Winter 2026 | Gruppenausstellung | Esther Schipper | 20.01.–21.02.2026

Esther Schipper Berlin präsentiert die Gruppenausstellung „Winter 2026“ mit Werken von Saâdane Afif, Rosa Barba, Angela Bulloch, Julius von Bismarck, Martin Boyce, Etienne Chambaud, Thomas Demand, Ryan Gander, Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Ann Veronica Janssens, Lee Bae, Sojourner Truth Parsons, Philippe Parreno, Anri Sala und Anicka Yi.

Vor über vier Jahrzehnten stellte Gil Scott-Heron fest, dass es „politisch, philosophisch und psychologisch“ nur eine vorherrschende Jahreszeit gab, „die Jahreszeit des Eises“ – Worte, die zweifellos die aktuelle Stimmung widerspiegeln. Während die Wintersonnenwende die allmähliche Rückkehr des Lichts verspricht, bleiben die Tage wochenlang von Dunkelheit geprägt. Obwohl ermüdend, eröffnet diese lange Nacht Raum für Selbstreflexion und entfacht sogar das Feuer im Inneren. Für Scott-Heron bedeutete der Winter einen Zustand erstarrter Sehnsüchte und Inspiration. Doch diese bittere Situation inspirierte ihn zu einem melancholischen, mittlerweile ikonischen Song, den er gerne mit einer Prise Humor vortrug. In diesem Sinne und indem sie die kreative Kehrseite solcher kalten Zeiten aufdecken, navigieren die ausgestellten Werke durch das Unheimliche und Kosmische über Jahrzehnte, Jahrhunderte und sogar Jahrtausende hinweg. Sie greifen auf eine versteinerte, verkohlte oder verschwommene Vergangenheit zurück und entwerfen intelligente, seltsame oder seltsam rosige Kinderzimmer der Zukunft; ihre Ästhetik konvergiert an einem dichten Punkt aus dicker Materialität und präziser formaler Ausführung. Licht bricht den Ausstellungsraum und verwandelt ihn in eine Hell-Dunkel-Landschaft, die von Schatten und Scheinwerferlicht durchflutet ist.

Die Ausstellung beginnt mit einem vieldeutigen Doppelsinn, der durch die Figur eines Scheiterhaufens symbolisiert wird, der zugleich ein Relikt der Zerstörung und ein Versprechen der Erneuerung ist. Ryan Ganders Werk „In the very beginning, before words, there were…“ (2021) besteht aus schwarzen, kaltgegossenen Bronzeformen, die an Felsen und Baumstämme erinnern; diese verkohlten Elemente beschwören sowohl Zerstörung als auch die Geburtsstätte eines Phönix herauf. Hinter der Skulptur befindet sich Julius von Bismarcks „The Day the Ocean Turned Black“ (2025), das den Pazifischen Ozean zeigt, der nach den Waldbränden in Südkalifornien im Januar 2025 fast schwarz gefärbt war, nachdem sich die Asche aus der Luft im Wasser abgesetzt hatte. Ausgehend vom zweiten Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. als akustischem Ausgangspunkt reicht Anri Salas Body Double in the Doldrums (2025) weiter in die Vergangenheit zurück und entstaubt die Asche der Antike. Das Werk hängt von der Decke der Hauptausstellungshalle herab und besteht aus einer Snare Drum mit eingebauten Lautsprechern, die die Galerie mit unheimlichen Geräuschen erfüllen. Die Klanglandschaft, die zwischen Klage und Warnung schwankt, ist beunruhigend, tröstlich und zeitlos melancholisch. Martin Boyces Spook School (2016) erstreckt sich über eine ganze Wand der Galerie und dokumentiert das Innere der Glasgow School of Art (eines der berühmtesten architektonischen Wahrzeichen von Charles Rennie Mackintosh) nach einem Brand und bevor ein zweiter Brand das restaurierte Gebäude zerstörte. Rückblickend wirkt das Werk still gespenstisch und nimmt das Ausmaß der späteren Zerstörung vorweg.

Lee Baes Issu Du Feu 1g (2000-2025) verzichtet auf jegliche Erzählung und stilisiert stattdessen die rohe Materialität: Hunderte kleiner, zusammengefügter und polierter Holzkohle-Splitter sind auf der Tafel angeordnet. Die Oberfläche zeigt Holzmaserung und Jahresringe, die von der Natur und der Zeit geschaffen wurden und das Licht in verschiedene Richtungen und in mehreren Winkeln brechen. Der hypnotisierende Schimmer des Lichts, das gesammelt und auch geschnitten wird, ist auch der Kernpunkt von Ann Veronica Janssens‘ Atlantic (2020-23). Die Skulptur besteht aus neun gehämmerten Glasplatten, die das Licht in verschiedenen Winkeln reflektieren und so einen Effekt erzeugen, der dem Effekt des Tageslichts auf einer großen Wasserfläche ähnelt. Étienne Chambauds Serie Globe (2021) umhüllt Alltagsgegenstände mit geschmolzenem Glas und konserviert und zerstört sie gleichzeitig. Seine Skulptur Model for Afar (Regensburg, 5. November 333 v. Chr.) (2021) reagiert mit wechselnder Beleuchtung auf historische meteorologische Daten – und kehrt damit zu der von Salas Skulptur angedeuteten alten Zeitlinie zurück.

Wie ein wiederkehrender Gedanke oder ein böses Omen, das vom unaufhörlichen Strom des Bewusstseins verdrängt wird, bleibt Rosa Barbas Footnote (…my distance from the object…) (2021) in einer mimetischen Wiederholung gefangen: Ein hintergrundbeleuchtetes handgeschriebenes Textfragment auf 70-mm-Film ist in einer Endlosschleife gefangen. Angela Bullochs Night Sky: Capricorn Into Aquarius (2025) hingegen zeugt von der ruhigen Vorfreude auf einen epochalen Wandel. Mit Hilfe eines Programms, das die Positionen der Sterne in einem virtuellen 3D-Modell des Universums abbildet, stellte Bulloch einen bestehenden Bereich des Himmels in einer verschobenen Perspektive dar, wodurch das resultierende Bild zu einer von der Erde aus nicht sichtbaren Darstellung wurde. Dominique Gonzalez-Foersters Untitled (1987/2015) bleibt der Anziehungskraft unterhalb der Sternkonstellationen verhaftet. Charakteristisch für ihr kontinuierliches Spiel mit zeitlichen Verschiebungen, stellt das Werk die zum Picknickdecke gewordene Überlebensdecke als Raum der Muße dar und appelliert damit an das dringende Bedürfnis nach Erholung.

Gonzalez-Foersters Werk wird durch die kaleidoskopischen Reflexionen von Philippe Parrenos The Crawler (2024) belebt. Parrenos Arbeit ist inspiriert von einem der ersten Roboter, der zur Untersuchung der elektrischen Aktivität des Gehirns entwickelt wurde. Er bewegt sich mit unterschiedlicher Geschwindigkeit auf seiner Bahn auf und ab, wobei seine Glühbirnen zufällig aufleuchten; Parrenos leuchtender Crawler erzeugt endlos neue Konfigurationen. In unmittelbarer Nähe befindet sich Pierre Huyghes „Mind’s Eye (F)“ (2021), eine Skulptur aus einer Ansammlung synthetischer und biologischer Materialien, darunter Mikroorganismen. In ihrer bloßen Materialität ist die Skulptur – die an symbolisch vertraute Lebewesen (Tiere, Austern, Organe, Außerirdische) erinnert – lebendig; Huyghe entfremdet das Vertraute. Das Werk hat seinen Ursprung in Huyghes Projekt „UUmwelt“, das auf einer Gehirn-Computer-Schnittstelle basiert, die „mentale Bilder“ aus einer Abfolge von sich in Echtzeit verändernden Bildern filtert. Anicka Yis „LKñL§RHR†ßñ§“ (2023) ist ein Gemälde, das in Zusammenarbeit mit einem von der Künstlerin entwickelten und gespeisten Algorithmus entstanden ist. Yi lockte diesen Algorithmus dazu, sich mit der visuellen Untersuchung der für ihr Werk charakteristischen aquatischen, pilzartigen und mikrobiellen Formen auseinanderzusetzen.

Dieser unbändigen Vielfalt steht Thomas Demands „Nursery“ (2020) gegenüber, das kleine Pflanzen zeigt, die ordentlich auf langen Tischen angeordnet sind; überhängende Lampen tauchen die Szene in ein etwas theatralisches Rosa. Das Foto inszeniert das Hydrokulturlabor am Niagara College in Ontario, das zu dieser Zeit weltweit führend in der kommerziellen Cannabisproduktion war. Während der kontrollierte Anbau von Cannabis von einer Wirtschaft zeugt, in der Zeit gleichbedeutend mit Geld ist, entzieht sich der Konsum solcher Pflanzen jeder zeitlichen Ordnung: Jetzt ist die Zeit verzerrt, verloren, verschwendet. Saâdane Afifs Old Shop-Vac Wet / Dry (2025) porträtiert die Zeitgemäßheit der Mode angesichts des unaufhörlichen Konsums und ist eine augenzwinkernde Hommage an Jeff Koons. Während Afif akribisch amerikanische Vororte nach veralteten Staubsaugern durchforstete, verschob er die vorgefertigte Performance der selbstreferenziellen (vakuumversiegelten und dennoch staubigen) Umlaufbahn der Konzeptkunst und durchbrach damit den Kreislauf der mechanischen Reproduktionskunst. Sojourner Truth Parsons Alone with tree II (2025) hingegen scheint die Zeit gänzlich anzuhalten. Durchsetzt von einem fast kleinianischen Blau zeigt das Gemälde einen Baum, der seine blattlosen Äste in Richtung eines sternenlosen Himmels ausstreckt. Die anfängliche Tristesse der Szene weicht einer bewegenden Stille, einer transportierenden Kraft, die zwischen Introspektion, Sehnsucht, Fantasie oder, um es ganz einfach auszudrücken, dem verfrühten Verlangen nach Veränderung schwebt.

Ausstellungsdaten: Dienstag, 20. Januar – Samstag, 21. Februar 2026