teil der Landschaft, anstatt auf ihr platziert zu sein. In „Bedrock“ verschmilzt die schreitende Gestalt optisch mit dem Wasser und den Felsen hinter ihr. Ihr Körper nimmt die Farben der Landschaft an, ihre Haut ist vom pfirsichfarbenen Licht der Dämmerung berührt. Wo wir den Körper oft als Barriere zwischen Innenleben und Außenwelt erleben, visualisieren diese Gemälde stattdessen Kontinuität. Sie legen nahe, dass die Erfahrung der Jahreszeiten sowohl innerlich als auch äußerlich ist – durch den Körper gefühlt und von der Welt um uns herum geformt. […] Auszug aus der Pressemitteilung von Beth Hughes Ryan Mosley (*1980) lebt und arbeitet in Sheffield, Großbritannien, und studierte Malerei am Royal College of Art in London. Der Künstler verknüpft kunsthistorische Themen, Stile und Strömungen zu surrealen, volkstümlich inspirierten Gemälden, die gleichermaßen zeitgenössisch […]

bis 18.04. | #4976ARTatBerlin | Meyer Riegger Berlin zeigt ab Samstag, 14. März 2026 die Ausstellung „31 952“ des Künstlers Peter Dreher. Die Ausstellung vereint verschiedene Werkgruppen, die der Künstler über einen Zeitraum von einem halben Jahrhundert geschaffen hat. „Das leere Glas symbolisiert irgendwie den Anfang von etwas und das Ende von etwas. Peter Drehers Serie Tag um Tag guter Tag zeigt kein echtes Glas (siehe Magritte), sondern eine ziemlich gute, fast fotorealistische Darstellung eines Glases. Äußere Kräfte drängen sich in das Bild und werden an den Betrachter zurückgeworfen. Die Wölbung des Glases bietet keine Möglichkeit, den Künstler beim Malen zu beobachten. Er ist da, aber auch wieder nicht.“ Auszug aus Towards an Empty Glass von Jonathan Monk Peter Dreher, Tag um Tag guter Tag (Tag) 1983, 2006, oil on canvas, 25 x 20 cm. Photo: RMJ Peter Dreher war fasziniert von Andy Warhols Wunsch, eine Maschine zu sein. Obwohl sein amerikanischer Kollege von so etwas wie einem Königshof oder einer Bienenkolonie um ihre Königin herum umgeben war, blieb er selbst seltsam unberührt und zutiefst distanziert von all dem. Peter Dreher hatte einen Rückzugsort, an dem er sich ungestört seiner Malerei widmen konnte. Er schien sein Inneres anzusprechen: Du sollst […]

bis 01.08. | #4971ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin präsentiert ab 2. Mai 2026  die Ausstellung utopisch des Künstlers Robert Elfgen. Robert Elfgen erforscht das Verhältnis zwischen Mensch und Natur aus einer dezidiert mythischen, poetischen Perspektive. Seine Assemblagen, Collagen, Lichtobjekte sowie Boden- und Wandarbeiten werden oft als raumfüllende Installationen inszeniert, die sich wie immersive Gemälde entfalten. Anlässlich des Gallery Weekend Berlin freut sich Sprüth Magers, „utopisch“, eine Einzelausstellung mit neuen und jüngeren Arbeiten des Künstlers, zu präsentieren. Kontrast ist ein grundlegendes Prinzip in Elfgens künstlerischer Praxis. Seine neuen, sandgestrahlten Glasscheiben – eingefasst in selbstgebaute Holzrahmen – reichen von filigranen organischen Motiven bis hin zu geometrischen Formen, die zu industriellen Strukturen verschmelzen. Diese skulpturalen Objekte gliedern den Ausstellungsraum und verbinden ihn gleichzeitig durch ihre Transparenz. In seinen Gemälden prägen die Materialien die Bildsprache: Elfgen trägt Pigmente auf Holzträger auf und schleift diese anschließend ab, um Maserungen freizulegen, die zu atmosphärischen Elementen wie Nebel oder bedecktem Himmel werden. Durch den gezielten Einsatz von Farbe und Licht verleiht er seinen unerwarteten Motiven eine subtile Romantik und schafft so ein künstlerisches Universum, das in alltäglichen Beobachtungen wurzelt und doch eine mythische Resonanz aufweist. Vernissage: Samstag, 2. Mai 2026, 18:00 – 21:00 Uhr  Ausstellungsdaten: Samstag, 2. […]

bis 11.04. | #4968ARTatBerlin | Galerie alexander levy zeigt derzeit die Ausstellung Carries der Künstler*innen Mariechen Danz, Friedrich Einhoff und Xie Lei. Was wird sichtbar, wenn ein Körper dargestellt, geformt oder fragmentiert wird? Körper sind keine geschlossenen Einheiten. Sie stehen in fortwährender Beziehung zu ihrem Umfeld. Sie bewahren Erfahrungen und Erinnerungen in Träumen, Gesten, Routinen, Narben. Sie fungieren als Schwelle zwischen Innen und Außen, zwischen individueller Erfahrung und gesellschaftlicher Struktur, zwischen Vergangenheit und Gegenwart. „Carriers“versammelt drei künstlerische Positionen, die den Körper als Speicher und Projektionsfläche von Erinnerung, Macht und Transformation untersuchen. Mariechen Danz, Friedrich Einhoff und Xie Lei analysieren auf unterschiedliche Weise, wie sich Erfahrung in unseren Körpern ablagert. Mariechen Danz, Friedrich Einhoff, Xie Lei,Carriers, installation view alexander levy, Berlin, photo: Marcus Schneider, courtesy of the artists, alexander levy, Berlin. Xie Leis Malerei operiert im Zwischenbereich von Traumzustand und Bewusstsein. Seine Figuren erscheinen in Zuständen der Schwebe, ohne klar definierbare Orte und narrative Fixierung. Sie bleiben anonym. Entscheidend ist nicht, wer sie sind, sondern in welchem Zustand sie sich befinden. Xie Lei interessiert sich für intensive Zustände menschlicher Empfindung wie Schmerz und Lust und die Ambiguität menschlicher Beziehung. Der Fall ist dabei ein wiederkehrendes Motiv. Er wird zu einem Symbol […]

bis 18.04. | #4966ARTatBerlin | Galerie oqbo präsentiert ab Samstag 14. März 2026 die Ausstellung »mit ohne alles« Gedichte, Bilder, Konstellationen seit 1975 des Künstlers Michael Glasmeier. Das literarische und künstlerische Werk des Kunsthistorikers Michael Glasmeier steht erstmals seit über 40 Jahren wieder im Zentrum einer Ausstellung. Es umfasst eine umfangreiche Sammlung poetischer Texte, die der Konkreten und Visuellen Poesie zugeordnet werden könnten – im Wesentlichen aus den 1970er und -80er Jahren. Schreibmaschine, Schere, Fotoapparat (Kassettenrekorder für akustische Experimente) waren die ökonomischen Medien auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen, die von avantgardistischen Methoden wie Text-Bild-Montage, Cut up, Readymade, Montage, Appropriation oder Reduktion inspiriert waren. Glasmeier, dessen poetisches Werk erstmalig 1982 in den Räumen des Berliner Merve Verlags umfassend präsentiert wurde, veröffentlichte seine poetischen Arbeiten in literarischen Zeitschriften, anlässlich von Ausstellungen und im Umkreis der internationalen Mail Art. Poetische Zyklen publizierte er als Hefte im Selbstverlag. Seit einigen Jahren bilden Fotografie und Ausstellungen Schwerpunkt seiner poetischen Übungen. Die vom Künstler Christian Schiebe konzipierte Ausstellung umfasst exemplarische Text-Bild-Zyklen, Publikationen sowie Schreibmaschinen-, Fotografie- und Readymadepoesien. Vernissage: Samstag, 14. März 2026, 15:00–19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 14. März – Samstag, 18. April 2026     Bildunterschrift: Michael Glasmeier | Gedichte, Bilder, Konstellationen seit 1975 Konzeption, […]

bis 25.04. | #4983ARTatBerlin | Luisa Catucci Contemporary zeigt ab Freitag, 13. März 2026 (Vernissage: 12.03.) die Gruppenausstellung La Vie en Rose der Künstlerinnen Maike Freess, Barbara Boekelman, Clara Tournay und Mana Urakami. Kuratiert von Luisa Catucci und Mario Bermel. Die von Luisa Catucci in Zusammenarbeit mit Mario Bermel kuratierte Ausstellung ist die erste, die unter dem neuen Namen „Luisa Catucci Contemporary“ präsentiert wird und den Übergang der ehemaligen „Luisa Catucci Gallery“ zu einer erweiterten Plattform für zeitgenössische Kunst markiert. Mana Urakami, courtesy of Luisa Catucci Contemporary Die Ausstellung vereint Werke von Maike Freess, Barbara Boekelman, Clara Tournay und Mana Urakami und entfaltet sich rund um die Präsenz der Farbe Rosa – nicht als dekoratives Thema, sondern als stiller, beharrlicher Puls. Historisch gesehen ist Rosa mit wechselnden Bedeutungen überlagert, von spiritueller Verkörperung über Rokoko-Exzess bis hin zur späteren geschlechtsspezifischen Domestizierung; hier wird es als Träger von Resilienz und gelebter Stärke zurückerobert. Es taucht in Zeichnungen, Gemälden, Skulpturen, Fotografien und Stickereien als Fleck, Reflexion, Unterbrechung oder subtile Spur auf und vereint Zärtlichkeit und Kraft in einem Atemzug. Maike Freess, courtesy of Luisa Catucci Contemporay Der Titel spielt auf Édith Piafs „La Vie en Rose“ an und beschwört dabei keine romantische Idealisierung […]

bis 15.04. | #4961ARTatBerlin | Galerie Barbara Wien präsentiert ab 7. März 2026 die neue Ausstellungsreihe how to see | Robert Filliou. „Was der Besucher weiß, ist genug. Das ‚Wissen, dass man weiß‘ zu akzeptieren, aber auch zu ‚wissen, was Wissen ist‘, das ist der Geist der Permanenten Kreation.“ – Robert Filliou/Joachim Pfeufer in Le Poipoidrome Ambulant 00, 1975 „Ich habe gedacht, ich könnte Dinge nach dem Kriterium des Augenblicks messen. Zum Beispiel bin ich etwas über sechzig Tomaten groß, und ich bin 111.225 Kopenhagen–Paris-Zugreisen alt.“ – Robert Filliou in einem Interview mit Irmeline Lebeer-Hossmann, 1976 „Robert Filliou ist einer der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Vielleicht braucht es das 21. Jahrhundert, um dies zu erkennen.“ Der Kurator Anders Kreuger findet klare Worte für Robert Filliou, den er nicht nur als Künstler, sondern auch als Stückeschreiber, Dichter und Denker vorstellt. 2017 kuratiert Kreuger eine wichtige Retrospektive im M HKA in Antwerpen mit dem Titel The Secret of Permanent Creation, begleitet von einer hervorragenden Publikation. Es ist die vierte Retrospektive, die Filliou seit 1984 gewidmet wurde. Obschon die Aktionen von Filliou, der 1987 starb, und selbst die Retrospektiven auf sein Werk 2017 schon weit zurückliegen, stellt Kreuger in dem Vorwort zu […]

bis 18.04. | #4959ARTatBerlin | KLEMM’S (Downstairs) zeigt ab Freitag 20. März 2026 die Ausstellung hyper-soft: double-down der Künstler*innen Maxime Chabal, Marcus Nelson und Sarah Neumann. Hyper-soft: double-down vereint Werke, die an der Grenze zwischen Körper, Psyche und Architektur verweilen. Die Ausstellung umfasst Zeichnung, Installation und Malerei und entfaltet sich als ein Feld der Spannung. Einerseits spiegeln die Werke eine soziale Angst wider, die sich in architektonischer Einengung und Unterdrückung manifestiert. Andererseits brechen sie diese Zustände auf und verweisen auf Flucht, Schutz und Ambivalenz, indem industrielle Materialien und Formensprache aufgegriffen und in Gesten der Zärtlichkeit transformiert werden. Vernissage: Freitag, 20. März 2026, 18 bis 21 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 20. März 2026 bis Samstag, 18. April 2026     Bildunterschrift Title: Marcus Nelson, Muzzle (III), 2025. Steel window grate and oil on canvas, 90 x 80 cm. Courtesy of the artist. Ausstellung Hyper-soft: double-down– KLEMMS | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 25.04. | #4956ARTatBerlin | BBA Gallery präsentiert ab Dienstag, 10. März 2026 (Vernissage: 07.03.) die Ausstellung Berlin, A Rough Cut des Künstlerduos Maria und Natalia Petschatnikov. In ihrer Ausstellung „Berlin, A Rough Cut“ verwandelt das Künstlerduo Maria und Natalia Petschatnikov die BBA Gallery in ein begehbares filmisches Narrativ. Der Titel ist Programm: Wie in einem Rohschnitt werden verschiedene Szenen und Momente des Berliner Stadtlebens neu zusammengesetzt. Die Zwillingsschwestern begreifen ihre Arbeit als eine Form der Alltags-Anthropologie, bei der sie den urbanen Raum als fortlaufendes Forschungsfeld nutzen. Besonders das Viertel rund um die Heinrich-Heine-Straße – Schauplatz ihres Ateliers und der Galerie – dient als Bühne für ihre Beobachtungen von Transformation und Vergänglichkeit. Mit Witz und Präzision fangen sie das Wesen Berlins in Momenten ein, die normalerweise unbemerkt bleiben. In „Berlin, A Rough Cut“ verschmelzen Malerei und Skulptur zu einer poetischen Reflexion über Zeit und Raum, die das Unvollkommene feiert und die Gegenwart wie ein stillstehendes Filmstill kurz vor dem Verschwinden festhält. Vernissage: Samstag, 07. März 2026, 18–21 Uhr Ausstellungsdaten: Dienstag, 10. März – Samstag, 25. April 2026     Bildunterschrift Titel: Maria & Natalia Petschatnikov | White Armchair, 2024. Oil on canvas, 230 x 175 cm Ausstellung Maria + Natalia Petschatnikov – BBA […]

bis 02.04. | #4952ARTatBerlin | ChertLüdde zeigt ab 24. Februar 2026 (Vernissage: 22.02.) die Ausstellungen After Totality der Künstlerin Monia Ben Hamouda und The Long Pond des Künstlers Rodrigo Hernández. In ihrer kommenden Ausstellung bei ChertLüdde präsentiert Monia Ben Hamouda „After Totality“. Der Titel bezieht sich auf ihre jüngste Ausstellung „Path of Totality“, die im Museo Casa Rusca in Locarno (20. September 2025 – 11. Januar 2026) zu sehen war. In der Astronomie bezeichnet der Begriff „Pfad der Totalität“ den Bereich der Erde, von dem aus eine totale Sonnenfinsternis sichtbar ist, wenn der Mond die Sonne vollständig verdeckt und das Tageslicht kurzzeitig der Dunkelheit weicht. Für Ben Hamouda wird dieses Phänomen zur Metapher für die Gegenwart, die von Krieg, einer sich verschärfenden Klimakrise und dem Wiederaufleben faschistischer und rassistischer Ideologien überschattet wird. „After Totality“ verweist somit auf eine fragile Schwelle: die ungewisse, zaghafte Möglichkeit des Aufbruchs nach der Dunkelheit. Rodrigo Hernández, Detail of I wonder how quickly you will forget about me in Paris (P+R), 2026, Bronze, 2 elements, Courtesy of the Artist and ChertLüdde, Berlin Rodrigo Hernández (geb. 1983 in Mexiko-Stadt) arbeitet mit Zeichnung, Malerei, Relief, Skulptur und Installation und schafft sorgfältig komponierte Bildkonstellationen, die Perspektive und Wahrnehmung erforschen. […]

bis 04.04. | #4949ARTatBerlin | neugerriemschneider (Linienstrasse) zeigt ab 3. März 2026 (Vernissage: 28.02.) die Ausstellung Keep On des Künstlers Thilo Heinzmann. Anknüpfend an die Veröffentlichung seiner neuesten Monografie präsentiert Thilo Heinzmann in Keep On, der vierten Einzelausstellung des Künstlers bei neugerriemschneider, ausgewählte Sandbilder. Bei diesen Arbeiten, den jüngsten Resultaten seiner Auseinandersetzung mit Komposition, Textur und Farbe, ist das Weiß der Grundfläche seiner Pigmentbilder in die komplementäre Nichtfarbe Schwarz invertiert. Sand und Glasstücke, subtraktive Gesten sowie pastoser Farbauftrag von Schwarz auf Schwarz erzeugen ein brillantes Zusammenspiel von Licht und Tiefe, das sich je nach Blickpunkt immer wieder neu und anders zeigt. Nach drei Jahrzehnten einer konzeptuellen malerischen Untersuchung entlang der Antagonismen und Synergien von Idee/Prozess, Chaos/Präzision und Überlieferung/Innovation bauen diese neuen Gemälde auf früheren Werkgruppen des Künstlers auf. In ihrer Reduktion und Strenge konzentrieren sie Hein manns Schaffen, in dem sich die einzelnen Elemente fortlaufend aufeinander beziehen und einander infrage stellen. Heinzmanns malerische Praxis ist eine kontinuierliche Suche nach Neuem in einem Medium, das immer wieder als auserzählt dargestellt wird. Der Künstler befragt unter Anwendung sowohl traditioneller als auch unkonventioneller Techniken Materialien so divers wie Styropor, Pergament, Aluminium, Pressspan oder ungebundenes Pigment nach ihren Potenzialen und überführt die Ergebnisse als […]

bis 18.04. | #4946ARTatBerlin | Galerie Dittmar präsentiert ab Samstag, 21. Februar 2026 eine Ausstellung der Künstlerin Nora Schattauer. Nora Schattauer, 1952 in Duisburg geboren, lebt und arbeitet in Köln. Ausstellungen und Beteiligungen unter anderem im Neuen Museum Weserburg, Bremen, im Museum Kunstpalast, Düsseldorf, in der Hamburger Kunsthalle, der Kunstbibliothek Staatliche Museen zu Berlin, im Museum Ostwall, Dortmund. Seit 2010 Herausgeberin von monografischen Heften zur zeitgenössischen Zeichnung. Zahlreiche Publikationen und Werkbücher. 2020 Fritz-Winter-Preis. 2021 Werkverzeichnis der Künstlerbücher im Verlag Walther König. Arbeiten unter anderem in Berlin, Kupferstichkabinett; im Kunstmuseum Bonn; Kupferstichkabinett Dresden; Museum Kunstpalast Düsseldorf; in der Hamburger Kunsthalle. Nora Schattauer beschäftigt sich mit Formfragen und Bildprozessen, die die herkömmlichen Gattungsgrenzen überschreiten. Sie erprobt neue Verfahrensweisen, arbeitet mit chemischen Lösungen und mineralischen Salzen. Die Substanzen reagieren mit dem Papier, gehen Verbindungen ein; das Ergebnis ist nicht gänzlich kontrollierbar, Erfahrungswerte erlauben aber Möglichkeiten der Steuerung. Strukturierter Aufbau und farbige Erscheinung sind unauflöslich ineinander verwoben, die mikroskopische Formenvielfalt weckt Naturassoziationen, das Pulsieren Erinnerungen an prozessuale Vorgänge. Es herrscht eine leichte Bewegung, ein Vibrieren in der Fläche, ein Oszillieren in der Tiefe, das Wechselspiel von Linie und Farbe und ein Spiel der Umkehrung von Muster und Grund. „Nora Schattauers Arbeiten beeindrucken durch ihre Intensität, […]

bis 25.04. | #4942ARTatBerlin | Persons Projects zeigt ab 21. März 2026 (Vernissage: 20.03.) die Ausstellung Phantasma der Künstlerin Ritta Päiväläinen. Die Serie mit dem Titel Phantasmaentstand in den dramatischen, abgelegenen Landschaften Islands und Lapplands. Phantasmaerinnert an eine flüchtige, geisterhafte Präsenz, wobei Päiväläinen mit ihren Textilinstallationen vergängliche Momente einfängt, in denen Erinnerung, Imagination und Natur ineinanderfließen. Seit 1997 fotografiert und realisiert Päiväläinen ortsspezifische Stoffinstallationen in natürlichen Umgebungen. Sie hat eine einzigartige Bildsprache entwickelt und schafft zarte, temporäre Interventionen an abgelegenen, unberührten Orten, die scheinbar von menschlichen Aktivitäten verschont geblieben sind. Ihre Standorte wählt sie sorgfältig aus: Wälder, Täler oder Flussufer dienen als Bühne für ihre Arbeiten. Aus Secondhand-Kleidung und gefundenen Textilien konstruiert sie vorübergehende, organische Skulpturen, die mit der Landschaft in einen stillen Dialog treten. Es entstehen fragile Unterkünfte und intime Orte, die Kindheitserinnerungen wachrufen und zur Reflexion über unsere Beziehung zur Natur einladen. Die Installationen sind vergänglich und existieren nur für kurze Zeit in der Landschaft, bevor sie sorgfältig wieder abgebaut werden. Ihre Erinnerung bewahrt sich in einer einzigen Fotografie, die ihre fragile Präsenz festhält, wobei der Künstler geduldig auf das perfekte Zusammenspiel von Licht, Wind und Atmosphäre wartet. Diese Bilder verwandeln vergängliche Gesten in bleibende Kunstwerke und offenbaren […]

bis 05.05. | #4650ARTatBerlin | Galerie Kremers zeigt ab 13. Februar 2026 die Ausstellung ABSTRACT – North America – Germany – An Atlantic Bridge II – NOW? mit Werken der Künstler*innen Christian Achenbach, Fiona Ackerman, Adochi, Claudia Chaseling, Jonni Cheatwood, Virginia Glasmacher, Gregor Hiltner,  Juan Logan, Natascha Mann, Robert Rauschenberg, Robert Szot, Howard Sherman, Ernst Weil und Taylor A. White. Dies ist die Fortsetzung der Ausstellung „The New Abstract – An Atlantic Bridge – USA – BERLIN“ aus dem Jahre 2019 mit bekannten und neuen Positionen von beiden Seiten des Atlantiks. Angesichts sich verschlechternder Beziehungen auf politischer Ebene mag man vielleicht eher einen Abbruch als einen erneuten Brückenbau erwarten, nicht aber auf dem Feld der Kunst. Über die transatlantische Brücke findet schon seit De Koonings und Kurt Schwitters ein Dialog in der Universalsprache der Malerei in beide Richtungen statt, durch den die Partner sich wechselseitig beeinflussten und bereicherten. Social Media und die Globalisierung des Marktes haben diese Tendenz noch verstärkt. Man könnte davon sprechen, dass die Künstler*innen durch wildwüchsige wechselseitige Aneignung an einer gemeinsamen Bildsprache stricken. Der Tatsache, dass dieser Dialog auch zwischen den Generationen stattfindet, tragen wir dadurch Rechnung, dass wir den deutschen Nachkriegskünstler Ernst Weil und den Amerikaner […]

bis 21.02. | #4943ARTatBerlin | BBA Gallery präsentiert ab Mittwoch, 11. Februar 2026 die Ausstellung Selling Romance By The Pound des Künstlers Marco Di Coscio. Der Titel der Kollektion ist eine Anlehnung an das Genesis-Album Selling England by the Pound von 1973. Di Coscio begreift „Romantik“ hierbei als Handelsware – eine idealisierte, weichgezeichnete Version des Selbst, die die Porträtierten dem Objektiv darbieten. Tief verwurzelt in seiner Erfahrung in der Filmregie und im Method Acting, untersucht Di Coscios Arbeit die „Transaktion“ zwischen Subjekt und Betrachter: Wie viel von unserem „authentischen Ich“ sind wir bereit zu geben, um gesehen zu werden?  Inspiriert von der technischen Klarheit großer Meister wie Mark Seliger und Albert Watson, liegt Di Coscios eigentlicher Fokus auf dem Moment, in dem die Inszenierung bröckelt. Seine Porträts fangen die rohe Spannung und Zerbrechlichkeit ein, die zurückbleiben, wenn die „Maske“ fällt, und machen den schmalen Grat zwischen bewusster Selbstdarstellung und dem verzweifelten Schutz des Inneren sichtbar. Die Ausstellung zeigt ein breites Spektrum an globalen Motiven, darunter Schauspieler und Athleten, Sexarbeiter, nepalesische Mönche und Menschen mit Behinderungen. Indem er diese unterschiedlichen Individuen mit der gleichen visuellen Strenge porträtiert, schafft Di Coscio einen demokratischen Raum der Sichtbarkeit. Er zwingt den Betrachter, die Rolle des […]

bis 11.04. | #4936ARTatBerlin | Galerie Schindler präsentiert ab Donnerstag, 12. Februar 2026 die Ausstellung „Im Wasser“ des Künstlerduos Parallelparadies. In der Ausstellung „Im Wasser“ zeigt das Künstlerduo Parallelparadies – bestehend aus der Malerin Annette Beisenherz und dem Bildhauer Wilken Skurk – aktuelle gemeinsame Arbeiten, die aus einem kontinuierlichen Dialog zweier künstlerischer Positionen hervorgehen. Parallelparadies, Not Ready, 2024, Mischtechnik auf Holz, 90 × 87 cm. Seit der Gründung des Projekts Parallelparadies im Jahr 2023 entstehen Werke, in denen Gegensätze bewusst zusammengeführt werden: abstrakte, fließend geschüttete Malgründe treffen auf realistische Figurendarstellungen. Zufall und Absicht, Unbewusstes und Bewusstes, Abstraktion und Figur stehen in einem permanenten Spannungsverhältnis. Parallelparadies, Ohne Titel, 2025, Mischtechnik auf Holz, 125 × 110 cm. Thematisch kreisen die Arbeiten um zwischenmenschliche Beziehungen, Kommunikation, Abhängigkeit und Balance. Motive wie Auftauchen und Untergehen, Gefangensein, Türen, Schlüssellöcher und Schlüssel verweisen auf Zustände des Übergangs – auf Situationen „auf der Kippe“, zwischen Angst und Ekstase, Nähe und Distanz. Parallelparadies, Ringen, 2024, Mischtechnik auf Holz, 152 × 137 cm. Parallelparadies versteht Kunst als Möglichkeit, kommunikative Grenzen sichtbar zu machen und bildhaft zu überwinden. Durch die gemeinsame Produktion der Werke entsteht eine visuelle Schnittmenge, in der unterschiedliche Hintergründe, Wahrnehmungen und Haltungen nicht nivelliert, sondern produktiv miteinander […]

bis 02.04. | #4933ARTatBerlin | AOA;87 contemporary präsentiert ab Donnerstag, 20. Februar 2026 die Ausstellung „Was bleibt, wenn es kippt“ des Künstlers Hendrik Czakainski. In Was bleibt, wenn es kippt untersucht Hendrik Czakainski Prozesse von Verschiebung, Ablagerung und Instabilität. Seine Arbeiten entstehen aus industriellen Materialien wie MDF, Karton, Spachtelmasse und Farbe, die in wiederholten Schichtungen bearbeitet, abgeschabt und neu zusammengesetzt werden. Hendrik Czakainski, Non Point sources #7 (Detail), 2025, MDF, Karton, Spachtel, Farbe, 145 × 145 cm. Czakainskis Werke bewegen sich zwischen Malerei und Objekt. Materialität bleibt sichtbar, Brüche und Verdichtungen sind integraler Bestandteil der Bildstruktur. Die Arbeiten thematisieren Übergangszustände – Momente, in denen Ordnung kippt und neue Konstellationen entstehen. Hendrik Czakainski, Künstlerportrait im Studio. Hendrik Czakainski, Non Point sources #7, 2025, MDF, Karton, Spachtel, Farbe, 145 × 145 cm.   Hendrik Czakainski, Scrapper (Detail), 2024, MDF, Karton, Spachtel, Farbe, 156 × 91 cm.   Vernissage: Donnerstag, 20. Februar 2026, 18:00–20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 20. Februar – Donnerstag, 2. April 2026     Bildunterschrift Titel: Hendrik Czakainski, Deposit #blend5 (Detail), 2025, MDF, Karton, Spachtel, Farbe, 154 × 89 cm. Ausstellung Hendrik Czakainski – AOA;87 contemporary | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at […]

bis 21.03. | #4930ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin zeigt ab Samstag, 14. Februar 2026 (Vernissage: 13.02.) die Ausstellung Picked an Orange for a Renaissance Girl des Künstlers Anders Scrmn Meisner. Eine Frau, die in einer riesigen Austernschale in einem blauen Garten ruht. Ein Ring, der auf einer Grasdecke liegt. Tänzerinnen in Kimonokleidern, die sich vor einer Wand aus Blättern wiegen. In seinen neuesten Gemälden greift der dänische Künstler Anders Scrmn Meisner auf Sinneserinnerungen und eine universelle Symbolsprache zurück und lädt uns in einen Kokon aus Romantik, Schönheit und Verbundenheit ein. Das titelgebende Bild der Ausstellung, “Picked an Orange for a Renaissance Girl”, fängt die Stimmung der Werkreihe ein und weckt die Vorstellung, in eine einfachere Zeit zurückzukehren – eine Zeit, in der wir noch enger mit der Natur und unseren Emotionen verbunden waren und das Verschenken und Erhalten einer Orange ausreichte, um Liebe, Bewunderung oder schlicht gegenseitiges Verständnis auszudrücken. Doch wie bei allen Werken von Meisner haben sowohl die Linienführung als auch die Komposition selbst – eine Orange, die sich fast über die gesamte Leinwand erstreckt – etwas Verspieltes an sich. Hier genießt der Künstler den Luxus, ein Stück Obst zu malen und es mit Bedeutung zu erfüllen, während […]

bis 04.04. | #4928ARTatBerlin | Galerie mutare zeigt ab Samstag, 31. Januar 2026 die Ausstellung „Malerei, Grafik und Objekte“ der Künstlerin Erika Stürmer-Alex. Erika Stürmer-Alex (Signatur EST), 1938 in Wriezen/Oderbruch geboren, studierte von 1958 bis 1963 Malerei, Grafik und Kunst am Bau an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Dann zog sie nach Woltersdorf bei Erkner. Sie bereiste Staaten des Ostblocks sowie Paris und Venedig, nach der Wende Naxos, Brasilien, London und New York. Seit 1982 lebt sie bei Frankfurt/Oder, wo sie den Kunsthof Lietzen aufbaute. Hier setzte EST ihre Kunstkurse, die sie seit 1969 am Kulturhaus Rüdersdorf gab, fort. 1991 war sie Mitbegründerin des Künstlerinnenvereins „Endmoräne“. 1992 erhielt sie den Förderpreis des Landes Brandenburg. 1994 war sie Ehrengast der Villa Massimo Rom. 2015 wurde sie für ihr Lebenswerk mit dem Brandenburgischen Kunstpreis geehrt. Seit 1990 sind ihre Werke auch auf internationalen Ausstellungen präsent, Arbeiten von Erika Stürmer-Alex befinden sich u.a. in folgenden Sammlungen: Staatliche Museen zu Berlin/Stiftung Preußischer Kulturbesitz, Museum Barberini, Potsdam; Minsk, das Kunsthaus Potsdam; Nationalgalerie; Brandenburgische Kunstsammlungen Cottbus; Staatliche Kunstsammlungen Dresden; Galerie Junge Kunst Frankfurt/Oder; Museum der Bildenden Künste Leipzig; Staatliche Museen Schwerin u.v.m. Erika Stürmer-Alex – Wege. Öl auf Leinwand. 150 x 120 cm. 2025 ihr Werkverzeichnis erschien 2018. […]

bis 07.03. | #4924ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne präsentiert ab Freitag, 30. Januar 2026 die Ausstellung „Punktspiel“ des Künstlers Johannes Regin. Mit Punktspiel eröffnet Johannes Regin einen eigenwilligen Resonanzraum, der das Flüchtige, das Übersehene und das bewusst Unperfekte umkreist. Seine leisen, präzise gesetzten Punktraster verlangen ein genaues Sehen und ein geduldiges Wahrnehmen kleinster Abweichungen, rhythmischer Verschiebungen und durchscheinender Spuren früherer Eingriffe. Regin arbeitet materialbezogen und intuitiv zugleich. Ob gezeichnet, gemalt, gestochen oder in das Material eingearbeitet – jeder Punkt folgt einem inneren Regelwerk, das der Künstler zunehmend bewusst unterläuft. Fundstücke dienen ihm als dialogische Gegenüber, deren Risse, Brüche und Geschichten er in komplexen Überzeichnungen zusammenführt. So entstehen fragile Schwebezustände zwischen Ordnung und Auflösung, Ruhe und Bewegung. Kräftige Farben dringen von den Rändern her ins Bildfeld ein und erweitern das Raster zu pulsierenden Strukturen. Erinnerungsspuren bleiben dabei offen und nicht festgeschrieben – als visuelles Netzwerk, das sich ständig neu formiert. Parallel zeigt die Wichtendahl Galerie die Ausstellung backstage: REINHARD WÖLLMER | circles. Vernissage: Freitag, 30. Januar 2026, 17:00–20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 30. Januar – Samstag, 7. März 2026     Bildunterschrift Titel: Johannes Regin, o. T., 2025, Marker und Lack auf Karton, 13,3 × 8,5 cm. Ausstellung Johannes Regin – Galerie […]

bis 14.03. | #4922ARTatBerlin | WENTRUP zeigt ab Freitag, 30. Januar 2026 die Ausstellung hey, I’m still here der Künstlerin Jeehye Song. Wentrup freut sich, die erste Einzelausstellung von Jeehye Song mit der Galerie zu präsentieren: hey, I’m still here. Die Ausstellungseröffnung findet am Freitag, 30. Januar, von 18 bis 20 Uhr statt und läuft bis 14. März 2026. In Stephen Hawkings schwarzen Löchern krümmt sich die Welt nach innen. Masse sammelt sich, Zeit verliert ihre Richtung, und alles Sichtbare wird an eine Grenze gedrängt, hinter der Bedeutung nicht verschwindet, sondern sich verdichtet. Schwarze Löcher sind keine Leere, sondern Überfülle. Ähnlich wirken die Bilder von Jeehye Song. Ihre Malerei zeigt Körper und Gesichter, die sich auflösen, verschieben, Konturen sind instabil. Identität scheint im Moment des Betrachtens zu zerfallen. Die Körper fließen, Haut wird zu Farbe, Farbe zu Bewegung. Das Flüssige erzeugt Nähe und Unruhe zugleich. Man erkennt Körper, kann sie aber nicht festhalten. Wie Wasser sind sie in Fluss und gerade darin liegt ihr Mut: nicht zu erstarren. Hawkings Ereignishorizont ist eine Grenze des Wissens. In Songs Bildern ist es die Grenze des Ichs. Man sieht nicht das Ganze, sondern Spuren, wie Licht, das den Rand eines schwarzen Lochs erreicht. Schwarze Löcher im Universum […]

bis 28.02. | #4919ARTatBerlin | Meyer Riegger Berlin zeigt ab Freitag, 23. Januar 2026 die Ausstellung „ALLEMANN“ des Künstlers Paulo Nazareth. Mit ALLEMANN zeigt Meyer Riegger in Berlin eine neue Ausstellung von Paulo Nazareth, dessen künstlerische Praxis sich an der Schnittstelle von Malerei, Sprache, Performativität und kultureller Zuschreibung bewegt. Nazareth untersucht Fragen von Identität, Zugehörigkeit und kultureller Codierung und setzt diese in einen erweiterten gesellschaftlichen und politischen Kontext. Der Ausstellungstitel verweist auf sprachliche Verschiebungen und Mehrdeutigkeiten und steht exemplarisch für Nazareths Arbeitsweise, in der Bedeutungen nicht fixiert, sondern bewusst offen gehalten werden. Seine Arbeiten operieren mit Zeichen, Farben und Referenzen, die kulturelle Narrative sichtbar machen und zugleich infrage stellen. In den in Berlin gezeigten Gemälden verdichten sich diese Fragestellungen in einer reduzierten, präzisen Bildsprache. Die Werke verbinden formale Klarheit mit konzeptueller Tiefe und eröffnen einen Raum, in dem kulturelle Identität als dynamischer, verhandelbarer Prozess erfahrbar wird. Vernissage: Freitag, 23. Januar 2026, 18:00–21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 23. Januar – Samstag, 28. Februar 2026     Bildunterschrift: Paulo Nazareth, Sem título [Camisa 10], AlemaN’o / Série Amarelo-Laranja, 2025, Acryl auf Leinwand, 40 × 30 cm. Ausstellung Paulo Nazareth – Meyer Riegger | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – Ausstellungen Berlin […]

bis 18.03. | #4918ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab Freitag, 30. Januar 2026 (Vernissage: 29.01.) die Ausstellung Ode aus Japan – Japan in Berlin der Künstler*innen Takayuki Daikoku, Renate Hampke, Mayako Kubo, Taijoh Mori, Teppei Miyaki, Cornelia Nagel, Kazuki Nakahara, Ursula Sax, Ken‘ichiro Taniguchi, Hitomi Uchikura und Tomoyuki Ueno. Die Wiedervereinigung Deutschlands und die parallel verlaufende Phase intensiver Globalisierung beschleunigten den internationalen Austausch nachhaltig. Berlin entwickelte sich in diesem Kontext zu einem zentralen Produktionsort zeitgenössischer Kunst und zog eine wachsende Community japanischer Künstlerinnen und Künstler an. Diese Entwicklung steht in einer langen Tradition des kulturellen Austauschs zwischen Japan und Europa. Die europäische Moderne ist eng mit der Rezeption außereuropäischer Kunst verbunden. Insbesondere der japanische Holzschnitt prägte die französischen Impressionisten ebenso wie die deutschen Expressionisten, etwa in den Künstlergruppen Der Blaue Reiter und Die Brücke. Bereits im späten 19. Jahrhundert waren japanische Holzschnitte in Europa weit verbreitet; Künstler wie Franz Marc besaßen und studierten entsprechende Werke. Besonders einflussreich waren die Arbeiten von Katsushika Hokusai, dessen Große Welle heute weltweit zu den bekanntesten Grafiken zählt. Schon 1931 wurde in Berlin eine umfassende Ausstellung zeitgenössischer japanischer Kunst realisiert. Vor diesem historischen Hintergrund bietet die Vertretung der Künstler:innen Hitomi Uchikura und Takayuki Daikoku durch […]

bis 08.03. | #4914ARTatBerlin | Luisa Catucci Gallery präsentiert ab Donnerstag, 29. Januar 2026, die Gruppenausstellung Nature’s Signature der Künstler*innen Zak van Biljon, Tom Kretschmer und Samanta Malavasi. Nature’s Signatures entfaltet einen sensiblen Dialog zwischen Kunst und Natur und vereint drei Einzelausstellungen, in denen die Künstler jeweils den leisen Einschreibungen der Natur nachspüren. Im Obergeschoss eröffnet Zak van Biljon mittels Nahinfrarotlicht neue Perspektiven auf Landschaften, indem er Farbbereiche sichtbar macht, die dem menschlichen Auge normalerweise verborgen bleiben, und so eine erweiterte Wahrnehmung von Realität ermöglicht. Im Erdgeschoss folgt Tom Kretschmer den Bewegungen von Wasser und Zeit in Videoarbeiten und analogen Installationen, die von Fluss, Sediment und Erinnerung erzählen. In direkter Nachbarschaft laden die monochromen Leinwände von Samanta Malavasi zu einer nach innen gerichteten Betrachtung ein, in der natürliche Formen mit mentalen Zuständen in Resonanz treten und feine Verbindungen zwischen äußerer Welt und inneren Landschaften anklingen lassen. Gemeinsam formen diese drei Positionen eine Art Kartografie der Zeichen der Natur – eine Einladung zum Innehalten, Beobachten und Lauschen und zur erneuten Wahrnehmung einer Welt, die unablässig kommuniziert: durch sichtbare wie unsichtbare Gesten, lesbar für jene, die sich die Zeit nehmen, ihnen aufmerksam zu folgen. Modernizing Nature von Zak van Biljon Zak van […]

bis 21.03. | #4911ARTatBerlin | Robert Morat Galerie zeigt ab 17. Januar 2026 (Vernissage: 16.01.) die Ausstellung Tres Viajes des Künstlers Jörg Brüggemann. Die dreiteilige Serie „Tres Viajes“ des deutschen Fotografen Jörg Brüggemann widmet sich der Erkundung Chiles – seiner Landschaften, seiner Menschen und der komplexen Beziehungen zwischen ihnen. „Mi Madre Tiene Novio“ (2018) ist eine zutiefst persönliche Auseinandersetzung mit Trauer. Zehn Jahre nach dem Tod seiner Mutter begibt sich Brüggemann auf die Suche nach ihr. Er beginnt in Chile, durchquert den südamerikanischen Kontinent und kehrt an den Ort zurück, an dem er einst die Nachricht von ihrem Tod erhielt – eine Reise durch Südamerika, geprägt von Erinnerung und Verlust. Jörg Brüggemann, Mi Madre Tiene Novio No.7, 2018 Ein Jahr später schuf er die Serie „El Derecho De Vivir En Paz“ (2019). Nach seiner Rückkehr nach Chile fand Brüggemann ein Land im Umbruch vor. Die Bevölkerung erhob sich gegen politische Ungerechtigkeit, und die Straßen wurden zum Schauplatz von Protesten und Gewalt. Als Zeuge dieses historischen Moments ermöglicht sein Werk den Betrachtern, unmittelbar in die Dynamik des Aufstands einzutauchen. Die abschließende Serie „Aguas Que No Has De Beber“ (2022) präsentiert sich als poetischer Essay. Sie erzählt die Geschichte einer Frau und […]

bis 25.01. | #4908ARTatBerlin | Galerie oqbo präsentiert ab Freitag, 9. Januar 2026 die Gruppenausstellung „GRANULAR“ mit Arbeiten von Achim Kobe, Maike Schröder, Anna Schuster, Renate Wolff und Julia Ziegler. Die Gruppenausstellung „GRANULAR“ versammelt künstlerische Positionen, die sich mit Raumwahrnehmung, Bewegung und der Frage nach Kontinuität und Fragmentierung auseinandersetzen. Ausgangspunkt ist die Vorstellung einer granularen Raumzeit, in der Wahrnehmung, Orientierung und körperliche Bewegung nicht als fließende Prozesse, sondern als Abfolge diskreter Schritte verstanden werden. Die Ausstellung überträgt diese theoretische Annahme in visuelle, materielle und räumliche Setzungen. Achim Kobe zeigt Papierarbeiten aus dem Jahr 2018, die auf linear-abstrakten Strukturen basieren. Innerhalb eines selbst definierten Regelwerks entstehen serielle Abweichungen, die das Spannungsverhältnis zwischen Ordnung und Irritation sichtbar machen. Mit kunstharzgebundenem Farbstoff auf Büttenpapier erzeugt Kobe transparente Farbschichten, die entweder nass in nass oder in klar gegliederten Ebenen aufgebaut sind. Ziel ist eine formale Komplexität bei zugleich reduzierter Haptik, in der sich Fläche, Rhythmus und Abweichung überlagern. Maike Schröder, Night Lines, 2024, transparenter Fotoabzug über Licht/Holografiecollage, 180 × 120 cm. Maike Schröder entwickelt mit „Night Lines“ eine Arbeit, die Malerei vom Bildträger löst und in den Raum überführt. Licht, Schatten, Spiegelung und fotografische Elemente treten in eine wechselseitige Korrespondenz und erweitern das Bild […]

bis 07.02. | #4904ARTatBerlin | Haverkampf Leistenschneider präsentiert ab Mittwoch, 7. Januar 2026 eine Einzelausstellung der Künstlerin Heidrun Rathgeb. Die Galerie Haverkampf Leistenschneider präsentiert eine Reihe kleinformatiger Werke von Heidrun Rathgeb in ihrem Galerie-Kabinett. Die Künstlerin lebt und arbeitet am Bodensee im Südwesten Deutschlands. Das Licht und die Landschaft ihrer Umgebung prägen ihre intimen, leuchtenden und sorgsam geschichteten Eitempera-Gemälde. Ausgehend von Pleinair-Skizzen, die sie als ihre „täglichen Epiphanien“ bezeichnet, übersetzt sie erlebte Momente (niemals Fotografien) in Schichten aus Farbe und Licht, die ihre Verbundenheit mit der Natur und ihrer persönlichen Umgebung widerspiegeln. Heidrun Rathgeb, Füße in San Mamete (Feet in San Mamete), 2025, Eitempera auf Gesso auf Holztafel, 14 x 9 cm Beeinflusst von frühen sienesischen Malern sowie Künstlerinnen und Künstlern wie Winifred Nicholson und Paula Modersohn-Becker, betrachtet Rathgeb das Malen als einen Akt der Aufmerksamkeit und Sorgfalt und lässt sich dabei von ihrer Familie, ihrem Zuhause und langen Wanderungen durch die Alpen, Norwegen und Schottland inspirieren. Heidrun Rathgeb, Zeichnen bei Nacht (Drawing at Night), 2025, Eitempera auf Gesso auf Holztafel, 8 x 12 cm Heidrun Rathgeb (geb. 1967) absolvierte ihr Studium an der Byam Shaw School of Art und erwarb anschließend ihren MFA an der Slade School of Fine Art in London. Zuletzt hatte sie Einzelausstellungen […]

bis 10.01. | #4901ARTatBerlin | Galerie SCHMALFUSS BERLIN zeigt aktuell die Gruppenausstellung In the Mood. Mit Werken von Ariane Boss, Martin Wehmer, Andreas Amrhein, Roland Stratmann, Johannes Schramm, Hans Scheib, Bernd Schwarting, Susanne Auslender, Elvira Bach, Martina Ziegler, Jürgen Paas, Christiane Grimm, Florian Pelka, Georg-Friedrich Wolf, Jürgen Jansen, Carola Schapals, Sonja Weber Ausstellungsdaten: Samstag, 29. November 2025 bis Samstag, 10. Januar 2026     Bildunterschrift Titel: Martina Ziegler, Nature under construction No 04, rechts, 2025, Lack auf Pigment Aludibond, 448 x 448 cm Ausstellung In the Mood – Galerie SCHMALFUSS BERLIN – Zeitgenössische Kunst – Ausstellungen Berlin Galerien – ART at Berlin

bis 07.02. | #4896ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt derzeit die Ausstellung Seasonal Detox der Künstler*innen Martin Eberle, Ernstina Eitner, Robert Gfader, Thomas Rentmeister, Vincent Tavenne, Ina Weber, Marcus Weber und Reinhard Wilhelmi. Ausstellungsdaten: Samstag, 13. Dezember 2025 – Samstag, 07. Februar 2026 Winterpause: Samstag, 20. Dezember 2025 bis Mittwoch, 14. Januar 2026     Bildunterschrift: Marcus Weber, Ente, 2020, Öl auf Leinwand, 60 x 90 cm Gruppenausstellung Seasonal Detox – Laura Mars Gallery | Zeitgenössische Kunst Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 17.01. | #4893ARTatBerlin | Kuckei + Kuckei zeigt ab Mittwoch, 17. Dezember 2025 die Ausstellung Solo der Künstlerin Jörn Vanhöfen. „Die Idee war euphorisierend, aber wie so oft erweist sich die Umsetzung von Leidenschaft auch als mühsam. In diesem Fall wollte ich Deutschland in 681 Kilometern von West nach Ost durchwandern, von meiner Geburtsstadt Dinslaken am Rande des Ruhrgebietes nach Berlin.“ (Jörn Vanhöfen) Eine Wanderung als Abschied von der Kindheit und der Zeit danach. Abschied von der Umgebung, die einen prägte. Abschied von Erinnerungen. Sich entfernen, zu Fuß. Langsam verschwinden die Dächer der Kindheit am Horizont. Neue Horizonte öffnen sich. Eine Wanderung mit zwei Aspekten. Die persönliche Trennung von einem Ort. Gedanklich und physisch. Zugleich eine Begegnung mit Deutschland. Auf einem Marsch von Westen in den Osten. Orten begegnen, die beim Wanderer Spuren hinterlassen. Wechselbäder von Schrecken und Schönheit. Deutscher Alltag eben. Jörn Vanhöfens fotografische Mosaiksteine beschreiben den Weg ohne den zynischen Pathos der Arroganz. Es ist, wie es ist. Damit müssen wir klarkommen. Denis Brudna Vernissage und Talk: Mittwoch, 17. Dezember 2025, 18 Uhr Ausstellungsdaten: Mittwoch, 17. Dezember 2025 bis Samstag, 17. Januar 2026     Bildunterschrift Titel: Jörn Vanhöfen, Berlin, 2024,  Archival ink on Cotton Rag Paper, je 20 x […]

bis 31.01. | #4890AARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin präsentiert ab Samstag, 13. Dezember 2025 (Vernissage: 12.12.) die Ausstellung „Sidetracked“ des Künstlers Marc Nagtzaam. Die Galerie kajetan freut sich, unter dem Titel Sidetracked eine Einzelausstellung des niederländischen Künstlers Marc Nagtzaam (*1968) präsentieren zu dürfen. Die Ausstellung vereint aktuelle Graphitzeichnungen und neueste Riso-Drucke, in denen Nagtzaam seine charakteristische, geometrisch anmutende Formensprache erstmals um Farbe erweitert. Bereits seit den späten 1990er Jahren entwickelt Nagtzaam ein zeichnerisches Werk, das von der Spannung zwischen Ordnung und Abweichung getragen ist. Seine Arbeiten entstehen langsam, Schicht für Schicht, als sukzessive Verdichtungen von Flächen und Rhythmen. Dabei ist das Zeichnen selbst Gegenstand seiner Arbeiten — ein Prozess, der Zeit dokumentiert, visuelle Räume erschafft und den Blick auf das grundlegende Element eines Bildes lenkt: die Linie.  Marc Nagtzaam, Sidetracked, Exhibition view, Courtesy the artist & Galerie kajetan, Photo: Gunter Lepkowski In A Collection of Pages (2025) schafft Nagtzaam ein System von rechteckigen Feldern, die einem Raster ähneln könnten, würden sie nicht durch bewusste Leerstellen gekennzeichnet sein. Die offenen Partien, die den Blick auf den Bildträger — das Papier — und frühe Zeichenschichten freigeben, bezeugen einen linearen Aufbau des Bildes und lassen kleine Abweichungen innerhalb der bezeichneten Felder zu Tage […]

bis 19.12. | #4887ARTatBerlin | Galerie alexander levy zeigt derzeit die Ausstellung Frank des Künstlers Fabian Knecht. Frank (2025) durchzieht den Ausstellungsraum mit einem schwer zu verortenden Knacken und Knistern. Die Tonquelle – hinter einer Wand verborgen – stammt von platzenden Bläschen aus Gelenkflüssigkeit. Die Arbeit macht einen funktionalen Zusammenhang sichtbar, der für alle Exponate relevant ist: die körperlich belastende Tätigkeit des Art Handling, die Voraussetzung dafür ist, dass Kunst überhaupt rezipierbar wird. Für diese Arbeit sucht Fabian Knecht regelmäßig seinen Chiropraktiker Frank auf, der zugleich die Klangbasis für das Werk liefert. Fabian Knecht, “Lachen ist verdächtig (Ist Fabian sich sicher, dass die Stoffe bunt sind?)”, 2025, Transport trolley, textile, 158 x 132,5 x 100 cm, courtesy of the artist and alexander levy, Berlin. Photo Fabian Knecht Zwei weitere Arbeiten – „Lachen ist verdächtig (Ist Fabian sicher, dass die Stoffe bunt sind?)“ (2025) und „Siegfried“ (2025) – wurden von anderen Künstlern geschaffen und von Knecht in den Kunstraum gebracht. Seit 2022 unterstützt er auf diese Weise den zivilen Widerstand in der Ukraine. Die aus Textilien bestehende formlose Masse sind Tarnnetze, die zu Kriegsbeginn von der Zivilbevölkerung geknüpft wurden. Ihre Bedeutung liegt weniger im militärischen Nutzen als in ihrer gemeinschaftsstiftenden Funktion. […]

bis 10.01. | #4883ARTatBerlin | KLEMM’S zeigt ab 21. November 2025 die Ausstellung Barometer of Self-Optimization des Künstler*innen Nassim L’Ghoul und Stefanie Schwarzwimmer. Klemm’s präsentiert Barometer of Self-Optimization, ein Videoprogramm mit Werken von Nassim L’Ghoul (*1997 in Bad Soden) und Stefanie Schwarzwimmer (*1990 in Linz), das im Untergeschoss von Klemm’s gezeigt wird. Als Ergänzung zu Sven Johnes Ausstellung „Eternal 20th Century“ untersucht das Programm konzeptionelle Verbindungen zwischen den Generationen und behandelt Themen wie Gewalt, Arbeit, Krieg und das Unheimliche. In seinen Werken verwendet Nassim L’Ghoul digitale und konzeptionelle Werkzeuge, um persönliche Erfahrungen zu abstrahieren und sie mit gefundenem Material zu verweben. Durch die Rekontextualisierung dieser Fragmente entstehen hybride Umgebungen, die zwischen Realität und Imagination oszillieren. Stefanie Schwarzwimmer konstruiert virtuelle Räume, in denen sie Erinnerungen, Medien und Popkultur miteinander vermischt und so satirische Reflexionen über gesellschaftliche Trends schafft. Ihre Arbeit untersucht die Erstellung von Inhalten, Selbstoptimierung, Konsumismus und visuelle Macht in einer mediengesättigten Welt. Vernissage: Freitag, 21. November 2025, ab 19 bis 21 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 21. November 2025 bis Samstag, 10. Januar 2026 Filmvorführungen: Samstage, 12–18 Uhr und nach Vereinbarung.     Bildunterschrift: Nassim L’Ghoul, ‘Soliloquy’, 2025. Film still. Ausstellung Nassim L’Ghoul + Stefanie Schwarzwimmer – KLEMMS | Zeitgenössische Kunst […]

bis 18.12. | #4880ARTatBerlin | Galerie Esther Schipper präsentiert ab Freitag, 14. November 2025, die Ausstellung Ensemble der Künstler Jac Leirner und Rafa Silvares. Esther Schipper freut sich, die Ausstellung „Ensemble“ anzukündigen, die Werke von Jac Leirner und Rafa Silvares vereint. Für Silvares ist es die erste, für Leirner die dritte Ausstellung in der Galerie. Im Jahr von Silvares’ Geburt, etwa hundert Kilometer landeinwärts, schloss Leirner ihre künstlerische Ausbildung ab; Jahrzehnte später studierte Silvares am selben Institut in São Paulo. Die Ausstellung, die ihren regen Briefwechsel fortsetzt, ist das Ergebnis des Austauschs der Künstler in ihren jeweiligen Welten. Ausgehend von der Gewohnheit, Alltagsgegenstände aufzuheben, zu skizzieren und aufzubewahren, erinnert der Dialog der Künstler an eine Benjamin’sche Ode an das Sammeln. Eine neue Version von Leirners bahnbrechendem Werk „Hip Hop“ (1998/2025) erstreckt sich über die Wände des Ausstellungsraums. „Hip Hop“, Teil der Solomon R. Guggenheim Collection, wurde bereits in acht Institutionen auf verschiedenen Kontinenten präsentiert. Für diese Präsentation hat Leirner eine neue Version des historischen Werkes geschaffen und das Motiv „Scratch“ hinzugefügt – eine Abfolge von vier parallelen, diagonalen Balken. Die Installation ist eine Hommage an Piet Mondrians vorletztes Gemälde „Broadway Boogie Woogie“ (1942–43) und verdankt ihren Namen den ungestümen Rhythmen, die […]

bis 17.01. | #4877ARTatBerlin | Galerie mutare zeigt ab Donnerstag, 27. November 2025 (Vernissage: 29.11.) die Ausstellung „Innige Landschaften“ des Künstlers Shuji Hijiya. Shuji Hijiya (1942–2018) war ein japanischer Maler, der den größten Teil seines Lebens in Deutschland verbrachte. Nach ersten Ausstellungen in den 1970er Jahren zog er sich aus dem Kunstbetrieb zurück, um in völliger Zurückgezogenheit weiterzuarbeiten. Viele seiner Werke blieben bis zu seinem Tod ungesehen – Bilder, die erst jetzt, Jahrzehnte nach ihrer Entstehung, ans Licht kommen. Der Maler, 1942 im japanisch besetzten China geboren, studierte zunächst Soziologie in Tokio, bevor er nach Wien und später nach Deutschland kam. In Ostholstein und Berlin fand er über Jahrzehnte hinweg zu einer eigenständigen, westlich geprägten Bildsprache. Zugleich blieb seine Malerei durchdrungen von einem fernöstlichen Empfinden für Leere, Zeit und Vergänglichkeit. Die Ausstellung „Innige Landschaften“ lädt dazu ein, dieses Werk zu entdecken. Hijiya entwickelt in seinen Bildern eine Form von Stillleben der Seele: kein naturalistisches Abbild, sondern eine Verdichtung von Wahrnehmung und Erinnerung. Vernissage: Samstag, 29. November 2025, 14:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 27. November 2025 bis Samstag, 17. Januar 2026     Bildunterschrift Titel: Shuji Hijiya, o.T. (confidence) I (Ausschnitt) I Öl/Lw | Künstlerrahmen | 65 x 60 cm | 1975-1985 Ausstellung […]

bis 18.04. | #4874ARTatBerlin | GALERIE STEFAN RASCHE zeigt ab 21. November 2025 die Ausstellung Großstadt! Menschen! Technik! Gefahr!. Vom 21. November 2025 bis zum 18. April 2026 präsentiert die Galerie eine Gruppenausstellung, in der erstmals Werke der Moderne von 1920 bis 1970 gemeinsam mit zeitgenössischen Positionen gezeigt werden. Unter dem alarmierenden Titel „Großstadt! Menschen! Technik! Gefahr!“ – entnommen einem Kriminalfilm aus dem Jahr 1966 – stehen urbane Räume und Architekturen im Mittelpunkt, ebenso wie Baustellen, Industrie und Verkehr. Dieser thematische Schwerpunkt prägt das Programm der Galerie seit Langem. Entsprechend folgt auch die Auswahl moderner Werke diesem Fokus und wird in dichter Präsentation auf einer großen, farbig gestalteten Wand gezeigt. In Gemälden, Zeichnungen und grafischen Arbeiten lassen sich hier vielfältige Stadt- und Architekturdarstellungen des 20. Jahrhunderts entdecken. Werke der klassischen Moderne sowie des Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit führen zu verschiedenen Ausprägungen gegenständlich-realistischer Nachkriegskunst über. Dabei treten ganz unterschiedliche Blickwinkel und Stimmungen zutage – vom pulsierenden Treiben der Großstadt bis hin zu melancholischen Szenen menschenleerer Straßen und Plätze. Häufig erscheinen Berliner Motive, da viele der präsentierten Künstler hier studiert, gelebt und gearbeitet haben. Auch Verkehrsmittel wie Autos, Flugzeuge und Eisenbahnen werden zu Gegenständen künstlerischer Auseinandersetzung. Obwohl sich in der Sammlung […]

bis 18.01. | #4872ARTatBerlin | Galerie Judin (Tankstelle) zeigt ab 15. November 2025 (Vernissage: 14.11.) die Ausstellung „Cloud Fever„ des Künstlers Adrian Ghenie. In seinen neuen Werken untersucht Ghenie eine Gesellschaft, die zunehmend von sozialen Medien und digitalen Routinen vereinnahmt wird. Ausgehend vom vertrauten Bild einer Person, die beim Frühstück auf ihr Smartphone starrt, thematisieren die Arbeiten die Folgen exzessiver Bildschirmzeit: schrumpfende Aufmerksamkeitsspannen, nachlassendes Urteilsvermögen, emotionale Verstärkung durch Algorithmen und den Verlust realer Interaktionen. Der Begriff „Gehirnfäule“, Oxfords Wort des Jahres 2024, dient Ghenie als Ausgangspunkt für seine künstlerische Auseinandersetzung. Ghenie selbst hat sich nie mit sozialen Medien beschäftigt, eine Haltung, die ihm Distanz verschafft – wenngleich er die mühelose digitale Kompetenz jüngerer Generationen mit einem gewissen Neid betrachtet. Wie schon in seinen früheren Serien nähert er sich dem Thema mit quasi-wissenschaftlicher Distanz, diesmal weniger als Historiker, sondern eher als Anthropologe, der einen neuen Menschentypus beobachtet: den Homo digitalis. Diese Spezies verfügt über beispiellosen Zugang zu Informationen, zieht sich aber in algorithmisch kuratierte digitale Welten zurück. Für Ghenie gleicht die Digitalisierung einer neuen Ideologie – einer, die komplexe Realitäten vereinfacht und gleichzeitig Fragmentierung und Echokammern erzeugt. Die Figuren in seinen Gemälden sind verzerrte humanoide Formen, die an Science-Fiction-Wesen erinnern. Sie […]