Vom 22. bis 24. Juni 2018 präsentiert die 20. Ausgabe des Kunstfestivals 48 STUNDEN NEUKÖLLN rund 2.000 Künstler*innen an etwa 250 Orten. Unter dem Jahresthema „Neue Echtheit“ nimmt das größte freie Kunstfestival Berlins Bezug auf derzeitige Wertediskussionen um das Echte. Außerdem öffnen rund 90 Projekträume und Ateliers in Nord-Neukölln ihre Türen und präsentieren ihr Programm. Einen Einstieg in die Vielfalt der Festivalbeiträge bieten geführte Touren durch die Kieze sowie dialogische Führungen in den zentralen Ausstellungen. Ergänzt wird das Vermittlungsprogramm durch Rundgänge in Gebärdensprache sowie für blinde und sehbehinderte Menschen. Die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa hat das Festival in den Kreis der stadtpolitisch relevanten Veranstaltungen aufgenommen und fördert es ab 2018 im Rahmen des Festivalfonds. „Wir sind sehr glücklich darüber, dass wir damit erstmals in der Geschichte des Festivals Strukturen optimieren und die 48 STUNDEN NEUKÖLLN so auf die Zukunft ausrichten können“, erklärt Festivalleiter Dr. Martin Steffens. „Das ist ein wichtiges Signal für die vielen Künstlerinnen und Künstler der freien Szene, die das Festival so lange mit ihrem ehrenamtlichen Engagement getragen haben“, ergänzt sein Kollege Thorsten Schlenger. Mit Hilfe der Unterstützung des Festivalfonds sei es nun erstmals möglich, einen Teil der mitwirkenden Künstler*innen gezielt mit Honoraren oder Sachmitteln zu unterstützen. Anlässlich des Jubiläums […]

bis 24.06. | Die nächste Ausstellung im SMAC, einem Projekt- und Ausstellungsraum in der Lininenstraße, wurde am 31.05.2018 eröffnet. Gezeigt wird Anina Brisolla mit neuen Arbeiten in der Ausstellung „space mining“. Eine Ausstellung über den Rohstoff Abbau im Weltraum – eine Zukunft, die laut Wissenschaftlern kurz bevor steht und bereits jetzt eine neue Goldgräberstimmung auslöst. Anina Brisollas Arbeiten umkreisen diese Thema in verschiedenen Medien und hinterfragt die Motive der Akteure. „space mining“ bezeichnet Konzepte für Abbauverfahren von Rohstoffen im Weltraum. In zwanzig Jahren wird es wahrscheinlich möglich sein diese Verfahren anzuwenden, so prognostizieren optimistische Wissenschaftler. „space mining“ würde dann einen enormen Effekt auf die Weltwirtschaft  haben. Schon jetzt wird von der „New Space Economy“ gesprochen. Der nächste Goldrausch scheint nur noch eine Frage der Zeit. Cee Cee Creative, Anina Brisolla, Studio Visit Die Suche nach Ressourcen hat schon immer den menschlichen Geist beflügelt, das Bemühen darum hat die Menschheitsgeschichte nachhaltig geprägt. Die Globalisierung hat die Welt abermals neu kartiert und eine Endlichkeit der Rohstoffe offengelegt. Es wird sich zeigen, welchem Muster die zunehmende privatwirtschaftliche Nutzung des Weltalls folgen wird. Cee Cee Creative, Anina Brisolla, Studio Visit „space mining“ muss also für die Akteure wie eine konsequente Fortschreibung der Geschichte scheinen, eine logische Weiterentwicklung […]

bis 09.07. | Das Haus der Kulturen der Welt (HKW) zeigt derzeit die Ausstellung “Neolithische Kindheit. Kunst in einer falschen Gegenwart, ca. 1930”. Ende Mai wird in deren Rahmen eine Konferenz stattfinden sowie eine Publikation erscheinen. Wie reagierten die künstlerischen Avantgarden auf die vielfachen Krisen der europäischen Moderne um 1930? Das Ausstellungs- und Rechercheprojekt Neolithische Kindheit will nicht von Neuem das Scheitern der Kunst an der Wirklichkeit nachweisen. Vielmehr untersucht es die atemberaubenden, oft widersprüchlichen Fusionen ästhetischer, wissenschaftlicher und politischer Strategien, mit denen sich die Zeitgenossen der Jahrzehnte zwischen den Weltkriegen in Paris, Berlin und Prag zu einer als „fundamental falsch“ erlebten Gegenwart verhielten. Die kapitalistische Strukturkrise und die durch sie verursachte materielle Not hatten an der verfahrenen Situation ebenso Anteil wie die rapide Entwicklung der Massengesellschaft und die Beunruhigung des Denkens im Zeichen wissenschaftlich-technischer Durchbrüche und globaler imperialer Expansion. Dieses Tableau der Turbulenzen regte die künstlerischen Avantgarden und die Wissenschaften vom Menschen zu einer unablässigen Suche nach Ursprüngen und einer Konstruktion von alternativen Anfängen an. Auf dem umkämpften Feld der Utopien, Geschichtsschreibungen und Ideologien wurde der „Nullpunkt“ zur Grenzfunktion der Moderne. Frits van den Berghe, Engel boven brandende Stad [Engel über brennender Stadt], 1929, Öl auf Leinwand, 87 x […]

bis 08.07. | #2060ARTatBerlin | KÖNIG GALERIE zeigt seit 9. Juni 2018 die Ausstellung “One Day For Eternity” der Künstlerin Tatiana Trouvé. In One Day For Eternity, der dritten Einzelausstellung der Künstlerin in der KÖNIG GALERIE, setzt Tatiana Trouvé sowohl ihre Auseinandersetzung mit Zeit, Raum und Erinnerung, als auch dem erweiterten Kontext des kreativen Prozesses fort. Die Ausstellung präsentiert die neueste Installation einer Serie mit dem Titel Les Indéfinis. Die Ursprünge dieses Werkkomplexes liegen in den unzähligen Transformationen, die ein Kunstwerk erduldet: von einer Idee zu einer Arbeit und schließlich zum Status eines gesammelten Objekts — ein dynamischer Prozess, der an folgende These des Sozial- und Kulturanthropologen Arjun Appadurai erinnert: „alle Dinge sind erstarrte Momente in einer längeren sozialen Trajektorie […] kurze Ablagerungen dieser oder jener Eigenschaft, Fotografien, die die Realität der Bewegung verschleiern; ihre Objekthaftigkeit ist eine momentane Atempause”[1]. Die Künstlerin hebt ihre Frustration mit der Schwierigkeit der Ausleihe eigener Kunstwerke für Ausstellungen als eine der Inspirationen für Les Indéfinis hervor, indem sie eine Sammlung schafft, die sich jeglichem Einfangen entzieht. Es entsteht ein unbehaglicher Raum der Zwiespältigkeit — eine Operation, die weniger aus dem Bereich der Theorie hervorgeht, als aus dem intuitiven und fantastischen Raum der Fiktion, nämlich […]

bis 21.07. | #2059ARTatBerlin | Galerie Guido W. Baudach präsentiert seit 8. Juni 2018  die Gruppenausstellung “blank”, kuratiert von Jonathan Garnham. Die Galerie Guido W. Baudach und blank projects freuen sich, eine Ausstellung von Arbeiten der südafrikanischen Künstler Igshaan Adams, Jared Ginsburg, Bronwyn Katz, Donna Kukama, Turiya Magadlela, Sabelo Mlangeni, Kyle Morland, Cinga Samson, Gerda Scheepers, Lerato Shadi und James Webb zu präsentieren. Die Ausstellung entstand aus Gesprächen um einen Galerietausch zwischen Guido Baudach und Jonathan Garnham, die seit den 90er Jahren Freunde und Kollegen waren und zur Einladung führten, das blanks Programm in Berlin zu präsentieren. Kuratiert von Garnham, zeigt die Ausstellung ausgewählte Werke von vertretenen Künstlern und geladenen Gästen. Die Ausstellung bietet ein Abbild über die Praktiken einer Gruppe aufstrebender und etablierter südafrikanischer Künstler, die heute arbeiten. Vernissage: Donnerstag, 7. Juni 2018, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 8. Juni bis Samstag, 21. Juli 2018   Bildunterschrift: Turiya Magadlela, Ibhayi laka Makana, 2015, Cotton sheeting, correctional service issue sheeting, thread and acrylic PVA, 205 x 305 cm. Image courtesy of the artist and blank projects Ausstellung blank – Galerie Guido W. Baudach | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – ART at Berlin

bis 14.07. | #2056ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts zeigt derzeit die Ausstellung “Not Enough Room to Swing a Cat” der Künstler Gert & Uwe Tobias. Contemporary Fine Arts freut sich, Not Enough Room to Swing a Cat, die bereits fünfte Einzelausstellung mit Gert and Uwe Tobias in der Galerie zu präsentieren. In großformatigen Holzschnittdrucken auf Leinwand, einer von Gert und Uwe Tobias eigens entwickelten Technik, entwickelt sich das Werk des in Siebenbürgen geborenen Zwillingspaares seit den frühen 2000ern auf dem schmalen Grat zwischen Kunst und Handwerk, Abstraktion und Dekor, Geschichte und Folklore. In den Werken dieser Ausstellung tritt wiederholt ein gitterförmiges Linienraster auf, der auch als Käfig gelesen werden könnte, der sich über die gesamte Leinwand erstreckt. Formal findet dieses Motiv seinen Ursprung in den Werken ihrer derzeitigen Einzelausstellung Auf in der Kunsthalle Recklinghausen, der Hauptausstellung der diesjährigen Ruhrtriennale, welche sich thematisch dem Ende des Kohleabbaus in der Region widmet. Gert und Uwe Tobias verweben in diesen Arbeiten Motive der bergmännischen Welten über und unter Tage. Ihr Interesse bei den Werken, die nun in unserer Ausstellung ihre Fortsetzung finden, galt den käfigartigen Liftkabinen, welche die Arbeiter unter Tage bringen. In Not Enough Room to Swing a Cat beschwört das Käfigmotiv zusätzlich die Erinnerung an Märchenerzählungen von Gefangenschaft und […]

bis 02.08. | #2055ARTatBerlin | Magic Beans Gallery präsentiert ab 22. Juni 2018 die Ausstellung “Tom Hoops Introduces Wild Dogs in Paris”, kuratiert von Tom Hoops. Magic Beans freut sich, die von Tom Hoops kuratierte Gruppenausstellung Tom Hoops Introduces Wild Dogs in Paris vorzustellen. “Die Leute haben uns alles umsonst gegeben. Wir durften pro Bild nur eine begrenzte Menge Film verwenden, aber für die Kreativität gab es keine Grenzen. Ich sage immer, sie haben uns losgelassen wie wilde Hunde in den Straßen von Paris” – Helmut Newton. Der Fotograf Tom Hoops, bekannt für seine starken gefühlsgeladenen Porträtarbeiten, und Ermahn Yuceer, Gründer der Uhrmacherei Greyhours, haben Wild Dogs in Paris 2016 als Fotografie-Sammlung gegründet. Die Sammlung will bestehende und laufende persönliche Projekte so fördern, dass sie mit Leidenschaft betrieben werden können, frei von den Beschränkungen durch Ausschüsse oder von Auftragsvorgaben, an die viele Fotografen gebunden sind. Die hierfür ausgewählten Arbeiten werden in aller Welt unabhängig produziert, von jungen wie auch von etablierten Künstlern und Künstlerinnen. Beschränkungen hinsichtlich des Genres oder Themas gibt es nicht, lediglich eine kursierte Sammlung von klassischen und neuen Visionen der Fotografie aus dem gesamten Spektrum des Mediums. Während Wild Dogs in Paris eine starke Online-Plattform aufbaut, bleibt […]

bis 14.07. | #2052ARTatBerlin | Galerie ART CRU zeigt ab 15. Juni 2018 die Ausstellung NATURALE SYSTEME mit Werken von Haci Sami Yaman und Beatrice Guder. Die Bilder von Haci Sami Yaman sind kontraststarke Kompositionen aus verschiedenen Punkten, Strichen, Linien und kalligraphischen Elementen, die nicht auf den ersten Blick nachzuvollziehenden Regeln zu gehorchen scheinen. Sie ordnen sich zu Mustern oder Formen, es bilden sich Strukturen und Ströme heraus, die eine ganz eigene Faszination vermitteln. Die Bilder scheinen förmlich zu vibrieren, wirken wie aufgeladen durch eine Vielzahl von mitschwingenden Bedeutungen und pulsierenden Energien. Zugleich ähneln sie Luftaufnahmen oder lassen an Skizzen von Landschaftsarchitekten denken. Die spannungsreiche Wirkung der Bilder wird noch verstärkt, wenn man weiß, dass es sich bei Yaman um einen nahezu blinden Künstler handelt. Bei seiner Arbeit stehen ihm spezielle Acrylstifte zu Verfügung. Beim Farbauftrag kann sich der Künstler z.B. durch besonders festes Aufdrücken dieser Stifte oder durch Klopfen orientieren. Yaman, der seit fast 2 Jahren regelmäßig ins Offene Atelier geht, gibt gerne Auskunft über die ihnen zugrunde liegenden Energie-Theorien, Funktionsweisen von Schaltsystemen und anderen philosophisch-technischen Gedankenkonstruktionen. „Er spricht von Systemen, Schaltungen, planetarischen Strukturen. Von Komplexen Interaktionen, von Strömen und Elektrifizierung. Seine Bilder sind Vernetzungen, Verpixelungen, Datenverarbeitung. Er beschreibt […]

bis 21.07. | #2051ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 16. Juni 2018 die Gruppenausstellung “HEIMAT. Von Ver- und Entwurzelten”. Die “Süddeutsche Zeitung” hat sich kürzlich mit einer Artikelreihe dem Begriff  “Heimat” gewidmet und Deutschland richtet ein Heimatministerium ein. Immense Flüchtlingsbewegungen, seit Jahren nicht wie gewohnt weit weg von uns, sondern an unserer Haustür vorbei, lassen die Frage danach, was Heimat bedeutet, hoch aufflackern. Weltumspannend beschäftigen sich Künstler mit diesem Thema, das auch für sie persönlich in einer globalisierten Lebenswelt zum wichtigen Topos wird. Es gibt ebenso viele Definitionen von Heimat wie es Menschen gibt – Heimat ist ein persönliches Gefühl, eine Sehnsucht. Wie verstehen Entwurzelte Heimat und wie jene, die von politischen Regimes verdammt sind wie in Nordkorea oder einst in der DDR, Heimat eng, isoliert und alternativlos zu erleben? Wie empfindet man Heimat aus der Ferne und wie fühlt sie sich aus der Nähe an? Der Begriff Heimat unterliegt mannigfachen Blickwinkeln und persönlichen Anschauungen. Die Betrachtung von Heimat ist gespeist aus einem Meer von Erlebnissen, kultureller Herkunft und persönlichem Wertesystem. Heimat kann heiter machen, aber auch verzweifelt stimmen. Sie kann sentimental und martialisch sein. Die Galerie Z22 zeigt einen künstlerischen Querschnitt der Auseinandersetzung mit dem Thema “Heimat”, 25 unterschiedliche […]

bis 28.07. | #2048ARTatBerlin | Galerie Born Berlin zeigt ab 8. Juni 2018 die Ausstellung “Die Kleinen” des Künstlers Grégoire Hespel. Das Atelier von Grégoire Hespel Von der Farbe mattes Glas. Hochmoorlandschaften hinter den beschlagenen Fenstern eines Pubs. Oder durch die Tränen des Malers. In Kidknapped beschreibt Stevenson die vertrauten und doch unheimlichen Landschaften Schottlands, durch die David Balfour irrt: Der junge Mann erwacht im Morgengrauen nach einer Nacht im Hochmoor, es regnet, sein Gesicht ist vom Heidekraut zerkratzt. Grégoire Hespel, von der gleichen Reise zurückgekehrt, hat, kaum zuhause, diese Regen­güsse auf Leinwand festgehalten. „Taufrisch malen“, nennt er das. In dieser seltsamen, faszinierenden Malerei überlagern sich Licht und Witterung wie Trans­pa­rent­papier. Schauer, Böen, Wolken, atmosphärische Schichten mischen sich mit erdigen Oberflächen, die vom Regen vollgesaugt und doch luftdurchlässig sind: leichtes Dripping wie eine zarte Berührung, eine letzte Bewegung hin zur Leinwand, die man bedauerlicher Weise wieder verlassen muss. Es scheint, als mische der Maler seine Farben aus dem lehmigen Boden einer Malerei-Land­schaft. Die Borsten des Pinsels folgen immer wieder ihrer eigenen buschigen Spur, bis sie zu Gras werden, zu Gestrüpp, zu Farbe. Dunkles Wasser eines Lochs, silbrige Fäden der Wasserfälle, die zwischen den Felsen entspringen. Kleine weiße Häuser, gestrandete Schiffe, keine […]

bis 11.08. | #2047ARTatBerlin | Esther Schipper präsentiert ab 8. Juni 2018 die Ausstellung b/seven eighths der Künstlerin Prabhavathi Meppayil. Esther Schipper freut sich, die erste Einzelausstellung von Prabhavathi Meppayil mit der Galerie anzukündigen. Die Ausstellung mit dem Titel b/seven eighths umfasst vier Werkgruppen. Prabhavathi Meppayil überträgt in ihren Arbeiten Techniken und Materialien, welche mit dem angestammten Handwerk der Goldschmiedekunst verbunden sind, in eine zeitgenössische plastische Sprache, die zum modernistischen Kanon gehört, sei es durch Einbettung von Metalldrähten in Schichten aus weißem Gesso oder durch die Markierung seiner Oberfläche mit traditionell von Goldschmieden verwendeten Werkzeugen. Meppayils Praxis ist prozessorientiert und konzentriert sich auf Materialien und Werkzeuge. Wie sie selbst sagt: “Die mit Werkzeugspuren gefüllten Tafeln [sind] die Abstraktion des Klopfgeräusches des Werkzeugs.” se/one half, 2017-2018, ist eine 12-teilige Installation aus Gesso-Paneelen mit eingebetteten Kupferdrähten. Im Zusammenspiel mit den architektonischen Gegebenheiten des Raumes scheinen die 12 horizontalen Paneele, von niedrigen Sockeln getragen, unter dem Oberlicht des Raumes über dem Boden zu schweben. se/hundred and five, 2017, se/hundred and eight, 2018, und se/hundred and nine, 2018, bestehen aus drei Gruppen von Gesso-Paneelen, die mit Thinnam gestempelt sind – einem Werkzeug, welches von Handwerkern verwendet wird, um Muster auf Goldarmbändern zu prägen. Die Form […]

bis 14.07. | #2044ARTatBerlin | Galerie Berlin zeigt ab 31. Mai 2018 die Ausstellung “Saat” mit dem Künstler Jens Elgner. Gezeigt wird Malerei von Jens Elgner, darunter auch neue Arbeiten. Daneben zeigt die Galerie Kunst von Silke Weyer. Jens Elgner, 16.05.1958 in Blankenburg im Harz geboren, 1979 Studium der Architektur, Fachwechsel in die Malerei an der Kunsthochschule Berlin Weißensee. Der Künstler lebt und arbeitet in Blankenburg. Vernissage: Donnerstag, 31. Mai ab 18 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 31. Mai bis Samstag, 14. Juli   Bildunterschrift Titelbild: JENS ELGNER – Refugium –  2018  –  Mischtechnik auf Leinwand  –  140 x 100 cm Ausstellung Jens Elgner – Galerie Berlin | Zeitgenössische Kunst – Ausstellung Berlin – Galerien Berlin – ART at Berlin  

bis 07.07. | #2043ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin präsentiert ab 31. Mai 2018 die Ausstellung “formula” des Künstlers Carsten Nicolai. Die aktuelle Ausstellung zeigt Gemälde einer fortlaufenden Serie mit dem Titel formula, die zum ersten Mal in den Räumen der Galerie EIGEN + ART Berlin präsentiert werden. Diese Gemälde sind Studien, die zu einem größeren Ensemble von Arbeiten über die Übersetzung mathematischer Formeln in Graphen gehören. Vom Künstler manipuliert, werden verschiedene mathematische Formeln auf Gesso grundierte Leinwände übertragen und dienen als Werkzeuge für den Zeichenprozess. Carsten Nicolai greift hierbei auf den klassischen Begriff von Malerei zurück, da der Prozess der Herstellung dieser Arbeiten sehr stark an diesen erinnert; und zugleich entfremdet, da das Operieren mit Zufallsgeneratoren und Formeln diesem entgegensteht. „Konstruktion als chiffrierte Information“ könnte man die Methodik dieser Serie benennen. Einen durch mathematische Formeln generierten Übergang von Kontrolle und Zufall in eine perfekte Ordnung: Die Formel, ein Gestaltungselement. Der Künstler nimmt direkten Bezug auf das Werk des Komponisten Iannis Xenakis, dessen Musik sich aus Denkmodellen der modernen Mathematik und Physik erklärt, und schafft eine Zone, in der die Auseinandersetzung und Anwendung von Mathematik, Physik, Statistik, Spieltheorie und randomisierten (zufallsgenerierten) Prozessen eine autonome Rolle in der Anordnung bei […]

bis 28.07. | #2040ARTatBerlin | Galerie Kornfeld zeigt ab 22. Juni 2018 die Ausstellung “„Querelle“-Zyklus” des Künstlers Jürgen Draeger. Die Galerie Kornfeld freut sich, Ihnen Arbeiten des deutschen Künstlers und Schauspielers Jürgen Draeger zu präsentieren. Zu sehen sind ebenso meisterhafte wie sinnliche Zeichnungen, die 1982 während der Dreharbeiten zu Rainer Werner Fassbinders aufsehenerregendem letztem Film „Querelle“ entstanden. Matrose Brad Davis, 1982, Pastell auf handgeschöpftem Papier, 65 x 48 cm Draeger, geboren 1940 in Berlin, machte sich in den 1960er Jahren einen Namen als charismatischer Schauspieler und avancierte rasch zum Publikumsliebling. Seine wahre Passion aber war und blieb die Malerei. Bereits als dreizehnjähriger Schüler durfte er an der Berliner Hochschule der Künste (heute Universität der Künste) studieren und veröffentlichte kurz darauf erste Werke in Zeitungen und Magazinen. 1960 erhielt er aus der Hand Willy Brandts, damals Regierender Bürgermeister von Berlin, bei der Großen Berliner Kunstausstellung den 1. Preis für Junge Kunst für sein Ölgemälde „Berliner Häuser“, ein Bild, das ein einsames, vom Krieg verschontes Mietshaus inmitten von Ruinen zeigt. Diese erste Begegnung war der Beginn einer lebenslangen Freundschaft. 1990 kam es auf ausdrücklichen Wunsch Willy Brandts zu einer engen Zusammenarbeit – Draeger begleitete den Politiker zeichnerisch auf einer Reise durch die […]

bis 14.07. | #2039ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi zeigt ab 5. Juni 2018 eine Einzelausstellung mit Malerei der Künstlerin Maibritt Ulvedal Bjelke. Die Galerie Pugliese Levi zeigt eine neue Einzelausstellung der Dänin Maibritt Ulvedal Bjelke. Die Ausstellung feiert – nach ihrem Abschluss 1993 an der Ecole des Beaux-Arts, Paris – Ulvedal Bjelkes 25-jährige Tätigkeit als Künstlerin. Es werden aktuelle Werke der Reihen static-romance, chroma-flirt und tosca gezeigt. Maibritt Ulvedal Bjelke, tosca no 05, 2018, 121 x 121 x 3,5 cm “In ihrer Arbeit lag Konzentration, eine starke visuelle und spirituelle Präsenz. 25 Jahre später scheint alles sich verändert zu haben, doch die Konsequenz, die Kraft und die Farben herrschen weiterhin souverän. Keine Strukturmusterflächen von Flüssigfarbe mehr auf dem Papier, dagegen saubere, reduzierte, visuell kompakte und spannungsvolle Oberflächen. Noch immer Drippings, aber so fein, dass sie zu farbigen Linien geworden sind. Keine annäherungsweisen Flächenanordnungen mehr, stattdessen strenge Geometrien, die aus subtilen Permutationen, Rotationen, Symmetrien des Bildes gewonnen werden. Keine Verschmutzungen mehr, sondern ein fehlloses Funkeln der Farben. In den jüngsten Arbeiten dann ergibt das Verweben von sehr schmalen Bändern kolorierter Papiere auf eingerichteten Leinwänden die Wirkung eines überwältigenden Farbkaleidoskops. Nichts als eine enge Verflechtung von Farben, die die kleinen ovalen oder größeren […]

bis 28.07. | #2036ARTatBerlin | Robert Morat Galerie zeigt ab 26. Mai 2018 die Ausstellung “The Drake Equation” mit Arbeiten der Künstler Andrew Phelps und Paul Kranzler. Zur Eröffnung gibt es einen Book Launch. Die „National Radio Quiet Zone“ wurde in den 50er Jahren im US-Bundesstaat Virginia eingerichtet. Dort werden weder Radio- noch TV-Sendungen ausgestrahlt und Handys funktionieren ebenfalls nicht – keine Funkwelle soll die grotesk anmutenden, riesigen Teleskope bei ihrer Suche nach Spuren außerirdischen Lebens stören. Die Fotografen Andrew Phelps und Paul Kranzler besuchen einen Ort, an dem eine skurile Mischung von Menschen zusammen lebt: Die ländliche Bevölkerung einer Provinz-Kleinstadt, die hochspezialisierten Wissenschaftler der Forschungsstation und Stadtbewohner auf der Flucht vor elektromagnetischen Feldern, elektrosensible Zivilisationsflüchtlinge. „Ich denke, dass es bei der fotografischen Arbeit, die Sie jetzt in Ihren Händen halten, um viele Dinge geht, um Zeit und Wissenschaft und Technik und Natur. Für mich jedoch ist es im Wesentlichen eine Arbeit über Amerika“, schreibt Alard von Kittlitz im begleitenden Text zum Buch, dass bei Fountain Books Berlin erschienen ist. NRQZ – Andrew Phelps + Paul Kranzler NRQZ – Andrew Phelps + Paul Kranzler NRQZ – Andrew Phelps + Paul Kranzler Andrew Phelps, geboren 1967 in Mesa, Arizona, lebt und […]

bis 20.07. | #2035ARTatBerlin | Migrant Bird Space präsentiert ab 16. Juni 2018 die Ausstellung THE MERCY OF NOT KILLING des Künstlers Chenchenchen. Chenchenchen (陈 陈 陈, a.k. a. ccc, geb. 1987) ist ein chinesischer Konzeptkünstler, der vor allem für seine Performance “Die Barmherzigkeit des Nicht-Tötens 2.0” bekannt ist, in der er zehn Bauarbeiter an den Rändern eines 34 Meter hohen Turms aufhängt. In seinen Arbeiten beschäftigt sich ccc oft mit dem menschlichen Körper, um Gedanken über die sozialen Bedingungen der modernen Gesellschaft anzustoßen. Seine multimedialen Projekte, die gleichzeitig in Performance, digitaler Kunst, Malerei und Skulptur arbeiten, interagieren und bilden eine Reihe paralleler Welten. Sie sind kohärent in das futuristische Panorama von “Poor Sci-Fi” von ccc eingeordnet: eine techno-dystopische Vision, die sich aus den Kämpfen des Alltags ableitet. Performance of Mercy of Not Killing 2.0 in Wuxi, Feb. 2017 ©  Image courtesy ccc – UCCA Beijing Seine Arbeit ist intelligent und spektakulär, er spricht Themen an, die spezifisch für die chinesische Kultur sind, und weist auf die individuellen Auswirkungen des Lebens in einer globalisierten Welt hin. Wo traditionelle Werte und Normen aufgehoben scheinen, projiziert ccc eine humanistische Vision, die die positiven Kräfte universeller menschlicher Werte hervorhebt. Nach der bahnbrechenden Präsentation von […]

bis 17.06. | #2033ARTatBerlin | Galerie Verein Berliner Künstler (VBK) präsentiert ab 26. Mai 2018 die Gruppenausstellung “Soweit das Auge reicht – Landschaft heute”. Neun internationale Künstleri(nnen) präsentieren ihre Arbeiten zum Thema Landschaft aus dem heutigem Blickpunkt beim Verein Berliner Künstler. Die Künstler zeigen bis zum 17. Juni 2018 Malerei, Zeichnung und Videoinstallation. Zur Eröffnung am Freitag, 25. Mai um 19:00 lädt der geschichtsträchtige Künstlerverein in seine Galerie am Schöneberger Ufer 57 (unweit des Kulturforums und der Potsdamer Straße im Bezirk Tiergarten – Mitte) ein. Einladung zur Ausstellung Die Landschaft hat als eigenes Sujet erst spät in die Kunstgeschichte Einzug gehalten. Zur eigenständigen Gattung wurde die Landschaftsmalerei in der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts. Die Natur selber wurde hier – so heißt es – erstmals zum Gegenstand des Interesses. Die Landschaftsmaler der Jahrhundertwende veranschaulichen eine Auseinandersetzung mit der sich immer mehr technisierenden Welt der Industrialisierung und ein Versuch ihr zu entkommen. Ist Landschaft ein konkreter Sehnsuchtsort oder ist sie die fiktive Heimat eines besseren Daseins? Gewachsen, ohne jeden Eingriff von Seiten des Menschen, bildet sie in unserer Vorstellung immer noch einen Gegensatz zum Artifiziellen. Dabei ist die uns heute umgebende Landschaft selbst ein Ergebnis menschlichen Eingreifens, was in unseren Breitengraden […]

bis 19.05. | #2032ARTatBerlin | EIGEN + ART Lab zeigt momentan die Ausstellung CONDITION: UNCANNY mit Werken der Klasse Birgit Brenner: Antonia Christl, Laura Fröhlich, Suah Im und Jakob Tyroller. „Der Wunder sind viele, der Wunder größtes aber ist der Mensch.“1 —Sophokles, Antigone Viele Versuche sind unternommen worden, die oben zitierten Zeilen aus Sophokles’ Antigone zu übersetzen. Einigen Übersetzungen zufolge versteht man darunter: Es gibt viele Wunder, keines ist größer als der Mensch. Zugleich kann es jedoch auch wie folgt ausgelegt werden: Es gibt viele Wunder, keines ist wundersamer als der Mensch. Dem Wort „Wunder” scheint in seinen unterschiedlichen Implikationen eine gewisse Zweideutigkeit innezuwohnen. Insbesondere im Laufe der verschiedenen Übersetzungen ins Deutsche hat die Passage aus Antigone einen grundlegenden Bedeutungswandel erfahren. So wählte Hölderlin in seiner deutschen Interpretation von 1804 das Wort „Ungeheuer“. Heidegger wiederum entschied sich in seiner Einführung in die Metaphysik (1953) für „unheimlich“ (Englisch: „uncanny“): „Vielfältig das Unheimliche, nichts doch / über den Menschen hinaus unheimlicher waltet.“ Das Unheimliche beschreibt laut Freud die psychologische Erfahrung, etwas als vertraut und zugleich fremd zu empfinden. Im Gegensatz zu etwas, das lediglich mysteriös ist, bezieht sich das Unheimliche auf einen Zustand, in dem ein Ereignis oder Objekt, das einem bekannt vorkommt, in einer unheimlichen oder beunruhigenden Situation wahrgenommen wird. Ebenso wie Wörter, die nicht eine bestimmte Bedeutung haben, können Dinge, denen wir in unserer Umgebung begegnen, mehrdeutig und undurchsichtig sein. Gleichwohl basiert jede Kultur auf Unterscheidungen: Wir differenzieren zwischen Natur und Kultur, Mensch und Gott, Leben und Tod, Gut und Böse. Das menschliche Gehirn neigt dazu, das Wahrgenommene zu entziffern, zu kategorisieren und zu ordnen. Was nicht in […]

bis 16.06. | #2029ARTatBerlin | H ART MANN GALLERY präsentiert ab 3. Mai 2018 die Ausstellung “O.F.” mit Werken der Künstlerin Gisela Schattenburg.  Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Kunstfreundinnen und Kunstfreunde, zur nächsten Vernissage unmittelbar nach dem sicherlich sehr ereignisreichen gallery weekend lade ich Sie herzlich ein Freitag, 04. Mai 2018 von 19.00 bis 21.00 Uhr. Neue Arbeiten von Gisela Schattenburg möchte ich Ihnen gerne präsentieren. Erste Eindrücke vorab finden Sie unter www.schattenburg.com Auf Ihr Kommen freut sich und grüßt bis dahin herzlich Reinhold Hartmann Vernissage: Freitag, 4. Mai 2018, 19:00 bis 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 3. Mai bis Samstag, 16. Juni 2018   Bildunterschrift: Gisela Schattenburg, raum 11, 2017, Acryl + Reißkohle auf Fabriano, 80 x 60 cm Ausstellung Gisela Schattenburg – H ART MANN GALLERY | Zeitgenössische Kunst | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin | Kunst in Berlin | Galerien Berlin | ART at Berlin    

bis 10.06. | #2028ARTatBerlin | Atelier Hinrich Kröger zeigt ab 27. April 2018 die Ausstellung “стиль” des Künstlers Hinrich Kröger. Eine Französische Bulldogge auf einem Wandteller, gemalt in Gold und Türkis, schielt lüstern auf ein Service, um das sich goldene Möpse drapieren. Im Schaufenster beschnuppern sich Königspudel mit himbeerroten Näschen auf einer Bodenvase, während sich Luigi daneben in Stripperpose und mit tätowiertem, erregtem Gemächt – dem Mittelpunkt der Skulptur – auf einer Art goldenen Torte dreht. Windhund-Damen und Charmeure sind es, die im Atelier Hinrich Kröger ‚Old Fashionable Haute Couture‘ tragen, gemalt auf Fayencen, Engoben, Ton und Porzellan, ausgestellt in Berlin und New York City. In der Gipsstraße 13 in Berlin-Mitte entstehen seit 1995/96 die Werke des Künstlers und Töpfers Hinrich Kröger – Malereien auf Keramik, Skulpturen aus Ton und Porzellanen, Zeichnungen. Der Berliner erlernte den Beruf des Töpfers, arbeitete in verschiedenen Keramikwerkstätten und studierte dann Malerei an der Hochschule für Bildende Künste. Nach dem Diplom gründete er seine Galerie und Werkstatt im heutigen Galerienviertel von Berlins Mitte. Hier zeigt Hinrich Kröger in zahlreichen Ausstellungen seine Werke. Schaufenster der Galerie in der Gipsstraße 13 Gekonnt kombiniert der Künstler Elemente der Malerei mit skulpturalen Formen auf fragilem Material. Tschaikowskys Schwanensee, Luftballon große Dosen, […]

bis 30.04. | #2025ARTatBerlin | Griesbach ART und ARTCADIA Gallery zeigen ab 28. April 2018 die Ausstellung “Jack The Rabbit Is Sold” des Künstlers David Mildner in der Pohlstraße 58 in Schöneberg. In seinen großformatigen Arbeiten untersucht David Mildner Kommunikationsformen, Wege und Mittel. Dabei stellt er die Dynamik zwischen Werk und Betrachter in den Mittelpunkt, fordert sich in seinem Schaffen und den Betrachter in seinem empathischen Selbstverständnis fortwährend heraus, ohne sich jedoch in der Analyse eines solchen Aktes zu verlieren. Es ist der Künstler, der bei diesem Experiment die Kontrolle behält und die Versuchsanordnung vorgibt. “In meinen Arbeiten versuche ich eine zeitlose psychologische Projektionsfläche zu schaffen, auf der durch ein konzentriertes Zusammenkommen von Welten und Ideen mentale Nicht-Orte entstehen.” Es sind diese mentalen Nicht-Orte, in denen sich die Bilder von Mildner schlussendlich beim Betrachter manifestieren. David Mildner beendete 2017 sein Studium an der Berliner UdK als Meisterschüler von Prof. Michael Anthony Müller. Die Arbeiten des 1983 in Berlin lebenden Malers waren in den letzten Jahren u.a. in Hamburg, Kattowitz und Berlin zu sehen. David Mildner – losing trains of thought – Öl auf Leinwand – 246 x 291,5 cm – 2018 Die Location: Die Hinterhoflocation der Filmausstatter Frank Niedorff und […]

bis 26.05. | #2024ARTatBerlin | Anaid Art Gallery zeigt ab 26. April 2018 die Ausstellung UNTOUCHABLE LOVE mit Kunstwerken des Künstlers Alexandru Rădvan. Anaid Art Gallery freut sich, die Eröffnung von Alexandru Rădvans (*1977) Einzelausstellung Untouchable Love anzukündigen, die seine neuesten Kunstwerke präsentiert. Alexandru Rădvan ist einer der faszinierendsten rumänischen zeitgenössischen Künstler, der seit mehr als einem Jahrzehnt die Beziehung zwischen der zeitgenössischen Gesellschaft und den antiken Mythen und Mythologien hinterfragt. Die Ausstellung Untouchable Love präsentiert eine Reihe von großen Gemälden, in denen der Künstler die Mythen von Apollo und Daphne aus der griechischen Mythologie neu interpretiert. Apollo, der Gott des Lichts, des Tages und der Kunst, beleidigt den Gott der Liebe, Eros, der sich an ihm rächt, indem er ihn mit dem Pfeil der Liebe erschießt. Apollo verliebt sich in die keusche Daphne; trotz der Gewissheit, dass er sie nie davon überzeugen kann, sich zu revanchieren. Daphne, um Apollo loszuwerden, bittet ihren Vater, sie in einen Lorbeerbaum zu verwandeln, und Apollo gewährt in einer letzten Geste der Zuneigung den Lorbeerblättern Unsterblichkeit, um sie ewig grün zu machen. Alexandru Rădvan ist ein Maler, der große und üppige Oberflächen verwendet und alte Mythen und Mythologien neu interpretiert. Hegel ist der Meinung, dass […]

bis 09.09. | #2020ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin präsentiert ab 28. April 2018 eine Ausstellung des Künstlers ANDRO WEKUA. Im Zentrum von Andro Wekuas neuer Ausstellung bei Sprüth Magers stehen eine lebensgroße Skulptur aus Neusilber – einer silberähnlichen Legierung aus Kupfer, Nickel und Zink – und eine Gruppe von Gemälden. Die unbenannte Skulptur erinnert an Wekuas frühere Mannequinfiguren und setzt deren subtile Formensprache fort. Die androgyne Figur scheint sich zwischen den Geschlechtern zu situieren; ihr Körper hat etwas Präpubertäres, fast Kindliches. Auf dem Rücken der Skulptur sitzt ein kleiner, schwarzer Bronze-Pegasus mit violetten Flügeln – futuristisches Element, kindliches Spielzeug und mythischer Verweis in einem. Die körperlichen Proportionen dieser Figur wirken nur auf den ersten Blick realistisch, in Wirklichkeit sind sie undenkbar. Die Figur ist ein Kompositum aus verschiedenen, nicht zueinander gehörenden Körperteilen. Vor dem Guss wurde sie aus unterschiedlichen Modellen realer Gliedmaßen zusammengesetzt. Auch die Körperhaltung der Skulptur lotet die Grenzen des physisch Möglichen aus. Sie erinnert an die Jesusfigur in Michelangelos unvollendeter Pietà Rondanini. Im Original steht die Muttergottes hinter ihrem toten Sohn und versucht, ihn aufrecht zu halten. Wekuas Figur steht in einem Bassin, aus parallelen Schlitzen an ihren Armen und Schultern rinnt Wasser. Ihre silbrige Oberfläche befindet […]

bis 02.06. | #2019ARTatBerlin | White Square Gallery zeigt ab 20. April 2018 die Ausstellung „Look at me …“ des Künstlers Dietrich Walther. In der Einzelausstellung „Look at me…“ präsentiert die White Square Gallery ausgewählte Arbeiten des Berliner Künstlers Dietrich Walther (*1959, Wiesbaden). Seit  seinem Studium in den 1980ern Jahren arbeitete er als freischaffender Künstler, erst im Bereich der Fotografie und später überwiegend als Maler. Heute experimentiert er gerne mit verschiedenen Techniken und schafft Werkgruppen in den Bereichen Zeichnung, Mixed Media, und Fotografie. In der White Square Gallery zeig Dietrich Walther sechzehn Gemälde, die in den letzten fünfzehn Jahren entstanden sind und somit eine Art Retrospektive seines bisherigen Werkes bilden. Obwohl diese Arbeiten verschiedenen Zeiten und unterschiedlichen Zyklen angehören, ist deren Zusammenhalt unübersehbar. Dieser lässt die ästhetischen und thematischen Hintergründe nachvollziehen, die dem Werk zugrunde liegen, ebenso die Vorbilder und Inspirationen des Künstlers aber auch sein Anliegen und somit sein eigentliches Ziel. Galerieansicht : White Square Gallery 19.04. 2018 / © White Square Gallery Wie uns bereits der Titel der Ausstellung “Look at me…” verrät, geht es hier zunächst um das Schauen und Sehen. Der Betrachter wird beim Umschauen prompt mit den Blicken konfrontiert, die auf ihn von allen Bildern dieser […]