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bis 27.06. | #5006ARTatBerlin | Persons Projects zeigt ab 2. Mai 2026 (Vernissage: 01.05.) die Ausstellung Geometry of Light der Künstler Karl Benjamin und Grey Crawford.
Persons Projects freut sich, die Eröffnung seiner kommenden Ausstellung „Geometry of Light“ mit Werken von Karl Benjamin und Grey Crawford bekannt zu geben, die im Rahmen des diesjährigen Gallery Weekend im neuen Bereich „Perspectives“ präsentiert wird.
„Geometry of Light“ untersucht erstmals den direkten Einfluss von Karl Benjamins Hard-Edge-Malerei auf die frühe konzeptuelle Fotografie von Grey Crawford. Obwohl sie mit unterschiedlichen Medien arbeiteten, waren beide Künstler in Südkalifornien verwurzelt und teilten eine gemeinsame Bildsprache – eine, die auf dem präzisen Einsatz von Geometrie, Struktur und Abstraktion beruhte.
Karl Benjamin nimmt in der Geschichte der amerikanischen Nachkriegskunst einen bedeutenden Platz ein, da er eine Schlüsselfigur in der Entwicklung der Hard-Edge-Malerei war, einer Bewegung, die in den 1950er Jahren in Südkalifornien entstand. Sein Werk zeichnet sich durch die präzise Anordnung geometrischer Formen, scharf abgegrenzte Farbflächen und eine raffinierte Auseinandersetzung mit Farbzusammenhängen aus.
Benjamins Gemälde zeugen von einem ausgeprägten Sinn für Struktur und Disziplin. Anstelle der expressiven Gesten des Abstrakten Expressionismus verfolgt sein Werk einen systematischeren und analytischeren Ansatz zur Abstraktion.
Benjamin erlangte nationale Bekanntheit durch seine Teilnahme an der von Jules Langsner kuratierten Ausstellung „Four Abstract Classicists“ im Jahr 1959, in der auch Lorser Feitelson, John McLaughlin und Frederick Hammersley vertreten waren. Diese Ausstellung trug maßgeblich dazu bei, den Hard-Edge-Stil zu definieren und einen unverwechselbaren Beitrag der Westküste zur modernistischen Abstraktion zu etablieren. Obwohl Benjamins Werke in den Vereinigten Staaten vielfach ausgestellt wurden, waren sie in Berlin nur ein einziges Mal zu sehen, und zwar im Rahmen der Ausstellung „Pacific Standard Time“ (2012) im Martin-Gropius-Bau, die darauf abzielte, die Beiträge der in Los Angeles ansässigen Künstler in den breiteren Kontext der Nachkriegskunst einzuordnen.
Karl Benjamins kühne Auseinandersetzung mit Farbe, Form und räumlicher Ausgewogenheit hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf Crawford, der in den 1970er Jahren künstlerisch zur Reife gelangte. Während seines Fotografiestudiums am Rochester Institute of Technology, auf das kurz darauf ein Studium an der Claremont Graduate School folgte, nahm Crawford Benjamins Prinzipien auf und begann, sie in seine Arbeit in der Dunkelkammer zu integrieren, indem er dort Maskierungstechniken einsetzte, um geometrische Formen auf das Fotopapier zu übertragen.
Dieser Einfluss zeigt sich besonders deutlich in Crawfords Serien „Umbra“ (1975–79) und „Chroma“ (1978–85), fotografischen Arbeiten, die in Südkalifornien entstanden sind und sich mit Abstraktion durch die Schnittstelle von Fotografie und Malerei auseinandersetzen.
Aufbauend auf seiner klassischen Ausbildung entwickelte der Künstler Techniken, die technisch anspruchsvoll waren. Obwohl sich die kalifornische Kunstszene zu einem Zentrum für einige der experimentellsten und zukunftsorientiertesten Künstler des Jahrzehnts entwickelte, wurde Crawfords Werk von der Kunstwelt nicht uneingeschränkt angenommen, da es lediglich als Fotografie und nicht als legitime künstlerische Praxis angesehen wurde. Gleichzeitig wurde es von der Fotografie-Community aufgrund seines manipulativen Charakters nicht vollends gewürdigt. Infolgedessen litt die Anerkennung seiner Arbeit, und Crawford hatte Mühe, geeignete Ausstellungsorte für seine Werke zu finden.
Nach vier Jahrzehnten wiederentdeckt, sticht Crawford als einzigartige Figur dieser Epoche hervor. Seine Fotografien verbinden Benjamins Sinn für Komposition mit John McLaughlins zen-artiger Fähigkeit zur Reduktion.
In den 1970er- und 1980er-Jahren hielt Crawford mit einer Lewis-Baltz-ähnlichen Zurückhaltung übersehene, karge Stadtlandschaften, Lagerhallen, Tankstellen, Parkplätze und Industriegebäude fest. Er arbeitete direkt in der Dunkelkammer und fügte durch speziell für jedes Bild zugeschnittene Papiermasken scharfkantige geometrische Formen ein. „Umbra“ wurde als Schwarz-Weiß-Silbergelatineabzüge realisiert, wobei Tonwertabstufungen, Licht und Schatten als strukturelle Elemente hervorgehoben werden. Chroma setzt denselben Prozess in der Farbfotografie fort und erweitert die Arbeit in einen anderen Kontext, in dem Farbe zu einem Mittel wird, Raum und Wahrnehmung zu definieren. In diesen Arbeiten steht Crawfords Bildsprache im Einklang mit den leuchtenden Farbpaletten der Architektur von Luis Barragán und den kühnen formalen Strategien der Chicano-Wandmalerei-Bewegung in Los Angeles.
Wie Crawford sagt: „Ich bin visuell zweisprachig, ich sehe in Abstraktion und Bild. Durch die Verbindung der Sprache der Malerei mit der Sprache der Fotografie verlässt man das Gebiet klarer Unterscheidungen. Ich möchte das Alltägliche im Fluss des Vergessens auflösen und am gegenüberliegenden Ufer ankommen, weit entfernt vom Zentrum, an einem neuen Ort. Beim Betrachten unserer visuellen Landschaft wähle ich Elemente aus, die sich zu einem neuen Ganzen zusammenfügen, zu einer visuellen Harmonie ‚reimender‘ Formen, die eine visuelle Syntax schaffen, um unsere Zeit zu betrachten.“
Die Ausstellung markiert einen bedeutenden Moment des Dialogs zwischen zwei Generationen kalifornischer Künstler und zeichnet nach, wie Benjamins Vermächtnis über die Malerei hinausreichte, um neue Formen der konzeptuellen Bildgestaltung zu prägen.
Vernissage: Freitag, 1. Mai 2026, 18:00–21:00 Uhr
Ausstellungsdaten: Samstag, 2. Mai – Samstag, 27. Juni 2026
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Bildunterschrift Title: Grey Crawford, Chroma #138, archival pigment print, 61 x 85 cm
Ausstellung Geometry of Light – Persons Projects | Zeitgenössische Kunst in Berlin | Contemporary Art | Ausstellungen Berlin Galerien | ART at Berlin
