post-title Jack Bidewell + Peter Spanjer | Between Somewhere and Nowhere | Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin | 09.02.-12.03.2022

Jack Bidewell + Peter Spanjer | Between Somewhere and Nowhere | Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin | 09.02.-12.03.2022

Jack Bidewell + Peter Spanjer | Between Somewhere and Nowhere | Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin | 09.02.-12.03.2022

Jack Bidewell + Peter Spanjer | Between Somewhere and Nowhere | Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin | 09.02.-12.03.2022

bis 12.03. | #3336ARTatBerlin | Kristin Hjellegjerde Berlin zeigt derzeit die Ausstellung Between Somewhere and Nowhere mit Arbeiten der Künstler Jack Bidewell und Peter Spanjer.

Die aktuelle Ausstellung „Between Somewhere and Nowhere“ der Kristin Hjellegjerde Gallery Berlin vereint eine neue Videoarbeit von Peter Spanjer und eine Reihe von Zeichnungen, Gemälden und Skulpturen von Jack Bidewell in einer zeitgemäßen Erkundung der Liminalität. Obwohl die Praktiken der Künstler materiell und ästhetisch unterschiedlich sind, verbindet sie ein Interesse die Abstraktionsprozesse als Ausdruck einer psychologischen Erfahrung einer Welt im Wandel und der Frage, wie dies ein Gefühl der Freiheit für die Künstler und die Betrachter*innen hervorrufen kann.

Peter Spanjers Drei-Kanal-Videoarbeit nimmt den ersten Galerieraum ein und lädt das Publikum in eine emotional aufgeladene, immersive Umgebung ein, die Identität und Transformation sowohl im persönlichen als auch im kollektiven Sinne erforscht. Obwohl Spanjer in der Regel einen intuitiven Ansatz verfolgt, um Kunst zu machen, bei dem er Schichten von Klängen, Bildern und Texten aufbaut, um reichhaltige, multisensorische Erfahrungen zu schaffen, reflektiert er über die Entstehung dieses speziellen Werks als einen Prozess der Rückbesinnung auf sein Selbst: „Für mich geht es in diesem Stück darum, einen Platz in sich selbst zu finden, um eine Perspektive zu gewinnen, aber es geht auch darum, loszulassen und diesen Kontrollverlust zu akzeptieren.“ Während der Recherchephasen, in denen er Original- und gefundenes Filmmaterial sammelt, fühlte sich Spanjer von der Vorstellung und der Aufführung von Hingabe in einem religiösen Kontext angezogen. Er stellt fest: „Die Kirche ist ein Ort, an dem Schwarze kulturell gesehen einen Punkt der Stille finden, und dennoch wird die Visualisierung der spirituellen Hingabe oft auf intensive und fast gewalttätige Weise dargestellt: Der heilige Geist dringt in dich ein und du fällst auf den Boden.“

In dem Video fängt Spanjer dieses Gleichgewicht zwischen Kontrolle und Flüssigkeit, Ruhe und Intensität ein, indem er Bild und Ton auf eine Weise zusammenfügt, die die Wahrnehmung der Betrachter*innen in Bezug auf den erzählerischen Fortschritt oder Zusammenhalt bewusst in Frage stellt und gleichzeitig über weiter gefasste Vorstellungen von Harmonie nachdenkt. Manchmalläuft das Filmmaterial über alle drei Bildschirme und erzeugt so ein Gefühl der Ganzheitlichkeit, während es manchmal ohne erkennbares Muster zwischen den Bildschirmen hin und her springt. Der Effekt ist anfangs beunruhigend, da wir nicht in der Lage sind, ein stabiles Gefühl für Zeit oder Ort zu bekommen, aber im Laufe des Stücks werden wir ermutigt, loszulassen und uns zu erlauben, das Werk ohne Erwartungen oder Urteile zu erleben. Die Tonspur wechselt zwischen Spanjers eigener Komposition und dem Originalton von gefundenem Filmmaterial hin und her. In einer besonders ergreifenden Sequenz singt eine Frau in einem Chor und ein Mann spricht über den Glauben an sich selbst. Während die letztere Szene in ihrer Botschaft direkter ist, ist es die behelfsmäßige Qualität des Filmmaterials, die an unsere gemeinsame Menschlichkeit appelliert, indem sie ein Gefühl von Intimität und Verletzlichkeit vermittelt. Die eingestreuten Bilder von Blumen – ein wiederkehrendes Motiv in Spanjers Werk – haben eine ähnliche Funktion, da sie ein universelles Symbol für Schönheit und Vitalität darstellen, das auch männliche Ideale anspricht. In diesem neuen Werk werden blühende Blumen mit Szenen von Menschen gepaart, die getauft werden. Sie stellen eine poetische Verbindung zwischen natürlichem und persönlichem Wachstum her und drücken gleichzeitig ein Gefühl der Hoffnung und Erneuerung aus, das in der Begegnung mit der Natur, der Religion oder der Kunst gefunden werden kann.

ART at Berlin - Kristin Hjelegjerde Gallery - Jack Bidewell 2021
Jack Bidewill, Diagrammatic, 2021, Graphit, Ölfarbe und schwarze Tinte auf Leinwand, 150 x 120 cm

Auch Jack Bidewell beschäftigt sich in seinen Arbeiten mit den transformativen Qualitäten des künstlerischen Prozesses. Inspiriert von „An Attempt at Exhausting a Place in Paris“, einem experimentellen psychogeografischen Buch von Georges Perc, in dem der Autor seine Beobachtungen des Saint-Sulpice-Platzes in Paris dokumentiert, begann Bidewell, Zeichnungen auf seinem täglichen Weg zur Arbeit anzufertigen. Die Zeichnungen haben einen tagebuchartigen Charakter, doch anstatt einen festen geografischen Ort darzustellen, halten sie einen abstrakteren Ausdruck des Ortes fest, der sich nicht nur auf zeitliche Gegebenheiten bezieht – das Wetter, ein vorbeifliegender Vogel, ein Blick auf einen grünen Regenmantel -, sondern auch auf die emotionale Verfassung des Künstlers. So hat jede Zeichnung einen eigenen Charakter.

(Dis)Location beispielsweise zeigt eine Reihe von Bögen und Treppen, die in verschiedene Richtungen weisen und das Interesse des Künstlers an diesem Tag an seiner architektonischen Umgebung zum Ausdruck bringen, während die Formen in der Arbeit mit dem „Titel They become unmappable“ fließender und chaotischer erscheinen und ein starkes Gefühl des Aufruhrs hervorrufen – fast so, als würde der Raum in sich selbst zusammenfallen.

Mit der Zeit begann Bidewell, seine visuellen Beobachtungen auf das Medium der Farbe und der Skulptur auszuweiten. Ausgehend von den Rissen in den Pflastersteinen der Brücke, die er auf seinem täglichen Spaziergang überquert, spielen die skulpturalen Arbeiten mit der Taktilität und dem negativen Raum, um eine Spannung zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit zu erzeugen, während die Gemälde Farbe einsetzen, um ein abstrakteres Gefühl von Atmosphäre zu vermitteln. In der Malerei My spaces are fragile schweben zum Beispiel Formen ungebunden im Raum und wirken fast wie Trümmer, die in einem Sandsturm aufgewirbelt werden, während stotternde Farbspuren auf der Oberfläche explodieren. Es ist eine Form der Kartografie“, erklärt Bidewell, „aber es geht mehr um den Raum selbst – das Wesen des Raums – als um einen bestimmten Ort. Zu sehen sind auch Arbeiten aus einer anderen experimentellen Serie, in der Bidewell zunächst ein strenges Diagramm zeichnete, das er dann interpretierte, um seine eigenen instinktiven Reaktionen zu beobachten und alternative Abstraktionsmethoden zu finden. Interpretant ist eine der daraus resultierenden Arbeiten, in der wir die Bewegung der Hand des Künstlers sehen, die in wirbelnden Gesten aus dicker Ölfarbe schwebt.

In gewissem Sinne stellen Bidewells und Spanjers Werke eine Form der Dislokation dar, bei der sich der Betrachter in frei schwebenden Formen und gebrochenen Bildern verliert. Während wir uns durch diese Erfahrung zunächst desorientiert fühlen könnten, lädt sie uns auch dazu ein, eine freiere Perspektive einzunehmen, die nicht durch konventionelle Vorstellungen von Ort oder Zeit eingeschränkt ist.

Vernissage: Dienstag, 8. Februar 2022, 18:30 Uhr

Ausstellungsdaten: Mittwoch, 9. Februar – Samstag, 12. März 2022

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