Städte stecken voller Geschichten – gleichzeitig, widersprüchlich, überlappend und untrennbar miteinander verbunden. Living the City erzählt über 50 Geschichten zu Projekten aus Architektur, Kunst und Stadtplanung in der Haupthalle des ehemaligen Flughafens Berlin-Tempelhof. Die Ausstellung der Nationalen Stadtentwicklungspolitik zeigt Prozesse und Handlungsmöglichkeiten in Städten in ganz Europa auf. Für drei Monate verwandelt sich der ehemalige Flughafen in einen Schauplatz städtischen Lebens. In einer begehbaren Stadtcollage begegnen Besucherinnen und Besucher dort zahlreichen … Lesen Sie den Beitrag weiter auf DEEDS.WORLD   Bildunterschrift: Living the City, Exhibition, © Schnepp Renou, 2020

Auch 2020 findet – bereits zum 9. Mal – im ganzen Monat Oktober der EMOP Berlin – European Month of Photography statt. In diesem Monat laden über 100 Galerien, Museen und Kulturinstitutionen dazu ein, den Facettenreichtum des Mediums Fotografie zu entdecken. Ausstellungshighlights des Fotofestivals – die revolutionäre Solo-Show Hagiographie Biorobotica von Andreas Mühe, ab 9. Oktober in der St. Matthäus-Kirche in Tiergarten (Matthäikirchplatz am Kulturforum) – die schonungslose Ausstellung Palermo und der Kampf gegen die Mafia der legendären Fotografin Letizia Battaglia, bereits ab 24. September im Italienischen Kulturinstitut – einzigartige zeitgeschichtliche Dokumente in … Lesen Sie den Beitrag weiter auf DEEDS.WORLD   Bildunterschrift: Helmut Newton, Stern, Los Angeles, 1980, © Helmut Newton Estate / Courtesy: Helmut Newton Foundation EMOP 2020 – European Month of Photography | ART at Berlin

Das Museum für Fotografie zeigt ab 16. Juli 2020 die Ausstellung „FOTOGRAFIE. Wolfgang Schulz und die Fotoszene um 1980“. Im Mittelpunkt steht das Magazin „FOTOGRAFIE. Zeitschrift internationaler Fotokunst“ und sein Herausgeber Wolfgang Schulz. Anhand von rund 240 Arbeiten von Wolfgang Schulz und anderer Fotograf*innen beleuchtet die Ausstellung eine wichtige Zeit des Umbruchs in der Geschichte der westdeutschen Fotografie. Nachtrag: Wie nun bekannt wurde, verstarb Wolfgang Schulz am 14. Juli 2020, zwei Tage vor Eröffnung der Ausstellung, in Köln im Alter von 75 Jahren nach längerer Krankheit. In den Jahren um 1980 erlangte die Fotografie einen neuen Stellenwert im Kunstbetrieb. Neue fotografische Herangehensweisen wurden erprobt, Museen begannen, sich für das Medium zu interessieren, erste Fotogalerien wurden gegründet, 1977 hatte die Fotografie auf der documenta ihren ersten großen Auftritt, und es wurden Zeitschriften gegründet. Ausgangspunkt der Ausstellung zu dieser spannenden Umbruchzeit ist das Magazin „FOTOGRAFIE. Zeitschrift internationaler Fotokunst“ (später „Fotografie: Kultur jetzt“), das zwischen 1977 und 1985 vierzig Mal erschien und von Wolfgang Schulz herausgegeben wurde. Hans-Christian Adam, Unterwasser-Gruppenportrait, aus der Serie „Schwimmer“, Vigaun bei Hallein, Salzburg, 1985, Silbergelatinepapier, Leihgabe des Künstlers, © Hans Christian Adam Das Magazin entwickelte sich schnell zu einem viel beachteten, häufig umstrittenen überregionalen Szeneblatt: ein überaus lebendiges […]

bis 09.12. | #2878ARTatBerlin | re|space gallery zeigt ab 9. Oktober 2020 die Ausstellung South.Southwest mit zeitgenössischer lateinamerikanischer Fotografie von Sebastián Liste, Christina de Middel, Álvaro Ybarra Zavala, Laura León, Jesús Rocandio, Adriana Zehbrauskas, Stephen Ferry, Tomás Munita und Emilia Brandão. Die in der re|space gallery ausgestellten Werke der South.Southwest Collection bieten einen visuellen Einblick in die Latein Amerikanische Identität. Die Themenpalette reicht von Kultur und Natur über Brauchtum und Alltag und ist somit genauso divers wie Latein Amerika selbst. Diese Sammlung an Fotografien wurde von den KünstlerInnen Sebastián Liste, Christina de Middel, Álvaro Ybarra Zavala, Laura León, Jesús Rocandio, Adriana Zehbrauskas, Stephen Ferry, Tomás Munita und Emilia Brandão zusammengestellt um die Stärke der Latein Amerikanischen Fotografie zu belegen. Als Fotografen arbeiten die KünstlerInnen unter der Schirmherrschaft von Leica Iberia, haben ausgiebig mit Welt-bekannten Foto-Agenturen wie Magnum und Getty Images gearbeitet, haben Werke in etablierten Kunstsammlungen wie im New York Metropolitan Museum und wurden in bedeutenden Printmedien wie dem Time Magazine publiziert. Obwohl die Fotografien teilweise aus Fotoreportage-Projekten stammen, wurden die Werke dieser Sammlung für deren eindeutigen künstlerischen Wert gewählt. Dieser künstlerische Ansatz unterscheidet diese Sammlung von der Fotoreportage. Es sind nicht nur die Subjekte der Fotografien welche einen Kunst-Kontext […]

bis 19.12. | #2877ARTatBerlin | Galerie Pugliese Levi präsentiert ab 2. Oktober 2020 die Ausstellung Volumes mit Fotografien der Künstlerin Mary Ellen Bartley. Die Ausstellung findet statt im Rahmen des EMOP – European Month of Fotografie. Mary Ellen Bartleys Fotografien sind bekannt dafür, die taktilen und formalen Qualitäten des gedruckten Buches und sein Potenzial für die Abstraktion zu erkunden. In dem poetischen Minimalismus ihrer Bilder bleiben die Buchinhalte oft verborgen oder werden nur zum Teil offenbart, was die Spannung zwischen narrativem und rein formalem Gehalt unterstreicht. Bartley realisierte Projekte in den Privatbibliotheken der Künstler Robert Wilson, Jackson Pollock und Lee Krasner sowie von Giorgio Morandi. Diese Ausstellung Volumes erkundet die mehrfachen Bedeutungen ihres Titels, die im Sujet der Buchbände (Englisch: volumes), in den stillen Tönen (Englisch: quiet volume) der Farbpaletten und in den geometrischen Volumina der Kompositionen liegen. Auch eine Fotografie der beschädigten Sammlung von Jazzschallplatten von Jackson Pollock gehört mit dazu. Diese Ausstellung ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland. Mary Ellen Bartley wurde 1959 in New York geboren. Sie erhielt ihren Bachelor of Fine Arts am Purchase College der State University of New York und lebt heute in Sag Harbor, NY. Ihr Werk wurde in zahlreichen Ausstellungen und Kultureinrichtungen […]

bis 14.11. | #2883ARTatBerlin | ChertLüdde zeigt aktuell die Ausstellung My Fifty Years In A Nutshell des Künstlers Vincent Trasov. Die Ausstellung My Fifty Years In A Nutshell ist um das Alter Ego des Künstlers, Mr. Peanut, herum konstruiert, mit Zeichnungen, Videos, Fotografien, Gemälden und Archivmaterialien, die diese lange und andauernde Liebesgeschichte erzählen. Zusammen mit kürzlich produzierten Zeichnungen in Tinte und Lavierung auf Papier konzentriert sich die Ausstellung auf die 20-tägige Performance Mayoralty Campaign von 1974, bei der John Mitchell als Ideator der Erdnusskampagne, Kampagnenmanager und Sprecher auftrat. Es war eine Veranstaltung, die viele verschiedene Künstler und Gruppen in einem gemeinschaftlichen Kontext zusammenbrachte. Die Kampagne stellte eine echte Alternative zum politischen Status quo dar. Kunst war zum Leben geworden. Mr. Peanut Mayoral Campaign: Mr. Peanut descends steps of Vancouver Court House, 1974; gelatin silver print, Collection of the Morris/Trasov Archive, Morris and Helen Belkin Art Gallery, University of British Columbia. Photo by Bob Strazicich. Vincent Trasov ist Maler, Video- und Performance-Künstler. Seine Arbeit ist oft medienbasiert und im Geiste kollaborativer Zusammenarbeit, die mit der Entwicklung von Netzwerken verbunden ist. Er ist Kanadier und wurde 1947 in Edmonton geboren. 1970 gründete er zusammen mit Michael Morris die Image Bank, eine Methode […]

bis 10.01. | #2882ARTatBerlin | Haus am Waldsee präsentiert ab 18. Oktober 2020 die Ausstellung INTO SPACE der Bildhauer*innen Berta Fischer, Björn Dahlem und Naum Gabo. „Into Space“ thematisiert die Sehnsucht des Menschen nach dem Weltraum, nach Schwerelosigkeit, fernen Galaxien und den Glauben an bisher unfassbare Energien außerhalb unserer Wahrnehmung. Drei BildhauerInnen reflektieren die Schnittstellen zwischen Kunst und Wissenschaft über ein Jahrhundert hinweg und von Berlin aus. Nach der Ausstellung „Lynn Chadwick, Hans Uhlmann, Katja Strunz“, die 2019 im Haus am Waldsee dem Thema „Falte“ nachging, nehmen nun Björn Dahlem (*1974), Berta Fischer (*1973) und Naum Gabo (1890–1977) mit Installationen und Plastiken ein künstlerisches Gespräch über Raum und Zeit zwischen 1920 und 2020 auf. Für Naum Gabo bedeutete Kunst in den 1920er Jahren Mittel zur Erkenntnis über die Physik unseres Planeten. Der nach Berlin emigrierte jüdisch-russische Künstler, der zusammen mit seinem Bruder Antoine Pevsner kurz zuvor das für die Bildhauerei bahnbrechende „Realistische Manifest“ verfasst hatte, suchte fortwährend nach neuen Materialien und Ausdrucksmöglichkeiten, „nicht um des Neuen wegen, sondern um für den neuen Ausblick auf die Welt meiner Umgebung und für die neuen Einblicke in die Kräfte des Lebens und der Natur in mir Ausdruck zu finden.“ Die jüngsten Entdeckungen der […]

bis 07.11.| #2879ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte präsentiert ab dem 17. Oktober 2020 die zweite Fassung der Solo Show des Künstlers Michael Müller mit dem Titel „Ästhetisches Urteil und Selbstlosigkeit: sich einer Sache aussetzen mit entleertem Blick und ohne Halt“, die sich an die Ausstellung „Anton im Bastrock“ sowie die Installation „Bikini on Mars“ im Corner Space der Galerie anschließt. „Ästhetisches Urteil und Selbstlosigkeit“ wird bis zum 7. November 2020 gezeigt. Nach dem ersten Teil seiner Einzelpräsentation in der Galerie Thomas Schulte in diesem Herbst, welcher im Rahmen des Gallery Weekend Berlin 2020 eröffnet worden war, nähert sich Michael Müller im zweiten Teil der eigenen Arbeit als Kurator. Unter dem Titel Ästhetisches Urteil und Selbstlosigkeit treibt der Künstler das Thema Abstraktion nochmals weiter. Indem er eine zweite Version der Ausstellung inszeniert, distanziert sich Michael Müller als Kurator von Michael Müller als Maler und damit auch von seinen eigenen, sich selbst in Auftrag gegebenen Werken. So eröffnet eine zweite Version der Ausstellung auch die Möglichkeit zur Selbstkorrektur. Verschiedene Versionen und Blickwinkel schaffen eine Situation, in der ein Vergleich möglich wird, ästhetische Entscheidungen für „richtig“ oder „falsch“ befunden und so ein ästhetisches Urteil gefällt werden kann. Was an dieser zweiten Version der Ausstellung […]

bis 09.12. | #2878ARTatBerlin | re|space gallery zeigt ab 9. Oktober 2020 die Ausstellung South.Southwest mit zeitgenössischer lateinamerikanischer Fotografie von Sebastián Liste, Christina de Middel, Álvaro Ybarra Zavala, Laura León, Jesús Rocandio, Adriana Zehbrauskas, Stephen Ferry, Tomás Munita und Emilia Brandão. Die in der re|space gallery ausgestellten Werke der South.Southwest Collection bieten einen visuellen Einblick in die Latein Amerikanische Identität. Die Themenpalette reicht von Kultur und Natur über Brauchtum und Alltag und ist somit genauso divers wie Latein Amerika selbst. Diese Sammlung an Fotografien wurde von den KünstlerInnen Sebastián Liste, Christina de Middel, Álvaro Ybarra Zavala, Laura León, Jesús Rocandio, Adriana Zehbrauskas, Stephen Ferry, Tomás Munita und Emilia Brandão zusammengestellt um die Stärke der Latein Amerikanischen Fotografie zu belegen. Als Fotografen arbeiten die KünstlerInnen unter der Schirmherrschaft von Leica Iberia, haben ausgiebig mit Welt-bekannten Foto-Agenturen wie Magnum und Getty Images gearbeitet, haben Werke in etablierten Kunstsammlungen wie im New York Metropolitan Museum und wurden in bedeutenden Printmedien wie dem Time Magazine publiziert. Obwohl die Fotografien teilweise aus Fotoreportage-Projekten stammen, wurden die Werke dieser Sammlung für deren eindeutigen künstlerischen Wert gewählt. Dieser künstlerische Ansatz unterscheidet diese Sammlung von der Fotoreportage. Es sind nicht nur die Subjekte der Fotografien welche einen Kunst-Kontext […]

bis 31.10. | #2875ARTatBerlin | Galerie Eigenheim zeigt ab 3. Oktober 2020 im Salon der Galerie die Ausstellung Ille Himmels mit Malerei des Künstlers Lars Wild. Ille Himmels – Lars Wild´s „kranke Himmel“ zeigen im letzten Jahr entstandene dystopische Landschaften und bittersüße Portraits. Die Motive sind nicht nach Vorlage sondern, frei dem Geist des Künstlers entsprungen, der Umgang mit Farbe, ob Öl, Acryl oder Lack, ist unkonventionell. Das jeweilige Material wird dabei vor allem ab- denn aufgetragen und jeder noch so geringe grafische Eingriff durch Kratzen, Wischen und Schmieren wird zum bildprägenden Element. Der hauchfeine Pinselduktus simuliert eine Wasseroberfläche, die sanften, matt in das Papier hineingearbeiteten Farbverläufe lassen voluminöse Wolkenformationen entstehen. Die monochrome, insgesamt sehr reduzierte Farbpalette wird dabei hauptsächlich durch die Farbigkeit des Untergrundes aufgebrochen. Dabei sind Bezüge zur naturalistischen Malerei der Romantik unverkennbar. Seine mal anatomisch perfekt auf das Blatt geworfene, mal grimassenhaft verzerrten Portraits sind auf beunruhigende Weise vertraut, tendieren jedoch durch geschickt in Mundwinkel oder Augenhöhlen gesetzte Verschattungen ins menschlich Abgründige. Lars Wild ist 1981 in Gotha geboren, studierte an der Bauhaus-Universität Weimar Freie Kunst und ist seit 2007 Künstler von EIGENHEIM Weimar/Berlin. Lars Wild lebt und arbeitet in Gotha Vernissage: Freitag, 2. Oktober 2020 ab […]

bis 31.10. | #2874ARTatBerlin | Galerie Eigenheim zeigt ab 3. Oktober 2020 die Ausstellung Werk und Fortsetzung der Künstlerinnen Gabriele Stötzer und Paula Wehrmann. Die Ausstellung wird von Bianka Voigt und Konstantin Bayer kuratiert in Zusammenarbeit mit der GfZK (Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig) und findet im Rahmen des EMOP – Europäischer Monat der Fotografie (European Month of Photography) statt. Gabriele Stötzer ist eine der beeindruckendsten Künstlerinnen unserer deutsch-deutschen Gegenwart. Ihre multimediale, interdisziplinäre Arbeitsweise, darunter Malerei, Fotografie, Film, Performance und Mode, Fotobücher und vor allem das Schreiben, widersetzte sich den unterdrückenden Machtverhältnissen der DDR Diktatur, lehnt sich auf gegen das Patriarchat und erforscht körperliche wie kollektive Zustände und ist so Zeugnis eines unermüdlichen Prozesses des Hinterfragens der eigenen wie gesellschaftlichen Situation. Anlässlich des Europäischen Monats der Fotografie (EMOP) organisierte EIGENHEIM Weimar/Berlin zusammen mit den beiden Künstlerinnen Paula Gehrmann & Gabriele Stötzer die Ausstellung Werk und Fortsetzung. Paula Gehrmann entwickelte bereits 2019, ausgehend von ihrer eigenen künstlerischen Praxis, eine Rauminstallationen, für das Ausstellungs-, Forschungs- und Vermittlungsprojekt in drei Teilen Bewußtes Unvermögen – Das Archiv Gabriele Stötzer, in der GfzK Leipzig. Bewußtes Unvermögen – Das Archiv Gabriele Stötzer war ein begehbares Archiv, welches die künstlerische Praxis der Künstlerin im Kontext der DDR in den 1980er Jahren aufzeigte […]

bis 10.11. | #2871ARTatBerlin | Galerie Brockstedt zeigt ab 24. September 2020 eine Ausstellung mit Gemälden und Aquarellen aus 50 Jahren der Künstlerin Natascha Ungeheuer. Seit Anfang September 2020 gibt es in der Akademie der Künste das Natascha-Ungeheuer-Archiv. „Natascha Ungeheuer ist ein malender Utopist deutscher Sprache.“ Johannes Schenk „Natascha Ungeheuer ist als Ursula Rosa Ungeheuer in Blumenfeld geboren. Ihre Kindheit verbrachte sie in Biederbach (Schwarzwald). Zur Schule ging sie in Freiburg (Breisgau). Abitur in Stuttgart. Lehrerexamen an der Pädagogischen Hochschule Lüneburg 1959. Im Anschluß daran Tanzakademie Harald Kreuzberg in Bern. Ab 1961 reiste sie alleine durch England, Irland, Finnland, Frankreich und Italien. 1962 kam sie nach Berlin. Sie zeichnete immer häufiger. Bald folgte die Ölmalerei. Sie nahm keinen Kunstunterricht und war bewusst Autodidaktin. Sie suchte keine Vorbilder in der Kunst und gab ihrem Malstil keinen Namen. Ihre altmeisterliche Malweise mit feinsten Pinseln schildert Menschen. ‚Phantasmagorischer Realismus‘ wäre ein naheliegender Begriff, der am ehesten ihre Malerei umschreibt. Ab 1966 (Kunsthalle Netzel in Worpswede) hatte sie Ausstellungen im In- und Ausland. Von 1964 bis 2006 lebte sie mit ihrem Lebensgefährten Johannes Schenk, der am 4. Dezember 2006 plötzlich starb, in Berlin und Worpswede. Von 1969-1975 spielte sie im Kreuzberger Straßentheater, malte Bühnenbilder […]

bis 07.11. |#2865ARTatBerlin | Galerie Dittmar präsentiert ab 10. September 2020 eine Ausstellung der Künstlerin Nicole Phungrasamee Fein. Nicole Phungrasamee Fein, 1974 in Evanston, Illinois, geboren, lebt und arbeitet in San Franciso. Studium an der School of Fine Arts Boston, der Tufts University, Medford, und am Mills College, Oakland. Seit 2002 erwirbt Wynn Kramarsky für seine bedeutende Zeichnungssammlung Arbeiten der Künstlerin. Im gleichen Jahr Beginn der Zusammenarbeit mit der Gallery Joe, Philadelphia. Arbeiten unter anderem im Brooklyn Museum, New York, Fogg Museum, Cambridge, Hammer Museum, Los Angeles, Menile Drawing Institute, Houston, im San Francisco Museum of Modern Art und im Whitney Museum, New York. Nicole Phungrasamee Fein, Eisenoxyd auf Karton, 25,4 x 25,4 auf 38,1 x 38,1 cm, 2020 Die Linie ist der Ausgangspunkt der Arbeiten, eine Linie stößt an die nächste, daraus bildet sich das Feld. Dies ist das Grundprinzip, zugleich die Basis für die weiteren ausgreifenden Erkundungen. In den Aquarellen um 2010 definieren Streifen unterschiedlicher Breite oder Linien, horizontal oder kreuzweise, das Bild. Die Zwischenbereiche sind in äußerst nuanciertem Farbton heller oder dunkler gehalten; die Art der Behandlung der Ränder suggeriert Tiefe durch Überlagerung oder Materialität. Die folgenden Aquarell-Zeichnungen markieren die weitere Entwicklung auf diesem Feld. Mit breitem […]

bis 21.11. | #2850ARTatBerlin | Köppe Contemporary präsentiert ab 29. September 2020 die Ausstellung „Tomorrow Never Knows“ des Künstlers Jim Avignon und der Künstlerin Julia Benz. Unter dem Titel „Tomorrow Never Knows“ öffnet die Galerie Köppe Contemporary mit dem Künstler Jim Avignon und der Künstlerin Julia Benz erstmals seit März 2020 am 26. September wieder ihre Pforten zu einer Vernissage. Mit dem Titel „Tomorrow Never Knows“ (Man weiß nie, was morgen ist) nehmen die Künstler Bezug auf einen Song der Beatles von 1966 vom Album Revolver. Jim Avignon, Maler und Zeichner, Illustrator, Trickfilmer, Konzeptkünstler, Aktions- und Street Art Künstler, Songwriter, Musiker, Performer und Veranstalter von Happenings, begann seine Karriere in den frühen 1990er Jahren in New York und Berlin. Jim Avignon, It‘s Complicated, Mischtechnik auf Papier, 2020 Inzwischen ist Jim Avignon als „Chronist des urbanen Lebens“, wie er einmal bezeichnet wurde, nicht nur durch seine unverwechselbare Bildsprache, sondern auch durch seine Aktionen im öffentlichen Raum international bekannt. Die großformatigen Bilder, die der Künstler für seine Ausstellungen realisiert, entstehen zumeist mit Acrylfarbe auf Papier oder Karton. Die Farbgebung erinnert an die Popkultur, zumal die Bildgestaltung oft von den signalhaften Primärfarben Rot, Gelb und Blau bestimmt ist. Inhaltlich arbeitet Jim Avignon konstant […]

bis 17.10. | #2847ARTatBerlin | White Square Gallery zeigt derzeit die Ausstellung „PAPIER PAPPE HOLZ LEINWAND: PART 3“ mit Arbeiten von Sebastian Heiner, Albrecht Klink, Ashley Scott und Heinrich Maria Davringhausen. Ashley Scott, The hands of a Bubi Woman – El Rakahua, Papier und Acrylfarbe auf Holzplatte, 80 x 72 x 13 cm, 2020 Ausstellungsdaten: Freitag, 28. August – Samstag, 17. Oktober 2020     Ausstellung PAPIER PAPPE HOLZ LEINWAND: PART 3 – White Square Gallery | Zeitgenössische Kunst | Contemporary Art | Ausstellungen Galerien Berlin | ART at Berlin  

bis 31.10. | #2876ARTatBerlin | Taubert Contemporary zeigt ab 12. September 2020 die Ausstellung „IWANNABEWHEREYOUARE“ mit Werken des Künstlers Markus Linnenbrink. Taubert Contemporary freut sich, „IWANNABEWHEREYOUARE“ zu präsentieren, eine Ausstellung mit neuen Arbeiten von Markus Linnenbrink. In der neunten Ausstellung des 59-jährigen Künstlers bei Taubert Contemporary verwendet er eine breite Palette hoch angereicherter Farben. Diese dienen der weiteren Erforschung emotionaler und psychologischer Erfahrungen, die die Betrachter bei der Interaktion mit zweidimensionalen Oberflächen erleben, so als wären sie dreidimensionale Volumen – und umgekehrt. Markus Linnenbrink, WHATSYOURSOULLOOKINGLIKE, Epoxidharz auf Holz, 91,4 x 121,9 cm, 2020 In Zeiten der Moderne sprachen Maler über die Beziehung zwischen flachen, zweidimensionalen Oberflächen und dem tiefen, dreidimensionalen Raum in vorrangig formalen Begriffen. Damals lag der Fokus vor allem darauf, wie die Malerei, insbesondere die Abstrakte Malerei, an Oberflächen wie Leinwand, Tafel und Papier haftet und die Bildhauerei, hier vor allem die Abstrakte Skulptur, sich mit Volumen, Gewicht und Schwerkraft auseinandersetzt. Beide Medien wurden unabhängig voneinander behandelt und sollten nur sich selbst genügen. Diese Zeiten sind längst vergangen. Heute, da Menschen vermehrt die Realität über die Bildschirme ihrer Smartphones erleben, macht es kaum noch Sinn davon auszugehen, dass Kunst und Leben – oder zweidimensionale Bilder und dreidimensionale Realität […]

bis 31.10. | #2870ARTatBerlin | Galerie Tanja Wagner zeigt ab 11. September 2020 die Ausstellung „Mixed Feelings“ mit Werken der Künstlerin Grit Richter. Das Interview mit der Künstlerin im Rahmen des Gallery Weekend 2020 und Hintergrundinformationen zu ihrem Werk finden Sie auf DEEDS.WORLD. Grit Richter erforscht die Darstellung eines kollektiven menschlichen Gedächtnisses: ein von Natur aus verstandenes Set aus Gesten und Gefühlen, die nicht quantifiziert oder gemessen werden können. Ihre multidisziplinäre Praxis von Malerei, Skulptur, Wandmalerei und Textilwerken vereint sich in einem System intuitiver abstrakter Formen und Figurationen. Vor allem als Malerin verwendet sie Ölfarben auf gespanntem Leinen und Stoff, um ihre anthropomorphen, abstrakten Formen zu schaffen. Das Experimentieren ist ein wichtiger Teil ihrer Praxis und führt Richter zu ihrer einzigartigen Technik des Färbens und Bleichens von schwarzem Jeansstoff, auf dem sie malt und mit dem sie modelliert. Das Ergebnis sind die tief strukturierten Elemente, die sich sowohl im Vorder- als auch im Hintergrund biegen, falten und kontrastieren. Grit Richter, The Other Side, 125 x 100 cm, 2020 Mixed Feelings bezieht sich auf die vielfältigen Kombinationen widersprüchlicher Emotionen, die zu einem bestimmten Zeitpunkt empfunden werden können. Sowohl in ihrer Einzigartigkeit als auch in ihrer Pluralität bilden diese gemischten Gefühle, wie Sehnsucht, […]

bis 31.10. | #2869ARTatBerlin | Galerie Guido W. Baudach präsentiert ab 12. September 2020 die Ausstellung „out of the blue“ mit Werken der Künstlerin Tamina Amadyar. Das Interview mit der Künstlerin im Rahmen des Gallery Weekend 2020 und Hintergrundinformationen zu ihrem Werk finden Sie auf DEEDS.WORLD. Die Ausstellung im Rahmen des diesjährigen Gallery Weekend Berlin ist die dritte Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin mit der Galerie. Tamina Amadyar praktiziert eine neue, einzigartige Art der Farbfeldmalerei, die dezidiert in der zeitgenössischer Kontext. Auf der Grundlage von Situationsskizzen übersetzt sie biografische Erzählungen und persönliche visuelle Erfahrungen in abstrakte Bildschöpfungen verschiedener Farbtöne und Formate. Ihre Gemälde sind sowohl reduziert als auch farbintensiv zur gleichen Zeit. Jedes Werk hat nur zwei Farben. Amadyar mischt die Farben selbst, wobei sie reines Pigment und einen gelatineähnlichen Kleber verwendet. Das resultierende Material wird nicht nur charakterisiert durch eine enorme Leuchtkraft. Sie ermöglicht auch eine außergewöhnlich variable Farbdichte – Eigenschaften, die der Künstler weiß mit Virtuosität umzugehen. Amadyar malt mit immer dem gleichen Werkzeugtyp: einem besonders breiten, flachen Pinsel, der, wie eine Verlängerung des Körpers der Künstlerin, jede ihrer Bewegungen auf die transparente grundierte Leinwand transferiert. In diesem ebenso unvermittelten wie kontrollierten Prozess werden Elemente der Kalligraphie und […]

bis 31.10. | #2844ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt aktuell die Ausstellung „In abisso“ mit Werken des Künstlers Nicola Samorì. Das Interview mit dem Künstler im Rahmen des Gallery Weekend 2020 und Hintergrundinformationen zu seinem Werk finden Sie auf DEEDS.WORLD. Die Beziehung Nicola Samorìs zu den Quellen seiner Bilder ist durchdrungen von einer kontinuierlichen Auseinandersetzung mit der Geschichte der bildenden Kunst, nicht lehrhaft, sondern substanziell. Die Arbeit als Maler und Bildhauer impliziert notwendigerweise die Konfrontation mit diesem Erbe, das heutzutage nur allzu oft als sperriger Ballast wahrgenommen wird. Samorì hat keine Angst vor der Vergangenheit und vor seinen Vorgängern. Er nimmt sie als Vorbilder in Besitz und nutzt sie, um einen notwendigen Weg der Erkenntnis und Selbsterkenntnis zu durchlaufen, benutzt sie als Instrumente, um ihre Sprache zu dekonstruieren und eine eigene Poetik zu begründen. Nicola Samorì, La degenerazione di Daniel, Öl auf Bardiglio-Marmor, 40 x 30 cm, 2020 Die Suggestionskraft einer kunsthistorischen Ikone kann so stark sein, dass sie über die Jahrhunderte immer wieder neu bearbeitet wird, jedes Werk zu einem Baustein wird, der nach und nach die Elemente der Wiedererkennbarkeit verliert, immer mehr mit seinem jeweiligen Urheber eins wird und sich immer weiter vom Ursprungswerk entfernt. (…) In […]

bis 20.09. | #2860ARTatBerlin | aquabitArt Galerie zeigt ab 11. September 2020 die Ausstellung „From the Land of Eternity“ mit Werken der Künstlerin Huda Al Saie, kuratiert von Frances Stafford. Am 11. September öffnet die neue Ausstellung „From the Land of Eternity“ von Huda Al Saie im Rahmen der Berlin Art Week 2020 in der Galerie aquabitArt. Huda Al Saie ist eine bahrainische Künstlerin, die vor allem als die führende Pionierin der Porzellankunst in Bahrain bekannt ist. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen begann sie 2018 mit der Schaffung mehrerer Serien größerer Acrylgemälde auf Leinwand, die Al Saie aufgrund des Umfangs und des Mediums mehr Freiheit in ihrer Prozess. Dank der Unmittelbarkeit der Farbe konnte sie nun größere gestische Striche ausführen und generell mit Abstraktion arbeiten, im Vergleich zu den äußerst detaillierten und präzisen Arbeiten, die sich normalerweise für die traditionelle Porzellanmalerei eignen. Al Saie lässt sich von der einzigartigen und antiken Architektur Bahrains und der Flora und Fauna des Königreichs inspirieren. Huda Al Saie, Birds in Paradise (Bahrain), Foto: Matt Wardle, 2020 Als Kennerin der bahrainischen Kunst präsentiert die Kuratorin Frances Stafford vom 11. bis 20. September 2020 in der Ausstellung „From the Land of Eternity“ die neuesten Werke […]

bis 31.10. | #2859ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 19. September 2020 die Ausstellung „The Beautiful Ones …“ mit Werken aus Malerei und Stahl der Künstler Joax und Zam Johnson. Joax verarbeitet in seinen Skulpturen aktuelle Zeitgeschehen. Er sagt dazu: Fast alles was der Mensch denkt, was also aus seinem Kopf herausquillt, herausfließt, hervorkommt und aktiviert wird, symbolisiert den Wunsch nach ständigem Forschen und Entwickeln. Die Revolution der Wissenschaft hat es geschafft, Gene zu manipulieren und Kreaturen wie das Klonschaf Dolly sind lange Wirklichkeit. Der Mensch der heutigen Realität befindet sich in der ersten Generation einer Dopplung zwischen natürlichem und künstlich von Menschenhand erzeugtem Leben. Erschreckende, faszinierende Hybrid- Kreaturen werden geboren. Die Spätfolgen sind nicht bekannt. Über unnatürliches Eingreifen werden Lebensbedingungen verändert, werden Verjüngungen möglich, nach dem Wunsch wie er im Sinne des Jungbrunnens seit Jahrtausenden besteht. Durch das Streben nach Verjüngung wird durch manipuliertes Material in die natürlichen Altersprozesse eingegriffen. Der Mensch erdenkt mit seinem Gehirn Prozesse, macht sich die technischen Möglichkeiten zunutze und geht über ethische und moralische Bedenken hinaus. Manipulation wird zum Instrument, ja zur Normalität. Dies auch politisch und gesellschaftlich. Ein neuer Zustand entsteht. Das Unnatürliche wird zum Bestandteil des Natürlichen. Neue Realitäten entstehen. Fest stehende Werte brechen […]

bis 14.11. | #2856ARTatBerlin | drj art projects zeigt ab 27. September 2020 die Ausstellung „Schraffuren“ mit Werken der Künstlerin Anette Haas. Die dritte Ausstellung des Jahres 2020 bei drj art projects ist eine Einzelausstellung der Programmkünstlerin Anette Haas [*1961 in Salzgitter]. In ihrer Arbeit konzentriert sich Anette Haas seit langem auf wesentliche Fragen von Bild und Raum. Materialität und Technik, die ein Kunstwerk ausmachen, interessieren sie ebenso wie die Zeit und das Sehen, welche das Erschaffen und Betrachten von Kunst bestimmen. Insofern beschäftigt sie sich intensiv mit deren Grundphänomenen, wie der Linie und ihrem Raum, Farbe und ihren Nuancierungen, dem Verhältnis von Figur und Grund oder Geometrie und Proportion. Anette Haas‘ künstlerisches Vorgehen oszilliert zwischen elementaren Polen wie Kontrast und Gleichmäßigkeit, Verdichtung und Offenheit, Rand und Feld sowie explizit auch immer deren Übergängen. Die daraus abgeleiteten Untersuchungen und Fortschreibungen zeigen sich in ihren unterschiedlichen Werkgruppen wie Malereien, Zeichnungen und Drucken. Anette Haas, Linien I, Graphit auf Gips, 29 x 25 x 2 cm, 2020 In der aktuellen Ausstellung wird in gezielten Gegenüberstellungen gezeigt, wie Anette Haas über elementare Phänomene der Kunst im Umgang mit Material nachdenkt. So werden zu ihren charakteristischen Papierarbeiten in Acryl–Pigmentstift–Technik, die u.a. Farbe, Fläche, Rand und […]

bis 07.11. | #2857ARTatBerlin | EFREMIDIS GALLERY zeigt ab 11. September 2020 Ausstellung „Good“ mit Werken des Künstlers Hadi Fallahpisheh. Hadi Fallahpisheh performt allein in der Dunkelkammer. Die Dunkelheit beeinträchtig sein Sehvermögen, seine Bewegungen werden absurd und umständlich. Zur Herstellung seiner Arbeiten verwendet er verschiedene Werkzeuge und Methoden: Bälle und Taschenlampen, Keramik und fotografische Techniken. In mancherlei Hinsicht ähnelt sein Vorgehen einer Slapstick-Komödie. Isoliert in der der Dunkelheit wirft der Künstler – immer und immer wieder – einen Ball auf ein Blatt auf Kodak Metallic Paper, einer speziellen Sorte Fotopapiers. Oft verfehlt er sein Ziel gänzlich, doch wenn der Ball auf das Papier trifft, leuchtet eine Glühbirne auf. Durch den Blitz entsteht ein Fotogramm, die Belichtung verschiedener Objekte lässt schwache Umrisse und Gitter entstehen. Im nächsten Schritt nutzt er die Taschenlampe, um Linien auf das lichtsensible Papier zu zeichnen. Für vermeintliche Regeln hat Hadi Fallahpisheh nur ein Schulterzucken übrig. Er überschreitet die Grenzen zwischen Medien und Vorstellungen und benutzt seine Materialien absichtlich ‚falsch‘. Die Stärke seiner fotografischen Oberflächen liegt in ihrer bemerkenswerten malerischen Erscheinung. Es ist nur logisch, dass der Künstler das dicke Fotopapier auf Keilrahmen spannt, um die Idee des Malens nachzuahmen und auch zu verspotten. Hadi Fallahpisheh, Love […]

bis 24.10. | #2845ArtatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin präsentiert ab 11. September 2020 die Ausstellung Zima Blue mit während des Lockdowns entstandenen Werken der norwegischen Künstlerin Martine Poppe. Öffentlich und privat, zurückhaltend und ungestüm, wohlgeordnet und ungezügelt – für ihre zweite Ausstellung in Berlin hat die junge norwegische Künstlerin Martine Poppe eine Reihe außergewöhnlicher Gemälde und Skulpturen geschaffen. Die Pastellbänder in Poppes neuesten Arbeiten bleiben ihrem Markenzeichen – den halbmondförmigen Pinselstrichen auf Seide- oder Polyestersegeltuch – treu und erinnern dabei an die kontrollierte Stille von Agnes Martins Streifenmalerei. Jedoch entsteht zwischen Poppes Linien, durch die partielle Sicht auf drapierten, mit Farbe bespritzen Stoff, eine Woge zeitgenössischer Energie. Poppes Arbeiten leuchten spielend durch die zarte Leinwand und schweben dabei zwischen dem greifbaren und unwirklichen. “Die Oberfläche wird normalerweise als das ‘echte’ Gemälde angesehen, deshalb ist der Raum dahinter – immer noch sichtbar zwischen den Linien der ruhigen, geordneten Leinwand – ein Ort an dem ich aggressiv, verletzlich, verloren und bei mir selbst sein kann.” Martine Poppe, Between the lines, Öl auf Polyester-Restaurationsgewebe und Textilien, 160 x 110 cm, 2020 Martine Poppe ist sich der Rolle, die ihr eigenes Geschlecht bei der Betrachter*in im Ansehen und Verstehen der Arbeiten spielt, durchaus bewusst. […]

bis 22.10. | #2842ARTatBerlin | Galerie ART CRU Berlin zeigt ab 11. September 2020 die Gruppenausstellung mit Werken von 13 Künstler*innen aus dem Offenen Atelier St. Hedwig. Chaos und Ordnung sind Kräfte, mit denen wir alle zu tun haben. Wie man dem Chaos Raum geben kann, indem man es ordnet und ihm somit nicht unterliegt, zeigen 13 Künstler*innen aus dem Offenen Atelier St. Hedwig. Die begriffliche Dichotomie spielt eine wichtige Rolle in der Welt der Kunst und bei der Entstehung von Kunstwerken. Elemente aus beiden Seiten können im künstlerischen Prozess eine wichtige Rolle spielen. Als Prinzipien der „Ordnung“ könnte man z.B. nennen: das „penible“ Einhalten von farbkompositorischen Regeln, die Orientierung an künstlerischen Traditionen oder eine strenge Disziplin in der Anwendung bestimmter Techniken. Gabriele Graul, Chaos und Ordnung, Acryl, 70×50 cm, 2020 Beispiele für Elemente des „Chaos“ mögen sein: die anarchische Negierung jeglicher Vorgaben, der Bruch mit allem Vorher dagewesenen oder der Entschluss, ausschließlich mit neuen Medien und experimentellen Ausdrucksformen zu arbeiten. Das Spannungsfeld von Chaos und Ordnung, mit dem sich jede*r Künstler*in der Entwicklung seines/ihres Werkes auseinandersetzten „muss“, bietet einen schier unerschöpflichen Raum für Kreativität. Martin Nieder, O.T., Acryl auf Leinwand, 60×70 cm, 2018 In der Ausstellung werden verschiedene künstlerische […]