A voice called, and I went. I went, for a voice called. —Hannah Szenes— If the ongoing vanishing is a form of death, history is a corpse growing non-stop; all those constrained choices, laughter and sneer, wandering, emotions, silence, and gleams are swept up and vanish into the breathing air, or contract and aggregate on their own will till there is no way back. What did the Jewish guerrillas feel when they arrived at Naliboki Forest and looked into the sky through the branches in 1941? What roars did the secret Jewish paratroopers hear when they landed slowly from the Yugoslavian sky in 1945? What emotions did the sight of „Arbeit macht frei“ (Work will set you free) on the concentration camp gate evoke in Auschwitz folks when they pass it by in the ultimate chaos of 1945? All these trivialities, accumulating behind the back of history, form into the chaotic, empty and inconstant flesh—what is outside the organs of the corpse. … Read the article by Xi Lei (Beijing/Cologne) further on > DEEDS.WORLD <  Image caption: Alexander Basile, Cologne

Die Berliner Malerin Franziska Klotz zeigt von Ende März bis Ende April 2019 die Ausstellung „Ölregen“ in der Q Galerie in Schorndorf (Baden-Württemberg). Dies teilte die Franziska Klotz vertretende Galerie Kornfeld mit, die in Berlin-Charlottenburg ansässig ist. Franziska Klotz betreibt eine ‚pure‘ Malerei im Sinne einer rein visuellen Kommunikation zwischen Künstlerin, Kunstwerk und Betrachtenden in Ablehnung illustrativ-zeichnerischer Momente im Arbeitsprozess. Dennoch entspringen die Bildideen konkreten Situationen, die meist ein … Lesen Sie den Artikel weiter auf > DEEDS.WORLD <   Bildunterschrift: Franziska Klotz, Fear and Mimicry – B1, 2018, Öl auf Leinwand / Oil on canvas, 180 x 240 cm / 70 3/4 x 94 1/2 in Ausstellung Franziska Klotz – Q Galerie für Kunst Schorndorf – DEEDS.WORLD | ART at Berlin

bis 04.08. | Das Kupferstichkabinett zeigt ab 13. April 2019 die Ausstellung „In bester Gesellschaft“ mit ausgewählten Erwerbungen des Berliner Kupferstichkabinetts aus den Jahren 2009 bis 2019. „In bester Gesellschaft“ veranschaulicht anhand von rund 60 der schönsten und interessantesten Neuerwerbungen, auf welche Weise die Sammlung des Berliner Kupferstichkabinetts in den letzten zehn Jahren gewachsen ist. Die vielfältige Auswahl reicht vom Mittelalter bis in die unmittelbare Gegenwart und umfasst Arbeiten auf Papier von so unterschiedlichen Künstler*innen wie Hans Holbein d. Ä., Adolph Menzel, Max Slevogt, Yves Tanguy, Georg Baselitz, Monica Bonvicini oder Katharina Grosse. Nicht zuletzt zeigt die Ausstellung auch die zentrale Bedeutung von privaten und öffentlichen Förderern, Mäzenen und Stiftungen, ohne deren maßgebliches Engagement dieser bedeutende Zuwachs nicht möglich gewesen wäre. Wenngleich ein Schwerpunkt der Ausstellung auf der zeitgenössischen Kunst auf Papier liegt, präsentiert die chronologisch aufgebaute Schau auch viele Werke der europäischen Kunstgeschichte vom Mittelalter bis ins 20. Jahrhundert. Gezeigt werden nicht nur – über die Laufzeit der Ausstellung verteilt – einzelne Seiten des so bedeutenden frühneuzeitlichen Zeichnungskonvoluts im „Kleinen Klebeband der Fürsten zu Waldburg-Wolfegg“, sondern auch die unlängst mit Hilfe der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, der Kulturstiftung der Länder, der Ernst von Siemens Kunststiftung und […]

bis 05.06. | #2433ARTatBerlin | Michaela Helfrich Galerie präsentiert ab 26. April 2019 die Ausstellung Die Figur als Maß – Eine Retrospektive mit Werken des Künstlers David D. Lauer. Vielfältig sind die verwendeten Materialien und Techniken ob Bronze, Marmor, Stahl, Gips, immer in handwerklicher Perfektion ohne Platz für Fehler mit dem Streben nach Vollkommenheit. Gleichzeitig und demgegenüber stehen seine Zeichnungen, spontan mit Geschwindigkeit, schnell und nicht weniger meisterhaft auf das Blatt gebracht, eine bildhauerische Arbeit, die sich wesentlich am Menschen orientiert. Die späten Arbeiten von David D. Lauer werden zum Gallery Weekend 2019 zum ersten Mal öffentlich in Berlin zu sehen sein. Nicht nur das eigene Schaffen, sondern auch die Lehre an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe von 1974 bis 2004, sind wesentlich für Lauers Werdegang, Lauer lebte und arbeitete in Gleisweiler und Karlsruhe. Er starb 2014 im Alter von 74 Jahren. David D. Lauer – Installation – Courtesy of Michaela Helfrich Galerie Parallel dazu wird im zweiten Raum der Galerie Michaela Helfrich die Ausstellung Different gezeigt: Malerei von Simon Czapla, Ulrike Pisch, Gerard Waskievitz. Eine Lobpreisung der Träume, des Zufalls und der Spontanität in einer konstruktiven Welt. Simon Czapla, Trixie, 2019, Öl auf Leinwand, 270 x 130 cm ACHTUNG! […]

bis 14.07. | #2443ARTatBerlin | Galerie Kremers präsentiert ab 3. Mai 2019 die Ausstellung The New Abstract – An Atlantic Bridge – USA – BERLIN mit Werken von Jonni Cheatwood, Taylor A. White, Robert Szot, Alan Neider, Taher Jaoui, Jenny Brosinski, Gregor Hiltner, Christian Achenbach Wer hätte vermutet, dass ausgerechnet soziale Medien tragbare Brücken bauen? Instagram macht es möglich. Über dieses Medium entdeckte der „Künstler-Kurator“ Gregor Hiltner eine Vielzahl neuer amerikanischer abstrakter Maler, die mit erfrischender kreativer Freiheit in Technik und Komposition die große Tradition der abstrakten amerikanischen Malerei weiterführen und ihr – jeder auf seine Art  – einen hochaktuellen Dreh geben. Dieser Gruppe korrespondiert eine Anzahl von in Berlin ansässigen Malern, die ähnliche Wege beschreiten. Es ist in diesen Zeiten nicht erstaunlich, dass diese Künstler schon lange in den sozialen Medien heimisch sind, sich kennen und schätzen. Das Schöpfen aus einem gemeinsamen Erfahrungsschatz, der sowohl in der Tradition als auch in der geteilten Erfahrung einer globalisierten Welt mit internationalen Märkten gefunden werden kann, ist der Anker, von dem aus die Künstler sich in verschiedene Richtungen auf den Weg machen. Robert Szot, to gather flowers constantly, 2019, 71 x 46 cm monotype collage crayon and gouache on paper Die künstlerischen Navigationsinstrumente […]

bis 22.06. | #2442ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi präsentiert ab 26. April 2019 die Ausstellung almost nothing mit weißen Werken aus Malerei und Skulptur. Galerie Pugliese Levi freut sich, anlässlich ihres zweiten Geburtstags und des offenen Galerien-Wochenendes in Berlin, die Ausstellung almost nothing zeigen zu dürfen, mit weißen Werken von: Mats Bergquist, Achim Bertenburg, Julian Birbrajer, Claudia Doderer, Jeffrey James, Marc Lambrechts, Birgitte Lund, Jakob Roepke, Rebecca Salter RA, Shawn Stipling, Tünde Újszászi, Maibritt Ulvedal Bjelke and Xiaohua. Die nahezu ausschließliche Verwendung der Farbe Weiß und die extreme Reduktion des Überflüssigen charakterisieren alle Arbeiten und sind der rote Faden dieser minimalistischen Ausstellung. Den allerkleinsten Details kommt so die allergrößte Bedeutung zu, obwohl sie doch nahezu nichts (almost nothing) sind. „Almost nothing. Zu Beginn, als ich die weiße Einladung erhielt, hatte ich keine Vorstellung davon, welchen Wagemut diese Ein-Farben-Herausforderung erfordern würde. Die Essenz meiner Malerei ist nichts als Farbe – Farben und Licht. Auf Weiß eingeschränkt zu werden, diese Minderung oder gar Verweigerung von Farbe erschien mir zuerst Sinn und Interpretation zuwider zu laufen. Einzig Weiß zu verwenden schien meine Arbeit zum Äußersten zu treiben. Und wie sehr ich mich auch bemühte, Weiß auf Weiß wollte einfach keinen Sinn ergeben und […]

bis 06.06. | #2469ARTatBerlin | ALEXANDER OCHS PRIVATE zeigt ab 26. April 2019 die Ausstellung Beautiful Disasters mit Werken der Künstlerinnen Yvonne Roeb und Bettina Scholz. Termine im Rahmen der Ausstellung: BABYLON ORCHESTRA | Konzert im Salon | 28. April 2019, 18.00 Uhr | 10. MAI – Tag der Buchverbrennung | Nachbarn lesen für Nachbarn. Freunde lesen für Freunde. | Öffentliche Lesungen im Salon | 10. Mai 2019, ganztägig Bettina Scholz, o.T. (Y20), 2018/19, Tusche und Buntlack auf HDF und Acrylglas, 92 x 82 cm, Courtesy Artist & ALEXANDER OCHS PRIVATE, Berlin ACHTUNG! Sonder-Öffnungszeiten zum Gallery Weekend 2019: Freitag, 13:00 – 21:00 Uhr, Samstag und Sonntag, 12:00 – 18:00 Uhr Vernissage: nur nach Einladung Ausstellungsdaten: Freitag, 26. April – Donnerstag, 6. Juni 2019    Bildunterschrift Titelbild: Bettina Scholz, o.T. (Y20), 2018/19, Tusche und Buntlack auf HDF und Acrylglas, 92 x 82 cm, Courtesy Artist & ALEXANDER OCHS PRIVATE, Berlin Ausstellung Yvonne Roeb + Bettina Scholz – ALEXANDER OCHS PRIVATE | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 21.06. | #2429ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 10. Mai 2019 die Ausstellung Zwischenwelten mit Werken des Künstlers Thomas Ritz. Thomas Ritz (*1966) erhielt den Förderpreis der Rheinischen Wirtschaft (1995), ist Preisträger des ARK Baseler Kunstpreises (2001) sowie Kunstpreisträger der Schweizer Keller-Wedekind-Stiftung (2017). Seit 1987 ist Thomas Ritz mit Ausstellungen im In- und Ausland vertreten. O. T. – 2015-2016, Pigment und Acrylharz auf Leinwand, 184 x 150 cm – Kat.Nr. 2015-2016-797 „Thomas Ritz ist Maler und Zeichner, sein Interesse gilt der gegenständlichen Darstellung ambivalenter Motive, seien es imaginäre, konstruierte Landschaften, wie eingefroren wirkende Szenen oder Figuren und Tiere im weitesten Sinne. […] Die Arbeiten des Künstlers basieren auf Erinnerungen, eigenen oder vorgefundenen Fotografien, Medienbildern, Filmstills oder zeigen Anklänge an die Kunstgeschichte. Teilweise finden auch tagesaktuelle politische Situationsbilder Eingang in sein Schaffen. […] Eine sublime, schauerlich-schöne Balance zeichnet sein Werke aus: Bei aller Schönheit der Malerei schwingt stets ein prekäres Moment der Einsamkeit, Verletzlichkeit, Vergänglichkeit oder auch Bedrohung mit. Manche Arbeiten wirken verstörend oder unheimlich. Der Künstler beschäftigt sich in seinen Werken mit grundlegenden Fragen des Bildes und der Bildlichkeit. Unsere herkömmlichen Sehgewohnheiten werden herausgefordert und hinterfragt. Der Künstler fordert von der Betrachterin eine Auseinandersetzung mit Wirklichkeit und Gegenständlichkeit – […]

bis 07.06. | #2434ARTatBerlin | Migrant Bird Space präsentiert ab 20. April 2019 die Ausstellung Wearing the Fog der Künstlerin Yafei Qi. Die Performance- und Videokünstlerin Yafei Qi ist die erste von drei Stipendiat*innen des gemeinsam vom Auswärtigen Amt und dem Landesverband Berliner Galerien (lvbg) organisierten AArtist in Residence-Programms in 2019. Die zurzeit in Berlin lebende Künstlerin möchte im Dachatelier Interviews mit in Berlin lebenden Migranten führen, die sie dann zu einem von der Idee des Existenzialismus inspirierten Film montieren wird. Auch die Uraufführung dieses Films soll im Gastatelier stattfinden. Die Künstlerin wird von der in Berlin und China aktiven Galerie Migrant Bird Space betreut, die ihr im Sommer auch eine Einzelausstellung ausrichten wird. Yafei Qi – Still from Life tells lies 2017 © Yafei Qi, Migrant Bird Space Während ihres dreimonatigen Arbeitsaufenthalts von April bis Juni wird Yafei Qi ihr temporäres Atelier auf dem Dach des Auswärtigen Amts mehrmals für Interessierte öffnen: Am Donnerstag, den 2. Mai und Dienstag, den 21. Mai 2019, lädt sie jeweils um 18 Uhr zu Studio Visits mit einem AArtist Talk in englischer Sprache ein. Auch im Rahmen der Langen Nacht der Ideen des Auswärtigen Amts am Donnerstag, den 6. Juni 2019 von 18 […]

bis 09.06. | #2427ARTatBerlin | Galerie mutare präsentiert ab 26. April 2019 eine Ausstellung mit den Künstlern Johannes Gervé und Hans Hoge. Gezeigt werden Malerei von Johannes Gervé und Objekte von Hans Hoge. Hans Hoge | Urbanes Wochenende Johannes Gervé | Good times coming ACHTUNG! Sonder-Öffnungszeiten Gallery Weekend 2019: Freitag, 26. April 19:00 bis 21:00 Uhr, Samstag 27. April und Sonntag, 28. April 2019 11:00 bis 19:00 Uhr Vernissage: Samstag, 26. April 2019, 19:00 – 21:00 Uhr, Einführung: Michaela Schubert Ausstellungsdaten: Samstag, 26. April – Samstag, 9. Juni 2019 Öffnungszeiten im April und Mai 2019: Mi – Fr 14.00 – 19.00 Uhr, Sa 12.00 – 16.00 Uhr, im Juni 2019: Mi – Fr 14.00 – 20.00 Uhr, Sa 12.00 – 18.00 Uhr   Ausstellung Johannes Gervé + Hans Hoge – Galerie Mutare | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin    

bis 08.06. | #2426ARTatBerlin | Galerie Born Berlin zeigt ab 26. April 2019 die Gruppenausstellung In The In-Between mit den Künstlern Han Klinkhamer, Marc Mulders und Reinoud van Vught.  Drei Künstler aus Holland, Han Klinkhamer, Marc Mulders und Reinoud van Vught, die in der Ausstellung „In The In-Between“ in der Galerie Born zusammenkommen, haben die kunsthistorische Tradition der niederländischen Landschaftsmalerei  verinnerlicht, eine heutige Form der Landschaftsmalerei ist für sie nicht denkbar ohne das Bewusstsein ihrer Entwicklung. So unterschiedlich die Herangehensweisen an dem Umgang mit Natur und das, was dabei entsteht, auch sind – alle drei begegnen sich in  einem Zwischenraum, zwischen Natur und Landschaft, Form und Fläche, Abstraktion und Figuration, Erinnerung und Konstruktion Marc Mulders ACHTUNG! Sonder-Öffnungszeiten zum Gallery Weekend: Freitag und Samstag, 26. + 27. April, 11:00 – 21:00 Uhr, Sonntag, 28. April, 11:00 – 18:00 Uhr Vernissage: Donnerstag, 21. April 2019, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 26. April – Samstag, 8. Juni 2019   Bildunterschrift: Courtesy Galerie Born Berlin – Marc Mulders Ausstellung In The In-Between – Galerie Born Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin      

bis 11.05. | #2420ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 6. April 2019 die Ausstellung POSITION RED mit Arbeiten von 15 verschiedenen Künstlerinnen und Künstlern.  Die Grundfarbe Rot ist eine Signalfarbe mit zahlreichen Konnotationen, auch quer durch die Kunstgeschichte. Die Galerie Z22 lädt folgende Künstlerinnen und Künstler ein, die Position beziehen zur Farbe Rot- POSITION RED: JONATHAN APELBAUM, ANDREA AUPERS, KATERINA BELKINA, HARDY BRACKMANN, GIULIANA DEL ZANNA, FRANCESCO FASOLATO, TOMASZ FUDALA, SIMON PELE GROß, VLADA HAUSER, ANDREY KEZZYN, JINRAN KIM, ERIC MASSHOLDER, DMYTRO MIROSHNICHENKO, IMMANUEL ROHRINGER, KONSTANTIN SCHNEIDER (Special Guest) Rot ist eine Signalfarbe und steht für Dynamik, Gefahr, Wärme, Temperament. Rot ist eine der Grundfarben und auch eine der ersten Farben, die in der Malerei verwendet wurden. Schon in der Jungsteinzeit wurde aus Ton die rote Farbe extrahiert, die durch das Mineral Hämatit die rote Färbung erhält. Die prähistorischen Wandmalereien in Spanien, Altamira um ca. 15.000 v. Chr. sind frühe Zeugnisse von Malerei mit rotem Ocker. Zinnober war bei den Ägyptern hoch im Kurs. Dieses hochgiftige Quecksilbersulfit wurde dann auch von den Römern und ab dem 12. Jahrhundert von den Chinesen verwendet. Es war begehrt, giftig und sehr teuer. Das Zinnoberrot in China wurde auch „Chinesisches Rot “ genannt und […]

bis 22.06. | #2419ARTatBerlin | 68 projects zeigt ab 25. April 2019 die Ausstellung I’ve got nothing to lose der Künstlerin des 68projects Residenzprogramms Cristina BanBan. 68projects freut sich, mit I’ve got nothing to lose die erste Einzelausstellung von Cristina BanBan in Deutschland zu präsentieren. In der Ausstellung werden mehrere großformatige Malereien und Zeichnungen zu sehen sein, darunter auch die Arbeiten, die während BanBans Aufenthalt im Residenzprogramm von 68projects im Oktober letzten Jahres in Berlin entstanden sind. ‍Cristina BanBans figuratives Werk stellt üppige Frauenkörper und Geschichten dar, die ihren Ursprung in den persönlichen Erfahrungen der Künstlerin haben. Auf eine zugleich ehrliche wie selbstbewusste Weise dokumentieren die Gemälde ihren Alltag und ihre Emotionen. Dabei zeigt sie eine Vorliebe für extreme Bewegungen und Verdrehungen der Körper. As I set myself free, Acryl auf Leinwand, 2019, 180 x 150 cm Frauen spielen die Hauptrolle in BanBans Werk. Ihre aufgeblähten Körper nehmen die gesamte Fläche der Leinwand ein und besetzen mit ihrem Fleisch ungerührt den Bildraum. Die wohlgestalteten Formen fordern die Autorität des „männlichen Blicks“ zurück und richten dabei die Bedeutung der weiblichen Figur neu aus. In ihrer Präsenz nehmen sie eine aktive Rolle ein. Sie beherrschen und lenken die Blicke der Betrachter, indem […]

bis 28.04. | #2416ARTatBerlin | DISKURS Berlin präsentiert ab 28. März 2019 die Ausstellung GEOMETRY OF OBEDIENCE des Künstlers Via Lewandowsky. Die Ausstellung wird kuratiert von Jungmin Lee. Volker Via Lewandowsky (geb. 1963 in Dresden) arbeitet mit Installation, Bildhauerei, Objektkunst, Fotografie, Performance, Malerei und Zeichnung. Die Galerie hat uns bisher nur eine englischsprachige Ausstellungsbeschreibung zur Verfügung gestellt. Für mehr Informationen wechseln Sie bitte zur englischsprachigen Version von ART@Berlin. Das geht ganz einfach: Klicken Sie auf den Sprachbutton in der rechten oberen Ecke. Wir leiten Sie ohne Umschweife zum entsprechenden Artikel. See you in a second! Vernissage: Mittwoch, 27. März 2019, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 28. März – Sonntag, 28. April 2019   Bildunterschrift: Courtesy by DISKURS Berlin – Via Lewandowsky Ausstellung Via Lewandowsky – Galerie DISKURS Berlin | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin | ART at Berlin

bis 06.04. | #2415ARTatBerlin | Blain|Southern Berlin zeigt noch bis 6. April 2019 die Gruppenausstellung A Walking Shadow mit Arbeiten von Owen Kydd, Mark Lewis, Amie Siegel, Bill Viola und Wim Wenders. A Walking Shadow bringt fünf Künstler zusammen, die sich auf unterschiedliche Art mit dem bewegten Bild auseinandersetzen, die jedoch geeint sind durch ihr gemeinsames Interesse daran, wie Technologie und Umgebung unsere Wahrnehmung einzelner Figuren verändern. Wim Wenders, der sowohl als einflussreicher Filmemacher als auch für seine Fotografien bekannt ist, zeigt hier zum ersten Mal Videoinstallationen. Same Player Shoots Again (2019) basiert auf einem seiner ersten 16 mm Kurzfilme, den er 1967 in München drehte. Ein Soldat, gespielt von seinem Freund, dem jungen Schauspieler Hanns Zischler, schleppt sich über das Straßenpflaster, anscheinend erschöpft oder sogar verletzt, sein Gewehr baumelt unterhalb der Hüfte. Die Figur ist für den Betrachter nicht zu identifizieren, da die Kamera das Gesicht nicht zeigt. In Schwarz-Weiß aufgenommen, wird der Film fünf Mal – immer in wechselnden Farben getönt – wiederholt, was zusammen mit dem Titel eine Referenz an die fünf-Ball Struktur des Pinball-Spiels ist: ‚Es ist kein wirklicher Farbfilm geworden‘ schreibt Wenders. ‚Lediglich etwas Blau, Rot, Gelb und Grün entlang der Straße‘. Silver City Revisited […]

bis 27.04. | #2412ARTatBerlin | Westphal Berlin zeigt ab 28. März 2019 die Ausstellung „Seltsam, aber so steht’s geschrieben“ des Künstlers C.D. Aschaffenburg. Gezeigt werden neue Bilder von C.D. Aschaffenburg (*1953 in Aschaffenburg). Der Künstler lebt und arbeitet in Berlin. Vernissage: Donnerstag, 28. März 2019, 18:00 – 20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 28. März bis Samstag. 27. April 2019   Bildunterschrift: C.D. Aschaffenburg, Der Mann ohne, Öl auf Leinwand, 2019, 120 x 142 cm Ausstellung C.D. Aschaffenburg – Seltsam, aber so steht’s geschrieben – Westphal Berlin | Contemporary Art – Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 19.06. | #2411ARTatBerlin | Brutto Gusto Fine Arts zeigt ab 21. März 2019 die Ausstellung Spring in Berlin mit Glasarbeiten der Künstler Bernard Heesen, Massimo Micheluzzi und der Künstlerin Ritsue Mishima. Bernard Heesen Bernard Heesen (Leerdam, 1958) arbeitet seit Beginn seiner Karriere an einem Glaswerk, das seinen Ursprung in der Great Exhibition im Londoner Crystal Palace 1851 hat. Die Vielfalt der in dieser bahnbrechenden Ausstellung gezeigten Objekte hat Heesen zu einer Bildsprache inspiriert, die ihm einen einzigartigen Platz im Contemporary Glas verschafft hat. Seltsam und farbenfroh zugleich, rufen seine barocken Glasobjekte nach unserer Aufmerksamkeit, mal anziehend, mal abstoßend. Bernard Heesen ist einzigartig in seiner Fähigkeit, die unbesungenen Qualitäten der dekorativen Künste des 19. Jahrhunderts – lange bekannt als The Ugly Period – zu enthüllen und in einen ganz persönlichen Designstil umzusetzen. Bernard Heesen, Foto: Foto: def image – Francesco Barasciutti Massimo Micheluzzi Das facettenreiche Werk von Massimo Micheluzzi (Venedig, 1957) zeigt die Schönheit seines Heimatlandes Venedig in nicht geringem Maße. Seine legendären Murrina-Gefäße erinnern an die Reflexionen am Wasser der Stadt mit ihren vielfältigen Texturen, das Grau eines bewölkten Tages oder den Silberglanz der Lagunen. „Ich wollte ein Gefühl der Bewegung durch ein statisches Material vermitteln, wie ein Canaletto-Gemälde“, erklärt […]

bis 27.04. | #2408ARTatBerlin | SAVVY Contemporary zeigt ab 24. März 2019 die Ausstellung A UTOPIAN STAGE, eine Ausstellung über das Festival of Arts, Shiraz-Persepolis (1967–1977) kuratiert von Vali Mahlouji / Archaeology of the Final Decade, im Rahmen des MaerzMusik–Festivals für Zeitfragen. Wir laden Sie herzlich zu unserer nächsten Zusammenarbeit mit dem MaerzMusik – Festival für Zeitfragen ein. A Utopian Stage ist eine von Vali Mahlouji kuratierte Ausstellung über das Festival of Arts, ein radikales Kunst- und Kulturfestival für darstellende Kunst in Schiras und den antiken Ruinen von Persepolis, das alljährlich zwischen 1967 und 1977 jeden Sommer stattfand. Das Festival entwickelte Visionen heterogener Begegnungen zwischen künstlerischen Diskursen, lehnte die Idee einer einheitlichen globalen Kultur ab und schlug eine demokratische Sphäre für Beziehungen vor, die internationale, marginalisierte Gemeinschaften miteinbezog. Alle mit dem Festival verbundenen Materialien sind im Iran weiterhin verboten, weswegen die Auseinandersetzung mit den Festivalmaterialien heute eine wichtige Geste ist, um die transgressive Plattform, das Nachleben, sowie die kreativen Verbindungen sichtbar zu machen, die es über die Trennung zwischen globalem Süden und Norden hinweg geschaffen hat. Orghast (Teil I und II), geschrieben von Ted Hughes und Mahin Tajadod, Regie: Peter Brook, Arby Ovanessian, Geoffrey Reeves und Andrei Serban, International Center […]

bis 24.03. | #2407ARTatBerlin | Schinkel Pavillon zeigt noch bis 24. März 2019 die Ausstellung The Act of Seeing With One’s Own Eyes der Künstler Stan Brakhage und David Kamp, kuratiert vom Ed Atkins. Taking its title from the notorious 1971 film by Stan Brakhage, The Act of Seeing With One’s Own Eyes is an exhibition about how intellectual and sensory deprivation might conspire to heighten immanence, by empathic and also abjectly corporeal means. There is no reprieve and no redemption, cultural or otherwise –– there is only the seeming differentiation of your senses, and the recognition of death and life. Some time later, this exhibition might productively be thought of as a cadaver. In the basement of the Schinkel Pavillon, Brakhage’s 16mm silent film shows the activities of forensic pathologists at the Allegheny Coroner’s Office in Pittsburgh sometime in 1971. It’s part of a trilogy of films Brakhage made at state institutions in Pittsburgh that year. The other two were the city police force, and the West Pennsylvania Hospital (Eyes and Deus Ex, respectively). The Act of Seeing With One’s Own Eyes depicts the entirety of multiple and overlapping autopsies. The bodies are abstracted and the film is 32 minutes of alabaster and ebony cadavers, latexed hands […]

bis 06.04. | #2404ARTatBerlin | Michael Reid präsentiert aktuell die Ausstellung „She wrapped a bandage around her eyes and vowed to share the darkness“ der Künstlerin Sangeeta Sandrasegar. „She wrapped a bandage around her eyes and vowed to share the darkness“ (> Sie wickelte sich einen Verband um die Augen und gelobte, die Dunkelheit zu teilen), ist eine Installation von 101 zarten Papierschnitten, die sich auf Charaktere im indischen Sanskrit-Epos Mahabharata stützt und Sangeeta Sandrasegars Interpretation verschiedener Passagen in diesem Text fortsetzt. Sandrasegar verwendet Licht und Schatten als formales Motiv und gibt Identitäten Ausdruck, die am Rande der Gesellschaft gefangen sind. Die 101 Figuren, die die Wände von Michael Reid Berlin tragen, verweisen auf Wayang Kulit, eine indonesische Form des Marionettentheaters. Inspiriert von der Assimilation von Indern und Chinesen in Indonesien und der gemeinsamen Referenz des Wayang Kulit auf das Mahabharata, liefert Sandrasegar bewusst ein interkulturelles Symbol für diese Installation. Sie wickelte sich einen Verband um die Augen und gelobte, die Dunkelheit zu teilen, nimmt ihren Titel aus dem Gelübde der Blindheit, das die Figur Ghandari auf ihre arrangierte Ehe mit Dhritarashtra, dem blinden König von Hastinapura im Mahabharata, annimmt. Ghandaris Hingabe an ihren Mann wird mit einer Gabe belohnt, […]

bis 04.05. | #2403ARTatBerlin | Robert Morat Galerie zeigt ab 23. März 2019 die Ausstellung Hinterland des Fotografen Hans-Christian Schink. „Hinterland meint einerseits die dünn besiedelten Landstriche abseits der Großstädte, in dieser Serie speziell die abgelegenen Regionen Brandenburgs und Mecklenburg-Vorpommerns“, erklärt Hans-Christian Schink. „Andererseits bezieht sich der Titel „Hinterland“ auf die imaginären Landschaften, die aus meiner Erinnerung entstehen. Landschaften, die ich aus meiner Kindheit kenne.“ Und weiter: „Es geht in dieser Serie also nicht um das Abbilden konkreter Orte. Meine Bilder sind eher das Resultat einer Suche ohne Ziel.“ Mit seinem Projekt versucht Hans-Christian Schink eine Balance zu halten – einerseits die spröde Schönheit dieser Form von Landschaft zu zeigen, andererseits mit diesen Bildern auch eine Atmosphäre der Melancholie zu transportieren, die sich aus der Gefährdung eben dieser Landschaft durch die permanente Überbeanspruchung ihrer Ressourcen ergibt. Bei Groß Briesen (2012), 35 x 40 cm, C-Print, Ed. of 8 + 2 AP Am Breiten Luzin (2012), 35 x 40 cm, C-Print, Ed. of 8 + 2 AP Hans-Christian Schink, 1961 geboren in Erfurt, studierte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Er gilt als einer der wichtigsten Vertreter der zeitgenössischen Fotografie aus Deutschland. Seine Arbeiten, meist Landschafts-Untersuchungen im Spannungsfeld […]

bis 05.05. | #2400ARTatBerlin | Haus am Waldsee zeigt seit 9. März 2019 die Ausstellung ONE TO FREE des Künstlers Ammar Al-Beik. Wie kaum ein anderer syrischer Künstler seiner Generation steht der 1972 in Damaskus geborene, vielfach ausgezeichnete Filmemacher und Fotograf Ammar al-Beik für den experimentellen Film seines Landes. Seine Arbeiten waren seit den frühen 2000er Jahren auf internationalen Filmfestivals unter anderem in Venedig und Berlin zu sehen, sie wurden aber auch in Museen in New York, Paris, Seoul und Tokyo gezeigt. Al-Beik kam 2014 über Beirut und Dubai nach Berlin, wo er heute lebt und arbeitet. ONE TO FREE eröffnet einen ersten Überblick über sein Schaffen in einer deutschen Kunstinstitution. Inhaltlich spannt sich der Bogen der ausgestellten Arbeiten von der Suche nach einer neuen, syrischen Identität, über die Aufstände der Opposition in Damaskus, bis in die unmittelbare Gegenwart, in der der Filmemacher sein Leben im Berliner Exil reflektiert. Poetisch und hochpolitisch, persönlich und mit hellwachem Blick portraitiert Ammar al-Beik seine Umgebung. Veranstaltungen im Ausstellungszeitraum SO 10.03.2019 KINDERVERNISSAGE 11.00 – 13.00 Uhr MI 20.03.2019 BUCHVORSTELLUNG mit Björn Vedder „Reicher Pöbel“ Beginn: 19.30 Uhr MI 13.03.2019 FÜHRUNG IM DIALOG Beginn: 19.00 Uhr Weitere Termine: 3.04., 17.04 und 24.04.2019 DO 21.03.2019 KÜNSTLERGESPRÄCH mit […]

bis 20.04. | #2399ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 23. März 2019 die Einzelausstellung REBOUND mit Werken des Schweizer Künstlers Ivan Liovik Ebel im Rahmen des 10 jährigen Galerie-Jubiläums in 2019. Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art freut sich sehr, ab 22. März die Einzelausstellung REBOUNDS von Ivan Liovik Ebel zu präsentieren. Die Malerei-Serie REBOUNDS ist beim Experimentieren mit einem im Atelier vorgefundenen Basketball eher en passant entstanden. Wie darf man sich den Entstehungsprozess von Gemälden mit Basketball vorstellen? Vor allem wohl lautstark. Der Künstler spielt mit vollem Körpereinsatz die mit Ölfarbe bestrichenen Basketbälle auf die Leinwand, so dass die Oberflächenstruktur der Bälle ihre Spuren auf der Leinwand hinterlassen. REBOUNDS scheint auf den ersten Blick weniger konzeptuell als andere Werke des Künstlers zu sein. Doch auch diese in einem performativen Akt entstandenen Arbeiten folgen einer typisch Ebel´schen geometrischen Komposition und Grundordnung. Die Bewegung und die Geschwindigkeit, mit der der Künstler das Malmittel quasi sich selbst und dem Zufall überlässt, fusionieren mit der zuvor klar künstlerisch konstruierten Komposition von Raum. Ivan Liovik Ebel | REBOUND in der Galerie Gilla Lörcher  Bei näherer Betrachtung der REBOUNDS- Gemälde werden die zahlreichen, sich überlagernden und halbtransparenten Schichten sichtbar, die einen Raum schaffen, der […]

bis 06.04. | #2395ARTatBerlin | pavlov’s dog zeigt ab 15. März 2019 die Ausstellung Alle Menschen schmecken gleich des Künstlers Max Kersting. Tiere essen oder Tiere sein lassen? – Der Krieg um die richtige Ernährung findet in jedem halbwegs intelligenten Konsumenten-Gehirn statt und zeichnet sich durch Moralkonflikte, Widersprüche, Selbstberuhigungsplacebos und die Mobilisierung ungeheurer Verdrängungskräfte aus. Max Kersting Da unser Verhältnis zur Ernährung so kompliziert ist, ist sie auch eine von Max Kerstings Lieblingsthemen. Er selbst verzichtet seit vielen Jahren auf Fleisch, weil er über eine recht anschauliche Expertise verfügt, was die Materie betrifft. Nur gelegentliche Anflüge von menschlicher Schwäche lassen ihn gewisse lebensästhetische Jo-Jo-Effekte erleiden und den ein oder anderen Kompromiss eingehen. Als symptomatisch erweist sich etwa seine Angewohnheit, immer mal wieder die Eschenfelder Kornquetsche bei Ebay zu verramschen und den morgendlichen Frischkornbrei durch einen großzügig mit Butter und Nutella bestrichenen Toast zu ersetzen, nur um dann drei Monate später das Nutella-Toast zu verteufeln und sich eine neue Eschenfelder Kornquetsche zu kaufen. In der sehr erbaulichen Ausstellung „Alle Menschen schmecken gleich“ versammelt er nun all seine Fleisch-, Wurst- und vor allem Gemüseerfahrungen. Neben Menschen kommen Tiere zu Wort. Tim Turiak Max Kersting Max Kersting, *1983, mit Inlineskating und Zwangsstörungen in […]

bis 04.05. | #2394ARTatBerlin| Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung zeigt ab 22. März 2019 die Ausstellung des Künstlers Johannes Regin und der Künstlerin Aja von Loeper. Johannes Regin provoziert unser Sehen mit auf den ersten Blick oft nicht wahrnehmbaren Zeichnungen. Seine Arbeiten fordern zum genauen Hinsehen auf und zum Hindurchsehen von sich überlagernden Spurenfragmenten. Kleinste Abweichungen, Spannungsverschiebungen im Rhythmus seiner Punktraster, durchsickernde alte Farbspuren und Zeichenreste können in unser Bewußtsein rücken. Regin lässt sich auf das von ihm ausgewählte Material ein. Er weiß sofort, wie groß seine unzählbaren Punkte zu sein haben, erkennt, ob sie zeichnerisch oder malerisch aufgesetzt bzw. ins Material hineingestochen, -gestanzt oder reingemeißelt werden müssen. Fundstücke sind ein Gegenüber für ihn, er schaut in ihre Geschichten hinein. Liniengleiche Risse, klaffende Brüche – all diese Ebenen führt er mit seinen Überzeichnungen in ihrer Komplexität zusammen. Sanft berührend oder hart gesetzt, wird ein Schwebezustand hervorrufen. Im Kontrast können die Rasterpunkte rhythmisierend zu überflutenden Wellen werden. Die Erinnerungsspuren unseres eigenen Netzwerkes schwingen mit, sie sind nicht festgeschrieben. Sein eigenes minutiöses Regelwerk unterläuft Regin zunehmend mit selbst verursachten Spuren. Kräftige Farben kommen von den Rändern aus mit ins Spiel. Er fordert so weitere Eigenbewegungen heraus. Johannes Regin, 0.T., Buntstift, […]