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bis 20.06. | #5028ARTatBerlin | neugerriemschneider (Linienstrasse) zeigt ab 2. Mai 2026 die Ausstellung des Künstlers Jorge Pardo.
In seiner zwölften Einzelausstellung bei neugerriemschneider setzt Jorge Pardo seine fortwährenden Experimente mit skulpturalen Formen fort. Er kombiniert, transponiert und filtert Elemente und verarbeitet dabei eine Fülle an Ausgangsmaterial zu neuen Gemälden, skulpturalen Lautsprechern mit einem vielschichtigen Soundtrack und einer Reihe schwebender Lichtinstallationen. Mit diesen Gemälden kuratiert und destilliert Pardo die Geschichte der postminimalistischen Praxis, indem er deren Ergebnisse digital überlagert und so neue Kompositionsmittel entwickelt. Wie Farbe, Tinte, Ton oder Stahl eingesetzt, wird die Fotografie hier zu einem eigenständigen Medium, das der verschmolzenen Bildsprache Tiefe verleiht. Manipulierte Ansichten von Werken von John Chamberlain, Felix Gonzalez-Torres, Donald Judd, Brice Marden und Joel Shapiro werden zu texturreichen Kompositionen aus Motiv und Technik transformiert, die zunächst gedruckt, dann übermalt und lasergraviert werden, bis sie fast unkenntlich sind.
Im Zentrum von Pardos künstlerischem Ansatz steht die Suche nach exzentrischen formalen Strukturen – eine Konzentration, die seine Skulpturen, Installationen, Papierarbeiten, Keramiken und Architekturen durchdringt und den Akt des Sehens selbst hinterfragt, ihn verkompliziert und neu konfiguriert. Wie ein Werk wahrgenommen wird und wie es seine Rezeptionsbedingungen beeinflussen kann, ist für den Künstler von zentraler Bedeutung. Das Erbe des Postminimalismus prägt diese Auseinandersetzung, denn dessen Abkehr von etablierten Regeln und dessen Bereitschaft, Grenzen auszuloten und bis an ihre Grenzen zu treiben, bilden die Grundlage für Pardos Untersuchungen.
Ausgehend von dieser kunsthistorischen Auseinandersetzung beginnen Pardos Gemälde jeweils mit einer prägnanten Auswahl an Abbildungen von Werken seiner fünf Protagonisten. Aus diesem Ensemble – das Pardos eigene Praxis nachhaltig geprägt hat – entsteht eine digitale Komposition. Ansichten, die eine entscheidende Periode der amerikanischen Kunstgeschichte umreißen, überlagert und undurchsichtig, verzerrt, gedreht und skaliert, treten in eine einzigartige Beziehung zueinander, ihre Werte und Gesten verschmelzen. Auf Leinwand gedruckt, dienen diese Zusammenstellungen Pardo als Grundlage und Leitfaden. In feinen, linearen Bewegungen aufgetragen, erschließen Ölfarben die Geschichte, indem sie sich mit den darunterliegenden, verbundenen Darstellungen verbinden – sie spiegeln sie nicht nur wider, sondern treten mit ihnen in einen Dialog. Indem die Lücken zwischen den Farbtupfern die einzelnen Grundabdrücke dosiert freilegen, fragt Pardo, was es bedeutet, dass eine Komposition Gestalt annimmt und wie Farbe und Form in einen spielerischen Raum treten. Digitale Reproduktion trifft auf manuelle Interpretation, wobei jede Komponente mehr wird als sie selbst, interagiert und neues Leben erhält. In monumentalen wie intimen Dimensionen bestimmen die Werke, wie sie gesehen werden sollen, und diktieren den Abstand, in dem ihre beinahe pointillistischen Eingriffe visuell zu vibrierenden Feldern verschmelzen, die sich über spektrale Grundlagen ausdehnen.
Skulpturale Lautsprecher begleiten diese Gemälde und fungieren als deren didaktische Elemente, indem sie eine Reihe von Liedern gleichzeitig in übereinanderliegenden Arrangements wiedergeben. Ähnlich wie die zugehörigen Leinwände führen diese Kompositionen ihre Quellen bis zur Verschmelzung, indem sich Melodien ineinander verweben, bis sie untrennbar sind. Innere Strukturen vermischen sich, und ein neues, lauteres Werk entsteht – eines, das Reproduktionsmodi und die interpretative Ausrichtung ihrer Systeme hinterfragt. 3D-gedruckte Gitter zieren die Vorderseiten der Lautsprechergehäuse; sie sind mit einem fließenden Muster perforiert, das fließende Grenzen visualisiert. Schwebende Skulpturen entwickeln Pardos Auseinandersetzung mit Licht weiter und fluten die Ausstellung mit Licht, das durch die Schichten aus Keramik und PETG transformiert wird. Reflektierende Kerne spiegeln die Präsentation von oben wider, verändern sie entlang ihrer Wellenlinien, machen die Realität plastisch und formen eine neue Perspektive auf die Welt. In beiden Werkgruppen stellt Pardo der greifbaren, wenn auch schwer fassbaren Bildsprache seiner Gemälde das dezidiert Immaterielle gegenüber: Klang und Licht. Er stellt die Beständigkeit und die Fähigkeit der Medien in Frage, sich bemerkbar zu machen, gehört und gesehen zu werden, zu durchdringen und präsent zu sein.
Jorge Pardo (geb. 1963) war Gegenstand internationaler Einzelausstellungen und Sonderprojekte, unter anderem in der Plataforma de Arte Contemporáneo, Guadalajara (2025); im SCAD Museum of Art, Savannah (2023); im Museum of Art and Design, Miami Dade College, Miami (2021); in der Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo (2019); im Musée des Augustins, Toulouse (2014); im Irish Museum of Modern Art, Dublin (2010); im Museum of Contemporary Art, North Miami (2007) und in der Dia Art Foundation, New York (2000). Der Künstler nahm an der 57. Biennale von Venedig (2017) und der Biennale von Havanna (2012) teil. Zu seinen großformatigen Installationen zählt „Folly“, University of Houston, Houston (2023). Ohne Titel (Café), Neue Nationalgalerie, Berlin (2021); L’Arlatan, Arles (2018); Tecoh, Yucatán (2006–2012); Lateinamerikanische Kunstgalerien, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles (2008); Ohne Titel (Restaurant), Paul-Löbe-Haus, Deutscher Bundestag, Berlin (2002); Ohne Titel, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, K21, Düsseldorf (2002); 4166 Sea View Lane, Museum of Contemporary Art, Los Angeles (1998) und Pier, Skulptur Projekte Münster, Münster (1997). Pardo lebt und arbeitet in Mérida, Mexiko.
Vernissage: Samstag, 2. Mai 2026, 18:00–21:00 Uhr
Ausstellungsdaten : Samstag, 2. Mai bis Samstag, 20. Juni 2026
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Bildunterschrift Titel: Jorge Pardo, Untitled, 2026, inkjet print, oil and engraving on canvas, birch plywood, acrylic, 193.5 x 193.5 cm. © Jorge Pardo. Courtesy the artist and neugerriemschneider, Berlin. Photo: Jens Ziehe, Berlin
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