Kunstausstellungen von Berliner Galerien

bis 07.03. | #4924ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne präsentiert ab Freitag, 30. Januar 2026 die Ausstellung „Punktspiel“ des Künstlers Johannes Regin. Mit Punktspiel eröffnet Johannes Regin einen eigenwilligen Resonanzraum, der das Flüchtige, das Übersehene und das bewusst Unperfekte umkreist. Seine leisen, präzise gesetzten Punktraster verlangen ein genaues Sehen und ein geduldiges Wahrnehmen kleinster Abweichungen, rhythmischer Verschiebungen und durchscheinender Spuren früherer Eingriffe. Regin arbeitet materialbezogen und intuitiv zugleich. Ob gezeichnet, gemalt, gestochen oder in das Material eingearbeitet – jeder Punkt folgt einem inneren Regelwerk, das der Künstler zunehmend bewusst unterläuft. Fundstücke dienen ihm als dialogische Gegenüber, deren Risse, Brüche und Geschichten er in komplexen Überzeichnungen zusammenführt. So entstehen fragile Schwebezustände zwischen Ordnung und Auflösung, Ruhe und Bewegung. Kräftige Farben dringen von den Rändern her ins Bildfeld ein und erweitern das Raster zu pulsierenden Strukturen. Erinnerungsspuren bleiben dabei offen und nicht festgeschrieben – als visuelles Netzwerk, das sich ständig neu formiert. Parallel zeigt die Wichtendahl Galerie die Ausstellung backstage: REINHARD WÖLLMER | circles. Vernissage: Freitag, 30. Januar 2026, 17:00–20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 30. Januar – Samstag, 7. März 2026     Bildunterschrift Titel: Johannes Regin, o. T., 2025, Marker und Lack auf Karton, 13,3 × 8,5 cm. Ausstellung Johannes Regin – Galerie […]

bis 14.03. | #4922ARTatBerlin | WENTRUP zeigt ab Freitag, 30. Januar 2026 die Ausstellung hey, I’m still here der Künstlerin Jeehye Song. Wentrup freut sich, die erste Einzelausstellung von Jeehye Song mit der Galerie zu präsentieren: hey, I’m still here. Die Ausstellungseröffnung findet am Freitag, 30. Januar, von 18 bis 20 Uhr statt und läuft bis 14. März 2026. In Stephen Hawkings schwarzen Löchern krümmt sich die Welt nach innen. Masse sammelt sich, Zeit verliert ihre Richtung, und alles Sichtbare wird an eine Grenze gedrängt, hinter der Bedeutung nicht verschwindet, sondern sich verdichtet. Schwarze Löcher sind keine Leere, sondern Überfülle. Ähnlich wirken die Bilder von Jeehye Song. Ihre Malerei zeigt Körper und Gesichter, die sich auflösen, verschieben, Konturen sind instabil. Identität scheint im Moment des Betrachtens zu zerfallen. Die Körper fließen, Haut wird zu Farbe, Farbe zu Bewegung. Das Flüssige erzeugt Nähe und Unruhe zugleich. Man erkennt Körper, kann sie aber nicht festhalten. Wie Wasser sind sie in Fluss und gerade darin liegt ihr Mut: nicht zu erstarren. Hawkings Ereignishorizont ist eine Grenze des Wissens. In Songs Bildern ist es die Grenze des Ichs. Man sieht nicht das Ganze, sondern Spuren, wie Licht, das den Rand eines schwarzen Lochs erreicht. Schwarze Löcher im Universum […]

bis 28.02. | #4919ARTatBerlin | Meyer Riegger Berlin zeigt ab Freitag, 23. Januar 2026 die Ausstellung „ALLEMANN“ des Künstlers Paulo Nazareth. Mit ALLEMANN zeigt Meyer Riegger in Berlin eine neue Ausstellung von Paulo Nazareth, dessen künstlerische Praxis sich an der Schnittstelle von Malerei, Sprache, Performativität und kultureller Zuschreibung bewegt. Nazareth untersucht Fragen von Identität, Zugehörigkeit und kultureller Codierung und setzt diese in einen erweiterten gesellschaftlichen und politischen Kontext. Der Ausstellungstitel verweist auf sprachliche Verschiebungen und Mehrdeutigkeiten und steht exemplarisch für Nazareths Arbeitsweise, in der Bedeutungen nicht fixiert, sondern bewusst offen gehalten werden. Seine Arbeiten operieren mit Zeichen, Farben und Referenzen, die kulturelle Narrative sichtbar machen und zugleich infrage stellen. In den in Berlin gezeigten Gemälden verdichten sich diese Fragestellungen in einer reduzierten, präzisen Bildsprache. Die Werke verbinden formale Klarheit mit konzeptueller Tiefe und eröffnen einen Raum, in dem kulturelle Identität als dynamischer, verhandelbarer Prozess erfahrbar wird. Vernissage: Freitag, 23. Januar 2026, 18:00–21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 23. Januar – Samstag, 28. Februar 2026     Bildunterschrift: Paulo Nazareth, Sem título [Camisa 10], AlemaN’o / Série Amarelo-Laranja, 2025, Acryl auf Leinwand, 40 × 30 cm. Ausstellung Paulo Nazareth – Meyer Riegger | Contemporary Art – Zeitgenössische Kunst in Berlin – Ausstellungen Berlin […]

bis 18.03. | #4918ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab Freitag, 30. Januar 2026 (Vernissage: 29.01.) die Ausstellung Ode aus Japan – Japan in Berlin der Künstler*innen Takayuki Daikoku, Renate Hampke, Mayako Kubo, Taijoh Mori, Teppei Miyaki, Cornelia Nagel, Kazuki Nakahara, Ursula Sax, Ken‘ichiro Taniguchi, Hitomi Uchikura und Tomoyuki Ueno. Die Wiedervereinigung Deutschlands und die parallel verlaufende Phase intensiver Globalisierung beschleunigten den internationalen Austausch nachhaltig. Berlin entwickelte sich in diesem Kontext zu einem zentralen Produktionsort zeitgenössischer Kunst und zog eine wachsende Community japanischer Künstlerinnen und Künstler an. Diese Entwicklung steht in einer langen Tradition des kulturellen Austauschs zwischen Japan und Europa. Die europäische Moderne ist eng mit der Rezeption außereuropäischer Kunst verbunden. Insbesondere der japanische Holzschnitt prägte die französischen Impressionisten ebenso wie die deutschen Expressionisten, etwa in den Künstlergruppen Der Blaue Reiter und Die Brücke. Bereits im späten 19. Jahrhundert waren japanische Holzschnitte in Europa weit verbreitet; Künstler wie Franz Marc besaßen und studierten entsprechende Werke. Besonders einflussreich waren die Arbeiten von Katsushika Hokusai, dessen Große Welle heute weltweit zu den bekanntesten Grafiken zählt. Schon 1931 wurde in Berlin eine umfassende Ausstellung zeitgenössischer japanischer Kunst realisiert. Vor diesem historischen Hintergrund bietet die Vertretung der Künstler:innen Hitomi Uchikura und Takayuki Daikoku durch […]

bis 22.03. | #4914ARTatBerlin | Luisa Catucci Gallery präsentiert ab Donnerstag, 29. Januar 2026, die Gruppenausstellung Nature’s Signature der Künstler*innen Zak van Biljon, Tom Kretschmer und Samanta Malavasi. Nature’s Signatures entfaltet einen sensiblen Dialog zwischen Kunst und Natur und vereint drei Einzelausstellungen, in denen die Künstler jeweils den leisen Einschreibungen der Natur nachspüren. Im Obergeschoss eröffnet Zak van Biljon mittels Nahinfrarotlicht neue Perspektiven auf Landschaften, indem er Farbbereiche sichtbar macht, die dem menschlichen Auge normalerweise verborgen bleiben, und so eine erweiterte Wahrnehmung von Realität ermöglicht. Im Erdgeschoss folgt Tom Kretschmer den Bewegungen von Wasser und Zeit in Videoarbeiten und analogen Installationen, die von Fluss, Sediment und Erinnerung erzählen. In direkter Nachbarschaft laden die monochromen Leinwände von Samanta Malavasi zu einer nach innen gerichteten Betrachtung ein, in der natürliche Formen mit mentalen Zuständen in Resonanz treten und feine Verbindungen zwischen äußerer Welt und inneren Landschaften anklingen lassen. Gemeinsam formen diese drei Positionen eine Art Kartografie der Zeichen der Natur – eine Einladung zum Innehalten, Beobachten und Lauschen und zur erneuten Wahrnehmung einer Welt, die unablässig kommuniziert: durch sichtbare wie unsichtbare Gesten, lesbar für jene, die sich die Zeit nehmen, ihnen aufmerksam zu folgen. Modernizing Nature von Zak van Biljon Zak van […]

bis 21.03. | #4911ARTatBerlin | Robert Morat Galerie präsentiert ab Samstag, 17. Januar 2026 (Vernissage: 16.01.) die Ausstellung Tres Viajes des Künstlers Jörg Brüggemann. Die dreiteilige Serie Tres Viajes des deutschen Fotografen Jörg Brüggemann widmet sich der Erkundung Chiles – seiner Landschaften, seiner Menschen und der vielschichtigen Beziehungen, die sich zwischen Individuen entfalten. Mi Madre Tiene Novio (2018) ist eine zutiefst persönliche Auseinandersetzung mit Trauer. Zehn Jahre nach dem Tod seiner Mutter begibt sich Brüggemann auf eine Suche nach ihr. Von Chile aus durchquert er den südamerikanischen Kontinent und kehrt an jenen Ort zurück, an dem er einst die Nachricht von ihrem Tod erhielt – eine Reise durch Südamerika, geprägt von Erinnerung und Verlust. Jörg Brüggemann, Mi Madre Tiene Novio No.5, 2018 Ein Jahr später entsteht die Serie El Derecho De Vivir En Paz (2019). Bei seiner Rückkehr nach Chile trifft Brüggemann auf ein Land im Zustand sozialer Erschütterung. Die Bevölkerung erhebt sich gegen politische Ungerechtigkeit, die Straßen werden zum Schauplatz von Protest und Gewalt. Als Zeuge dieses historischen Moments ermöglicht seine Arbeit ein unmittelbares Eintauchen in die Dynamik des Aufstands. Die abschließende Serie Aguas Que No Has De Beber (2022) nimmt die Form eines poetischen Essays an. Sie erzählt […]

bis 25.01. | #4908ARTatBerlin | Galerie oqbo präsentiert ab Freitag, 9. Januar 2026 die Gruppenausstellung „GRANULAR“ mit Arbeiten von Achim Kobe, Maike Schröder, Anna Schuster, Renate Wolff und Julia Ziegler. Die Gruppenausstellung „GRANULAR“ versammelt künstlerische Positionen, die sich mit Raumwahrnehmung, Bewegung und der Frage nach Kontinuität und Fragmentierung auseinandersetzen. Ausgangspunkt ist die Vorstellung einer granularen Raumzeit, in der Wahrnehmung, Orientierung und körperliche Bewegung nicht als fließende Prozesse, sondern als Abfolge diskreter Schritte verstanden werden. Die Ausstellung überträgt diese theoretische Annahme in visuelle, materielle und räumliche Setzungen. Achim Kobe zeigt Papierarbeiten aus dem Jahr 2018, die auf linear-abstrakten Strukturen basieren. Innerhalb eines selbst definierten Regelwerks entstehen serielle Abweichungen, die das Spannungsverhältnis zwischen Ordnung und Irritation sichtbar machen. Mit kunstharzgebundenem Farbstoff auf Büttenpapier erzeugt Kobe transparente Farbschichten, die entweder nass in nass oder in klar gegliederten Ebenen aufgebaut sind. Ziel ist eine formale Komplexität bei zugleich reduzierter Haptik, in der sich Fläche, Rhythmus und Abweichung überlagern. Maike Schröder, Night Lines, 2024, transparenter Fotoabzug über Licht/Holografiecollage, 180 × 120 cm. Maike Schröder entwickelt mit „Night Lines“ eine Arbeit, die Malerei vom Bildträger löst und in den Raum überführt. Licht, Schatten, Spiegelung und fotografische Elemente treten in eine wechselseitige Korrespondenz und erweitern das Bild […]

bis 07.02. | #4904ARTatBerlin | Haverkampf Leistenschneider präsentiert ab Mittwoch, 7. Januar 2026 eine Einzelausstellung der Künstlerin Heidrun Rathgeb. Die Galerie Haverkampf Leistenschneider präsentiert eine Reihe kleinformatiger Werke von Heidrun Rathgeb in ihrem Galerie-Kabinett. Die Künstlerin lebt und arbeitet am Bodensee im Südwesten Deutschlands. Das Licht und die Landschaft ihrer Umgebung prägen ihre intimen, leuchtenden und sorgsam geschichteten Eitempera-Gemälde. Ausgehend von Pleinair-Skizzen, die sie als ihre „täglichen Epiphanien“ bezeichnet, übersetzt sie erlebte Momente (niemals Fotografien) in Schichten aus Farbe und Licht, die ihre Verbundenheit mit der Natur und ihrer persönlichen Umgebung widerspiegeln. Heidrun Rathgeb, Füße in San Mamete (Feet in San Mamete), 2025, Eitempera auf Gesso auf Holztafel, 14 x 9 cm Beeinflusst von frühen sienesischen Malern sowie Künstlerinnen und Künstlern wie Winifred Nicholson und Paula Modersohn-Becker, betrachtet Rathgeb das Malen als einen Akt der Aufmerksamkeit und Sorgfalt und lässt sich dabei von ihrer Familie, ihrem Zuhause und langen Wanderungen durch die Alpen, Norwegen und Schottland inspirieren. Heidrun Rathgeb, Zeichnen bei Nacht (Drawing at Night), 2025, Eitempera auf Gesso auf Holztafel, 8 x 12 cm Heidrun Rathgeb (geb. 1967) absolvierte ihr Studium an der Byam Shaw School of Art und erwarb anschließend ihren MFA an der Slade School of Fine Art in London. Zuletzt hatte sie Einzelausstellungen […]

bis 10.01. | #4901ARTatBerlin | Galerie SCHMALFUSS BERLIN zeigt aktuell die Gruppenausstellung In the Mood. Mit Werken von Ariane Boss, Martin Wehmer, Andreas Amrhein, Roland Stratmann, Johannes Schramm, Hans Scheib, Bernd Schwarting, Susanne Auslender, Elvira Bach, Martina Ziegler, Jürgen Paas, Christiane Grimm, Florian Pelka, Georg-Friedrich Wolf, Jürgen Jansen, Carola Schapals, Sonja Weber Ausstellungsdaten: Samstag, 29. November 2025 bis Samstag, 10. Januar 2026     Bildunterschrift Titel: Martina Ziegler, Nature under construction No 04, rechts, 2025, Lack auf Pigment Aludibond, 448 x 448 cm Ausstellung In the Mood – Galerie SCHMALFUSS BERLIN – Zeitgenössische Kunst – Ausstellungen Berlin Galerien – ART at Berlin

bis 07.02. | #4896ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt derzeit die Ausstellung Seasonal Detox der Künstler*innen Martin Eberle, Ernstina Eitner, Robert Gfader, Thomas Rentmeister, Vincent Tavenne, Ina Weber, Marcus Weber und Reinhard Wilhelmi. Ausstellungsdaten: Samstag, 13. Dezember 2025 – Samstag, 07. Februar 2026 Winterpause: Samstag, 20. Dezember 2025 bis Mittwoch, 14. Januar 2026     Bildunterschrift: Marcus Weber, Ente, 2020, Öl auf Leinwand, 60 x 90 cm Gruppenausstellung Seasonal Detox – Laura Mars Gallery | Zeitgenössische Kunst Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 17.01. | #4893ARTatBerlin | Kuckei + Kuckei zeigt ab Mittwoch, 17. Dezember 2025 die Ausstellung Solo der Künstlerin Jörn Vanhöfen. „Die Idee war euphorisierend, aber wie so oft erweist sich die Umsetzung von Leidenschaft auch als mühsam. In diesem Fall wollte ich Deutschland in 681 Kilometern von West nach Ost durchwandern, von meiner Geburtsstadt Dinslaken am Rande des Ruhrgebietes nach Berlin.“ (Jörn Vanhöfen) Eine Wanderung als Abschied von der Kindheit und der Zeit danach. Abschied von der Umgebung, die einen prägte. Abschied von Erinnerungen. Sich entfernen, zu Fuß. Langsam verschwinden die Dächer der Kindheit am Horizont. Neue Horizonte öffnen sich. Eine Wanderung mit zwei Aspekten. Die persönliche Trennung von einem Ort. Gedanklich und physisch. Zugleich eine Begegnung mit Deutschland. Auf einem Marsch von Westen in den Osten. Orten begegnen, die beim Wanderer Spuren hinterlassen. Wechselbäder von Schrecken und Schönheit. Deutscher Alltag eben. Jörn Vanhöfens fotografische Mosaiksteine beschreiben den Weg ohne den zynischen Pathos der Arroganz. Es ist, wie es ist. Damit müssen wir klarkommen. Denis Brudna Vernissage und Talk: Mittwoch, 17. Dezember 2025, 18 Uhr Ausstellungsdaten: Mittwoch, 17. Dezember 2025 bis Samstag, 17. Januar 2026     Bildunterschrift Titel: Jörn Vanhöfen, Berlin, 2024,  Archival ink on Cotton Rag Paper, je 20 x […]

bis 31.01. | #4890AARTatBerlin | Galerie kajetan Berlin präsentiert ab Samstag, 13. Dezember 2025 (Vernissage: 12.12.) die Ausstellung „Sidetracked“ des Künstlers Marc Nagtzaam. Die Galerie kajetan freut sich, unter dem Titel Sidetracked eine Einzelausstellung des niederländischen Künstlers Marc Nagtzaam (*1968) präsentieren zu dürfen. Die Ausstellung vereint aktuelle Graphitzeichnungen und neueste Riso-Drucke, in denen Nagtzaam seine charakteristische, geometrisch anmutende Formensprache erstmals um Farbe erweitert. Bereits seit den späten 1990er Jahren entwickelt Nagtzaam ein zeichnerisches Werk, das von der Spannung zwischen Ordnung und Abweichung getragen ist. Seine Arbeiten entstehen langsam, Schicht für Schicht, als sukzessive Verdichtungen von Flächen und Rhythmen. Dabei ist das Zeichnen selbst Gegenstand seiner Arbeiten — ein Prozess, der Zeit dokumentiert, visuelle Räume erschafft und den Blick auf das grundlegende Element eines Bildes lenkt: die Linie.  Marc Nagtzaam, Sidetracked, Exhibition view, Courtesy the artist & Galerie kajetan, Photo: Gunter Lepkowski In A Collection of Pages (2025) schafft Nagtzaam ein System von rechteckigen Feldern, die einem Raster ähneln könnten, würden sie nicht durch bewusste Leerstellen gekennzeichnet sein. Die offenen Partien, die den Blick auf den Bildträger — das Papier — und frühe Zeichenschichten freigeben, bezeugen einen linearen Aufbau des Bildes und lassen kleine Abweichungen innerhalb der bezeichneten Felder zu Tage […]

bis 19.12. | #4887ARTatBerlin | Galerie alexander levy zeigt derzeit die Ausstellung Frank des Künstlers Fabian Knecht. Frank (2025) durchzieht den Ausstellungsraum mit einem schwer zu verortenden Knacken und Knistern. Die Tonquelle – hinter einer Wand verborgen – stammt von platzenden Bläschen aus Gelenkflüssigkeit. Die Arbeit macht einen funktionalen Zusammenhang sichtbar, der für alle Exponate relevant ist: die körperlich belastende Tätigkeit des Art Handling, die Voraussetzung dafür ist, dass Kunst überhaupt rezipierbar wird. Für diese Arbeit sucht Fabian Knecht regelmäßig seinen Chiropraktiker Frank auf, der zugleich die Klangbasis für das Werk liefert. Fabian Knecht, “Lachen ist verdächtig (Ist Fabian sich sicher, dass die Stoffe bunt sind?)”, 2025, Transport trolley, textile, 158 x 132,5 x 100 cm, courtesy of the artist and alexander levy, Berlin. Photo Fabian Knecht Zwei weitere Arbeiten – „Lachen ist verdächtig (Ist Fabian sicher, dass die Stoffe bunt sind?)“ (2025) und „Siegfried“ (2025) – wurden von anderen Künstlern geschaffen und von Knecht in den Kunstraum gebracht. Seit 2022 unterstützt er auf diese Weise den zivilen Widerstand in der Ukraine. Die aus Textilien bestehende formlose Masse sind Tarnnetze, die zu Kriegsbeginn von der Zivilbevölkerung geknüpft wurden. Ihre Bedeutung liegt weniger im militärischen Nutzen als in ihrer gemeinschaftsstiftenden Funktion. […]

bis 10.01. | #4883ARTatBerlin | KLEMM’S zeigt ab 21. November 2025 die Ausstellung Barometer of Self-Optimization des Künstler*innen Nassim L’Ghoul und Stefanie Schwarzwimmer. Klemm’s präsentiert Barometer of Self-Optimization, ein Videoprogramm mit Werken von Nassim L’Ghoul (*1997 in Bad Soden) und Stefanie Schwarzwimmer (*1990 in Linz), das im Untergeschoss von Klemm’s gezeigt wird. Als Ergänzung zu Sven Johnes Ausstellung „Eternal 20th Century“ untersucht das Programm konzeptionelle Verbindungen zwischen den Generationen und behandelt Themen wie Gewalt, Arbeit, Krieg und das Unheimliche. In seinen Werken verwendet Nassim L’Ghoul digitale und konzeptionelle Werkzeuge, um persönliche Erfahrungen zu abstrahieren und sie mit gefundenem Material zu verweben. Durch die Rekontextualisierung dieser Fragmente entstehen hybride Umgebungen, die zwischen Realität und Imagination oszillieren. Stefanie Schwarzwimmer konstruiert virtuelle Räume, in denen sie Erinnerungen, Medien und Popkultur miteinander vermischt und so satirische Reflexionen über gesellschaftliche Trends schafft. Ihre Arbeit untersucht die Erstellung von Inhalten, Selbstoptimierung, Konsumismus und visuelle Macht in einer mediengesättigten Welt. Vernissage: Freitag, 21. November 2025, ab 19 bis 21 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 21. November 2025 bis Samstag, 10. Januar 2026 Filmvorführungen: Samstage, 12–18 Uhr und nach Vereinbarung.     Bildunterschrift: Nassim L’Ghoul, ‘Soliloquy’, 2025. Film still. Ausstellung Nassim L’Ghoul + Stefanie Schwarzwimmer – KLEMMS | Zeitgenössische Kunst […]

bis 18.12. | #4880ARTatBerlin | Galerie Esther Schipper präsentiert ab Freitag, 14. November 2025, die Ausstellung Ensemble der Künstler Jac Leirner und Rafa Silvares. Esther Schipper freut sich, die Ausstellung „Ensemble“ anzukündigen, die Werke von Jac Leirner und Rafa Silvares vereint. Für Silvares ist es die erste, für Leirner die dritte Ausstellung in der Galerie. Im Jahr von Silvares’ Geburt, etwa hundert Kilometer landeinwärts, schloss Leirner ihre künstlerische Ausbildung ab; Jahrzehnte später studierte Silvares am selben Institut in São Paulo. Die Ausstellung, die ihren regen Briefwechsel fortsetzt, ist das Ergebnis des Austauschs der Künstler in ihren jeweiligen Welten. Ausgehend von der Gewohnheit, Alltagsgegenstände aufzuheben, zu skizzieren und aufzubewahren, erinnert der Dialog der Künstler an eine Benjamin’sche Ode an das Sammeln. Eine neue Version von Leirners bahnbrechendem Werk „Hip Hop“ (1998/2025) erstreckt sich über die Wände des Ausstellungsraums. „Hip Hop“, Teil der Solomon R. Guggenheim Collection, wurde bereits in acht Institutionen auf verschiedenen Kontinenten präsentiert. Für diese Präsentation hat Leirner eine neue Version des historischen Werkes geschaffen und das Motiv „Scratch“ hinzugefügt – eine Abfolge von vier parallelen, diagonalen Balken. Die Installation ist eine Hommage an Piet Mondrians vorletztes Gemälde „Broadway Boogie Woogie“ (1942–43) und verdankt ihren Namen den ungestümen Rhythmen, die […]

bis 17.01. | #4877ARTatBerlin | Galerie mutare zeigt ab Donnerstag, 27. November 2025 (Vernissage: 29.11.) die Ausstellung „Innige Landschaften“ des Künstlers Shuji Hijiya. Shuji Hijiya (1942–2018) war ein japanischer Maler, der den größten Teil seines Lebens in Deutschland verbrachte. Nach ersten Ausstellungen in den 1970er Jahren zog er sich aus dem Kunstbetrieb zurück, um in völliger Zurückgezogenheit weiterzuarbeiten. Viele seiner Werke blieben bis zu seinem Tod ungesehen – Bilder, die erst jetzt, Jahrzehnte nach ihrer Entstehung, ans Licht kommen. Der Maler, 1942 im japanisch besetzten China geboren, studierte zunächst Soziologie in Tokio, bevor er nach Wien und später nach Deutschland kam. In Ostholstein und Berlin fand er über Jahrzehnte hinweg zu einer eigenständigen, westlich geprägten Bildsprache. Zugleich blieb seine Malerei durchdrungen von einem fernöstlichen Empfinden für Leere, Zeit und Vergänglichkeit. Die Ausstellung „Innige Landschaften“ lädt dazu ein, dieses Werk zu entdecken. Hijiya entwickelt in seinen Bildern eine Form von Stillleben der Seele: kein naturalistisches Abbild, sondern eine Verdichtung von Wahrnehmung und Erinnerung. Vernissage: Samstag, 29. November 2025, 14:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 27. November 2025 bis Samstag, 17. Januar 2026     Bildunterschrift Titel: Shuji Hijiya, o.T. (confidence) I (Ausschnitt) I Öl/Lw | Künstlerrahmen | 65 x 60 cm | 1975-1985 Ausstellung […]

bis 31.01. | #4874ARTatBerlin | GALERIE STEFAN RASCHE zeigt ab 21. November 2025 die Ausstellung Großstadt! Menschen! Technik! Gefahr!. Vom 21. November 2025 bis zum 31. Januar 2026 präsentiert die Galerie eine Gruppenausstellung, in der erstmals Werke der Moderne von 1920 bis 1970 gemeinsam mit zeitgenössischen Positionen gezeigt werden. Unter dem alarmierenden Titel „Großstadt! Menschen! Technik! Gefahr!“ – entnommen einem Kriminalfilm aus dem Jahr 1966 – stehen urbane Räume und Architekturen im Mittelpunkt, ebenso wie Baustellen, Industrie und Verkehr. Dieser thematische Schwerpunkt prägt das Programm der Galerie seit Langem. Entsprechend folgt auch die Auswahl moderner Werke diesem Fokus und wird in dichter Präsentation auf einer großen, farbig gestalteten Wand gezeigt. In Gemälden, Zeichnungen und grafischen Arbeiten lassen sich hier vielfältige Stadt- und Architekturdarstellungen des 20. Jahrhunderts entdecken. Werke der klassischen Moderne sowie des Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit führen zu verschiedenen Ausprägungen gegenständlich-realistischer Nachkriegskunst über. Dabei treten ganz unterschiedliche Blickwinkel und Stimmungen zutage – vom pulsierenden Treiben der Großstadt bis hin zu melancholischen Szenen menschenleerer Straßen und Plätze. Häufig erscheinen Berliner Motive, da viele der präsentierten Künstler hier studiert, gelebt und gearbeitet haben. Auch Verkehrsmittel wie Autos, Flugzeuge und Eisenbahnen werden zu Gegenständen künstlerischer Auseinandersetzung. Obwohl sich in der Sammlung […]

bis 18.01. | #4872ARTatBerlin | Galerie Judin (Tankstelle) zeigt ab 15. November 2025 (Vernissage: 14.11.) die Ausstellung „Cloud Fever„ des Künstlers Adrian Ghenie. In seinen neuen Werken untersucht Ghenie eine Gesellschaft, die zunehmend von sozialen Medien und digitalen Routinen vereinnahmt wird. Ausgehend vom vertrauten Bild einer Person, die beim Frühstück auf ihr Smartphone starrt, thematisieren die Arbeiten die Folgen exzessiver Bildschirmzeit: schrumpfende Aufmerksamkeitsspannen, nachlassendes Urteilsvermögen, emotionale Verstärkung durch Algorithmen und den Verlust realer Interaktionen. Der Begriff „Gehirnfäule“, Oxfords Wort des Jahres 2024, dient Ghenie als Ausgangspunkt für seine künstlerische Auseinandersetzung. Ghenie selbst hat sich nie mit sozialen Medien beschäftigt, eine Haltung, die ihm Distanz verschafft – wenngleich er die mühelose digitale Kompetenz jüngerer Generationen mit einem gewissen Neid betrachtet. Wie schon in seinen früheren Serien nähert er sich dem Thema mit quasi-wissenschaftlicher Distanz, diesmal weniger als Historiker, sondern eher als Anthropologe, der einen neuen Menschentypus beobachtet: den Homo digitalis. Diese Spezies verfügt über beispiellosen Zugang zu Informationen, zieht sich aber in algorithmisch kuratierte digitale Welten zurück. Für Ghenie gleicht die Digitalisierung einer neuen Ideologie – einer, die komplexe Realitäten vereinfacht und gleichzeitig Fragmentierung und Echokammern erzeugt. Die Figuren in seinen Gemälden sind verzerrte humanoide Formen, die an Science-Fiction-Wesen erinnern. Sie […]

bis 20.12. | #4869ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts präsentiert ab Samstag, 15. November 2025 (Vernissage: 14.11.), die Ausstellung „Sons“ des Künstlers Archie Rand. Contemporary Fine Arts präsentiert in Kooperation mit Max Werner „Sons“ des US-amerikanischen Künstlers Archie Rand – seine erste Einzelausstellung in Deutschland. Rand, 1949 in Brooklyn, New York, geboren, zählt zu den bedeutendsten Stimmen der zeitgenössischen Malerei an der Schnittstelle von Text, Religion und Popkultur. Seit über fünf Jahrzehnten erforscht er in monumentalen Werkserien die Beziehung zwischen Wort und Bild – häufig inspiriert von jüdischer Schrift und Kommentarliteratur, aber stets jenseits klassischer Illustration. Seine Bildsprache ist expressiv, laut, und voller erzählerischer Energie: leuchtende Farben, groteske Figuren, visuelle Überlagerungen. In der neuen Serie Sons (2018–2024) bezieht sich Rand auf Francisco de Zurbaráns barocke Gemälde Jakob und seine zwölf Söhne, die er auf radikale Weise neu interpretiert. Statt die biblischen Stammväter selbst darzustellen, malt Rand ihre Träume – surreale Szenen voller Ritter, Dinosaurier, Cowgirls und urbaner Helden, die aus den Bildwelten amerikanischer Nachkriegscomics zu stammen scheinen. Diese Werke sind zugleich mythologisch und zutiefst autobiografisch: Fragmente eines visuellen Gedächtnisses, gespeist aus Kindheit, Religion und Kunstgeschichte. Rands Malerei oszilliert zwischen Ernst und Spiel, zwischen religiöser Symbolik und comicartiger Ironie. Sie ist frei von Nostalgie, doch durchdrungen […]

bis 24.01. | #4867ARTatBerlin | Galerie Georg Nothelfer zeigt ab 15. November 2025 (Vernissage: 14.11.) die Ausstellung Like wolves on the Fold der Künstler*innen Gerhard Hoehme und Delia Jürgens. An der Schnittstelle zweier Generationen präsentiert die Ausstellung „Like Wolves on the Fold“ Werke von Gerhard Hoehme (1920 – 1989), einer zentralen Figur des Deutschen Informel der Nachkriegszeit, und Delia Jürgens *1986), einer jungen Künstlerin, die sich mit Fragen zeitgenössischer Malerei im Informationszeitalter auseinandersetzt. „Fold“ steht dabei für das Unsichtbare im Dazwischen, was sich wie eine immaterielle Welt zeigt: Einerseits als invertierte, seismographische Gebirgsfalte, die eine neue Bedeutung zwischen den beiden künstlerischen Positionen eröffnet. Andererseits verweist „Fold“ auf Jürgens Serie „Facades – A Morning Full of Dust, You’re Half Inside and Half Way Out“, in der sie Eindrücke des Straßenlebens vor ihrem Atelier in Los Angeles verarbeitet und somit zugleich auf Ungleichheiten in westlichen Gesellschaften verweist. Die Ausstellung vereint beide künstlerischen Perspektiven im Tag- und Nachtrhythmus des Lichts und lädt das Publikum ein, die spannungsreichen Zwischenräume zwischen Geschichte, Gegenwart und urbanem Leben zu entdecken. Die Arbeiten von Hoehme und Jürgens treten dabei in einen Dialog, der neue Wege im Lichtspiel des Tages auf weißem, unbeschriebenem Raum eröffnet. Am 15. November um […]

bis 19.12. | #4864ARTatBerlin | Galerie Michael Haas zeigt ab Freitag, 15. November 2025 (Vernissage: 14.11.) die Ausstellung „Neue Bilder 2023-2025“ des Künstlers Reinhard Pods. Reinhard Pods, Ohne Titel (Pauline Schaum Meer Muschel), 2025, 170,5 x 180 cm. Foto: Jörg von Bruchhausen Ort: Niebuhrstraße 5, Berlin-Charlottenburg Vernissage: Freitag, 14. November 2025, 18:00–20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 15. November – Freitag, 19. Dezember 2025     Bildunterschrift Titel: Reinhard Pods, Malen nach Zahlen, 2025, Öl und Aquarell auf Leinwand, 170 x 260 cm. Foto: Jörg von Bruchhausen Ausstellung Reinhard Pods – Galerie Michael Haas | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 04.04. | #4861ARTatBerlin | Sprüth Magers Berlin präsentiert ab 14. November 2025 (Vernissage: 13.11.) die Ausstellung „Kara Elizabeth Walker presents Dispatches from A— and the Museum of Half-remembered Histories“ der Künstlerin Kara Walker. Kara Walkers Werk untersucht Themen wie Rasse, Geschlecht, Sexualität und Gewalt und zeugt von einer tiefgründigen Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Komplexitäten. Damit etabliert sie sich als eine der herausragendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen amerikanischen Kunst. In der Galerie Sprüth Magers in Berlin präsentiert Walker erstmals brandneue Collagen aus Scherenschnitten in leuchtenden Tusche- und Aquarellfarben. Die großformatigen, an historische Gemälde erinnernden Arbeiten bauen auf ihren ikonischen monochromen Silhouetten auf und nutzen die Kraft formaler Komposition, Textur und Farbe. Ergänzt wird die Ausstellung durch neue Pastellzeichnungen, die traditionelle Genres neu interpretieren, sowie durch einige eindrucksvolle Aquarelle. Für ihre neue Werkreihe lässt sich Walker von einer illustrierten populären Geschichte der Vereinigten Staaten aus den 1870er Jahren inspirieren, um zu untersuchen, wie die Entstehung von Geschichte verhandelt wird – eine Verhandlung, die bis heute andauert. Unter der Oberfläche der schwierigen Realitäten ihres Heimatlandes. Indem sie diese Quelle aus der Zeit nach dem Bürgerkrieg untersucht, hinterfragt sie die Mechanismen, durch die die amerikanische Identität konstruiert und mythologisiert wurde. Sie verwendet farbenfrohe Scherenschnitte und […]

bis 07.02. | #4857ARTatBerlin | ChertLüdde (Ritterstr. 2A) zeigt ab 22. November 2025 die Ausstellungen „At the limits of the city“ des Künstlers David Horvitz und „Let Them Say Something“ des Künstlers Ali Eyal. ChertLüdde präsentiert zwei parallele Einzelausstellungen der in Los Angeles lebenden Künstler David Horvitz und Ali Eyal, die jeweils auf poetische und gesellschaftlich reflektierte Weise Fragen von Ort, Erinnerung und kollektiver Erfahrung untersuchen. Die Eröffnung findet am Samstag, den 22. November 2025, von 18 bis 21 Uhr in der Galerie statt. David Horvitz – At the limits of the city David Horvitz erweitert in seiner Ausstellung At the limits of the city das Erbe der kalifornischen Konzeptkunst der späten 1960er- und frühen 1970er-Jahre. Der Künstler untersucht geographische Grenzen, indem er Elemente seines Los-Angeles-Gartenprojekts nach Berlin überträgt und dadurch den Dialog zwischen zwei urbanen Räumen neu interpretiert. David Horvitz, At the limits of the city, 2025, Four photographs printed Hahnemühle Photorag Baryta 315gsm paper, each, unframed: 35 × 44 cm Im Zentrum der Ausstellung steht eine rekonstruierte Holzplattform, die auf einer Struktur aus Horvitz’ eigenem Garten basiert. Aufnahmen von Dichter*innen, die dort aufgetreten sind, ertönen im Galerieraum und tragen die Atmosphäre einer Gemeinschaft über Kontinente hinweg. Während der […]

bis 24.01. | #4855ARTatBerlin | Galerie Judin zeigt ab 15. November 2025 (Vernissage: 14.11.) die Ausstellung „Error 404„ des Künstlers Alexander Basil. Selbstreflexion, Kontemplation, Suche – das sind die Begriffe, die einem zuerst in den Sinn kommen, wenn man versucht, Alexander Basils jüngste Gemälde zu beschreiben. Bei einem Künstler wie Basil, dessen unverwechselbare Bildsprache so unmittelbar erkennbar ist, fallen selbst die subtilsten Veränderungen im Ton oder in den Nuancen seines visuellen Vokabulars auf. In den letzten Jahren hat der Künstler seine eigene einzigartige Form der Selbstdarstellung intensiv erforscht, indem er buchstäblich fast allen in seinen Werken dargestellten Figuren sein eigenes Gesicht verlieh – nicht nur menschlichen Motiven, sondern auch anderen Lebewesen und sogar leblosen Objekten –, was zu traumhaften, surrealen Kompositionen führte. Nun präsentiert er sich mit einem leicht veränderten Blick: analytischer, methodischer – aber keineswegs weniger aufmerksam. Ganz im Gegenteil. Sein aktuelles Werk umfasst einen bestimmten Zeitraum, der mit der Geburt des Künstlers beginnt und bis zum heutigen Tag reicht. Es handelt sich also um eine biografische Retrospektive, in der mehrere Entwicklungen parallel verlaufen – vor allem Alexander Basils Werdegang als Künstler sowie sein sozialer und körperlicher Übergang zum Mann. Zu diesem Zweck greift Basil wiederholt auf Bildwelten zurück, […]

bis 20.12. | #4852ARTatBerlin | AOA;87 contemporary präsentiert ab Freitag, 21. November 2025 (Vernissage: 20.11.) die Gruppenausstellung „SALON: MAU R | AOA;87 X DŸSE“, eine Jubiläumsausstellung über Brüche, Haltung und das Ende der Illusion vom Zuckerland. „Unvorbereitet. Unreflektiert. Naiv. Und dumm.“ So endet der Song Keine Mauern mehr von DŸSE – und damit auch eine ganze Erzählung: das deutsche Einheitsmärchen, das in seiner Euphorie die Risse überpinselte. Zucker an jeder Ecke – und die Zähne längst im Beton. Die Worte sitzen. Kein Pathos, kein Pop – eine Abrechnung. Eine Erinnerung daran, dass Freiheit nicht vom Himmel fällt, sondern Haltung braucht. SALON: MAU R ist AOA;87s Antwort darauf – und gleichzeitig ein Manifest zum fünfjährigen Bestehen der Galerie. Fünf Jahre Dialog, Reibung, Mut. Aus einer Idee, aus einer Haltung. Die Ausstellung versteht sich als Salon des Refusés unserer Zeit – ein Ort für Diskussion statt Dekoration, für künstlerische Haltung statt Konformität. Inspiriert von der französischen Salonkultur, öffnet sie sich als hybrider Raum zwischen Kunst, Musik, Politik und Gesellschaft – ein Hub der Vielfalt. DYSE © Maren Michaelis Im Zentrum steht das Projekt MAU R von DŸSE – ein künstlerisch-politisches Statement gegen Rechts, für Demokratie und den Mut zur Widersprüchlichkeit. Die Songs […]

bis 20.12. | #4849ARTatBerlin | Robert Morat Galerie präsentiert ab Samstag, 1. November 2025 (Vernissage: 31.10.) die Ausstellung „Between Fields and Spirits“ des Künstlers Marco Maria Zanin. Die Robert Morat Galerie präsentiert die erste Ausstellung des italienischen bildenden Künstlers und Forschers Marco Maria Zanin in Deutschland. Das Ausstellungsprojekt „Between Fields and Spirits“ entfaltet sich in drei Kapiteln, die dem Fluss der drei Räume der Galerie folgen. In den Worten des Künstlers handelt es sich bei „Between Fields and Spirits“ um „ein Ausstellungsprojekt, das sich zwischen künstlerischer Praxis, Anthropologie und Beziehungsphilosophie bewegt. Durch Keramiken, Fotografien, Installationen und visuelle Ethnografie erforscht die Ausstellung die Erde als symbolische, affektive und spirituelle Kraft – ein Raum der Erinnerung, Geste und Transformation.“ Marco Maria Zanin, Transcategorical Objects, 2021, Courtesy Robert Morat Galerie Marco Maria Zanin (*1983, Padua, Italien), ist ein Künstler und akademischer Forscher, dessen Praxis sich an der Schnittstelle von Fotografie, zeitgenössischer Kunst, Anthropologie und gesellschaftlichem Engagement entfaltet. Seine Karriere umfasst Einzelausstellungen in Institutionen wie dem Palazzo dei Musei in Reggio Emilia, der Fondazione Modena Arti Visive, der Casa dei Tre Oci (Venedig), Pivô – Arte e Pesquisa (São Paulo) sowie die Zusammenarbeit mit internationalen Plattformen wie der Fondazione Cologni und dem National Museum […]

bis 08.11. | #4859ARTatBerlin | Galerie Z22 zeigt ab 30. Oktober 2025 die Ausstellung „Bondage“ der Künstlerin Evelyn Sommerhoff. Bondage bezeichnet Praktiken zur Fesselung oder Einschränkung der Bewegungsfreiheit des Körpers beim BDSM. Die Bezeichnung stammt aus dem Englischen und steht dort unter anderem für „Unfreiheit“ oder „Knechtschaft“. Das Ziel ist die sexuelle Stimulation; es gibt allerdings Sonderformen, bei denen Bondage aus ästhetischen oder anderen Gründen eingesetzt wird. (WIKIPEDIA) Bondage – Figurinen – als künstlerische Auseinandersetzung mit der Grenze zwischen Kontrolle und Hingabe. Die Ausstellung erforscht nicht die technische Praxis des Fesselns, sondern die komplexe Erfahrung des Körpers im Spannungsfeld von Sicherheit, Schmerz und Befreiung. Es geht um die Wahrnehmung des eigenen Körpers in wechselnden Lebenssituationen: Erhoben durch Adrenalin und Risiko, beruhigt durch Vertrauen, gefordert durch Grenzen und klaren Nein-Sagen. Die Werke laden dazu ein, die feinen Kohärenten von Macht, Einvernehmen und Selbstbestimmung zu betrachten – jenseits von Klischees und Schubladen. Wie verändert sich das Körpererleben, wenn Grenzen verschoben oder getestet werden? Welche Rolle spielt Einvernehmen, Kommunikation und Sicherheit im Prozess des Aufbaus und des Lösens von Spannung? Welche Formen von Hingabe, Vertrauen und Autonomie lassen sich sichtbar machen, ohne voyeuristisch zu werden? Wie lässt sich der Adrenalinkick als beschleunigte Wahrnehmung […]

bis 13.02. | #4844 ARTatBerlin | Jarmuschek + Partner präsentiert ab 01. November 2025 (Vernissage: 31.10.) die Ausstellung „Nicht an jeder Palme hängt ‘ne Kokosnuss“ der Künstler*innen Moritz Schleime und Corinne von Lebusa. In Moritz Schleimes Ölgemälden vermischen sich Piratenabenteuer, Karibikträume und Road Trips mit der unterschwelligen Düsternis von Friedhofsgeschichten und Geisterbahnen. In seinen rauschhaften Bildern voller Verweise auf unsere Popkultur und die Sehnsuchtsorte unserer Zeit sind menschliche Untiefen, Exzesshaftes und großer Spaß abwechselnd am Ruder. Moritz Schleime + Corinne von Lebusa, Oceania, 2025, fineliner, colored pencil, watercolor, lacquer on fine cardboard, 50 x 40 cm Im vermeintlichen Idyll perfekter Körperlichkeit, stylischer Interieurs und sonniger Oasen unterwandert Corinne von Lebusa Erwartungshaltungen und Rollenbilder mit Schalk und Augenzwinkern. Mit großer inhaltlicher Leichtigkeit und Offenheit zeigt die Künstlerin in Bildräumen voll leuchtender, präsise gesetzer Farbverwehungen erotisch aufgeladene Begegnungen, bei denen die Frauen im Mittelpunkt stehen. Moritz Schleime + Corinne von Lebusa, Egypt study, 2014, fineliner, colored pencil, watercolor, lacquer on fine cardboard, 30 x 21 cm Wenn Moritz Schleime und Corinne von Lebusa zusammen zeichnen und malen, ist es, als höre man einem unkonventionellen Duett zu. Kontraste und Unterschiede finden auf kreative Weise ihren Platz, werden mitsamt zahlreicher frivoler Schlüpfrigkeiten in einer gemeinsamen Bildwelt fröhlich […]

bis 13.12. | #4840ARTatBerlin | Russi Klenner präsentiert ab Samstag, 1. November (Vernissage: 31.10.) die Ausstellung „Divine Cargo“ des Künstlers Ross Taylor. Ross Taylors Arbeit bewegt sich in einem Zwischenraum, in dem das Erschaffen und das Konsumieren ineinander übergehen. Durch Malerei, Performance und Buchgestaltung erforscht der Künstler die Ambiguität des kreativen Prozesses – ein Bereich, der von Gewohnheiten und Unentschlossenheit geprägt ist, in dem konventionelle Methoden dem Instinktiven und Unfassbaren weichen. Die Ausstellung „Divine Cargo“ kreist um die Vorstellung einer „göttlichen Fracht“ – etwas Besonderes und Wertvolles, das sicher an einen Ort oder zu jemandem gebracht werden muss. Angetrieben von einer visionären Mission und von Verhaltensweisen, die an den Rand des Alltäglichen rücken – abziehen, wegkratzen, warten, starren –, führt Taylor die Betrachtenden hinaus an den Stadtrand. Für ihn ist dieses „besondere Material“, das getragen wird, die Gewohnheit selbst. Aufgewachsen am Stadtrand von Nordwest-London, wurde Taylor das nächtliche Wandern zur Gewohnheit. Diese Gewohnheit verwandelte sich in prägende psychogeografische Streifzüge, die sich in dieser Werkreihe niederschlagen, in der Figuren und Landschaften miteinander verschmelzen. Inspiriert von irischer und britischer Folklore, insbesondere dem Púca – einem einsamen Geist, der zwischen den Welten wandert –, untersucht Taylor, wie Kostüme Wesen ermöglichen, in verschiedenen Realitäten […]

bis 25.10. | #4837ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 16. Oktober 2025 die Ausstellung „Inside the Schrödinger Box“ der Künstlerin Olena Klochko. „Inside the Schrödinger Box“ ist ein Kunstprojekt, das die fragile und paradoxe Natur der menschlichen Existenz in einer zunehmend chaotischen Welt untersucht. Wie Schrödingers Katze, die in einer Kiste gefangen ist und gleichzeitig lebendig und tot ist, befindet sich die Menschheit in einem Zustand existenzieller Ungewissheit. Die Gesellschaft ist geprägt von der Vulgarität der Politik, endlosen Machtkämpfen und unterdrückenden Kräften, die die Menschen zu Konsumdenken und aufgezwungenen politischen Doktrinen drängen. Angesichts des Leids und der Verluste, die durch anhaltende militärische Konflikte – wie den Krieg in der Ukraine – verursacht werden, haben sich die Menschen von ihrem wahren Bewusstsein entfernt und versinken in den oberflächlichen Ablenkungen des modernen Lebens. Das Streben nach Autorität und digitaler Dominanz zielt darauf ab, die kollektive Weisheit zu untergraben. Mit dem Schwinden des Bewusstseins laufen die Menschen Gefahr, ins Nichts zu verschwinden, gefangen in dem Paradoxon von Existenz und Nicht-Existenz, in dem das Wesen unseres Seins einfach verschwinden könnte. Dieses Projekt befasst sich mit realen Menschen und ihrer Psychologie – als eine Art quantum oddity. Die Künstlerin lädt die Betrachter ein, über die […]

bis 22.11. | #4834ARTatBerlin | Galerie SCHMALFUSS BERLIN präsentiert ab 18. Oktober 2025 (Vernissage: 18.10.) die Ausstellung „True Companions“ mit Werken von Andreas Amrhein und Georg-Friedrich Wolf. Die Ausstellung „True Companions“ vereint die humorvollen, erzählerischen Bildwelten von Andreas Amrhein mit den dynamischen Stahlskulpturen von Georg-Friedrich Wolf und eröffnet spannende Perspektiven auf gemeinsame Haltung und künstlerischen Ausdruck. GEORG-FRIEDRICH WOLF, Shipwreck VIII, Venus-III, 2003, Starkes Blech, Baustahl, 45 x 65 x 15 cm   ANDREAS AMRHEIN, Wide Horizon II, 2021, Acryl auf Radierung, 70 x 100 cm GEORG-FRIEDRICH WOLF, Shipwreck VII, Falte Horizontal, 2003, Starkes Blech, Baustahl, 30 x 50 x 15 cm   Vernissage: Samstag, 18. Oktober 2025, 16:00–20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 18. Oktober bis Samstag, 22. November 2025     Bildunterschrift Titel: ANDREAS AMRHEIN, This is not America, 2019, Acryl und Farbstift auf Radierung, 70 x 100 cm Ausstellung Andreas Amrhein und Georg-Friedrich Wolf – Galerie SCHMALFUSS BERLIN – Zeitgenössische Kunst – Ausstellungen Berlin Galerien – ART at Berlin

bis 20.11. | #4831ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab Donnerstag, 16. Oktober 2025 die Ausstellung „Freiheit im Malen“ des Künstlers Klaus Steinmann. Klaus Steinmann, geb. 1939 in Darmstadt, schaut auf ein langes künstlerisches Leben zurück. Die legendäre, durch Europa tourende Ausstellung The New American Painting 1959, auch in der Hochschule für Bildende Künste zu Berlin am Steinplatz gezeigt, hat er als junger Mann erleben können – und sie hat ihn tief beeindruckt. So sehr, dass er sich nie ganz in die Richtungsstreitereien und Flügelkämpfe in und um die Konkrete Kunst hat vereinnahmen lassen. Klaus Steinmann ging seinen eigenen Weg. Konstruktive Kunst als Rüstzeug ja, aber bereichert durch die (Seh-)Erfahrung der amerikanischen Minimal Art und Farbfeldmalerei. Die Grundformen des Rechteckes, Kreises und Dreiecks haben ihn sein künstlerisches Leben lang begleitet und tun es noch heute. Diese Formen in ein Spannungsverhältnis zum vielgestaltigen Bildgrund zu setzen, hat ihn ein sehr differenziertes und reiches Œuvre schaffen lassen. Klaus Steinmann, O.T. (SC-096), 2024, 30,5 x 33,6 cm, dispersion paint and graphite on fabric on wood, Photo: Eric Tschernow Einen malerisch-bildhauerischen Verbündeten gesellt er ab den späten 1980er Jahren dazu: Den Schatten. Durch das partielle Aufsägen der mit Stoff als Malgrund bezogenen, zumeist kleinformatigen Sperrholztafeln, […]

bis 20.12. | #4829ARTatBerlin | Luisa Catucci Gallery präsentiert ab Donnerstag, 16. Oktober 2025, die Ausstellung „De Rerum Naturae“ des Künstlers Lidó Rico. Die Luisa Catucci Gallery präsentiert mit De Rerum Naturae eine neue Ausstellung des spanischen Künstlers Lidó Rico, die sich mit der Beziehung zwischen Mensch, Materie und Natur auseinandersetzt. Inspiriert von Lukrez’ philosophischem Werk gleichen Namens erforscht Rico die physische und existenzielle Dimension der menschlichen Erfahrung und stellt dabei die Grenzen zwischen Natur und Technik, Körper und Geist, Leben und Materie infrage. In seinen Arbeiten gießt Rico Formen aus flüssigem Harz in Silikonformen – häufig nach Abdrücken seines eigenen Körpers oder von Gehirnen, die von der Universität Murcia zur Verfügung gestellt wurden. Diese eindringlichen Skulpturen thematisieren die Fragilität des Menschen in einer Zeit technologischer Abhängigkeit und permanenter Selbstoptimierung. Lidó Rico, De Rerum Naturae, Portrait. © Courtesy Luisa Catucci Gallery & the artist De Rerum Naturae zeigt den Menschen als ein Wesen, das sich zunehmend von seinen biologischen Ursprüngen entfremdet hat. Die Werke Ricos verweisen auf eine Gesellschaft, die durch Leistungsdruck, Erschöpfung und psychische Belastung geprägt ist. Seine Körperfragmente – Köpfe, Gehirne, verzerrte Gesichter – erscheinen wie Zeugnisse einer kollektiven Müdigkeit und verweisen auf das Spannungsverhältnis zwischen Produktivität, Identität […]

bis 22.11. | #4825ARTatBerlin | Schindler LAB in Potsdam, präsentiert ab Samstag, 11. Oktober 2025 die Ausstellung VOM DENKEN IN ZEITLOSIGKEIT des Künstlers Frank Rödel. WAS FÜR EIN STAUNEN! Welch sinnliches Feuerwerk ungewöhnlichster und zugleich subtilster Farbigkeit, Formzusammenhänge und Strukturen, die sich dem Auge des Betrachters bei Wanderungen und vor allem beim Blick aus der Vogelperspektive auf die von Feuer und Eis gestalteten Landschaften Islands offenbaren! Frank Rödel, Aus luftiger Höhe gesehen, 100 x 130 cm, Mischtechnik auf Leinwand, 2025 Wie eine Sprache finden, um dem Gesehenen eine Form, einen bildnerischen Ausdruck zu verleihen? Schicht um Schicht, durch Hinzufügen, Abtragen und erneutem Hinzufügen in langatmigen Prozessen entwickeln und verdichten sich gemalte Bilder zu einer eigenen, unabhängigen, sinnlichen Welt meiner erinnerten Träume und Seelenlandschaften. Gletscherland II, 50 x 50 cm, Mischtechnik auf Leinwand, 2025 In besonderen Momenten des Beschenktseins stellt sich, gleichsam als Lohn für die gestalterischen Mühen, Versöhntheit und die wärmende Ahnung des Aufgehobenseins meines fragilen Menschseins in dem höheren Großen und Ganzen ein. FAZ vom Februar 2023 Frank Rödel, Ein kalter Tag, 125 x 94 cm, Mischtechnik auf Leinwand, 2022 Für die Ewigkeit gemacht ist am Ende – wer wüsste das besser als einer, der so eng wie er […]

bis 25.10. | #4820ARTatBerlin | Galerie Nordenhake zeigt derzeit die Ausstellung „die welt und die spiegel“ des Künstlers Timm Rautert. Seit fünf Jahrzehnten prägt Timm Rautert den Blick auf Fotografie und ihre Möglichkeiten und Grenzen. Seine 1968 begonnene und längst als wegweisend verstandene Serie Bildanalytische Photographie gilt als radikale Auseinandersetzung mit der grundlegenden Grammatik des Mediums. Rautert löste sich früh von der Vorstellung der Fotografie als rein realitätsabbildende Praxis und eröffnete eine Sichtbarmachung von Inszenierungen. Die Ausstellung bei Galerie Nordenhake – seine erste Einzelausstellung in Berlin – vereint zwei aktuelle Serien, eine Rauminstallation und zentrale Arbeiten aus den 1970er-Jahren. In der Serie Weltraum (2014/15) macht Rautert den Raum selbst zum Protagonisten. Seine Fotografien führen durch die Architektur des heutigen FAO-Sitzes in Rom – ein Gebäude, das ursprünglich als Kolonialverwaltung geplant, im Zweiten Weltkrieg unterbrochen und in den 1950er-Jahren vollendet wurde. Die Dokumentation der von den Mitgliedsstaaten gestalteten Räume offenbart nicht nur die widersprüchliche Geschichte des Baus, sondern reflektiert zugleich die Strategien der Selbstdarstellung und die formende Kraft fotografischer Mittel. Mit Manhattan Mirror (2012) richtet sich der Blick auf New York: Die Wolkenkratzer erscheinen als collagierte Reflexionen, die urbane Geschäftigkeit symbolisieren, jedoch zugleich Entfremdung und kritische Distanz transportieren. Die Installation Vier […]

bis 25.10. | #4818ARTatBerlin | PSM Gallery präsentiert ab Freitag, 12. September 2025 (Vernissage: 11.09.) die Ausstellung „Sun of Tomorrow“ des Künstlers Dudu Quintanilha. Anlässlich der Berlin Art Week 2025 präsentiert PSM neue Arbeiten des in Berlin lebenden Künstlers Dudu Quintanilha (São Paulo, 1987). Quintanilha arbeitet mit Performance, Video, Fotografie und kollaborativen Prozessen und untersucht die Schnittstellen zwischen Intimität, Kollektivität und der politischen Dimension des Körpers. Seine Praxis nähert sich der Kunst als einer Form der Dokumentation – sucht dabei jedoch stets nach experimentellen Wegen, um den Akt der Aufzeichnung in ein offenes Erfahrungsfeld zu verwandeln. Die Ausstellung vereint zwei große aktuelle Projekte: Erotics in Participation (2024) ist eine dreikanalige Videoinstallation, die aus einem Workshop hervorgegangen ist, der für Stadt:Kollektiv im Düsseldorfer Schauspielhaus konzipiert wurde, mit Unterstützung des Inter Media Art Institute IMAI in Düsseldorf und choreografischer Beratung durch Katja Cheraneva. Ausgehend von den aufgeladenen Begriffen Erotik und Partizipation stellte das Projekt die Frage: Können wir heute noch experimentell mit Erotik umgehen? Wie verändern digitale Intimität, Polyamorie, sichere Räume und zunehmende konservative Gewalt unsere Wünsche und Gesten der Verbindung? Die Teilnehmer*innen erforschten neue körperliche Ausdrucksformen von Begehren, Zuneigung, Angst und Ablehnung, während sie ihre Bewegungen in Silhouetten hinter einem Bildschirm […]

bis 01.11. | #4814ARTatBerlin | Galerie Tanja Wagner präsentiert ab Donnerstag, 11. September 2025 die Gruppenausstellung Why We Do What We Do mit Werken von Ulf Aminde, Annabel Daou, Elisa Giardina Papa, Šejla Kamerić, Kapwani Kiwanga, Laurel Nakadate, Grit Richter, Anna Steinert, Angelika J. Trojnarski und Anna Witt. Die Tanja Wagner Gallery präsentiert frühere und neue Werke ihrer Künstler Ulf Aminde, Annabel Daou, Elisa Giardina Papa, Šejla Kamerić, Kapwani Kiwanga, Laurel Nakadate, Grit Richter, Anna Steinert, Angelika J. Trojnarski & Anna Witt, jeweils begleitet von einer Erklärung in ihren eigenen Worten – darüber, was sie antreibt, warum sie schaffen und was sie immer wieder in ihr Atelier zurückkehren lässt. „Why We Do What We Do“ ist sowohl ein Liebesbrief als auch ein Augenzwinkern. Ein Liebesbrief an die Künstler, deren Vision, Strenge und unermüdliche Neugier mich täglich inspirieren – und ein Augenzwinkern an Sie alle, die uns angefeuert, herausgefordert, mit Herzblut gesammelt und diese Reise reicher gemacht haben, als ich es mir jemals hätte vorstellen können. Während der Eröffnung von „Why We Do What We Do“ wird die Künstlerin Annabel Daou aus New York zu einer besonderen Signierstunde ihrer neuen Monografie „Possibilities of Repair“ (Möglichkeiten der Reparatur) erscheinen, die bei DISTANZ […]

bis 24.10. | #4812ARTatBerlin | Kuckei + Kuckei präsentiert ab Donnerstag, 11. September 2025 die Ausstellung flower:trail der Künstlerin Nikola Röthemeyer. Nikola Röthemeyers zeichnerische Arbeiten spannen eigene Welten auf, die von akkurater Zartheit, von der Schönheit des Organischen und von einer phantasievoll leidenschaftlichen Beobachtung der Natur erzählen. Die Ausstellung flower:trail versammelt großformatige Zeichnungen, die wie ein Wandfries gelesen werden können und einen fortlaufenden Pfad durch den Röthemeyerschen Kosmos aus Mensch und Tier, Flora und Fauna markieren. Ihre höchst präzisen Pinselzeichnungen kombiniert sie mit Flächen aus farbiger Tusche, deren zarte Verläufe meisterhaft das bewusst Gesetzte mit dem zufällig Verlaufenden verbinden. In der Ausstellung werden sie durch eine Wandarbeit ergänzt, welche die Zeichnung in den Raum erweitert. Die Motive der Künstlerin sind fortlaufend, jede Arbeit schließt direkt an die Nächste an. Als Gesamtheit bahnen sie einen Weg durch das Unbekannte: eine ebenso geheimnisvoll wie abenteuerlich erscheinende Szenerie, in der die Natur – allein schon in der Wahl der Proportionen – dem Menschen weit überlegen ist. Was in vielerlei Hinsicht als ‚traumhafte Landschaft‘ gedeutet werden könnte, verkörpert einen Naturbegriff, der symbolhaft für eine behütende und harmonische Kraft steht. Vorbilder für diese Auffassung findet Röthemeyer bei den ‚songlines‘ der Aborigines oder in der japanischen Kultur des Kadō […]

bis 21.10. | #4806ARTatBerlin | DIEHL präsentiert ab 11. September 2025 (Vernissage: 10.09.) die Ausstellung „All rivers flow too, the sea, you must not look back“ des Künstlers Winston Branch. Vernissage: Mittwoch, 10. September 2025, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 11. September bis Dienstag, 21. Oktober 2024     Bildunterschrift: Winston Branch, Madame George, 1973, oil on canvas, 120 x 120 cm, photo by Marcus Schneider Ausstellung Winston Branch – DIEHL | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 01.11. | #4804ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts präsentiert ab Mittwoch, 10. September 2025, die Gruppenausstellung „I sing the body electric“ der Künstler*innen Cecily Brown, Ella Kruglyanskaya, Sarah Lucas, Maja Ruznic und Tobias Spichtig. I Sing the Body Electric zeigt Werke zeitgenössischer MalerInnen, in denen der menschliche Körper verhandelt wird. Walt Whitmans Gedicht, eine Ode an die humane Physis, dem der Ausstellungstitel entlehnt ist, mag aus heutiger Lesart ungewöhnlich emphatisch klingen. Als es 1855 in Leaves of Grass erschien, polarisierte es aber das Publikum. Seine Sprache wurde als sexualisiert wahrgenommen und seine versteckte Kritik an der Sklaverei wurde von manchen als genau das verstanden. Elektrisch waren seinerzeit noch nicht einmal die Straßenbahnen, sie wurden noch von Pferden gezogen. Der Begriff hatte sich Mitte des 19. Jahrhunderts, als der Elektromagnetismus gerade erst entdeckt wurde, noch nicht in der Alltagssprache manifestiert, war lediglich einer intellektuellen und wissenschaftlichen Avantgarde vertraut. Der menschliche Körper beschäftigt Kunstschaffende seit Jahrtausenden. An seiner Darstellung in Schrift, Sprache und bildender Kunst lassen sich gesellschaftliche und kulturelle Diskurse ablesen. Wie unterschiedlich die künstlerischen Annäherungen an diesen uralten Topos ausfallen können, zeigt diese Ausstellung auch. Sie kann, wie in Cecily Browns The Call of the Flesh, auf kryptische Art und lediglich durch den Titel suggeriert oder durch diesen […]

bis 25.10. | #4802ARTatBerlin | Galerie Barbara Thumm zeigt ab Freitag, 12. September 2025 (Vernissage: 11.09.) die Ausstellung „Painting the Town“ der Künstlerin Carrie Mae Weems. Weems entwickelte die Serie im Jahr 2021 im unmittelbaren Nachhall des Mordes an George Floyd und der Black-Lives-Matter-Proteste in den Vereinigten Staaten. Die daraus entstandenen Fotografien verwandeln die Spuren gesellschaftlicher Unruhen in kraftvolle visuelle und politische Aussagen. Zu Beginn der Proteste verbarrikadierten Ladenbesitzer in Weems’ Heimatstadt Portland, Oregon, ihre Schaufenster mit Pressholzplatten, um ihre Geschäfte zu schützen. Diese provisorischen Barrieren wurden schnell zu Leinwänden für Protestparolen und Graffiti. Bald darauf versuchten die Behörden, die Botschaften zu tilgen, indem sie sie mit breiten, dunklen Farbschichten überstrichen. Was als Schutzmaßnahme von Geschäftsleuten begann, entwickelte sich zu Plattformen kollektiven Ausdrucks, nur um schließlich durch die Hand der Behörden wieder zum Schweigen gebracht zu werden. Bei einem Besuch kurz nach den Ereignissen stieß Weems auf diese übermalten Oberflächen. Zurück blieben schwarze, graue und gedämpfte Farbflächen, die unerwartet an Malereien des Abstrakten Expressionismus der Mitte des 20. Jahrhunderts erinnerten. Weems erkannte ihre ästhetische Kraft und politische Brisanz und hielt sie mit der für ihr Werk charakteristischen Präzision in Licht, Rahmung und Perspektive fotografisch fest. Die entstandenen Bilder sind zugleich […]

bis 25.10. | #4800ARTatBerlin | Galerie Barbara Thumm zeigt ab Freitag, 12. September 2025 (Vernissage: 11.09.) die Ausstellung „Profondeville“ des Künstlers Thomas Zipp. Diese Ausstellung markiert einen Meilenstein in unserer fortlaufenden Zusammenarbeit mit dem Künstler und folgt auf seine Teilnahme an  der von uns mitkuratierten Gruppenausstellung „Anti-Pop II“, mit der wir Zipps Werk erstmals in unserem Programm vorgestellt haben. Thomas Zipp, weithin bekannt für seinen intellektuell anspruchsvollen, multidisziplinären Ansatz, ist seit den späten 1990er Jahren eine zentrale Figur der zeitgenössischen Kunst in Deutschland und darüber hinaus. Seine Oeuvre (Praxis) umfasst Zeichnung, Malerei, Skulptur, Installation und Performance und setzt sich konsequent mit komplexen historischen Narrativen, spekulativen Wissenssystemen und psychologischen Architekturen auseinander. In „Profondeville“ enthüllt Zipp ein eindrucksvolles Werkensemble, das seine Auseindersetzung mit den verflochtenen Felder von Erinnerung, Identität und Wahrnehmung vertieft. Das Haus – sowohl als architektnische Struktur wie als auch als Metapher – zieht sich leitmotivisch durch die Ausstellung: nicht nur als psychologischer Innenleben, sondern als durchlässiger Raum, in demm die Grenzen von Selbst, Geschichte und Bewusstseins fließend werden. In Anlehnung an Freuds Feststellung, man sein nicht länger Herr im eigenen Haus, agieren Zipps Rauminszenierungen wie kognitive Karten: fragmentiert, instabil und durchzogen von verborgen Kräften. Der Ausstellungstitel „Profondeville“ verweist auf […]

bis 25.10. | #4796ARTatBerlin | Galerie EIGEN + ART Berlin zeigt ab Donnerstag, 11. September 2025 die Ausstellung „Passagiere der Nacht „ der Künstlerin Ulrike Theusner. Es hatte etwas Warmes, Ewiges an sich. Es wird bleiben, was wir für andere waren, Bruchstücke, Fragmente von uns, die sie zu sehen glaubten. Es bleiben die Träume von uns, die sie genährt haben und wir waren nie dieselben, sondern immer wieder jene schönen Fremden, jene Passagiere der Nacht, die sie erfunden haben und die flüchtigen Schatten in alten vergessenen Spiegeln gleichen. Mikhaël Hers: Passagiere der Nacht (Originaltitel: Les passagers de la nuit), Nord-Ouest Films, Frankreich 2022 Dieses Undefinierbare, kaum zu Beschreibende, die tastende Sehnsucht nach Lebendigkeit und das unausweichlich Vergängliche eines sich im ständigen Übergang befindenden Seins schwingt auch in den neuen Arbeiten der Künstlerin mit, genau wie die Frage, was es eigentlich bedeutet, ein Mensch zu sein – jemand, der fühlt, träumt, Beziehungen zu den anderen braucht, um existieren zu können. Der Illusionen und Wünsche hat, Verliebtheit, Schmerz und Genuss empfindet, und das in einer immer mehr aus der Kontrolle geratenden und hochgradig technisierten Welt, in der sich das gereizte Gefühl zunehmender Machtlosigkeit gegenüber allen sich anbahnenden Katastrophen ausbreitet. […] Vernissage: Donnerstag, 11. […]

bis 15.11. | #4793ARTatBerlin | Galerie Friese zeigt ab 12. September 2025 (Vernissage: 11.09.) die Ausstellung So rot, so rot der Künstlerin Elvira Bach. Elvira Bach wurde spätestens mit ihrer Teilnahme an der documenta 7 im Jahr 1982 weltberühmt. Mit unverkennbarer Expressivität, markanter Farbigkeit und feinem Witz rückte sie in ihren Selbstbildnissen und Frauenporträts die vielfältigen Identitäten von Frauen ins Zentrum ihrer Kunst. Seit 1972 lebt und arbeitet die Künstlerin in Berlin. Sie studierte an der Hochschule der Künste Berlin bei Hann Trier, arbeitete nebenbei als Requisiteurin an der Schaubühne und verfolgte ihr Werk konsequent als Einzelgängerin. Die Galerie Friese zeigt erstmals Arbeiten Elvira Bachs mit einem Fokus auf ihre frühen Werke aus den 1970er- und 1980er-Jahren, ergänzt von einer Gruppe neuer Keramiken, die eigens für diese Ausstellung im Sommer 2025 entstanden sind. Sie zeugen von Elvira Bachs unerschöpflicher Kreativität, den Dingen um sie herum ihre eigene Handschrift zu verleihen und einen Ausdruck für die Freude am Existieren zu finden. Vernissage: Donnerstag, 11. September 2025, 18:00–22:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 12. September bis Samstag, 8. November 2025 – ACHTUNG: verlängert bis Samstag, 15. November 2025     Bildunterschrift Titel: Elvira Bach, Drei Badeanzüge, 1981, Acryl auf Leinwand, 190 x 230 cm, […]

bis 18.10. | #4790ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne zeigt ab Freitag, 5. September 2025 im backstage der Galerie die Ausstellung „leichtes Abweichen“ des Künstlers Christian Schiebe. Die Ausstellung „leichtes Abweichen“ zeigt kleinformatige Federzeichnungen von Christian Schiebe, die auf grundierten Papieren, Folien oder handelsüblichen Schreibmaterialien montiert sind. Die Arbeiten sind lose Bestandteile für Setzungen im Raum und werden in Bezug zu Oberflächen, Inventar, bautechnischen Gegebenheiten, Licht und Schatten gesetzt. Durch Hängen, Legen oder Kleben interagieren die Zeichnungen humorvoll mit Elementen wie Fußleisten, Lichtschaltern oder Lüftungsgittern, bleiben dabei aber autonom und entwickeln ein eigenes Zeichnungslicht. Schiebe arbeitet prozessorientiert: Wiederholung, Variation und Korrektur führen aus hunderten Versuchen zu wenigen eigentümlichen Ausnahmen, die über Monate zu Gruppen zusammengefügt und auf den passenden Einsatz im Raum vorbereitet werden. Thematisch verhandeln die Zeichnungen das Werden, das Noch-Nicht oder Nicht-Mehr, und erzeugen einen Schwebezustand zwischen Erscheinen und Verschwinden. Die Präsentation zeigt so die Beziehung zwischen Raum, Material und Linie in einem improvisierten Rhythmus leichten Abweichens. Christian Schiebe, 1985 in Neubrandenburg, lebt und arbeitet in Berlin, Meisterschüler bei Prof. Nanne Meyer, Weißensee Kunsthochschule Berlin, zahlreiche Ausstellungen und Stipendien, darunter Kunstfonds Bonn, Galerie OQBO Berlin, Galerie Stella A. Berlin. Vernissage: Freitag, 5. September 2025, 17:00–20:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 5. […]

bis 29.11. | #4787ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler (Goethestraße 2/3) zeigt ab 11. September 2025 die Ausstellung „Mothers“ der Künstlerin Grace Weaver. In ihrer neuesten Serie wendet sich Grace Weaver archetypischen Motiven zu, darunter die Mutter und das Kind sowie der weibliche Akt. Für Weaver ist der Körper nicht nur ein Sujet, sondern ein Ort – eine Bühne, auf der Linien in lyrischen Gesten choreografiert werden und durch die Emotionen zum Vorschein kommen. Trotz ihrer monumentalen Größe offenbaren Weavers neue Werke einfache Motive und zarte Empfindungen. In einer Reihe großer quadratischer Leinwände posieren Weavers Mütter in umhüllenden Umarmungen; sie schwanken, knien oder wiegen Kinder auf ihrem Schoß. Daneben zeigen mehrere Gemälde einzelne weibliche Figuren in verbeugenden Haltungen, die an Eva oder Aphrodite erinnern und versuchen, ihre nackten Körper vor dem Blick des Betrachters zu verbergen. Im Gegensatz dazu geben die Mutter-Kind-Gemälde eine Dreiecksformation der Blicke vor: Mal blickt entweder die Mutter oder das Kind nach außen, mal sind sie in ihrem Blick aufeinander fixiert. Die verlängerten, sich biegenden Hälse erinnern an die Haltungen aus Weavers Flowers-Serie (2024). Wie in diesem früheren Werk ist Weavers zentrales Motiv erkennbar, driftet jedoch in die Abstraktion ab; Gliedmaßen verjüngen sich im Raum, und verkürzte Linien […]

bis 25.10. | #4784ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler (Potsdamer Straße 77-87) zeigt ab Freitag, 5. September 2025 die Doppelausstellung „Dialogue“ der Künstler Hans Josephsohn und Günther Förg. In dieser ersten Doppelausstellung der beiden Künstler Hans Josephsohn and Günther Förg sind Skulpturen Josephsohns mit ihren haptischen Oberflächen den Gitterbildern Förgs aus den 1990er Jahren gegenübergestellt. Im oberen Stockwerk sind zusätzlich Reliefs beider Künstler aus verschiedenen Jahrzehnten zu sehen. Hans Josephsohn und Günther Förg entstammten unterschiedlichen Generationen und sind sich persönlich nicht oft begegnet. Seit Ende der 1990er Jahre kannte Förg jedoch die Skulpturen Josephsohns und setzte sich intellektuell mit der Arbeit des Bildhauers auseinander. Grundsätzlich immer sehr interessiert an dem, was andere Künstler taten und dachten, faszinierte ihn insbesondere die Materialität von Josephsohns Arbeiten. Durch seine Vermittlung wurde später auch Rudi Fuchs, der damalige Direktor des Stedelijk, auf das Werk Josephsohns aufmerksam, was zu der Einzelausstellung Josephsohns in Amsterdam im Jahr 2002 führte. Im Gegensatz zu Förgs regem Interesse an seinen Zeitgenossen war Hans Josephsohn solitär in seiner Arbeitsweise und bezog sich nicht auf andere Künstler. Hans Josephsohns Werk ist geprägt von seiner Faszination für Masse und Form im Raum, die er anhand spezifischer und stets wiederkehrender Formen im Laufe der sechs Jahrzehnte seines […]

bis 24.10. | #4782ARTatBerlin | Verena Kerfin Gallery zeigt ab Freitag, 12. September 2025 die Solo-Ausstellung „GAZA, again“ des Künstlers Ondrej Drescher. Gaza – Art as Butterfly Research In the self-conception of most contemporary artists, art has no essential relation to reality—let alone to the task Heiner Müller assigned to it: to make reality “impossible.” Müller did not wish to ignore reality, nor to beautify it, but to intervene deliberately in its ideological construction. To “make reality impossible” means to interrupt, distort, and confront it so profoundly that its supposed naturalness breaks apart—wresting it from the grip of dominant orders by rendering its prevailing images and narratives unusable for their original political ends. That is the essence of Müller’s concept of resistance: art must never collaborate with power; it must disrupt language and sabotage authority. Today, however, many insiders are content with far lesser ambitions. They pontificate in detached clichés about their own economic relevance, call themselves Berlin’s “lifespenders,” and define their role, in all seriousness, as butterfly researchers of ideas: “It’s more like artists are blind butterfly researchers: they capture ideas that no one has yet been able to name.” Which ideas those might be, they of course refuse […]

bis 25.10. | #4777ARTatBerlin | Die BBA Gallery zeigt ab Donnerstag, 11. September 2025 die Gruppenausstellung „Artist of Our Time“. „Artists of Our Time“ hinterfragt die gängige Orientierung des Kunstbetriebs an Retrospektiven und posthumer Anerkennung. Im Mittelpunkt stehen künstlerische Positionen, die für Aktualität, Experimentierfreude und kulturelle Relevanz stehen. Komla Letsu Philip, Waiting for love 2, 2022, Acrylic on Canvas Malerei und Skulptur treten in einen direkten Dialog mit den Künstler:innen und eröffnen Besucher:innen ein intensives, zeitgenössisches Kunsterlebnis. Daniel Roibal, Untitled, 2024, Acrylic on canva Mit Arbeiten von: Israel Padonu, Boluwatife Oyediran, Joseph Aina, Kwaku Osei Owusu Achim, David Komaré, Kofi Awuyah, Daniel Roibal, Sebastian Jauregui, Qhamanade Maswana, Sisqo Ndombe, Komla Letsu Philip, Ousmane Niang, Ishmael Armah, Jade Cassidy und Matthew Eguavoen. Joseph Aina, Silent Hills, 2024, Acrylic, oil stick on canvas Vernissage: Donnerstag, 11. September 2025, 17:00 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 11. September – Samstag, 25. Oktober 2025 Öffnungszeiten (Berlin Art Week): Freitag, 12. September – Sonntag, 14. September 2025, 12 – 18 Uhr     Bildunterschrift Titel: Bolu Oyediran, David on the couch 2, 2025 Oil, oil stick on canvas Gruppenassstellung Artists of Our Time – BBA Gallery | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien […]

bis 04.10. | #4823ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 06. September 2025 die Duo-ausstellung „Dienst ist Dienst und Schnaps ist Schnaps“ der Künstler Christoph Bartolmäs und Axel Bunt. Die deutsche Sicht auf das Leben wird häufig durch die Trennung von Ernst und Spaß geprägt, was durch die Redewendung „Dienst ist Dienst und Schnaps ist Schnaps“ ausgedrückt wird. Hierbei kommen viele Begriffe ins Spiel, die unsere Kultur und unsere Arbeitsauffassung reflektieren. Phänomene wie Pflichterfüllung, Beamtenrecht und Dienstplan sind nicht nur bürokratische Begleiterscheinungen, sondern auch Ausdruck einer tief verwurzelten Arbeitsmoral und Loyalität gegenüber dem Arbeitgeber.

Auf der Betriebsfeier steht der informelle Austausch im Vordergrund, man möchte sich auch privat ein wenig näher kommen. Doch wer hier zu stark über die Strenge schlägt (zu tief ins Glas schaut), kann der eigenen Karriere schaden. In dem Gemälde „oder flirten auf der Betriebsfeier“ von Christoph Bartolmäs wird das angedeutet. Man trinkt und ist im Zwiegespräch vertieft, ein Mann scheint ein wenig unentschlossen zu sinnieren. Der Titel deutet die Art seiner Gedanken an, vielleicht könnte er es dem Kollegen links von ihm gleichtun und eine Kollegin bei einem intimen Gespräch näher kennenlernen. In Deutschland gilt es, eine gewisse Macht auszuüben, ohne dass man dabei die Grenzen des […]

bis 25.10. | #4774ARTatBerlin | Galerie Judin zeigt ab 11. September 2025 die Ausstellung „Idyll and Apocalypse“ des Künstlers Philipp Fürhofer. Vernissage: Donnerstag,11. September 2025, 18 bis 22 Uhr. Ausstellungsdaten: Donnerstag, 11. September – Samstag, 25. Oktober 2025     Bildunterschrift Titel: Philipp Fürhofer, Untitled, 2024, Oil on acrylic glass, spy mirror, LED-tubes, cable and controller box, 232 × 366 × 13 cm. Ausstellung Philipp Fürhofer – Galerie Judin | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 04.10. | #4771ARTatBerlin | Semjon Contemporary präsentiert ab Freitag, 5. September 2025 (Vernissage: 04.09.) die Ausstellung „Baal. Retrospective 1986–2025“ des Künstlers Rick Castro. Rick Castro (*1958, Los Angeles) zählt zu den bedeutenden Chronisten einer subkulturellen Ästhetik, die Mode, Sexualität und Fotografie eng miteinander verwebt. Mit der Retrospektive Baal. Retrospective 1986–2025 präsentiert Semjon Contemporary erstmals in Berlin einen umfassenden Überblick über Castros Werk aus fast vier Jahrzehnten. Die Ausstellung versammelt ikonische Arbeiten ebenso wie jüngste Aufnahmen, darunter auch die Serie The Gates of Hell (2025). Castros Bilder bewegen sich zwischen Intimität und Inszenierung, dokumentieren queere Subkulturen und loten zugleich Macht- und Begehensstrukturen fotografisch aus. Kuratiert wurde die Schau im Dialog mit dem Künstler, der seit den 1980er Jahren internationale Aufmerksamkeit erregte und bis heute Impulse für die zeitgenössische Fotografie liefert. Vernissage: Donnerstag, 4. September 2025, 19:00–21:30 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 5. September – Samstag, 4. Oktober 2025 Artist Talk: Dienstag, 9. September 2025, 19:00 Uhr | Rick Castro im Gespräch mit Nadine Dinter     Bildunterschrift Titel: Rick Castro, Baal, 2024, Archival digital print, 27,9 × 20,3 cm. (Courtesy Semjon Contemporary / Rick Castro Estate) Ausstellung Rick Castro – Semjon Contemporary | Zeitgenössische Kunst | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien […]

bis 11.10. | #4767ARTatBerlin | Galerie Schindler zeigt ab Samstag, 6. September 2025 die Ausstellung „Kindred Spirits“ der Künstlerin Sue Hayward. Die Ausstellung Kindred Spirits von Sue Hayward eröffnet einen vielschichtigen Bildkosmos, in dem die Verbundenheit von Mensch, Tier und Natur ebenso Thema ist wie das Auflösen vermeintlicher Grenzen. Der Titel – „Seelenverwandte“ wie auch „Gleichgesinnte“ – verweist auf die Idee einer emotionalen Nähe, die über das Sichtbare hinausreicht. Sue Hayward, The Messengers, Öl, Wachs, Dammar und Acryl auf Gaze, Holz und Leinwand, 80 x 160 cm, 2025 Haywards Technik ist ebenso präzise wie poetisch. Durch das Schichten und Überlagern von Gaze, Wachs und Pigment entstehen transluzide Flächen, die das Licht einfangen, filtern und zurückwerfen. „Gaze, als umfassender Bildgrund, ist sowohl tragende als auch trennende Schicht der auf das Engste verbundenen Ebenen“, beschreibt Birgit Möckel. In diesem Spiel von Überdeckung und Durchlässigkeit entstehen Bildräume, die den Blick leiten und zugleich entziehen – Räume, die, so Hayward, „größer sind als die Materie selbst“. Oben Sue Hayward, Floral, Öl, Wachs, Dammar und Acryl auf Gaze, Holz und Leinwand, 60 x 60 cm, 2025 Inhaltlich oszillieren die Werke zwischen konkreter Figuration und symbolischer Verdichtung. Tiere erscheinen als Mittler zwischen Zeiten, Kontinenten und Sphären […]

bis 01.11. | #4765ARTatBerlin | REITER zeigt ab Donnerstag, 11. September 2025 die Ausstellung „AHL“ der Künstlerin Mette Homar. Für ihre neue Ausstellung bei REITER hat die dänische Künstlerin Mette Homar eine Serie neuer Arbeiten geschaffen, inspiriert von ihrer engen Verbindung zur Landschaft von Ahl – einem Küstenstreifen auf der Halbinsel Djursland in Ostjütland. In den vergangenen acht Jahren ist dieser Ort zu einem Ankerpunkt in Homars künstlerischer Praxis geworden. Immer wieder kehrt sie dorthin zurück, um seine Pfade zu begehen, das wechselnde Licht und Terrain zu fotografieren und diese Begegnungen in dynamische malerische Kompositionen zu übersetzen. Dieser anhaltende Dialog mit Ahl hat ihr Werk allmählich geprägt, sodass Fragmente der Meereslandschaft, der Bäume und der Küstenlinie in ihre zuvor stärker abstrakte Bildsprache eingeflossen sind. Mit dem Einzug dieser Naturelemente vertiefte sich Homars Verbindung zum Land. Ahl ist für sie zu einem Ort der Zugehörigkeit geworden – einer Wahlheimat, die ihre künstlerische Arbeit fortwährend nährt. Mette Homar, 2025 04, Ölkreide auf Papier, 194 x 131 cm Über Mette Homar Mette Homar wurde 1974 in Fünen, Dänemark, geboren. Ihr Werdegang ist so vielschichtig wie ihre Arbeiten: Sie studierte zunächst im Fachbereich Keramik an der Kolding Design School in Dänemark und wechselte später an […]

bis 18.10. | #4761ARTatBerlin | Sexauer Gallery präsentiert ab 06. September 2025 (Eröffnung: 05.09.) die Ausstellung „(Non)sense“ der Künstlerin Caroline Kryzecki. Caroline Kryzecki zeigt Malereien auf Papier. Mit der Pinselspitze malt und tupft sie tausende halbkreisähnliche Formen mit Gouache und Aquarell in ein Raster. Durch die Veränderung von Größe und Ausrichtung der Formen, sowie durch die verschiedenen Töne und die Modulation von Transparenz und Opazität, entstehen trotz der immer selben Vorgehensweise Arbeiten von großer Vielfalt. Das Spektrum reicht von ganz streng bis fast psychedelisch. In der jetzigen Ausstellung ergeben sich in den fast sechzigtausend Rasterfeldern der kleinen, und den über dreihunderttausend Feldern der großen Arbeiten unbegrenzte Variationsmöglichkeiten. Caroline zeigt in (Non)sense Malereien. Zu Beginn ihrer Karriere war sie zunächst durch Kugelschreiberzeichnungen mit tausenden von Linien bekannt geworden. Aus diesen Zeichnungen entwickelte sie Jahre später ihre Rastermalereien. Mit der Pinselspitze malte und tupfte sie tausende kleine halbkreisähnliche Formen mit Gouache und Aquarell in ein Raster. Das Rasterpapier stellte die Handsiebdruckerei aus Berlin nach ihren Vorgaben für sie her. Die ersten Experimente auf Rasterpapier hatte Kryzecki bei der Josef & Anni Albers Foundation gemacht, auf altem Patronenpapier, das einst Textilgestaltern zum Entwurf von Mustern diente. Durch die Veränderung von Größe und Ausrichtung der Formen, sowie durch die verschiedenen […]

bis 20.09. | #4759ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt ab Freitag, 23. August 2025 (Vernissage: 22.08.) die Ausstellung „Berufsverkehr (Rush Hour)“ des Künstlers Matias Bechtold. Der andere Blick, mit dem Matias Bechtold unsere Welt wahrnimmt, ist im Wesentlichen von Maßstabsverschiebungen bestimmt. Seine im Modellbau filigran inszenierten und hochkomplexen Stadt-Topografien lassen zwei Perspektiven zu: Man nimmt sie als skulpturale Körper wahr, kreist in schwindelerregender Höhe über Stadtschluchten hinweg und denkt sich einen Moment später als ihr Bewohner in sie hinein. Für die aktuelle Arbeit Berufsverkehr wählte er die weltberühmte archäologische Kultstätte Machu Picchu als Vorlage, um sie bis in den letzten Millimeter mit dem wuchernden Verkehr einer hyperverdichteten Megacity zu überfrachten. Die Arbeit eröffnet ungewohnte Perspektiven auf urbane Komplexität und die Beziehung zwischen Architektur, Raum und menschlicher Aktivität. Vernissage: Freitag, 22. August 2025, 19:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 23. August – Samstag, 20. September 2025     Bildunterschrift: Matias Bechtold, Berufsverkehr / Macchu Picchu, 2024/2025 (Detail). Copyright by the artist. Courtesy Laura Mars Gallery. Ausstellung Matias Bechtold – Laura Mars Gallery | Zeitgenössische Kunst Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Galerien | ART at Berlin

bis 01.11. | #4755ARTatBerlin | ARTES Berlin zeigt ab Freitag, 12. September 2025, die Ausstellung „CONNECTING BERLIN“ der Künstler*innen Christo & Jeanne-Claude im Dialog mit neuen Werken der Künstlerin Marion Eichmann. Anlässlich des 30-jährigen Jubiläums der Reichstagsverhüllung, die 1995 von Christo und Jeanne-Claude realisiert wurde, zeigt die Schau im Rahmen der Berlin Art Week eine künstlerische Auseinandersetzung mit Demokratie und ihren sichtbaren wie verborgenen Symbolen. Die Verhüllung des Reichstags war nicht nur ein herausragendes Kunstereignis, sondern auch ein kraftvolles Symbol für Aufbruch, Einheit und Demokratie. Marion Eichmann arbeitete im und um den Reichstag und hielt ihre Eindrücke in detaillierten Zeichnungen fest. In ihrem Atelier übersetzte sie diese in vielschichtige Scherenschnitte und farbintensive Collagen. Im Auftrag des Kunstbeirats entstand über ein Jahr hinweg eine Serie von mehr als hundert Arbeiten, die das Parlament aus ungewohnten Blickwinkeln zeigen – von ikonischen Fassaden bis zu verborgenen Arbeitsräumen, Maschinen, Schildern und Geräten. „CONNECTING BERLIN“ verbindet die historische Geste der Reichstagsverhüllung mit einem aktuellen künstlerischen Blick auf das politische Zentrum Deutschlands und lädt dazu ein, über Sichtbarkeit, Teilhabe und die Kraft der Kunst in einer offenen Gesellschaft nachzudenken. Im Rahmen der Berlin Art Week findet am Samstag, 13. September 2025, ab 18 Uhr ein besonderer […]

bis 29.08. | #4751ARTatBerlin | Galerie Friese zeigt ab Donnerstag, 14. August 2025 (Vernissage: 13.08.) die Einzelausstellung o.T. (31) der Künstlerin Franziska Holstein. Die Präsentation umfasst eine 31-teilige neue Serie von Leinwänden, die an einer einzigen Wand installiert werden. In ihrer Gesamtheit ermöglichen die Arbeiten sowohl einen eindrucksvollen Einblick in Holsteins Arbeitsweise als auch ein außergewöhnliches Seherlebnis. Die Serie knüpft formal und motivisch an Holsteins vorherige Leinwandarbeiten an, die in ihren letzten Einzelausstellungen in der Galerie (o.T. (7), 2024) und im Von der Heydt-Museum in Wuppertal (o.T. (20), 2023) gezeigt wurden. Am Anfang des Arbeitsprozesses arrangiert Holstein konkrete Formen und Farben frei assoziativ auf der Bildfläche. Schrittweise entwickelt sich daraus eine immer systematischere Vorgehensweise, die sie auf alle Teile der Serie konsequent anwendet: Alle Motive der Serie o.T. (31) bestehen aus 16 Flächen mit identischem Flächeninhalt, die nur horizontal oder vertikal geteilt werden. Farblich beschränkt sich die Künstlerin auf vier Töne – Hellblau, abgetöntes Weiß, Orange und Schwarz – die exakt in dieser Reihenfolge auf dem Bild erscheinen. Hinzu kommen eine strikte Form- und Farbsymmetrie der Motive. Wie alle ihre Werkreihen bewegt sich auch o.T. (31) an der Grenze zwischen Spiel und System. Holstein betrachtet stets ihr Gesamtwerk, das sich […]

bis 15.11. | #4749ARTatBerlin | CAMERA WORK präsentiert ab 27. September 2025 eine Ausstellung des Künstlers Patrick Demarchelier. Die Ausstellung ist in zwei themabsche Schwerpunkte gegliedert: Modefotografie und Porträtkunst. Diese zeigen eindrücklich, warum Patrick Demarchelier nicht nur als einer der „Big Five“ der Modefotografie gilt, sondern einer der prägenden Fotokünstler seiner Zeit ist. Sein Werk steht für eine Fotografie, die Eleganz mit Substanz verbindet – technisch brillant, zugleich voller Gespür für die leisen Zwischentöne des Ausdrucks. In Demarcheliers Modefotografien werden Stoffe zu Skulpturen, Körper zu Komposibonen aus Licht und Bewegung. Die Zusammenarbeit mit Christy Turlington markiert ein zentrales Kapitel seines Schaffens. Ihre gemeinsamen Arbeiten sind Ikonen einer Ära. Gleichzeibg offenbaren Demarcheliers Porträts eine besondere Nähe: Glenn Close, Paul Newman, Anthony Hopkins, Julia Roberts, Angelina Jolie, Demi Moore – sie alle erscheinen nicht als Inszenierungen, sondern als echte Begegnungen. Auch Diane Kruger, Kate Moss und Gisele Bündchen sind Teil dieser vielschichbgen Werke, in denen die Fotografie die Persönlichkeit zu einer kunstvollen Wahrhagigkeit erhebt. Mit diesem unverkennbaren Sbl zählt Patrick Demarchelier zu den einflussreichsten Figuren der modernen Fotokunst – weit über die Modewelt hinaus. Seine ikonischen Arbeiten sind sblbildend, zeitlos und bis heute wirksam. Über Patrick Demarchelier Patrick Demarchelier (1943–2022) wuchs mit […]

bis 24.10. | #4747ARTatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab Samstag, 16. August 2025 (Vernissage: 15.08.) die Ausstellung „Amaurote“ des Künstlers Quentin Lefranc. Die Galerie Gilla Lörcher präsentiert die zweite Einzelausstellung des französischen Künstlers Quentin Lefranc (geb. 1987). Als Ort des Studiums konzipiert, dient die Architektur Quentin Lefranc als Rahmen, Territorium und Spielwiese für seine Werke. Er stellt stets einen Dialog zwischen dem Ort und dem, was er dort ausstellt, her. Seine Werke, die sich an der Schnittstelle verschiedener Praktiken befinden, fungieren wie offene Klammern im Raum. Durch Gegenüberstellungen oder Nebeneinanderstellungen hinterfragt er, woraus dieser Raum besteht. Er experimentiert mit seiner Durchlässigkeit, seinen Hierarchien und seiner Geschichte. Auch wenn eine skulpturale Dimension dominiert, bevorzugen seine Vorschläge eher ein Handlungsfeld als eine Praxis und laden uns ein, über unsere Existenz und die Schaffung von Raum nachzudenken. Über Quentin Lefranc Quentin Lefranc lebt und arbeitet in Paris (F). Er erhielt Diplome von der Art School in Rueil-Malmaison (2011) und der School of Arts Décoratifs in Paris (2013). Die Werke von Quentin Lefranc wurden in zahlreichen Kunstinstitutionen und Galerien gezeigt: Palais de Tokyo, Paris (F); Centre d’Art Contemporain, Nîmes (F), Centre d’Art Chateauvert (F); Académie Royale des Beaux-Arts, Bruxelles (B), Château de la […]

bis 18.10. | #4744ARTatBerlin | Persons Projects zeigt ab 6. September 2025 (Vernissage: 5.09.) die Einzelausstellung Secular Limbo des Künstlers Jyrki Parantainen. Mit der Ausstellung Secular Limbo präsentiert Jyrki Parantainen eine poetische Reflexion über die Alchemie von Emotion und Erinnerung. Als einer der einflussreichsten Künstler der Helsinki School und ehemaliger Leiter der Fotografieabteilung an der Aalto-Universität prägte Parantainen maßgeblich die internationale Wahrnehmung der finnischen Konzeptfotografie. Die Ausstellung zeigt neueste Arbeiten aus der Serie Poetry of Circulation, ergänzt durch skulpturale Objekte aus Between Heaven and Earth. Parantainens konzeptioneller Ansatz verbindet Fotografie mit anderen Medien – dreidimensionale Elemente, Texte, feine Drahtverbindungen, Fundstücke – zu symbolisch aufgeladenen Bildwelten, in denen philosophische Fragmente, historische Bezüge und persönliche Erinnerungen verschmelzen. Im Zentrum steht die Untersuchung existenzieller Spannungen: Leben und Tod, Liebe und Hass, Kunst und Religion. Parantainens Werke bewegen sich kritisch gegenüber dogmatischen Ideen, gleichzeitig öffnen sie sich einem metaphysischen Raum zwischen Ironie, Absurdität und spiritueller Suche. In der Serie Poetry of Circulation verwandelt der Künstler seine Fotografien durch Eingriffe in empfindsame Kompositionen – visuelle Essays über das Fragile und das Unbekannte. Die begleitenden Skulpturen wirken wie poetische Apparaturen: kleine Weltmodelle, Laborutensilien, Engelsfiguren, Blattgold, Glaszylinder – jedes Objekt enthält eine geheime, handgeschriebene Botschaft des Künstlers. […]

bis 04.09. | #4741ARTatBerlin | Galerie feinart berlin zeigt ab 09. August 2025 eine Einzelausstellung des Künstlers Günter Schöllkopf. Das grafische Werk von Günter Schöllkopf, geboren 1935 in Stuttgart, vermittelt den Eindruck eines neugierigen, politisch engagierten Künstlers und Denkers mit einer Begabung für Radierungen und einer sprudelnden Fantasie. Im Alter von zehn Jahren erhielt er Privatunterricht bei Max Ackermann, mit 22 schloss er sein Studium an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart ab. Als er im Alter von 44 Jahren starb, hinterließ er insgesamt rund 1.000 Werke, die sich mit Themen aus Weltliteratur, Musik, Geschichte und Politik befassen. Guenter Schoellkopf, Helden, 34.3 x 49cm, 1953, ©feinartberlin In der Ausstellung zu sehen sind Blätter aus den Zyklen Zu Balzac, Don Quichote, François Villon, zu antiken Mythen und Märchen sowie drei seiner seltenen Gemälde. Hinter der Darstellung der Themen, denen die Zyklen gewidmet sind, lässt sich ein wucherndes Wurzelsystem von Bezügen entdecken, das alle Bilder, alle Figuren miteinander verbindet. Schöllkopf interessiert nicht die Bestätigung vorgegebener Ordnungen und Interpretationen, schon gar nicht deren Illustration. Vielmehr wollte er in seinen kaleidoskophaften, doppelbödigen Bildwelten kollektive Aussageverknüpfungen erreichen, die das Denken von Plus und Minus, von Autoritäten und Ideologien befreien. Günter Schöllkopf — Louenge à la cour […]

bis 30.08. | #4736ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte (Charlottenstraße) zeigt derzeit die Ausstellung „Splitogetherness: another groove“ des Künstlers Abraham Cruzvillegas. Die Galerie Thomas Schulte präsentiert „Splitogetherness: another groove“, eine Einzelausstellung mit neuen Zeichnungen, Skulpturen und Installationen von Abraham Cruzvillegas. Die Werke wurden speziell für die Ausstellung in Berlin vor Ort angefertigt und stehen in Zusammenhang mit Cruzvillegas‘ fortlaufender Praxis und einer Reihe von Projekten, die er als „autoconstrucción“ bezeichnet. Mit einem improvisatorischen Ansatz konstruiert Cruzvillegas skulpturale Werke aus Alltagsgegenständen und Materialien, die von den Mitarbeitern der Galerie vor Ort gefunden und ausgewählt wurden. Diese werden neben großformatigen Zeichnungen präsentiert: lockere, gestische Interpretationen von Ort und Identität. Im Corner Space wird seine Serie „Blind Self-Portrait“ durch ein dreidimensionales Werk fortgesetzt, das aus verdeckten Korrespondenzdokumenten besteht. In einem Wechselspiel von Doppelbildern und Zwischenräumen thematisieren die Werke Prozesse, Austausch, Kollektivität und die Beziehung zwischen Identität und Umgebung – jedes davon verwurzelt in seiner eigenen kontinuierlichen Transformation. Ausstellungsdaten: Samstag, 28. Juni bis Samstag, 30. August 2025     Bildunterschrift Titel: Abraham Cruzvillegas, „Splitogetherness: another groove“, installation view at Galerie Thomas Schulte, Foto: GRAYSC.DE Ausstellung Abraham Cruzvillegas – Galerie Thomas Schulte | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART […]

bis 06.09. | #4735ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin zeigt ab Donnerstag, 24. Juli 2025 die Einzelausstellung „The Need for Speed“ des Künstlers Joachim Lambrechts. In The Need for Speed lodern Flammen aus Rollschuhen, Jets, Sportwagen und Motorrädern – aus Maschinen, die für Geschwindigkeit geschaffen wurden. Doch bei Lambrechts sind sie mehr als nur Fahrzeuge: Sie werden zu Symbolen für inneren Antrieb, für das menschliche Streben nach Fortschritt, Höhe, Leistung – trotz aller Risiken. Bekannt wurde Joachim Lambrechts durch seine humorvollen Porträts ikonischer Figuren – Superhelden, Musiker, Tiere – in einem kraftvollen, grafischen Stil. In dieser neuen Werkreihe geht er einen Schritt weiter: Weg vom Porträt, hin zu einer symbolischen Bildsprache. Fahrzeuge und Sportgeräte erscheinen als Metaphern für Bewegung, aber auch für Übermut, Entschlossenheit und Scheitern. Ein Skifahrer mit flammenartigen Flügeln verweist direkt auf den Ikarus-Mythos. Andere Werke evozieren die Spannung zwischen Kraft und Kontrollverlust, zwischen Erfolg und Absturz. Die gezeigten Objekte – brennende Helikopter, gleitende Windsurfer, aufflammende Coupés – sind keine gewöhnlichen Fortbewegungsmittel. Es sind überhöhte Designs, die weniger mit Effizienz als mit dem Wunsch nach Extremem zu tun haben. Sie stehen für ein Lebensgefühl, das sich gegen Begrenzung auflehnt. Für Lambrechts sind sie Ausdruck eines universellen inneren Drangs: […]

bis 02.08. | #4732ARTatBerlin | Galerie Barbara Thumm zeigt ab Samstag, 5. Juli 2025 (Vernissage: 04.07.) die Einzelausstellung „SEDIMENTS: Sono-Choreo-Geo-Graphic Attunements“ der Künstlerin María José Arjona. Die Ausstellung widmet sich der performativen Praxis von María José Arjona, in der sie Körper, Bewegung, Klang und Raum als lebendige Sedimente untersucht, die sich durch wiederholte Präsenz, Resonanz und Übersetzung verändern. Arjonas Arbeiten operieren zwischen Choreografie, Geografie und Klanginstallation – und entstehen oft aus akustischen und körperlichen Einschreibungen, die sich dem direkten Zugriff entziehen, aber dennoch kraftvoll nachhallen. Kuratiert wurde die Ausstellung von Melanie Roumiguière. María José Arjona © die Künstlerin / Galerie Barbara Thumm Künstler*innengespräch: Am Donnerstag, 10. Juli 2025, um 19:30 Uhr spricht María José Arjona in der daadgalerie mit Melanie Roumiguière über einen weniger bekannten Aspekt ihrer Praxis: ihre Arbeit mit Text. Ausgangspunkt ist das jüngste, noch unveröffentlichte Werk „Recordings“, das in der Ausstellung räumlich erfahrbar wird und zur aktiven Auseinandersetzung einlädt. Vernissage: Freitag, 4. Juli 2025, 18:00–21:00 Uhr (mit Sommerdrinks und Anwesenheit der Künstlerin) Ausstellungsdaten: Samstag, 5. Juli – Samstag, 2. August 2025     Bildunterschrift: María José Arjona © die Künstlerin / Galerie Barbara Thumm Ausstellung María José Arjona – Galerie Barbara Thumm | Zeitgenössische Kunst in Berlin […]

bis 31.08. | #4730ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 03. Juli 2025 die Ausstellung „NEW YORK – BERLIN“ des Künstlers Wilfried Schwerin von Krosigk. Wilfried Schwerin von Krosigk, ein Flaneur durch kulturelle Biotope, zwischen deutschem Neoexpressionismus und amerikanischer Popkultur, siedelte nach seinem Kunststudium Mitte der 1980er Jahre von Köln ins brodelnde New York über – zu einer Zeit, in der das East Village als thermisches Zentrum postmoderner Überhitzung galt. Wilfried Schwerin von Krosigk, Du musst dein Leben ändern, 1986, Mixedmedia, 172 x 172, 40 x 30 In diesem urbanen Treibhaus beginnt Schwerin von Krosigk mit gestischer Malerei auf prekären Bildträgern – Jalousien, Kartonagen, Plexiglas – seine künstlerische Sprache zu entwickeln. Was zunächst wie ungestüme Improvisation anmutet, entpuppt sich bei näherer Betrachtung als ästhetische Versuchsanordnung, in der sich Piktogramme, Ornamente, urbane Fundstücke und ironisch gebrochene Symbolismen zu semiotischen Prozessen verdichten. Inmitten der industriellen Überfülle betreibt der Künstler eine Alchimie des Marginalen, eine Zweckentfremdung, die das Übersehene durch Neubewertung auf die Metaebene transponiert. Wilfried Schwerin von Krosigk, Times Spquare, 1988, Mixedmedia, 57 x 75 Nicht zufällig finden wir ihn im Kreis jener Ikonen der amerikanischen Gegenwartskunst – Haring, Basquiat, Warhol –, die aus der visuell gesättigten Ökologie des Konsums neue Bildsprachen destillieren. […]

bis 30.08. | #4726ARTatBerlin | Galerie Schindler zeigt ab 03. Juli die Ausstellung „Loose Threads, Holding Us“ der Künstlerin Anna-Lisa Unkuri. Ein wiederkehrendes Thema im Schaffen von Anna-Lisa Unkuri ist die Balance zwischen Realität und Unwirklichkeit, sowohl auf atmosphärischer als auch auf gegenständlicher Ebene. Lose Fäden, die an uns hängen und uns entweder davon abhalten, in ein Fantasiereich einzutauchen, vielleicht in Vergessenheit und Freiheit, oder die uns in der Realität halten, geprägt von Vernunft und dem Wunsch, das Richtige zu tun. Anna-Lisa Unkuri, (Horse Girl), 2025, Mischtechnik auf Leinwand, 30×30 cm Diese Fäden symbolisieren für Anna-Lisa Unkuri die Zwiespältigkeit unseres Lebens: Geht es um das Erwachsenwerden oder um die Unsicherheit darüber, wie man eigentlich erwachsen wird? Oder vielleicht darum, das Erwachsenwerden überhaupt nicht zu wollen? Die Protagonisten in ihren Bildern befinden sich oft in einem Zustand völliger Präsenz. Sie sind sich eines möglichen Beobachters nicht bewusst und existieren in einem isolierten, eigenständigen Moment. Diese Werke entstehen aus einer für Anna-Lisa Unkuri typischen Herangehensweise: Sie sucht das Thema durch den Einsatz von Farbe und Komposition. Anna-Lisa Unkuri,Two, Mischtechnik auf Leinwand, 70 x 50cm, 2025 Unkuri beginnt ihre Arbeit in der Regel abstrakt und intuitiv. Einige der Gemälde sind in ihrem Ausdruck […]

bis 05.09. | #4724ARTatBerlin | Crone Berlin zeigt ab 28. Juni 2025 die Ausstellung The Principle of Chance des Künstlers Józef Jarema. Zu sehen ist eine Serie abstrakter Papierarbeiten, die in den 1940er bis 1960er Jahren entstanden sind und Jarema als wichtigen Vertreter der Nachkriegs-Avantgarde ausweisen. Józef Jarema war Künstler, Maler, Dramatiker, Schauspieler und kultureller Netzwerker – ein Visionär, der rastlos durch die Welt zog, sich an Dutzenden von Orten aufhielt und auch mit seiner Kunst ständig Grenzen überschritt. 1900 in Stary Sambor (damals Teil des österreichischen Galiziens, heute Ukraine) geboren und 1974 in München verstorben, hinterließ er ein Œuvre, das von persönlicher Intensität und großer Weitsicht zeugt. Die Ausstellung „The Principle of Chance“ konzentriert sich auf Jaremas Nachkriegsjahre in Rom und untersucht seine intuitive, gestische Herangehensweise an die Malerei – eine Reaktion sowohl auf die Schrecken des Krieges als auch auf völkische, nationale Doktrinen, denen er die universelle Sprache der Abstraktion entgegensetzen wollte. Beeinflusst durch seine Freundschaft mit dem deutsch-französischen Künstler Jean Arp und dem dadaistischen Konzept des „absichtlichen Zufalls“, verkörpert sein Werk ein poetisches Gleichgewicht zwischen Kontrolle und Chaos, zwischen organischer Form und abstrakter Komposition. Jarema war nicht nur ein produktiver Künstler, sondern auch ein kultureller Impulsgeber. Als […]

bis 02.08. | #4718 ARTatBerlin | Jarmuschek + Partner präsentiert ab 21. Juni 2025 die Ausstellung „Komorebi Komplex“ des Künstlers Patrick Cierpka. Im Zentrum der aktuellen Arbeiten von Patrick Cierpka steht das japanische Phänomen Komorebi, welches das zarte Lichtspiel beschreibt, wenn Sonnenstrahlen durch Blätter fallen und filigrane Muster aus Licht und Schatten entstehen. Dieses Phänomen – tief in der Natur und ihrer subtilen Schönheit verwurzelt – erweitert Patrick Cierpka in seiner Ausstellung. Sonnenlicht fällt durch die Blätter eines Baumes, verwandelt Wasser in glitzernde Punkte oder farbige Flächen wirbeln wie ein rauschender Kosmos um menschliche Gesichter und Körper. Der Künstler fängt diese besondere Atmosphäre in seinen neuen Gemälden ein und thematisiert ihre Präsenz und ihre Vergänglichkeit. Dabei berühren Licht und Farben eine assoziativ aufgeladene Bildwelt, die in seinen Arbeiten gefiltert oder reflektiert werden. Er schafft in seinen Werken eine Verbindung zwischen der natürlichen Schönheit des Lichts und des menschlichen Daseins, wodurch sie eine tiefere emotionale und symbolische Bedeutung erhalten. Die Arbeiten laden die Betrachtenden ein, sowohl die vergängliche Schönheit der Natur als auch die Vielschichtigkeit menschlicher Erfahrung zu erkunden. Vernissage: Samstag, 21. Juni 2025, 11–18 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 21. Juni bis Samstag, 02. August 2025     Bildunterschrift Titel: ©PATRICK CIERPKA, PASSION, 2023, Acrylic and oil on […]

bis (folgt) | #4632ARTatBerlin | Galerie SCHMALFUSS BERLIN zeigt ab 14. Juni 2025 in neuen Galerieräumen (Knesebeckstr. 11) die Ausstellung „Große Vögel, Kleine Vögel“ mit Werken des Künstlers Roland Stratmann. Mit Große Vögel, kleine Vögel stellt Roland Stratmann einen Werkkomplex vor, der sich auf das aktuelle Zeitgeschehen bezieht. Der Titel zitiert den gleichnamigen Film von Pier Paolo Pasolini, der die Verführungskraft von Ideologien behandelt. Roland Stratmann, Fayencen, M15-2022, Diptychon Cut Out mit je 3 Postkarten, 42 x 32 cm Stratmanns Werke lenken den Blick auf das erneute Aufkommen feudal-kapitalistischer Strukturen und die durch Propaganda gestützten Weltanschauungen der Mächtigen. Plüschtiere treffen auf monumentale Denkmäler, üppige Blumengebinde auf verdeckende Camouflage, die Silhouetten von Heldenfiguren verschränken sich mit Geräten der Zeitmessung. Roland Stratmann, 2025-31, IBDMW, Osterluzeifalter Das Eintauchen in die Bilder erlaubt, durch die Historie und deren weltanschauliche Verwerfungen zu reisen. Die apokalyptisch erscheinenden Drohungen werden hintertrieben durch kuriose Physiognomien und groteske Maßstabsverschiebungen. Roland Stratmann, Senza Madonna, Verkehr So verspricht die Ausstellung, bei allem Gewicht der behandelten Themen, eine Eröffnung vielfältiger Perspektiven und gleichwohl ästhetischen Genuss wie intellektuelles Vergnügen Vernissage: Samstag, 14. Juni 2025 von 16:00 bis 20:00 Uhr. Der Künstler hat seine Teilnahme zugesagt. Ausstellungsdaten: Samstag, 14. Juni bis (folgt)     […]

bis 24.07. | #4713ARTatBerlin | Galerie Inga Kondeyne zeigt ab Freitag, 13. Juni 2025 die Ausstellung „4 händig“ der Künstler*innen Astrid Köppe, Hanna Hennenkemper, Nadine Fecht, Malte Spohr + Johannes Regin. Malte Spohr, geb. 1958 in Hamburg, Studium u.a. an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig; er lebt in Berlin; fotografisches Ausgangsmaterial findet sich bei Spohr höchst eigensinnig zeichnerisch transformiert; seine neuen Blätter umkreisen subtil das Kontrastfeld von Schwarz und Weiss. Kataloge: ‚Malte Spohr – Aufzeichnungen 1994 – 2018‘, 2018, Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern; ‚MUNK & SPOHR‘, 2024, Fantôme, Vol.83, Berlin. Nadine Fecht, geb. 1976 in Mannheim; Studium u.a. an der Universität der Künste UdK, Berlin; sie lebt in Berlin; seit 2025 Professur für Zeichnung an der HfG Offenbach; die Zeichnerin ist medial nicht festgelegt, Videoarbeiten und raumbezogene Installationen sind Teil eines ausgreifenden Werks. Besonders bekannt sind ihre Kugelschreiberzeichnungen; neue Arbeiten aus diesem Sektor werden zu sehen sein; Katalog: ‚Amok‘, 2019, Kunsthalle Mannheim. Hanna Hennenkemper, geb. 1974 in Flensburg; sie lebt in Berlin; Studium an der Kunsthochschule Berlin Weissensee; seit 2024 Professur an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart; als Zeichnerin und Druckgrafikerin ist sie außergewöhnlich experimentierfreudig; in der aktuellen Serie von Bleistiftzeichnungen untersucht sie, wie eine zeichnerische Praxis im Rahmen von Nature-Care/ Nature-Writing […]

bis 19.07. | #4712ARTatBerlin | Galerie alexander levy zeigt ab 13. Juni 2025 die Ausstellung Zucker des Künstler Felix Kiessling. alexander levy präsentiert Zucker, eine Einzelausstellung von Felix Kiessling. Die Ausstellung umfasst drei Werkgruppen – Arbeit (2025), Du (2025) und Sitzgelegenheiten (2025) – und untersucht den Körper als durchlässiges, affektives Medium, das sich in seine Umgebung einschreibt. In diesem Zusammenhang werden feste Grenzen zwischen Selbst und Raum in Frage gestellt und der subtile Dialog zwischen materieller Präsenz, Erinnerung und sozial konstruierten Wahrnehmungsrahmen sichtbar gemacht. In Arbeit (2025) werden rohe Aluminiumplatten durch eine biochemische Korrosionsreaktion zwischen der Metalloberfläche und Körperflüssigkeiten verändert. Chemisch aufbereitetes Schwitzwasser – vom Künstler selbst, seiner Partnerin und seinem Sohn gesammelt – wird mithilfe von Textilien auf das Aluminium aufgetragen. Einige Werke zeigen undefinierbare Spuren endogener Salze und Säuren, die sich über Zeit abgelagert haben. Die entstehenden organischen Formen entziehen sich bewusster Gestaltung und erscheinen als unmittelbare Spuren körperlicher Nähe und Berührung. Du (2025) ist eine Wärmebildkamera-Installation in Form eines Badezimmerspiegels. Sie lädt dazu ein, über das äußere Erscheinungsbild hinaus zu reflektieren, indem sie unsichtbare Prozesse wie Kreislauf, Wärme und körperlichen Fluss erfasst. Die Arbeit offenbart die Instabilität physischer Form und bietet eine Meditation über Materialität und die […]

bis 16.08. | #4711 ARTatBerlin | Konrad Fischer Galerie zeigt ab Donnerstag, 12. Juni 2025 eine Ausstellung des Künstler Thomas Schütte. Vernissage: Donnerstag, 12. Juni, 18–21 Uhr Ausstellungsdaten:Donnerstag, 12. Juni – Samstag, 16. August 2025     Bildunterschrift : Courtesy by Thomas Schütte und Konrad Fischer Galerie. Ausstellung Thomas Schütte –  Konrad Fischer Galerie | Zeitgenössische Kunst – Contemporary Art – Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 19.07. | #4706 ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin zeigt ab 12. Juni 2025 (Vernissage: 11.06.) die Einzelausstellung „Point of No Return“ mit dem Künstler Michael Dohr. Mystische Gestalten, synthetische und organische Formen treffen in den Arbeiten des österreichischen Künstlers Michael Dohr aufeinander und evozieren Systeme und Prozesse im Wandel – wie das Entstehen oder Vergehen. „Point of No Return”, der Titel seiner ersten Einzelausstellung in der Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin, verweist auf die Idee eines unumkehrbaren Wendepunkts, verkörpert durch das wiederkehrende Motiv eines fallenden Tropfens. Ob es sich um eine Träne, ein Leck, Blut, Regen, Tinte oder Industrieabfälle handelt, der Tropfen ist ein Symbol für eine ausgesetzte Konsequenz, schön und gleichzeitig dem Untergang geweiht. Seine Arbeiten reagieren auf eine Welt, die von entscheidenden Momenten geprägt ist: von der Pandemie bis zum Klimanotstand, von einer neuen geopolitischen Situation bis zur künstlichen Intelligenz, von der synthetischen Biologie bis zum Metaverse. Wir wissen, dass der Zusammenbruch bevorsteht; doch der Tropfen muss erst noch den Boden erreichen. In diesem Raum der Erwartung bietet Dohr keine Lösung oder Rückkehr an, sondern lädt uns ein, darüber nachzudenken, was nach dem Zusammenbruch kommen könnte. Die Arbeiten deuten darauf hin, dass im Kollaps das Rohmaterial für […]

bis 22.08. |#4703ARTatBerlin | Q Gallery zeigt ab 28. Juni 2025 (Vernissage: 27.06) die Einzelausstellung „QUINTESSENCE“ des Künstlers Rashid Al Khalifa. Die Ausstellung wird kuratiert von Yasmin Sharabi, Direktorin der RAK Foundation. Rashid Al Khalifa, geboren 1952 in Riffa (Bahrain), ist ein international anerkannter Künstler, Kunstsammler und Förderer der zeitgenössischen Kunst und Mitglied des Königshauses Bahrain. Er studierte am Hastings College of Arts and Technology in Großbritannien und begann seine künstlerische Laufbahn mit figurativer Malerei, insbesondere Landschaften, die stark von impressionistischen Einflüssen geprägt waren. Im Laufe seiner Karriere entwickelte sich sein Stil von traditionellen Maltechniken hin zu abstrakten und konzeptuellen Ausdrucksformen. Heute ist er bekannt für seine innovativen Arbeiten mit reflektierenden Materialien, geometrischen Strukturen und minimalistischen Kompositionen, die Licht, Raum und Bewegung in den Fokus rücken. Seine Werke bewegen sich an der Schnittstelle von Malerei, Skulptur und Architektur und interagieren mit ihrer Umgebung auf eine Weise, die den Betrachter aktiv in den künstlerischen Prozess einbindet. Rashid al Khalifa, Mobile Column VIII (Yellow), 2025, Enamel on Stainless Steel, 120 x 90 x 90 cm Seine Inspiration schöpft Al Khalifa aus der ihn umgebenden Landschaft und Architektur. Licht, Farben und die Atmosphäre Bahrains fließen direkt in seine Werke ein, die zwischen Tradition […]

bis 28.06. | #4701ARTatBerlin | Laura Mars Gallery zeigt ab 24. Mai 2025 (Vernissage: 23.05.) die Ausstellung -Du- der Künstler*innen Anke Völk und Frank Maier. In der Ausstellung -DU- präsentieren sich zwei eigenständige künstlerische Positionen, die wiederum verbundener kaum sein könnten – seit über 30 Jahren ein Paar: die Berliner KünstlerInnen Anke Völk und Frank Maier. Nicht das Einzelwerk oder seine stilistischen Eigenheiten stehen im Mittelpunkt – so präsent sie auch sind. Eher soll der Fokus auf dem bewusst gewählten Titel -DU- liegen. Und hierbei auf die grundsätzliche Erfahrung als Mensch, dass wir uns selbst, die Welt – und auch die Kunst – nicht im Rückzug auf das Ich, sondern erst im Gegenüber – im Du – erkennen. In dieser Ausstellung wird das Du nicht nur zur Metapher für Beziehung, sondern auch zum Denkraum für Differenz, Nähe, Spiegelung und Eigenständigkeit. In den gezeigten Arbeiten entfalten sich zwei Haltungen, unterschiedlich in Ausdruck und Materialität, die sich nicht angleichen, sondern nebeneinander bestehen, befragen, ergänzen und manchmal widersprechen. -DU- ist eine Ausstellung über Nähe und Differenz, über Verbindung ohne Auflösung und über das tiefe Wissen, dass Kunst wie das Leben erst im Anderen ihre Weite erfährt. Frank Maier, Über Simulation im Allgemeinen, 2024, mixed […]

bis 05.07. | #4698ARTatBerlin | KLEMM’S zeigt ab 23. Mai 2025 die Ausstellung „Film Noir“ der Künstlerin Zuzanna Bartoszek. In ihrer ersten Einzelausstellung in Deutschland, Film Noir, präsentiert Zuzanna Bartoszek eine Reihe neuer, kraftvoller Gemälde, die sich mit den romantischsten und fiebrigsten Dimensionen der Liebe befassen – Sehnsucht, Trauer, Begehren und berauschende Blindheit. In Film Noir lenkt Bartoszek ihren Blick auf die oft übersehenen Figuren und Räume am Rande von Liebesgeschichten: die Freunde am dritten Rad, die Witwen, die leise Trauernden, die Zufluchtsorte (für Liebende und Einzelgänger). Über Zuzanna Bartoszek Die 1993 in Poznań, Polen, geborene und derzeit in Berlin lebende Zuzanna Bartoszek ist Malerin und Dichterin, deren multidisziplinäres Werk sich einer einfachen Kategorisierung entzieht. Während ihre Gemälde unter anderem im Museum für Moderne Kunst in Warschau, in der Kunsthalle Zürich, in den Gaylord Apartments in Los Angeles und in der Cabin Gallery in New York ausgestellt wurden, wird diese Praxis durch eine starke literarische Präsenz ergänzt. Im Jahr 2016 veröffentlichte sie ihren ersten Gedichtband Niebieski Dwór im Disastra Verlag. 2021 folgte Klucz wisi na Słońcu, erschienen im WBPiCAK Verlag und nominiert für den Wisława Szymborska Award 2022. Im Jahr 2025 erscheint ihr drittes Buch, das Ende des Jahres bei Hela […]

bis 07.06. | #4696ARTatBerlin |WENTRUP präsentiert derzeit die Ausstellung „Cross Over“ der Künstlerin Desire Moheb-Zandi. Desire Moheb-Zandis Arbeit überschreitet Grenzen – sowohl im wörtlichen als auch im metaphorischen Sinne. Die Ausstellung „Cross Over“ erforscht ihre Praxis an der Schnittstelle von Handwerk und Kunst, kulturellen Identitäten, Materialien, Traditionen und Experimenten. Die in Berlin als Tochter iranischer und usbekisch-türkischer Eltern geborene und in der Türkei aufgewachsene Moheb-Zandi beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit Themen der Identität und der Bewegung zwischen verschiedenen kulturellen Kontexten. Dieses kulturelle Zusammenspiel zeigt sich in ihrer Webpraxis, die sowohl traditionelle Techniken als auch zeitgenössische Methoden integriert. Durch die Verwendung von upgecycelten Fäden und Naturfasern thematisiert sie die Weiterentwicklung des Handwerks und sein Potenzial als Medium für den künstlerischen Ausdruck. Memory lake, 2025, Linen, velvet, synthetic threads, lurex, wool, rope, cord, nylon, filling; 180 x 157 x 15 cm In „Cross Over“ wird das Weben als Darstellung des Übergangs und der Transformation dargestellt – Fäden, die sich überschneiden und eine einheitliche, sich verändernde Struktur bilden. Der Prozess wird mit einer textilen Partitur verglichen, in der sich das Weben im Rhythmus des Webstuhls und des manuellen Eingriffs der Künstlerin entfaltet. Diese Interaktion spiegelt ein Gleichgewicht zwischen strukturierter Technik und spontanem […]

bis 31.05. | #4691ARTatBerlin | Contemporary Fine Arts präsentiert ab Freitag, 02. Mai 2025, die Ausstellung „Taxi zur Kunst“ des Künstlers Tobias Spichtig. Contemporary Fine Arts freut sich, zum diesjährigen Gallery Weekend Berlin die dritte Einzelausstellung des Schweizer Künstlers Tobias Spichtig mit dem Titel Taxi zur Kunst zu eröffnen. Mit dieser Ausstellung erweitert er sein Malereispektrum nun um ein neues Genre: das Gruppenporträt. Taxi zur Kunst ist eine Ode an die Kunst selbst – eine Auseinandersetzung mit den klassischen Bildkategorien der Malerei. Taxi zur Kunst begann mit einem Wunsch und einem Scherz. CFA besetzt seit Jahren die Rückseite der Zeitschrift Texte zur Kunst, und Spichtig wünscht sich seit Jahren, genau dort den Titel „Taxi zur Kunst“ zu bewerben. Perfect match. Ein Taxi, nostalgisch aufgeladen, ein Mittel, das uns zu Eröffnungen, Lesungen, Theatern und Konzerten bringt. Man sitzt darin, die Welt zieht vorbei, wartet auf das, was kommt. In der Malerei sieht Spichtig eine ähnliche Nostalgie. „Der Prozess ist ein bisschen wie ein Witz. Ein magischer Witz.“ Für ihn ist Nostalgie keine sentimentale Rückschau, sondern eine Notwendigkeit. Die Sehnsucht nach dem scheinbar Vertrauten, dem Bekannten, das sich nicht ganz fassen lässt. Malerei ist in diesem Sinne ein Taxi. Der Blick aus […]

bis 12.07. | #4694 ARTatBerlin | Galerie Isabella Bortolozzi zeigt ab 02. Mai 2025 die Ausstellung „TEIL 2“ der Künsterin Michaela Eichwald. Vernissage: Freitag, 02. Mai 2025, 18:00 – 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 02. Mai bis Samstag, 12. Juli 2025     Bildunterschrift: Michaela Eichwald © courtesy of Galerie Isabella Bortolozzi Ausstellung Michaela Eichwald – Galerie Isabella Bortolozzi | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 28.06. | #4687ARTatBerlin | Taubert Contemporary zeigt ab 02. Mai 2025 die Ausstellung Sequences & Variations der Künstler Ignacio Uriarte. Ignacio Uriarte, geboren 1972 in Krefeld, hat keinen herkömmlichen Lebenslauf. Zunächst studierte er Betriebswirtschaftslehre und arbeitete in verschiedenen administrative Tätigkeiten, bevor er sich 2003 ganz der Kunst widmete. Diese berufliche Erfahrung in der Welt des Büros hat einen maßgeblichen Einfluss auf seine künstlerische Praxis, die stark von den alltäglichen Routinen, Materialien und Handgriffen des Büroalltags geprägt ist. Uriartes Werk zeichnet sich durch eine konzeptionelle Strenge und subtile Ästhetik aus. Er schafft komplexe Werke, die oft durch Wiederholung, Sequenzierung und Variation gekennzeichnet sind. Dabei erkundet er die einfachsten Gesten eines Büroangestellten: das Falten eines Blattes und das unbewusste Kritzeln ohne jede Intention. Diese simplen Techniken ermöglichen es ihm, die Grenzen zwischen Kunst und Arbeitsalltag zu hinterfragen und die Poesie im Banalen zu entdecken. Graded Stripe Circle, 2024, pigmented ink on paper | 92 x 67 cm | 36.2 x 26.7 in | 3.0 x 2.2 ft Im Eingangsbereich der Ausstellung befinden sich zwei Werke mit einem seriellen, fast filmischen Charakter. Die Zeichnungsgruppe Red Triangle Movement besteht aus neun Zeichnungen mit Dreiecksmotiv, die einen Bewegungsablauf entlang einer Kurve darstellen. Dabei verändern […]

bis 24.06. | #4684ARTatBerlin | Galerie Dittmar präsentiert ab Freitag, 02. Mai 2025 die Ausstellung Realität und Erinnerung – Die Erschließung der Welt des Künstlers Marcel Gähler. „In many ways his drawings touch on things that are universal but nearly impossible to express verbally, distant memories, emotions, deep feelings of love or loss. – A kind of longing for something deep within.“ Rebecca Kerlin, Philadelphia, 2016 Der Schweizer Künstler Marcel Gähler, 1969 in Zürich geboren, lebt und arbeitet in Winterthur. Hervorzuheben sind die Publikationen über den Künstler im Hatje Cantz Verlag, der Edition Patrick Frey und des Ringier Kunstverlags, beide Zürich, von Laurence King Publishing, London und vom Museum Franz Gertsch, Burgdorf. Marcel Gähler arbeitet gerne im Medium der Zeichnung, die Anlage der Blätter wie alle Valeurs sind hier dem zeichnerischen Strich anvertraut. Die Silberstiftarbeiten und großformatigen Aquarelle sind ebenfalls in Schwarzweiß angelegt und erschließen den Arbeiten, bei gleicher Ausdrucksqualität, weitere malerische und atmosphärische Möglichkeiten. Das innovative Vorgehen bezieht sich auch auf das Verhältnis zur Fotografie und die Art und Weise, wie diese einer bestimmten Welterfahrung und der Anverwandlung im Medium der Zeichnung dienstbar gemacht wird. Das aufwendige Verfahren schließt mehrere Zwischenstufen ein, an deren Ende die Graphit- und Silberstiftzeichnung steht. Ihnen gewinnt der […]

bis 05.07. | #4681ARTatBerlin | Galerie Nordenhake Berlin präsentiert ab 03. Mai 2025 (Vernissage: 02.05.) die Ausstellung Decoy des Künstlers Spencer Finch. In seiner sechsten Einzelausstellung in Berlin führt Spencer Finch seine Auseinandersetzung mit der Bedeutung von Farbe, Zeitlichkeit und dem Verhältnis von Wissenschaft und Poesie fort. Decoy vereint neue und zentrale ältere Arbeiten, die durch radikale Reduzierung eine dynamische Bewegung zwischen Abstraktion und präziser Darstellung des Ephemeren schaffen. In den Arbeiten auf Papier, Malerei und einer großen Lichtinstallation für die Fenster der Galerie gelingt es ihm, das Flüchtige und Fließende greifbar zu machen und Perspektiven zu dokumentieren, die sich oftmals unserer Wahrnehmung entziehen. Finchs Beschäftigung mit Licht und Farbe verweist dabei stets auf die Unmöglichkeit, zu einer einzigen Wahrheit zu gelangen. Die titelgebende Serie leuchtend monochromer Diptychen in Grün, Violett und Orange spielt mit der vielsagenden Ambiguität von Dopplungen, Spiegelungen und Täuschung. Die beiden quadratischen Tafeln zeigen scheinbar jeweils den gleichen Sekundärfarbton, welcher auf beiden Seiten aus je vier Farben gemischt wurde. Für jedes Teil der Diptychen wurden leicht abweichende Farben verwendet, um den gleichen Farbton zu erzielen. Sie sind an den Außenkanten des Quadrats zu sehen und verraten so die Komposition. Was wie zwei gleiche Farbquadrate erscheint, verändert […]

bis 28.06. | #4678ARTatBerlin | Galerie Société präsentiert ab Freitag, 02. Mai 2025 (Vernissage 01. Mai 2025) die Ausstellung Charades der Künstlerin Marianna Simnett. SOCIÉTÉ präsentiert eine Einzelausstellung mit der britisch-kroatischen Künstlerin Marianna Simnett. In Charades, der zweiten Einzelausstellung der Künstlerin in der Galerie, erforscht Simnett die fließenden Grenzen zwischen individuellem und kollektivem Verhalten in neuen Arbeiten, die sich mit den Begriffen Maskerade, Macht und Ritual beschäftigen. Ihre neuen Videos, Gemälde und Skulpturen, die sich auf Mythologie, soziale Rituale und Übergangsriten stützen, zeugen von einer tiefen Faszination für die sich ständig verändernde Darstellung des Selbst, die sich in extravaganten, makabren Inszenierungen manifestiert, die gesellschaftliche Tabus und Erwartungen missachten. Der häufige Rückgriff auf theatralische Elemente und Techniken unterstreicht die zugrundeliegende Spannung im Herzen des performativen Exzesses – seine Fähigkeit, etablierte Normen zu stören und Raum für Unterschiede zu schaffen, während er gleichzeitig als Waffe eingesetzt wird, um zu täuschen, zu manipulieren oder zu verschleiern. Die Videoarbeit Leda Was a Swan (Leda war ein Schwan) erweitert Simnetts anhaltendes Interesse an der Verfremdung antiker Mythen, um grundlegende Fragen zu Macht, Begehren und dem Anderen zu untersuchen. Inspiriert durch ihre Recherchen zu einem kürzlich entdeckten Fresko von Leda in Pompeji, greift das Werk den […]

bis 21.06. | #4675ARTatBerlin | Galerie Buchholz präsentiert ab 02. Mai 2025 die Ausstellung Cold Hope der Künstlerin Anne Imhof. Vernissage: Freitag, 02. Mai 2025, 18:00 bis 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 02. Mai bis Samstag, 21. Juni 2025 Erweiterte Öffnungszeiten während des Gallery Weekend: Samstag, 3. Mai, 11.00 – 19.00 Uhr Sonntag, 4. Mai, 11.00 – 18.00 Uhr     Bildunterschrift: Anne Imhof, Courtesy Galerie Buchholz Ausstellung Anne Imhof – Galerie Buchholz | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 28.06. | #4670ARTatBerlin | Haverkampf Leistenschneider präsentiert ab Donnerstag, 1. Mai (Vernissage: 30.04) die Duo-Ausstellung NEXT BUT TWO der Künstlerinnen Lois Dodd und Anna Grath. Ein vertrocknetes Blatt, ein geschwungener Stiel einer Frühlingsblüte, ein schattiger Hang unter einer winterlichen Schneedecke – Lois Dodd (geb. 1927) zeigt mit ihren Gemälden seit über siebzig Jahren ihr unmittelbares Umfeld. Die in New York City und auf der Mid-Coast in Maine lebende Künstlerin arbeitet vorwiegend en plein air und dokumentiert dabei Wälder, städtische Architekturen und Innenräume der Lower East Side sowie ländliche Landschaften um das Delaware Water Gap. Ihre Öl- und Aquarellmalereien folgen einem realistischen Farbprinzip, zeichnen sich aber durch einen reduzierten Bildaufbau aus. In einem Gespräch mit Bill Maynes (2007) betonte Dodd: „Nicht jeder sieht wirklich, was um ihn ist. Ich versuche, genau hinzuschauen und das Gesehene festzuhalten.“ Lois Dodd, Sunroom Door in Rain, Spring, 2021, oil on Masonite, 12 1/8 x 9 7/8 in © Lois Dodd, Courtesy of Alexandre Gallery, New York Anna Grath (*1985) entwickelt in ihren Skulpturen eine Gegenposition zu Dodds Malerei. Sie arbeitet mit gefundenen Materialien – Ästen, Draht, Glas, Stoff- und Kleidungsresten, Nylonstrümpfen oder Bändern – und kombiniert sie zu filigranen, gestischen Konstruktionen. Die Objekte dehnen […]

bis 14.06. | #4665ARTatBerlin | Galerie Thomas Fischer zeigt ab Samstag, 26. April 2025 (Vernissage: 25.04.) die Ausstellung Watercolors des Künstlers Joachim Bandau. Die neue Ausstellung von Joachim Bandau versammelt Aquarelle aus den Jahren 2006 bis 2019. Die Arbeiten sind aus präzise und gleichmäßig aufgetragenen Schichten aufgebaut, die eine räumliche Tiefe im Medium Aquarell erzeugen. Joachim Bandau, Watercolor, 2019, Watercolor, 76 x 57 cm Vernissage: Freitag, 25. April, 18 – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 26. April – Samstag, 14. Juni 2025     Bildunterschrift Titel: Joachim Bandau, Schwarzes Aquarell, 2007, Watercolor, 76 x 57 cm Ausstellung Joachim Bandau  – Galerie Thomas Fischer | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellung Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 13.06. | #4663ARTatBerlin | Galerie Gilla Lörcher zeigt ab Samstag, 02. Mai 2025 die Ausstellung „Moody“ der Künstlerin Simone Strasser. Die Werke der Künstlerin sind stets sowohl gegenständlich als auch abstrakt. In ihrer Malerei geht Simone Strasser ganz von der Wahrnehmung aus und bringt ihre Sinneseindrücke unmittelbar auf die Leinwand. Simone Strasser hat in den vergangenen 20 Jahren eine ganz eigene Art der Landschaftsmalerei entwickelt. Sie malt ganz „altmodisch“ pleineair und geht mit ihrer Leinwand direkt hinaus in die Landschaft. Und zerlegt und transformiert das, was sie sieht, in feinste Farbabstufungen wie flächige Farbverläufe. „In der Malerei geht es heute noch mehr um die Malerei selbst als jemals zuvor. Gerade weil andere Funktionen durch digitale Medien ersetzt werden, kristallisiert sich nun das heraus, was nur Malerei kann“, sagt Simone Strasser. Über Simone Strasser Simone Strasser (1977) lebt und arbeitet in Ingolstadt. Sie hat an der Akademie der Bildenden Künste München studiert und war Meisterschülerin von Anke Doberauer. Vernissage: Freitag, 02. Mai 2025, ab 18:00 Uhr Ausstellungsdaten: Freitag, 02. Mai –  Montag, 13. Juni 2025     Abbildung: Simone Strasser, courtesy of Galerie Gilla Lörcher Ausstellung Simone Strasser – Galerie Gilla Lörcher | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | […]

bis 07.06. | #4660ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin präsentiert ab 03. Mai 2025 (Vernissage: 02.05.) die Einzelausstellung  „Blue Blossom Lions“ des Künstlers Ralf Kokke. In seiner jüngsten Einzelausstellung in der Galerie Kristin Hjellegjerde in Berlin entführt Ralf Kokke in eine in Blau getauchte Welt der Dämmerung. Es ist eine Welt der Gemeinschaft und des Vergnügens, in der Menschen zusammenkommen, um sich auszuruhen, zu musizieren und im Einklang mit der Natur zu baden. Der Titel der Ausstellung, „Blue Blossom Lions“, spielt auf die wiederkehrende Präsenz von Löwen in Kokkes Träumen an, Wächter seiner inneren Welt und Symbole für Macht und Stärke. In diesen Gemälden werden Raubtiere verschiedener Art zu Begleitern, die sowohl den Künstler als auch den Betrachter durch die Komposition führen und dabei ihr geheimnisvolles und wildes Wesen bewahren. Als Kind kämpfte Kokke mit der Lebendigkeit seiner Phantasie, die sowohl magische Träume als auch intensive Alpträume hervorrief. Die Malerei wurde nicht nur zu einem Mittel der Kontrolle, sondern auch der Erweiterung, wobei das Konzept des Paradieses im Mittelpunkt stand, das für Kokke mit einem Gefühl der Sicherheit und Geborgenheit sowie der Einheit mit der Natur verbunden ist. Während sich seine früheren Werke mehr auf Figuren oder Tiere konzentrierten, die […]

bis 12.07. | #4658ARTatBerlin | Galerie Tanja Wagner präsentiert ab Freitag, 02. Mai 2025 die Ausstellung In the Darkened Rooms der Künsterin Šejla Kamerić. Die Galerie Tanja Wagner präsentiert während des Gallery Weekend Berlin 2025 die Einzelausstellung In The Darkened Rooms von Šejla Kamerić. Die Ausstellung zeigt eine neue Installation, die aus drei schwarzen Häkelobjekten besteht, die von Frauen in Sarajevo handgefertigt wurden. Diese Arbeiten bauen auf Kamerićs früheren Serien Rose Garden und Hooked auf, von denen letztere auf der Manifesta 14 gezeigt wurde. Während Häkeln oft mit traditionellem Haushandwerk assoziiert wird, verwendet Kamerić das Medium in einem zeitgenössischen skulpturalen Kontext. Ihre Serie Thorn (Bitch) (2021/2025), bestehend aus analogen Sofortbildaufnahmen, dokumentiert Nahaufnahmen des Körpers der Künstlerin in Kontakt mit dornigen Ästen. Die kleinformatigen Bilder laden zum genauen Hinsehen ein, während ein dunkler vertikaler Farbstreifen aus dem Boden ragt, der visuell an schützende Barrieren im öffentlichen Raum erinnert. Die Ausstellung beschäftigt sich mit Themen wie Körperdarstellung, Intimität, Betrachterwahrnehmung und der Überschneidung von persönlichen und politischen Erzählungen. Begleitet werden die Fotografien von neuen, von Dornenzweigen inspirierten Messingskulpturen, die die Installation in drei Dimensionen erweitern. Šejla Kamerić (geboren 1976 in Sarajevo) arbeitet mit verschiedenen Medien, darunter Film, Fotografie, Zeichnung, Objekte und Installation. Ihre […]

bis 28.06. | #4655ARTatBerlin | neugerriemschneider (Linienstraße) zeigt ab 03. Mai 2025 (Vernissage: 02.05.) die Einzelausstellung „Bewegung im Stillstand“ des Künstlers Thomas Bayrle. Thomas Bayrles vierte Einzelausstellung bei neugerriemschneider, bewegung im stillstand, präsentiert eine neue Serie von Gemälden sowie Collagen und einen Film aus den 1980er und 1990er Jahren, die sich im Spannungsfeld von beschleunigter Moderne, Mobilität und Natur bewegen. Schlangenartige Rolltreppen, gleichförmige Großstädte und Fußgängerströme verbinden sich in Bayrles charakteristischer Kompositionstechnik der Superform, die der digitalen Bildbearbeitung vorausging und hier erweitert wird, zu Topfpflanzen, Blumen oder einem überbordenden Arrangement von Früchten. Vervielfacht und verzerrt treten die Motive und ihre Bestandteile in ein dynamisches und zugleich zeitloses Wechselspiel zwischen dem maschinell Gefertigten und dem Organischen, das auf einer intensiven Auseinandersetzung mit dem kunsthistorischen Erbe des Stilllebens basiert. In der Ausstellung setzt Bayrle zwei Aspekte miteinander in Dialog, die seine gesamte künstlerische Praxis durchziehen: die verschiedenen Formen und Infrastrukturen der Fortbewegung und des Transports sowie die Produktion und den Konsum von Massenprodukten in Industriegesellschaften. Erstere treten in seinem Werk in Gestalt von schematischen Autobahnen, Eisenbahnschienen oder Förderbändern in Erscheinung. Mit ihnen reflektiert er das Versprechen einer grenzenlosen Mobilität, in der Menschen und Güter in ständiger Bewegung sind, durch das Ganze anonymisiert […]

bis 05.07. | #4651ARTatBerlin | ARTES Berlin präsentiert ab Freitag, 02. Mai 2025 die Ausstellung FARBTANZ – visible energy des Künstlers Christian Awe. Zum Gallery Weekend 2025 zeigt ARTES Berlin die Ausstellung „FARBTANZ – visible energy“ mit neuen Arbeiten des Berliner Künstlers Christian Awe, dessen Werke in der Tradition von Künstlern wie Gerhard Richter, Pablo Picasso oder Andy Warhol stehen, die zuvor von der Galerie präsentiert wurden. Christian Awe, courtesy by ARTES  Awes Werk beschäftigt sich mit Farbe, Licht, Kontrast und Komposition. Seine Arbeiten nehmen Bezug auf Musik, Tanz, urbane Einflüsse und Elemente der Natur. Seine Formensprache kombiniert gestische und organische Ansätze mit verschiedenen Techniken. Dabei verbindet Awe spontane Ausdrucksformen mit experimentellen Methoden und strukturierter Arbeitsweise. Seine Werke nutzen intensive Farben und unterschiedliche Materialwirkungen, wobei sowohl dynamische als auch zurückhaltendere Momente sichtbar werden. Die Kompositionen entstehen aus einer Kombination von klassischer Malerei, Zeichnung, Sprühtechnik, Schüttungen und – nach Aussage des Künstlers – einem gesteuerten Zufall. In einem gegenwärtigen Kontext, der sowohl nach Klarheit als auch nach Offenheit verlangt, thematisiert Christian Awe in seiner Kunst Aspekte von Wahrnehmung und Wirkung. Der Kurator Dr. Alexander Leinemann beschreibt Awes Arbeiten folgendermaßen: „In Awes Werken wird Farbe zum Vermittlungsgegenstand menschlicher Emotionen. Zueinanderfindende Farbverläufe zeugen […]

bis 14.06. | #4649ARTatBerlin | Galerie Guido W. Baudach präsentiert ab 03. Mai 2025 (Vernissage 02.05.) die Einzelausstellung „wood, oil and spiral“ der Künstlerin Hinako Miyabayashi. Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, zum Gallery Weekend Berlin 2025 neue malerische Arbeiten von Hinako Miyabayashi zu präsentieren. wood, oil and spiral ist die erste Einzelausstellung der in Tokio lebenden Künstlerin (*1997) mit der Galerie. „Ich male wie eine „Hand“, die die einzelnen Texturen und alles andere, was zum jeweiligen Material gehört, „akzeptiert“: grob gewebter Stoff oder feine Baumwolle, Holz oder Papier. Wenn ich bereit bin, meine Hand auszustrecken, um das Bild zu malen, kommt diese „akzeptierende Hand“ zu mir, nimmt mich an und befreit mich. Und so bewegen wir uns gemeinsam. Wenn ich zum Malen ansetze, verliere ich keineswegs all das, was uns umgibt, aus dem Blick. Physische Distanz ist nicht auf Gestus reduzierbar. Sie existiert immer nur im räumlichen Kontext (Temperatur, Feuchtigkeit usw.).“ –Hinako Miyabayashi An den Worten von Miyabayashi lässt sich ablesen, wie sehr sie darauf bedacht ist, mit ihrer Umgebung und den Gegenständen, die sie betrachtet, in Austausch zu treten und dabei die feinsten sensorischen Nuancen aus ihrem eigenen Inneren hervorzuholen. Solch leise und intime Poesie ist auch […]

bis 14.06. | #4646ARTatBerlin | Galerie Thomas Schulte (Charlottenstraße) zeigt ab 03. Mai (Vernissage: 02.05.) die Ausstellung „Horizontale & vertikale skulptur“ der Künstlerin Lena Henke. Vernissage: Freitag, 02. Mai 2025, 18:00 bis 21:00 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 03. Mai bis Samstag, 14. Juni 2025     Bildunterschrift Titel: Lena Henke, 2025. Work in progress at Kunstgiesserei St Gallen, Photo: Emil Sandström, courtesy of Lena Henke Ausstellung Lena Henke – Galerie Thomas Schulte | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 30.08. | #4643ARTatBerlin | Galerie Brockstedt präsentiert ab 10. Mai 2025 (Vernissage: 09.05.) die Ausstellung „privat work“ des Künstlers Reiner Bajo. Reiner Bajo wurde 1961 in West-Deutschland geboren und begann seine Karriere Anfang der 1980er Jahre als Assistent eines Modefotografen in West-Berlin. Seine spätere gleichzeitige Tätigkeit als Fotograf, Grafikdesigner und Art Director prägte seine Arbeit von Anfang an. Ab 1986 arbeitete er freiberuflich als Fotograf für Mode und Porträts und gestaltete nebenbei Modekataloge und Werbekampagnen. Seit 2001 arbeitet er hauptsächlich als Standfotograf für die internationale Filmindustrie in Europa und Nordamerika. Reiner Bajo lebt in Berlin. Vernissage: Freitag, 9. Mai 2025, 18 – 21 Uhr Ausstellungsdaten: Samstag, 10. Mai- Donnerstag, 31. Juli 2025 – ACHTUNG: verlängert bis Samstag, 30. August 2025     Bildunterschrift Titelbild: MELS Nr. 2, Montreal 2018, 18 x 24 cm, Pigment-Giclée-Print auf Baryta 325gr. Ausstellung Reiner Bajo – Galerie Brockstedt | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin

bis 31.05. | #4641ARTatBerlin | Galerie Esther Schipper zeigt ab 02. Mai 2025 eine Einzelausstellung der Künstlerin Merikokeb Berhanu. Merikokeb Berhanu verbindet in ihrem Werk abstrakte und gegenständliche Elemente und entwickelt so ein eigenes formales Vokabular. Ihre biomorphe Bildsprache weckt Assoziationen zum Leben: Abgerundete Formen erinnern an Zellen, Knospen, Samenkapseln oder embryonales Leben und suggerieren Prozesse der Empfängnis, der Trächtigkeit, der Fortpflanzung oder der Geburt – Themen, die eher erahnt als ausgesprochen werden. Eine kreisförmige Form erinnert an Himmelskörper wie Sonne oder Mond, kann aber auch als Kopf einer Figur, als Organ oder – in einem formalen Vokabular, das unseren Maßstabssinn stark destabilisiert – sogar als zelluläre Struktur positioniert werden. Bezüge zum tierischen Leben zeugen von einem Verständnis für die Verbundenheit aller Lebensformen. Ebenso fließend in ihrer Bedeutung sind Merikokebs Darstellungen menschlicher länglicher Formen mit abgerundeten Köpfen, die ebenso gut eine Gruppe von Blumen wie eine Gemeinschaft von Männern und Frauen darstellen könnten. Untitled XCX zeigt Fragmente des menschlichen Körpers und demonstriert auf wunderbare Weise diese Verschmelzung von pflanzlichen, organischen und vielleicht sogar mineralischen Formen. Mehrere längliche Formen können gleichzeitig als abstrakt, organisch und menschlich angesehen werden. Solide Farben wechseln sich mit kompliziert gemusterten Abschnitten ab, in denen Linien zu […]

bis 17.05. | #4636ARTatBerlin | Galerie Z22 präsentiert ab 10. April 2025 die Ausstellung „Confabulations“ des Künstlers Nikolaas Boden. Nikolaas Boden sieht sich als Maler, auch wenn die Farbe manchmal bereits getrocknet und Teil einer Collage ist, und auch, wenn er seine Bilder in Keramikfiguren ausdrückt. Der in England aufgewachsene Boden  studierte an der Leeds Polytechnic Grafikdesign und lebt seit 1990 in Berlin. Die Erfahrung des Sprachenlernens und -lehrens hat seine Arbeit als Künstler stark beeinflusst. Die drei wichtigsten Kunstquellen für ihn sind die Eiszeitkunst, die Hochrenaissance und die frühe Moderne des 20. Jahrhunderts, zu denen er immer wieder zurückkehrt. Die Machtdynamiken in der Gesellschaft, zwischen den Geschlechtern und in der Sexualität beschäftigen ihn  seit über 50 Jahren. Seine Jugend war stark von der kulturellen Stimmungswende Punk geprägt – und ihre ungestüme Skepsis gegenüber Orthodoxien und ihre Aufforderung, sich immer selbst treu zu bleiben, hat seine Arbeit damals beflügelt und tut es bis heute. Vernissage: Donnerstag, 10. April 2025, von 19 bis 22 Uhr Ausstellungsdaten: Donnerstag, 10. April – Samstag 17. Mai 2025     Bildunterschrift Titel: Nikolaas Boden, Courtesy: Galerie Z22. Ausstellung Nikolaas Boden – Galerie Z22 | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | […]

bis 21.06. | #4632ARTatBerlin | Galerie Max Hetzler (Potsdamer Straße 77-87) zeigt ab Freitag, 25. April 2025 die Ausstellung des Künstlers Thomas Struth. Galerie Max Hetztler zeigt eine Einzelausstellung mit Werken von Thomas Struth aus den letzten 40 Jahren in der Potsdamer Straße 77-87 in Berlin. Die Ausstellung umfasst eine Vielzahl an Werkgruppen und bietet einen neuen und zum Teil überraschenden Einblick in Struths Schaffen der letzten vier Jahrzehnte. Das Werk von Thomas Struth zeichnet sich durch eine langjährige und behutsame Beschäftigung mit Themen aus, die in unterschiedlicher Ausprägung um die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt kreisen. Seine Fotografien, die Formen der Dokumentation und Kontemplation in Einklang bringen, zeigen die Welt von heute an kulturellen Orten, aber auch in der Natur, in Porträts und an Orten industrieller und technologischer Innovation. Thomas Struth, Paradise 28, Peru 2005, 2005, inkjet print, 222 x 171.8 cm. (framed)  Zu Beginn der Ausstellung führt eines von Struths jüngsten Werken, The Big Island, Hawaiì 2024, den Betrachter in die dicht bewaldeten hawaiianischen Berge. Dieser Arbeit gegenübergestellt ist an der fernen Wand Semi Submersible Rig, DSME Shipyard, Geoje Island 2007, fotografiert an der Südküste Südkoreas. Die monumentale Größe dieser industriellen Megastruktur mit ihren vier mächtigen […]

bis 19.07. | #4631ARTatBerlin | CAMERA WORK präsentiert ab 7. Juni 2025 die Ausstellung des Künstlers Ruud van Empel. Die Galerie CAMERA WORK präsentiert ab dem 7. Juni 2025 die erste Einzelausstellung des renommierten niederländischen Künstlers Ruud van Empel in Deutschland. Mit einer Auswahl von 20 Werken aus zwölf Serien gibt die Ausstellung einen umfassenden Einblick in das Schaffen des Künstlers, dessen Werke sich an der Schnittstelle von Fotografie, digitaler Kunst und Malerei bewegen. Van Empel ist international bekannt für seine surrealen, hyperrealistischen Fotocollagen, die eine faszinierende, einzigartige Bildsprache entwickeln und träumerische, zugleich tiefsinnige Welten offenbaren. Die Ausstellung beinhaltet Arbeiten aus den Serien Floresta, Voyage Pitoresque, Dawn, Generation, World, Moon, Floresta Negra, Photosketch, Perception, Collage, Sunday sowie Boy & Girl. Jede dieser Serien zeichnet sich durch eine visuelle Handschrift aus, die zwischen Naturdarstellungen, nostalgischen Kindheitsmomenten und kulturellen Reflexionen changiert. Während die Serie Floresta üppige, naturbelassene Szenerien in intensiven Farben zeigt, setzt sich Generation mit der Darstellung von Kindheit und Identität auseinander. In Moon und World erschafft van Empel fremdartige, beinahe mystische Landschaften, die an utopische oder traumähnliche Welten erinnern. Voyage Pitoresque und Dawn hingegen greifen klassische Bildmotive auf und verwandeln sie in eine neue, digital überhöhte Realität. Die Collagen aus […]

bis 22.04. | #4628ARTatBerlin | Dorothée Nilsson Gallery zeigt momentan die Ausstellung KOHLE der Künstlerin Marike Schuurman. Die Dorothée Nilsson Gallery präsentiert im Rahmen von EMOP Berlin 2025 die Einzelausstellung KOHLE der niederländischen Künstlerin und Fotografin Marike Schuurman. Unter dem EMOP-Leitmotiv What stands between us untersucht Schuurmans Ausstellung die tiefgreifenden sozialen und ökologischen Narben, die der Braunkohleabbau im ehemaligen Ostdeutschland hinterlassen hat. Schuurmans fotografische Praxis bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Dokumentation und Abstraktion und fängt die vom Menschen veränderten Landschaften mit scharfem Blick ein. Ihre Bilder sind an bestimmten Orten verwurzelt und dokumentieren sowohl deren Veränderungen als auch deren rätselhafte, oft übersehene Qualitäten. Ihre Fotografien sind jedoch keine reinen Aufzeichnungen, sondern laden zu einer konzeptionellen und sinnlichen Betrachtung ein – was bleibt, was verschwindet und wie wir die Spuren der Geschichte wahrnehmen, die dem Land eingeprägt sind. Mit KOHLE bringt Schuurman ihre unverwechselbare Perspektive auf das Erbe von Auslöschung und Widerstandskraft in der Lausitzer Landschaft ein und schafft einen Dialog zwischen vergangener Zerstörung und zukünftiger Unsicherheit. Marike Schuurman ist eine 1964 in Groningen, Niederlande, geborene Künstlerin und Fotografin. Sie studierte Fotografie an der Gerrit-Rietveld-Akademie in Amsterdam, wo sie 1998 ihren Bachelor of Fine Arts (BFA) erhielt, unmittelbar gefolgt von einem […]