Die Installation Glowing Core von Rebecca Horn ist noch bis 11. November 2018 in Sankt Hedwig zu sehen. Bis dahin finden dort noch drei klassische Konzerte statt. Seit der Eröffnung von Rebecca Horns Glowing Core zur Berlin Art Week fand die Präsentation in der Sankt Hedwigs-Kathedrale am Bebelplatz schon über 14.000 begeisterte Besucherinnen und Besucher. Täglich noch bis zum 11. November 2018 sind Sie herzlich eingeladen, die Kunst-Installation ab Sonnenuntergang bis 23 Uhr bei freiem Eintritt zu besuchen. Sankt Hedwig, Rebecca Horn, Glowing Core, 2006, mixed media, dimensions variable, Credit: Private Collection of the artist, Copyright: Rebecca Horn, Photo: Uwe Gaasch Herzliche Einladung auch zur Abschlussveranstaltung: Am letzten Tag findet dort um 21 Uhr das Friedensgebet Im Westen nichts Neues, gestaltet von dem Ensemble zlilei schel bet haskala der unabhängigen Berliner Synagogengemeinde bet haskala, statt. Die Ausstellung ist kuratiert von Georg Maria Roers SJ und Alexander Ochs. Sankt Hedwig, Rebecca Horn, Glowing Core, 2006, mixed media, dimensions variable (detail), Credit: Private Collection of the artist, Copyright: Rebecca Horn, Photo: Uwe Gaasch NACHTMUSIK UM ZEHN. SPIRITUELL. LITURGISCH. FREI. jeweils um 22 Uhr bei freiem Eintritt in der Ausstellung in Sankt Hedwig: Dienstag, 6. November 2018 BACH EN SUITE Werke für Gambe und Cello von Johann Sebastian Bach, Carl Friedrich Abel und Jean de Sainte-Colombe / nachklang1700 Donnerstag, 8. […]

Kristin Hjellegjerde Gallery lädt am 8. November 2018 zu Talk & Drinks im Rahmen der aktuellen Ausstellung And He Built A Crooked House der Künstler Chris Agnew und Marcel Buehler. Es spricht der Künstler Marcel Buehler mit der Künstlerin und Autorin Jana Seehusen. Los geht es um 18:30 Uhr. Marcel Buehler wurde 1969 in Mülheim an der Ruhr geboren und lebt und arbeitet in Berlin. Er schloss sein Studium an der HGB in Leipzig ab. Buehler ist ein Konzeptkünstler, dessen Arbeiten mit Humor und Respektlosigkeit Themen des zeitgenössischen Lebens untersuchen. So ist seine Kunst für ihn wie das Reisen: Er empfindet das Auf-dem-Wegsein als Qual und freut sich auf die Retrospektive, die ihm zeigt, dass er noch am Leben ist. Seine Praxis umfasst eine breite Palette von Medien, doch im Laufe der Jahre kristallisierten sich zwei Hauptschwerpunkte heraus: plastisches Lichtskulpturen und Collagen. Einzelausstellungen u.a.: Kosmos in der Galerie Andrae Kaufmann, Berlin (2012), Deutschland und The One Trick Pony in der Galerie Martin Mertens, München (2011). Gruppenausstellungen u.a.: Liaison in den Uferhallen, Berlin, Deutschland, Eine neue Sprache im Observer Building, Hastings, UK, Junge Sammlungen 03 im Museum Weserburg, Bremen, Deutschland, und Los Angeles (Berlin – LA Trilogie III) in der Galerie Kornfeld, […]

Der 9. Preis der Nationalgalerie wurde im Herbst 2017 an Agnieszka Polska (geb. 1985 in Lublin) verliehen. Aus diesem Anlass präsentiert der Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin ab 27. September 2018 in der Historischen Halle eine Mehrkanal Videoinstallation der Künstlerin, die eigens für ihre Einzelausstellung entstanden ist. Agnieszka Polska – Horse Head, 2018 © Agnieszka Polska, Courtesy Zak Branicka Galerie, Berlin and OVERDUIN & CO., LA In ihren Werken verbindet Agnieszka Polska Realfilm mit animierten Sequenzen. Ihre Bildsprache beruht auf der verschlüsselten Aneignung kultureller Erzeugnisse. Oft von einem irritierenden Unterton getragen, stellen Polskas suggestive Videos auf eine poetische Weise die Frage nach dem Zustand der gegenwärtigen Welt und der Verantwortung des Einzelnen. Ausgangspunkt von Polskas neuem Filmprojekt ist ein Schriftverkehr aus dem 15. Jahrhundert zwischen dem Verwalter der polnischen Salzbergwerke, Mikołaj Serafin, seinen Kreditgebern und Schuldnern sowie seinen Angestellten. In einem für die damalige Zeit einzigartigen Abkommen wurden die Bergwerke durch den König an Serafin verpachtet und funktionierten somit wie ein frühkapitalistisches Unternehmen innerhalb der feudalen Gesellschaftsordnung. © Agnieszka Polska In der raumgreifenden Video- und Toninstallation erzählt Polska die Geschichte des Boten, der Serafins Briefe übermittelt und selbst weder lesen noch schreiben kann. Eines Tages verirrt sich […]

bis 22.12. | #2280ARTatBerlin |König Galerie (Nave) präsentiert ab 24. November 2018 die Einzelausstellung I can see forever des Künstlers Jeremy Shaw. Jeremy Shaw, I Can See Forever, 2018, film still Vernissage: Freitag, 23. November 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 24. November – Samstag, 22. Dezember 2018   Bildunterschrift: Jeremy Shaw, I Can See Forever, 2018, film still Ausstellung Jeremy Shaw – König Galerie | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin – ART at Berlin

bis 06.01. | #2279ARTatBerlin | König Galerie (Chapel) zeigt ab 24. November 2018 die Einzelausstellung TENGAM TENGAM der koreanischen Künstlerin Koo Jeong A. Vernissage: Freitag, 23. November 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 24. November 2018 – Sonntag, 6. Januar 2019   Bildunterschrift: Koo Jeong A, Moonstone, 2018, acrylic magnet paint on canvas, 25 x 35 cm Ausstellung Koo Jeong A – TENGAM TENGAM – König Galerie (Chapel) | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin  – ART at Berlin

bis 26.01. | #2277ARTatBerlin | Galerie Brockstedt präsentiert ab 23. November 2018 die Einzelausstellung Skulpturen von Hans Scheib. Galerie Brockstedt lädt herzlich zur Ausstellungseröffnung Skulpturen von Hans Scheib am Freitag, 23. November 2018 ab 18 Uhr. Hans Scheib Ausstellungen in den letzten 10 Jahren – Auswahl 2008 Galerie Brockstedt/Berlin; Dom der Frz. Gemeinde Berlin, „Und ich sah: und siehe …“. 2009 „Drachenzähne und andere“, Skulptur + Grafik, Zitadelle Berlin-Spandau 2010 Galerie Brockstedt/Berlin; „Der Mai ist gekommen“, Museum Junge Kunst, Frankfurt/O., Rathaushalle Festsaal, St. Marien; Tbilisi/Georgien, Nationalgalerie, „In Europa“. 2011 Maschinenhaus Essen, Essen, „Aprilgesicht“; Galerie an der Pinakothek der Moderne, Barbara Ruetz, München (mit Peter Herrmann); Nationalmuseum Brasilia, Brasilien (mit Helge Leiberg, Veit Hofmann) (mit Helge Leiberg und Veit Hofmann). 2012 Botschaft der Bundesrepublik Deutschland, Washington D.C., USA; Frankfurt/M., Kunstraum Bernusstraße (mit Peter Herrmann). 2013 Durrbach, Sammlung Hurrle, Museum für Aktuelle Kunst; Brockstedt/Berlin. 2014 Galerie Brockstedt/Hamburg (mit Tino Geiss); Galerie Parterre, Berlin; Anna Zorina Gallery, New York, USA 2015 „Indianermädchen“, Galerie am Palmenhaus, Frakfurt/M.; Berlin, Galerie Michael W. Schmalfuß (zusammen mit Hans-Otto Schmidt); „Das Ewig-Weibliche zieht uns hinan“, Hockenheim, Stadthalle; Berlin, GEHAG-Forum (mit Oscer Pioppi); Dresden, Galerie Ines Schulz (mit Reinard Stangl), „Sekundogenitur“; London, Residenz des Deutschen Botschafters (mit Peter Herrmann), „Englisch […]

bis 12.01. | #2273ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte zeigt ab 24. November 2018 die Einzelausstellung subjects of emergency mit Werken des Künstlers Julian Irlinger. Vernissage: Freitag, 23. November 2018, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 24. November 2018 – Samstag, 12. Januar 2019   Bildunterschrift: Boys playing with kites built of 5000 Mark banknotes (issued by Reichsbank, Berlin 2.12.1922), Weimar Republic (Germany), Photographer unknown, ca. 1923 Ausstellung Julian Irlinger – Galerie Thomas Schulte | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 12.01. | #2272ARTatBerlin | Galerie Kornfeld + 68 projects zeigen ab 23. November 2018 die Ausstellung Lebensguss des Bronzegießers Marc Krepp mit Werken von Bildhauerinnen und Bildhauern des 20. und 21. Jahrhunderts. Mit einer Vielzahl seltener Werke namhafter, vorwiegend deutscher Bildhauerinnen und Bildhauer des 20. und 21. Jahrhunderts feiert die Galerie Kornfeld in Zusammenarbeit mit dem Projektraum 68projects den Berliner Bronzegießers Marc Krepp mit einer Ausstellung zum Jahresausklang. Die Werke unserer Ausstellung Lebensguss | Marc Krepp entstanden ausnahmslos in der Werkstatt von Marc Krepp, die er in den frühen 1980er Jahren in Berlin-Weißensee gegründet hat und bis heute mit ungebrochener Schaffenskraft führt. Damit bewegt er sich in einer familiären Traditionslinie, die von seinem Vater, dem Berliner Bildhauer Siegfried Krepp, ausgeht und von seiner Tochter Michéle weitergeführt wird. Wieland Förster, Will Lammert, Theo Balden, Trak Wendisch oder Rolf Szymanski, aber auch jüngere und jüngste Positionen wie Alexander Polzin, Susanne Roewer oder Tamara Kvesitadze, die Georgien bei der Biennale in Venedig 2011 vertrat, haben in enger und fruchtbarer Zusammenarbeit mit dem Gießer Marc Krepp Meisterwerke der zeitgenössischen Bildhauerei geschaffen. Meist figürlich, manchmal winzig klein, dann wieder raumfüllend und ganze Plätze im Stadtraum einnehmend. Mehr als vierzig dieser Werke, die Marc Krepp für die […]

bis 26.01. | #2276ARTatBerlin | Kewenig Berlin präsentiert ab 6. November 2018 die Ausstellung Malerei 2003 – 2018 mit Werken des Künstlers Bernd Koberling. Die Ausstellung findet anlässlich des 80. Geburtstags des Künstlers statt. Er wurde am 4. November 1938 in Berlin geboren. Vernissage: Samstag, 3. November 2018, 17 – 20 Uhr – in Anwesenheit des Künstlers Ausstellungsdaten: Dienstag, 6. November 2018 – Samstag, 26. Januar 2019   Bildunterschrift: Bernd Koberling, 12 Jahreszeiten, 2017/2018 (detail) Ausstellung Bernd Koberling – Kewenig Berlin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 22.12. | #2269ARTatBerlin | Bermel von Luxburg Gallery zeigt ab 15. November 2018 die Einzelausstellung Malerei von 1984 bis 2018 des Künstlers Peter Herrmann. Mit seinen 81 Jahren ist Peter Herrmann ein lebendiges Buch, dessen Seiten dicht beschrieben sind. Peter Herrmann ist ein herrlicher Geschichtenerzähler. Seine Worte, vorgetragen mit seiner ruhigen und sonoren Stimme haben Gewicht, nicht nur am Tisch mit seinen Freunden, sondern auch die wortlose Sprache in seinen Bildern. Die Geschichten seiner Gemälde heben mit einem humorvollen Augenzwinkern häufig das Erlebte im Alltag hervor und sind getränkt von einer direkten und authentischen Ehrlichkeit. Er ist ein unprätentiöser Mensch, das gern verwendete Klischee des in sich gekehrten Künstlers, als ein Außenseiter der Gesellschaft, trifft auf Peter Herrmann definitiv nicht zu. Peter Herrmann bringt uns dazu, die uns gut bekannten, alltäglichen Gegenstände oder vertrauten Situationen mit anderen Augen zu betrachten. Wir schenken ihnen mehr Aufmerksamkeit, als wir es normalerweise täten – so können wir sie ganz neu und unvoreingenommen für uns entdecken. Seine Kaffeemaschinen- und Aschenbecherbilder erinnern mich an die Bierdosen von Jasper Johns von 1960. Ein gewöhnliches Objekt, das plötzlich von einem anderen Blickwinkel aus betrachtet wird. Peter Herrmann, „Zu vier Händen mit Frankenstein und seiner Geliebten“, 90 x […]

bis 12.01. | #2261ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin zeigt ab 23. November 2018 die Ausstellung UNSCHULD mit Fugurinen des Künstlers Rudi M. Bodmeier aus dem Atelier Augustinum in München. Oberschwester Eva-Maria Salat Steckrübe,  Farbstift/Fineliner auf Karton, 92 x 41 cm Elemente aus der Tier-, Pflanzen- und Dingwelt, kombiniert er mit drastischer Übertreibung zu skurrilen Mischwesen. Es sind dralle Frauenkörper, die Bodmeier in enganliegende Kostüme, Kleider oder Uniformen steckt. Weiblich konnotierte Attribute wie Brüste und Hüften werden überbetont oder im wahrsten Sinne des Wortes überspitzt dargestellt. In ihren kokettierend bis eleganten Posen erinnern sie an Mannequins und Modefotografie. Die Frauen werden quasi entpersonalisiert und mutieren zu fremdartigen, gefährlichen Wesen. Seine karikierenden Collagen können irritieren und verstören. Aber sie lassen uns auch unsere massenmedial geprägten Bilder von Weiblichkeit kritisch neu betrachten. Klaus Mecherlein, der als Leiter des Ateliers Augustinum seit Jahren mit dem Künstler arbeitet, spricht von einem „Rätsel von Verpuppung und Verwandlung, Verbannung und Fremdheit“, einer „Aura des Unerlösten“, die sie umgibt, diese „Mischwesen aus Frau und Tier, Frau und Pflanze, Frau und Gegenstand.“ Fräulein Dibbels Dackel, 2008, Farbstift/Fineliner auf Karton Seine meist 40–60 cm großen Figuren werden vom Künstler in einem sehr zeitaufwendigen Prozess geschaffen. Ausgehend von einer kleinen Skizze, einer […]

bis 12.01. | #2266ARTatBerlin | Daniel Marzona präsentiert derzeit die Einzelausstellung lasting embers des Künstlers Jörg Gelbke. Vor dem Hintergrund einer sich immer schneller um sich selbst drehenden Kunstwelt, die nahezu im Wochenrhythmus die allerneuesten Trends propagiert um morgen schon wieder die Großartigkeit von etwas noch Neuerem zu preisen,  mutet die Langsamkeit und Beharrlichkeit, die der Arbeit von Jörg Gelbke zu eigen ist,  seltsam anachronistisch an. Das mag zum einen daran liegen, dass sich der Künstler schon während des Studiums vornehmlich für traditionelle Verfahren der Gusstechnik interessierte, die bis heute die Prozesse der Herstellung seiner Arbeit prägen. Zum anderen spielt die Zeitlichkeit der Abläufe, die zu den skulpturalen Ergebnissen hinführen, eine entscheidenden Rolle für das Konstituieren ihrer Bedeutung. Wie George Didi-Hubermann in seinem Buch „Ähnlichkeit und Berührung“ ausführt, hafteten dem Gussverfahren in der neueren Kunstgeschichte lange zwei vermeintliche Makel an. Zum einen produziere die Gusstechnik nichts Originelles, da sie im Wesentlichen auf dem blinden Abdruck von bereits Existierendem beruhe und zum anderen können die auf dem Abgussverfahren basierenden Formen auch noch beliebig in identischer Form wiederholt werden, um so das Ideal des Originals noch weiter auszuhöhlen. Jörg Gelbke macht in seiner Arbeit beide vermeintlichen Makel der Tradition auf überraschende Weise produktiv. Für die Arbeit  „Ohne […]

bis 01.12. | #2267ARTatBerlin | Esther Schipper präsentiert seit 26. Oktober 2018 die Einzelausstellung The Light Pours Out des Künstlers Martin Boyce. Esther Schipper freut sich, The Light Pours Out, die erste Einzelausstellung von Martin Boyce mit der Galerie anzukündigen. Martin Boyce hat den Galerieraum subtil verwandelt, indem er ein System von Leisten geschaffen hat, die die Wände bedecken und deren Oberfläche in skulpturale Settings und formale Rahmen für seine Skulpturen verwandeln. Mit der Präsentation neuer Werke aus seiner Serie von bemalten Paneelen aus perforiertem Stahl mit angebrachten Metallelementen, großen Screens und Werken aus seiner Serie von Jesmonit Platten setzt der Künstler seine Hybridisierung verschiedener Traditionen von Kunst, Architektur, Design und Urbanismus fort – sowohl westlicher als auch östlicher, modernistischer und historischer. Basierend auf Linien aus den kubistischen Betonbäumen von 1925 der Brüder Jan und Joël Martel, die seit 2005 als „Lexikon der Formen“ für den Künstler fungieren, verweisen die Leisten sowohl auf die Geschichte der architektonischen Ornamentik als auch auf die Vorliebe des 18. und 19. Jahrhunderts für Verzierungen. In diesem Kontext, beziehen sie sich insbesondere auf die Geschichte von Ausstellungen – das Muster der Rechtecke gibt dem Raum einen neuen Rhythmus, bildet buchstäblich Rahmen (traditionell für Gemälde verwendet) und repräsentiert […]

bis 17.11. | #2258ARTatBerlin | Philipp Haverkampf Galerie zeigt derzeit die Ausstellung SUPERMAN RETURNS WITH SWIMMERS der Malerin Katherine Bradford. Bradfords Wurzeln liegen in der abstrakten, gestischen Malerei. Erst nach und nach fanden Figurationen Einzug in ihre Werke. Neu ist auch die Größe der Dargestellten: Einst besiedelten kleinere Wesen ihre Leinwände, heute gestalten sie, prominent im Bildraum platziert und gerne im Anschnitt dargestellt, den Bildaufbau. Die Figuren selbst sind markante Farbfäche, die das Bild gliedern und in eine ausgewogene Einheit zusammenbringen: leuchtendes Magenta, schrilles Pink an nachthimmlischem, tiefem Blau, warmes, sattes Gelb an kräftigem Rot, fügen sich zu frischen und sphärischen Bildern. In der Tradition des Abstrakten Expressionismus und der Farbfeldmalerei stehend lassen Bradfords Bilder an mit Figuren bestückte und szenisch aufgebrochene Werke Mark Rothkos oder Barnett Newmans denken. Oder sie erinnern an auf die Leinwand gebrachte lichtdurchfutete Räume eines James Turrell, in welchen ihre Protagonisten die Bühne des Schauplatzes erobern und eigenwillige Choreographien aufführen. Von radikaler Selbstermächtigung und Superhero*ines, von Mitgefühl und Zusammenhalt erzählt Bradfords phantstische Welt. Doch auch von düsteren Prognosen, Isolation und Verlust handeln ihre schwärmerisch geheimnisvollen Erzählungen. Mit einer seltenen Lässigkeit schafft sie epische Werke von universaler Bedeutung und refektiert in einer erfrischenden Offenheit die großen Themen, […]

bis 25.01. | #2260ARTatBerlin | CWC Gallery zeigt ab 24. November 2018 die Ausstellung Andy Warhol: Fantastic! mit Werken von mehr als 20 internationalen Fotokünstlern, die mit Andy Warhol zusammengearbeitet haben.  Die CWC GALLERY freut sich, ab dem 24. November 2018 die Ausstellung »Andy Warhol: Fantastic!« zu präsentieren. Die Ausstellung umfasst Werke von über 20 internationalen Fotokünstlern, die mit Andy Warhol zusammengearbeitet haben. Die mehr als 80 Porträts von Andy Warhol bieten einen seltenen Blick auf die Persönlichkeit des Mitbegründers der Pop Art und einen der bedeutendsten Künstler in der Geschichte. © CARL FISCHER, ANDY WARHOL IN SOUP CAN, 1969 Die Ausstellung deckt ein breites fotografisches Feld ab: von den berühmten Paparazzi-Fotografien von Ron Galella über spektakuläre Fotoinszenierungen von Carl Fischer bis hin zu konzeptuellen Serien von Christopher Makos, dessen vielschichtiges Projekt »Altered Image« den Dadaismus zitiert und zugleich Gender-Diskurse um Andy Warho aufgreift. Jedes Einzelwerk und jede ausgestellte fotografische Serie stellt einen Mikrokosmos aus dem Leben von Andy Warhol dar. Dabei liegt der Fokus auf die künstlerischen Synergien, die sich in der Arbeit zwischen ihm und namhaften Fotokünstlern ergeben haben. Die Anfang der 1960er Jahre von Andy Warhol gegründete Factory nimmt zudem einen prominenten Raum in der Ausstellung sein. Fotografien […]

bis 03.11. | #2201ARTatBerlin | ZWINGER Galerie zeigt derzeit die Ausstellung E-Werk der Künstlerin Kerstin Drechsel. Malerei, Skulptur, Design, Installation und BJD-Trash kommen zusammen in Kerstin Drechsels neuester künstlerischer Produktion. Es entstehen mobile Batterien oder Transformatoren der anderen Art, aufgeladen mit Queerness und feministischer Verve. Courtesy of ZWINGER Galerie – Kerstin Drechsel Zu entdecken sind Keulen schwingende Neandertalerinnen, Megafone wie Brüste (oder umgekehrt), Reste eines organförmigen Muttertempels, aber auch hübsche blau-weiße Muster, die vordergründig an altenglische Porzellanmalerei erinnern. Manches fügt sich zum Ornament  und überzieht tapetengleich die Innen- und Außenflächen der Kästen und Boxen. Deckel und Türen lassen sich öffnen und geben den Blick auf Tableaux frei, auf modellhafte Interieurs, die als merkwürdige Puppenstuben dienen könnten. Alles ist hybrid. Ein Bild ist ein Möbel ist ein Zimmer. Und in diesem könnte Tante Lix leben, deren Geschichte nur über die mündliche Erzählung der Künstlerin zu erfahren ist. Vernissage: Freitag, 7. September 2018, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 8. September – Samstag, 3. November 2018   Bildunterschrift: Courtesy of ZWINGER Galerie – Kerstin Drechsel Ausstellung Kerstin Drechsel – ZWINGER Galerie | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin  

bis 03.02. | #2162ARTatBerlin | KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst zeigt ab 30. September die Gruppenausstellung Absurde Routinen der Künstler Louis de Belle, Juno Calypso, Brooke DiDonato, Christoph Grill, Aleksey Kondratyev, Elisa Larvego, Sandra Lazzarini, Pierrick Sorin, Sebastian Stumpf und Ben Zank, kuratiert von CUCO – curatorial concepts berlin e.V. Die thematische Ausstellung Absurde Routinen präsentiert Arbeiten von zehn internationalen zeitgenössischen Fotograf*innen, die sich auf unterschiedliche Weise mit Alltagsabläufen und deren überraschender Brechung beschäftigen. Obwohl die Settings der Bilder vertraut wirken, wird der Betrachter zugleich mit dem Unerwarteten, Unerklärlichen konfrontiert. Die stark narrativen Fotografien führen nicht nur die Absurdität vor Augen, die mechanisierten Verhaltensweisen innewohnt, sondern werfen auch Fragen nach dem Zustand einer leistungsorientierten Gesellschaft auf, in der effizientes Handeln an oberster Stelle steht. Auch die Kehrseiten des dauerhaften Funktionierens jedes Einzelnen werden beleuchtet – Müdigkeit, Überforderung und Kollaps. Kuratiert von CUCO – curatorial concepts berlin e.V. (Hanna Dölle, Katherina Perlongo und Annika Turkowski) Brooke DiDonato, Closure, 2016, © Brooke DiDonato | Ben Zank, Crash, 2017, © Ben Zank. Vernissage: Freitag, 29. September 2018, 17:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Sonntag, 30. September 2018 – Sonntag, 3. Februar 2019   Bildunterschrift: Brooke DiDonato, Closure, 2016, © Brooke DiDonato. Ben Zank, Crash, 2017, © Ben Zank. Ausstellung Absurde Routinen – Galerie KINDL | Zeitgenössische Kunst in […]

bis 17.11. | #2248ARTatBerlin | Galerie Wagner + Partner zeigt derzeit die Ausstellung Portrait Extended – Sechs Positionen zu unserem Selbst mit Werken der Künstlerinnen Alexandra Baumgartner, Nezaket Ekici, Emel Geris, Csilla Klenyánski, Soline Krug und Natascha Stellmach. Ausgelöst durch unseren hypermodernen Lifestyle werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion obligatorisch. Dabei sind alt hergebrachte Sinnzusammenhänge, Deutungsmuster, Orientierungsmarken aufgelöst, sie zerfließen schier ineinander und verlaufen anders/ neu. Sicher scheint oft nur das Mittel der Selbstvergewisserung. Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Das Streben nach Einzigartigkeit als ein Ausdruck der jeweiligen individuellen Persönlichkeit ist geprägt von einer stetigen Sinn- und Identitätssuche, von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl des richtigen Essens – wir „kuratieren“ mittlerweile alles, was uns unter die Nägel kommt; alles unterliegt letztlich diesem Ideal des vermeintlich Selbstbestimmten. Doch inwieweit ist dieses Ideal ein Trugschluss? In der Gruppenausstellung Portrait Extended tragen die Künstlerinnen der Suche nach Identität, Bild und Herkunft Rechnung. Inwieweit sind wir selbst- bzw. fremdbestimmt? Wie viel Macht hat Vergangenheit für das heutige Leben? Der Inszenierung des Selbst stehen in der Ausstellung auf der anderen Seite Auseinandersetzungen mit gesellschaftlicher Prägung, aber auch mit Vergänglichkeit gegenüber. Soline Krug, Self-Dating, 2018, […]

verlängert bis 29.11. | #2256ARtatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab 27. Oktober 2018 die Einzelausstellung Support mit neuen Arbeiten des chilenischen Künstlers Franzisco Roza. Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art freut sich, die neuen Arbeiten des chilenischen Künstlers Francisco Rozas (*1980) zu präsentieren. Francisco Rozas beschäftigt sich seit 2013 mit der Konstruktion von großen fragilen, geometrischen Objekten, die zwischen Flächigkeit und Dreidimensionalität oszillieren. Die Objekte verkörpern keine vagen Modelle eines individuellen Formexperiments, sondern vielmehr exemplarische Visualisierungen von mathematischen Abhängigkeiten. Geht der Betrachter zunächst bei dem Material der Skulpturen von Stein oder matt lackiertem Holz aus, erkennt er auf den zweiten Blick, dass er einer Täuschung aufgesessen ist. Die geheimnisvoll und massiv wirkenden Skulpturen erweisen sich als präzise gefertigte Gebilde aus Karton. Für Francisco Rozas ist SUPPORT die dritte Einzelausstellung bei Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art. In 2014 zeigte der Künstler hier die Installation „In planning“, bei der er den Prozess des planerischen Entwerfens sowie den Galerieraum als permanenten Ort der Konstruktion untersuchte. Bei der Ausstellung „Pretending“ in 2016 bei Galerie Gilla Lörcher zeigte Francisco Rozas eine Vielzahl seiner etwas mehr als 2 Meter hohen Objekte und platzierte sie wie Models auf einem Laufsteg – quer durch den Galerieraum. […]

bis 22.12. |#2250ARTatBerlin | Stella A. zeigt ab 19. Oktober 2018 die Ausstellung AMPLE FOOD FOR STUPID THOUGHT mit Werken von Joseph Beuys, George Brecht, Marcel Duchamp, Robert Filliou, Ludwig Gosewitz, Alison Knowles, Takako Saito, Tomas Schmit, Jiri Valoch u.a. AMPLE FOOD FOR STUPID THOUGHT[1] „Es war einmal …“,  so märchenhaft könnte ein Bericht über eine Kunstepoche beginnen, in der Künstler sich dem Unbedeutenden und Alltäglichen zuwandten. Gemeint ist die Zeit der Fluxus-Kunst. Wann Fluxus begann und wann Fluxus endete oder ob es überhaupt endete, ist umstritten. Man kann sich auch nicht darauf einigen, ob Fluxus eine Bewegung war oder ist, vergleichbar z. B. mit der DADA-Bewegung. Selbst welche Künstler/Innen zu Fluxus gehörten oder gehören ist unklar. „Maciunas war der Einzige, der eine konkrete Vorstellung von der Bedeutung von Fluxus hatte, aber ich bin sehr dafür es unbestimmt zu lassen. Mir ist es viel lieber, wenn jeder das tut, was er will. … keiner kann sagen, wer oder was Fluxus ist. Das finde ich sehr schön.“[2] Neben den spektakulären Aktionen, Konzerten und Performances der Fluxus-Akteure gab und gibt es auch eine leisere, leicht zu übersehende und zu überhörende Seite von FLUXUS. Seit über fünfzig Jahren haben Fluxus-Künstler und -Künstlerinnen Blätter, Zettel, Schachteln, kleine und […]

bis 28.11. | #2253ARTatBerlin | galerie gerken zeigt ab 19. Oktober 2018 eine Ausstellung mit Werken der Künstlerin Helga Gerken-Grieshaber. Parallel dazu hat galerie gerken im Cella Artis die Ausstellung A Remix of Aesthetic Forms and their Opposites der Künstler Jan Bernstein und Peter Wackernagel bis 28. November 2018 verlängert. In ihrer Werkserie runter mit den Klamotten setzt sich Helga Gerken-Grieshaber mit tagesaktuellen politischen Debatten auseinander. Die Verhüllung von weiblichen Körpern aufgrund religiöser Vorschriften, um Reinheit zu bewahren und Versuchung zu vermeiden, treten komplexe Debatten im Hinblick auf die weibliche Emanzipation los. So erlebte die Künstlerin die alltägliche Absurdität einer solchen Verschleierung auf ihren Reisen zum Beispiel beim Frühstück. Der Stoff wurde vor dem Gesicht in einem spitzen Winkel angehoben, um das Essen zum Mund zu führen; die Augen blickten durch ein Gitter und die Männer saßen in weißen Unterhemden neben ihren verschleierten Frauen beim wärmenden Kamin. Der Kontrast zum eigenen Leben, die Möglichkeiten der Selbstdefinition und -bestimmung, lösten bei Helga Gerken-Grieshaber einen inneren Aufschrei aus, den sie als Impuls für eine künstlerische Verarbeitung nutzte. Helga Gerken-Grieshaber, Kniebiss (Detail), 2014, Stoff, Acryl und Kreide auf Leinwand, 120 x 160 cm Die dahinterstehenden komplexen Wertehierarchien, die durch mehr oder weniger Stoff an Frauen […]

bis 01.12. | #2247ARTatBerlin| Galerie Inga Kondeyne – Raum für Zeichnung zeigt ab 19. Oktober 2018 die Gruppenausstellung Erzeichnen mit Werken verschiedener Künstlerinnen und Künstler.   Die Zeichnung ist das unbekümmertste und freieste Medium mit den vielseitigsten Möglichkeiten und größter Ökonomie. Gleichzeitig ist das Erzeichnete zurückhaltend, hat einen Hang zum scheinbar Unspektakulären. Mit oberflächlicher Betrachtung kommt man hier nicht weiter. Einige Striche, Linien auf dem Stück Papier genügen, um einen spezifischen Wahrnehmungsraum zu eröffnen, der in sich unabgeschlossen ist. Im Erzeichnen formuliert sich die „denkende Hand“ (Henri Focillon, 1934). Abschweifendes, analytisches, übendes, widerständiges, unaufhörliches, abstrahierendes, reines, realistisches Denken sucht sich mit dem Stift auf dem leeren Raum einer Fläche einen Ausdruck. Das bewegt. Realisation: Michael Glasmeier, Christian Schiebe Maso Finiguerra, „Studie zweier Hände, eine zeichnend“, um 1460, Feder in Braun, grau-braun laviert, 5,9 x 4,3 cm Die Ausstellung zeigt Werke folgender Künstlerinnen und Künstler: Sandra Boeschenstein, Zürich Friederike Feldmann, Berlin Ulrike Grossarth, Dresden Hanna Hennenkemper, Berlin Friederike Klotz, Berlin Katharina Meldner, Berlin Nanne Meyer, Berlin Christian Orendt, Nürnberg Peter Radelfinger, Zürich Alexander Roob, Düsseldorf Christian Schiebe, Braunschweig Hanns Schimansky, Berlin Andreas Seltzer, Berlin Vernissage: Freitag, 19. Oktober 2018, 19:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 19. Oktober 2018 – Samstag, 1. Dezember 2018 […]

bis 23.11. | #2226ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 19. Oktober 2018 die Ausstellung Idyll & Destruction des Künstlers Ulrich Baehr. Der 1938 in Bad Kösen / Saale geborene Berliner Maler Ulrich Baehr feiert in diesem Jahr seinen 80. Geburtstag. 1958-65 studierte Baehr an der Hochschule der Bildenden Künste Berlin (1958-65). Er war Mitbegründer der legendären Berliner Selbsthilfegalerie ‚Großgörschen 35‘. Es folgten Stipendien und Studienaufenthalte in Paris, New York, Levanto (Italien) und Los Angeles. Ulrich Baehr lehrte an der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste Braunschweig. Nach einer Gastprofessur an der Hochschule der Künste Berlin hatte er bis 2006 eine Professur für Malerei und Kunst im Öffentlichen Raum in Hannover inne. 2006 erhielt er den Deutschen Kritikerpreis. Das 20. Jahrhundert XVII | 2002, Öl / Leinwand, 160 x 200 cm „Ulrich Baehrs Historienbilder und die ‚Deutschen Toirsi‘, mit denen er in den 1960er und 1970er Jahren bekannt wurde, haben sich in die Kunstgeschichte eingeschrieben“, schreibt die Kuratorin Beatrice E. Stammer. Auslöser solcher Motive waren beispielsweise weltbewegende Schiffskatastrophen. In der Serie ‚Das 20. ‚Jahrhundert‘ wirken solche dramatischen Sujets wie „ein dunkles Resümee auf das 20. Jahrhundert“ (Simone Reber). Einige Arbeiten aus der Serie werden in der Ausstellung gezeigt. Roofensee im März | […]

bis 17.11. | #2242ARTatBerlin | 68 projects präsentiert ab 24. Oktober 2018 die Einzelausstellung Clocks Deep In Us der New Yorker Malerin Yevgeniya Baras. Die Welt der Fantasie dient häufig als Flucht vor der Realität und ihren zahlreichen sozialen, wirtschaftlichen und körperlichen Einschränkungen. Die Realität wiederum gilt inmitten der Illusionen der Fantasie oft als erstrebenswert. Allerdings lassen sich die beiden nicht immer strikt voneinander trennen. Die Gemälde von sind poröse Objekte, die die Grenze zwischen dem Fantastischen und dem Realen verwischen und die Schranken aller stabilen Bereiche aufweichen. In diesen Kunstwerken, angesiedelt zwischen Objekt und Bild, führt das Material ein Eigenleben. Jute, Wolle, Reifengummi, Stoff, Steine und Holz werden oft physisch an der Oberfläche des Gemäldes befestigt und gleichzeitig in diese integriert, wodurch sie zu einem Teil des Dargestellten werden. Baras’ Werke beziehen sich auf scheinbar altertümliche Codes, die ihre Narrative sowohl bestätigen als auch widerlegen. Sobald man meint ein Muster zu erkennen, wird es sofort durch Wiederholung und Transformation untergraben. Es wird nie wirklich an einem Symbol festgehalten, so dass man ihm eine feste Bedeutung zuschreiben könnte. Untitled, Öl auf Leinwand, 2018, 31 x 41 cm Indem sie sich der Verwendung klar definierter Symbole verweigern und diese ständig verändern, werden die Werke […]

bis 17.11. | #2243ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 24. Oktober 2018 die Einzelausstellung From Wood and Leather Boots von Samuel Bassett. Galerie Kornfeld freut sich sehr, From Wood and Leather Boots, die erste Ausstellung neuer und neuester Arbeiten des britischen Künstlers Samuel Bassett in Deutschland zu präsentieren. Der Künstler entwickelt seine unverkennbare Stimme, indem er sich kopfüber in seine Autobiographie stürzt; seine Arbeiten katalogisieren sein Alltagsleben aufrichtig, humorvoll und mit einer Prise Pathos. Dieser autobiographische Ansatz führt ihn dazu, figurativ zu malen – die Figuren in seinen Bildern sind Allegorien seines Lebens. Dazu kommen Boote und Fischer als Verweis auf die Traditionen seiner Heimatstadt St. Ives und seinen familiären Hintergrund, aber auch Motive zeitgenössischen Freizeitvergnügens. Dies führt ihn zwangsläufig zu Fragen dazu, wie unsere Welt sich verändert und wie sich jeder einzelne zwischen Vergangenheit und Zukunft positioniert. In Zentrum von Bassetts Malerei steht häufig eine Figur, die mit einer anderen Art von Materie interagiert – das mag Farbe sein, eine weitere Figur oder auch eine abstrakte Form. Diese Materie ist eine Verbindung zur Abstraktion und führt ein weiteres Sujet in diese Gemälde ein: die Farbe. Flächig gemalte Formen bestimmen die räumlichen Beziehungen der Bildmotive. Verschiedene Farbflächen lassen unterschiedliche Räume zwischen der Realität […]